1. LE DONNE DI MICHELANGELO
Le Madonne raffigurate
da Michelangelo sono
prive del sorriso e della
naturale tenerezza
verso il figlio.Hanno un
volto serio,
meditabondo e muto.
Può darsi che ciò sia
dipeso dal fatto che
l’artista, rimasto orfano
di madre in giovane età,
abbia molto sofferto.
Michelangelo Buonarrotti, nato il
6 marzo 1475 a Caprese nel
Casentino, secondo di cinque
fratelli, fu dato in balia alla
moglie di uno scalpellino di
Settignano. Sua madre
Francesca morì nel 1481. Suo
padre Ludovico presto si risposò
e riprese il figlio a 11 anni.
La precoce scomparsa della madre contribuì forse alla formazione del suo carattere serio e
malinconico e al suo modo di raffigurare la Madonna priva di tenerezza materna verso il
bambino Gesù, tenerezza che egli non aveva potuto sperimentare nella sua infanzia. Nelle sue
Madonne infatti la madre ha un volto serio, meditabondo e muto, non stabilisce un rapporto
affettuoso col figlio, manca un qualsiasi accenno al sorriso, il suo sguardo è distante e lontano
(lo sguardo è diretto al figlio solo nel Tondo Doni, dove la muscolosa donna sembra
rappresentare la balia).
Nella sua arte Michelangelo ha cercato di conciliare una adorazione quasi profana della bellezza
col più profondo spirito cristiano. L’artista ha raffigurato Maria undici volte, in due dipinti e in
nove sculture che comprendono quattro Pietà e cinque Madonne col Bambino. Eccone una
breve descrizione.

2. Madonna della Scala (Firenze, Casa Buonarrotti, 1490-92): è la prima autentica opera
rimastaci di Michelangelo scultore, che si serve dello “stiacciato” di Donatello per mettere in
risalto l’urgere prepotente delle forme. Chiusa tra i monumentali erti gradini e lo squadrato
blocco su cui siede, la Vergine accoglie al seno il Bambino, ma la sua mente sembra assorta in
pensieri lontani. La citazione della morte è stata vista nel motivo dei putti che reggono il
lenzuolo funebre in alto.
Pietà (Roma, San Pietro, 1498-99): è la più nota Pietà dello scultore ventiquattrenne,
raffinatamente levigata e perfetta sotto l’aspetto formale nella sua pacata espressione di
raccolto dolore. È un dolore composto, intimo, espresso dal dolce volto della Vergine, che indica
insieme alla compassione verso il Figlio morto la rassegnazione alla volontà divina. È l’unica
opera firmata di Michelangelo, firma che testimonia la contentezza per il risultato raggiunto con
amorosa fatica e la consapevolezza di essere il primo scultore di Roma (e del mondo). La
“giovinezza” del volto della Vergine nei confronti della maturità del Figlio ha una spiegazione
teologica in quanto simbolo dell’immacolatezza della Madre di Dio non corrotta da peccato
alcuno. Nel giorno di Pentecoste (21 maggio) del 1972 un folle infierì con un martello sulle dita
della mano sinistra distaccando una quindicina di frammenti, che sono stati poi riutilizzati al
meglio nel restauro successivo.
Madonna col Bambino (Bruges, Notre-Dame, 1498-501): come la precedente Pietà anche
questa finissima opera è basata sul modulo chiaroscurale del contrasto tra morbide superfici
accarezzate dalla luce e panneggi mossi dal gorgo delle pieghe. Michelangelo supera tutte le
precedenti figurazioni togliendo il bambino dal grembo della madre e ponendolo ritto, con un
rilievo di grandezza e forza imponenti, fra le sue ginocchia: là egli sembra quasi ritrarsi e
arrampicarsi su per le vesti della madre. Il Bambino si trastulla ma è serio, molto più serio di
quelli che si erano visti sino allora scolpiti anche in atto di benedire. Maria è meditabonda e
muta, raccolta nel presentimento del dolore profondo e della morte, al di fuori di ogni
apparente aspetto di umana affettuosità. Una serietà profonda, quasi solenne, avvolge le due
figure congiunte solo dal nodo morbido e tenero delle loro mani.
Madonna Taddei (Londra, Royal Academy of Fine Arts, 1502 circa): è un tondo che raffigura
in bassorilievo la Madonna col Bambino e san Giovannino. I corpi della Vergine e del Bambino
divergono in direzioni opposte. Lo sguardo del volto assorto di Maria è diretto apparentemente
verso l’uccellino in mano a san Giovannino. Gesù con l’energia plastica di un putto quasi ad alto
rilievo, esiste in un modo indipendente rispetto alla madre.
Madonna Pitti (Firenze, Museo Nazionale del Bargello, 1503 circa): una notevole forza
espressiva è ottenuta dal raggomitolarsi del corpo atletico della Vergine per rientrare entro le
dimensioni del tondo e dal diverso orientarsi della parte inferiore del corpo quasi di profilo e il

3. busto che emerge poi in posizione frontale fino alla testa volta in direzione opposta. Il rilievo
del gran volto di Maria eroicizzato e profetico, ma certamente severo come madre, ancora una
volta rimanda il colloquio col Figlio, che peraltro dolcemente stringe a sé.
Tondo Doni (Firenze, Galleria degli Uffizi, 1504-506): è la prima e unica pittura su tavola di
Michelangelo. Le figure pur racchiuse nella cornice originale del tondo sono tuttavia solide e
aggettanti come se questo fosse una sfera di vetro. Maria e Giuseppe appartengono per nascita
al Vecchio Testamento sotto la Legge, il Bambino rappresenta il mondo futuro del Nuovo
Testamento sotto la Grazia, i giovani “ignudi” rappresentano il mondo pagano separato dal
mondo ebraico cristiano dal parapetto, san Giovannino è il legame fra i due mondi.
Rivoluzionario è il taglio compositivo imperniato sulla torsione del busto della Vergine per
ricevere il Figlio da san Giuseppe. Il volto e lo sguardo di Maria sono tutti intenti nel gesto di
accogliere il Bambino.
Madonna Medici (Firenze, Sacrestia Nuova di san Lorenzo, 1521-34): la Sacrestia ideata e
costruita da Michelangelo come mausoleo della famiglia dei Medici, ospita due tombe a parete,
quelle dei duchi Giuliano e Lorenzo. Sulle volute del sarcofago di Giuliano sono le celebri statue
della Notte e del Giorno, su quelle del sarcofago di Lorenzo stanno le altrettanto celebri
sculture dell’Aurora e del Crepuscolo.
La composizione delle Tombe Medicee è una rappresentazione della liberazione dell’anima dal
carcere del corpo dopo la morte. Le quattro allegorie del tempo personificano il destino della
vita dei mortali. Sembra che siano queste figure atletiche a provocare col loro peso la rottura
dei coperchi dei sarcofagi, permettendo così all’anima immortale dei duchi di innalzarsi in una
regione inaccessibile alle cieche forze del tempo e raggiungere la vita eterna simboleggiata
dalla Vergine col Bambino (verso cui è rivolta la faccia dei duchi).
La statua “serpentinata” del gruppo madre-figlio è il centro spirituale di tutto il complesso. La
Vergine si protende in avanti e cerca dietro di sé un sostegno, disponendo il suo corpo in modo
che il Bambino voltatosi improvvisamente a cercare il seno, possa arrivarvi senza lasciare il
gioco di cavalcare la sua gamba. Tutto questo avviene con la naturalezza propria dell’istinto
materno. Ma la sua mente sembra altrove, il suo sguardo lontano.
Giudizio Universale (Vaticano, Cappella Sistina, 1536-41): la figura del Cristo è il fulcro di
questa grande rappresentazione e imprime un moto rotativo alle oltre quattrocento figure che
compongono l’affresco. Cristo Giudice è raffigurato in atto di alzarsi dal suo trono di nubi, il
volto sereno e imperscrutabile dell’Onniscente, le braccia alzate come a chiedere l’attenzione e
contemporaneamente a placare l’agitazione circostante. Intorno al Cristo si assiepano gli Eletti,
lentamente disponendosi in circolo, in attesa. Il loro atteggiamento non esprime felicità o

4. sollievo, come ci si potrebbe aspettare, ma piuttosto ansia e preoccupazione: il momento
rappresentato è infatti, contrariamente ad ogni tradizione, quello immediatamente precedente
l’annuncio del verdetto. Accanto al Cristo la Vergine volge il capo in un moto di compassione, il
corpo avvitato in un movimento che si contrappone a quello del Figlio, quasi a sottolineare la
diversità del ruolo; essa ormai non può più intercedere e attende trepidante l’esito del giudizio.
Pietà (Firenze, Duomo, 1547-55): negli ultimi anni della sua vita, dal 1545 circa fino alla
morte, Michelangelo sempre più immerso nell’amorosa contemplazione della morte del
Redentore, lavorò a tre gruppi della Pietà. La prima in ordine di tempo è quella del Duomo di
Firenze, composta ancora secondo il tradizionale schema piramidale, ma con una ben diversa
strutturazione del gruppo, tutto animato da un complicato intreccio di moti contrapposti.
Eppure il gruppo è raccolto in una pacificata armonia di dolente tenerezza. Il volto di Nicodemo
rappresenta probabilmente un autoritratto dello scultore, così che è Michelangelo stesso che
sostiene e contempla l’abbraccio di Maria al Figlio morto.
Pietà di Palestrina (Firenze, Galleria dell’Accademia, 1555 circa): rappresenta il patetismo
michelangiolesco portato ad un punto estremo, quasi una forzatura scenografica. L’enorme
corpo inerte di Cristo crolla in avanti e slitta ineluttabilmente verso terra, mentre la Madre lo
stringe disperatamente a sé e la Maddalena, piegata nello sforzo di sostenere il cadavere, si
volge a chi guarda quasi a chiedere aiuto.
Pietà Rondanini (Milano, Museo del Castello Sforzesco, 1553-64): il gruppo è ridotto ai due
soli soggetti di Maria e del Figlio, nell’intento di chiudere il dramma nei suoi elementi essenziali.
Le due esili figure si compenetrano, unite indissolubilmente in un unico corpo. La Madre tiene
stretto il Figlio, ma anche il Figlio sembra che ancora cerchi di sostenersi a lei. Ogni principio di
perfezione formale e di bellezza corporea è abbandonato. Quanto sono lontane la levigata
perfezione e la serena dolcezza della giovanile Pietà di san Pietro da queste figure spettrali
consunte dalla tragicità del loro dolore! A questo punto sembra che solo il “non-finito” sia in
grado di esprimere il processo creativo, il travaglio interiore dell’artista. A queste figure banali
appena abbozzate ma pregne di una tragica vitalità, non lontane da certe realizzazioni
artistiche moderne, Michelangelo vi lavorò fino a sei giorni prima della morte avvenuta il 18
febbraio 1564.
La raffigurazione di Maria, «l’archetipo della donna che è creatrice della vita e insieme custode
della morte» (C. de Tolnay), chiude così mirabilmente la vita artistica di Michelangelo, come
l’aveva iniziata con la sua prima scultura.