Paolo Coen, Invito alla storia dell'arte
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Introduction to art history, University of Teramo, Italy
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Paolo Coen, Invito alla storia dell'arte
- 1. Invito alla storia dell’arte Paolo Coen https://www.khanacademy.org/humani ties/art-history-basics/beginners-art- history/v/why-look-at-art
- 2. Cosa significa ‘storia dell’arte’?
- 3. Da ars ad arte
- 4. Secondo voi?
- 5. Arte vuol dire bellezza? Certo, ma…
- 6. Da ars ad arte
- 7. Arte vuol dire creatività, immaginazione, fantasia? Certo, ma…
- 8. La figura sociale dell’artista
- 10. Nel Medioevo l’artista era considerato un artigiano
- 11. L’arte, una definizione instabile?
- 12. L’aura
- 13. Storia: dare un senso al passato
- 14. Lo storico dell’arte: uno studioso ibrido
- 15. La storia dell’arte, dal XVI secolo al 1945
- 16. Dal 1945 a oggi: una nuova storia dell’arte
- 17. Una storia dell’arte globale o comunque globalizzata
- 18. Gli strumenti della storia dell’arte
- 19. Il libro: uno strumento antico-moderno
- 20. La visione diretta dell’opera
Editor's Notes
- La storia dell'arte potrebbe sembrare un concetto relativamente semplice: "arte" e "storia" sono soggetti che la maggior parte di noi ha studiato per la prima volta fin dalla scuola elementare. In pratica, tuttavia, l'idea di "storia dell'arte" solleva domande complesse. Cosa intendiamo esattamente per arte, e che tipo di storia (o di storie) dovremmo esplorare? Prendiamo in considerazione ogni termine ulteriormente.
- La parola "arte" deriva dal latino ars, che in origine significava "abilità" o "mestiere". Questi significati sono ancora primari in altre parole italiane che derivano da ars. Pensiamo ad "artefatto" (una cosa creata dall'abilità umana) e "Artigiano" (una persona esperta nel fare cose).
- I significati di "arte" e "artista", tuttavia, non sono così semplici. Comprendiamo l'arte come qualcosa che coinvolge più di una semplice abilità artigianale. Cosa distingue esattamente un'opera d'arte da un artefatto o un artista da un artigiano? Sentiamo la vostra.
- Quando viene posta questa domanda, gli studenti di solito hanno diverse idee. Uno è bellezza. Molta arte è visivamente sorprendente, e nel XVIII, XIX e all'inizio del XX secolo, l'analisi delle qualità estetiche era davvero centrale nella storia dell'arte. Durante questo periodo, l'arte che imitava l'antica arte greca e romana (l'arte dell'antichità classica), era considerata una incarnazione di una perfezione senza tempo. Gli storici dell'arte si sono concentrati sulle cosiddette belle arti: pittura, scultura e architettura, analizzando le virtù delle loro forme. Nel secolo scorso e mezzo, tuttavia, sia l'arte che la storia dell'arte si sono evolute radicalmente.
- Questa distanza si può misurare facilmente attraverso questi due quadri. A sinistra. Jean-Auguste-Dominique Ingres, The Spring, begun 1820, oil on canvas, 800 x 1630 cm (Musée d’Orsay, Paris); right: Lucian Freud, Standing by the Rags, 1988-89, oil on canvas, 168.9 x 138.4 cm (Tate Britain, London) Gli artisti si sono allontanati dalla tradizione classica, abbracciando i nuovi media e gli ideali estetici. Gli storici dell'arte hanno spostato la loro attenzione dall'analisi della bellezza formale dell'arte all'interpretazione del suo significato culturale. Oggi comprendiamo la bellezza come soggettiva, un costrutto culturale che varia attraverso il tempo e lo spazio. Mentre la maggior parte dell'arte continua ad essere principalmente visiva, e l'analisi visiva è ancora uno strumento fondamentale utilizzato dagli storici dell'arte, la bellezza stessa non è più considerata un attributo essenziale dell'arte. In modo ancora più semplice: definiamo interessante, degno di interesse, culturalmente importante, o notevole, anche qualcosa che bello non è.
- Una seconda risposta comune alla domanda su ciò che distingue l'arte sottolinea l'originalità, la creatività e l'immaginazione. Ciò riflette una comprensione moderna dell'arte come manifestazione dell'ingegno dell'artista. Questa idea, tuttavia, ha avuto origine cinquecento anni fa nell'Europa del Rinascimento e non è direttamente applicabile a molte delle opere studiate dagli storici dell'arte. Ad esempio, nel caso dell'arte antica egiziana o delle icone bizantine, la conservazione della tradizione era più apprezzata dell'innovazione. Mentre l'idea di ingegno è certamente importante nella storia dell'arte, non è un attributo universale delle opere studiate dagli storici dell'arte.
- Pensate per esempio al processo di realizzazione dell’arte. Oggi siamo soliti pensare all’arte come a un prodotto diretto, immediato, libero dell’artista. Che poi mette quanto ha fatto, ha prodotto, sul mercato, direttamente. Questo discorso può valere per un artista di livello, ad sempio per un Damien Hirst. Queste persone effettivamente hanno il problema di alzarsi la mattina e capire se e cosa vogliono fare.
- Ma non è così per tutti. E ancor più non è stato sempre così. Restando in occidente, per molto tempo durante il Medioevo, gli artisti producevano, lavoravano solo dietro richiesta di un committente. Ovvero di una persona che chiedeva loro cosa fare, talvolta glielo imponeva, lo ordinava. E quasi sempre scendeva nel dettaglio minuto. Quante persone; quali persone raffigurare; quanto grandi; con quali materiali. Un modo per capire questo modo è pensare a ciò che "ordina" di aver fatto per te oggi. Mi viene in mente una pizza - ordinata dal cuoco della pizzeria locale - "Avrò una pizza grande con peperoni" o una torta di compleanno da un fornaio "Mi piacerebbe una torta al cioccolato con glassa alla moka e lettere blu che dì "Buon compleanno Jerry." "O forse hai ordinato una serie di scaffali da un falegname o un abito da sposa da una sarta?
- La nostra cultura considera che i cuochi e i falegnami siano all'altezza del loro status di avvocati o dottori (ricorda che non sto chiedendo cosa pensiamo, ma quale valore la nostra cultura generalmente attribuisce a quelle professioni)? La nostra cultura crea una distinzione a cui a volte ci riferiamo attraverso il colletto bianco. Nel Medioevo e anche in gran parte del Rinascimento, l'artista era visto come qualcuno che lavorava con le sue mani - erano considerati abili operai, artigiani o artigiani. Questo era qualcosa a cui gli artisti del Rinascimento combatterono ferocemente contro. Volevano, comprensibilmente, essere considerati pensatori e innovatori. E durante il Rinascimento lo status dell'artista cambia radicalmente, ma ci vorranno secoli perché gli artisti di successo ottengano lo status estremamente elevato che oggi garantiamo alle "star dell'arte" (ad esempio, Pablo Picasso, Andy Warhol, Jeff Koons o Damien Hirst).
- Tutto ciò potrebbe portare a concludere che le definizioni dell'arte, come quelle della bellezza, sono soggettive e instabili. Una soluzione a questo dilemma è quella di proporre che l'arte si distingua principalmente dalla sua capacità visiva, cioè dalla sua capacità di catturare gli spettatori. Mi spingo un poco più oltre. Catturare gli spettatori. Se volete i fruitori. Gli artefatti, i manufatti possono essere interessanti. Soltanto l'arte ha il potenziale per spostarci - emotivamente, intellettualmente o in altro modo. Può farlo attraverso le sue caratteristiche visive (scala, composizione, colore, ecc.), Espressione di idee, abilità, ingegno, rarità o una combinazione di queste o altre qualità.
- In che modo questo avvenga, ovvero come l’arte ingaggi il fruitore, varia nel corso del tempo e della geografia. Un tratto comune a tutta l’arte è tuttavia quello di portarci di saperci portare in una sfera differente dalla nostra. lLarte ci porta oltre l'esperienza quotidiana e ordinaria. È quel che alcuni studiosi di estetica chiamano aura. È quel che attestano i più grandi esempi: gli estremi dell'ambizione umana, abilità, immaginazione, percezione e sentimento. In quanto tale, l'arte ci spinge a riflettere su aspetti fondamentali di ciò che è umano. Qualsiasi artefatto, in quanto prodotto di abilità umane, potrebbe fornire informazioni sulla condizione umana. Ma l'arte, nel muoversi oltre il luogo comune, ha il potenziale per farlo in modi più profondi. L'arte, quindi, è forse meglio intesa come una classe speciale di artefatti, eccezionale nella sua capacità di farci pensare e sentire attraverso l'esperienza visiva.
- Anche qui, le idee sulla storia sono cambiate nel tempo. Potrebbe sembrare che la storia della scrittura debba essere semplice: è tutto basato sui fatti, non è vero? In teoria, sì. In fondo basterebbe leggersi Tucidide e la sua Guerra del Peloponneso. Il discorso è in verità più complesso. Le prove che sopravvivono al passato sono vaste, frammentarie e disordinate. Sulla piattaforma video del DAMS stiamo montando in questi giorni una bella lezione di storia, di approccio alla storia, del prof. Giannini. Ve la consiglio. Gli storici devono prendere decisioni su cosa includere ed escludere, come organizzare il materiale e cosa dire al riguardo. Nel fare ciò, creano narrazioni che spiegano il passato in modi che hanno senso nel presente. Inevitabilmente, mentre il presente cambia, queste narrative vengono aggiornate, riscritte o scartate del tutto e sostituite con nuove. Tutta la storia, quindi, è soggettiva - tanto un prodotto del tempo e del luogo è stato scritto come delle prove del passato che interpreta. È il punto di vista dell’osserevatore che cambia.
- Lo storico dell’arte ha dunque un approccio storico. Cioè utilizza la metodologia e a volte anche gli strumenti intellettuali degli storici per avvicinarsi a una speciale categoria di fonti, di documenti. Che sono appunto i manufatti artistici. Quelli che abbiamo osservato prima. Isiamo dunque un poco speciali, siamo una sorta di ibridi. O se volete di X MEN, dei mutanti.
- La disciplina della storia dell'arte si sviluppò in Europa fra il XVI secolo e il XX secolo. è giusto tenere conto che si tratta di un periodo caratterizzato molto in termini coloniali. In un contesto del genere è naturale che al centro del campo di forze vi fosse l’ Europa. Per molto tempo, diciamo fino alla metà del Novecento, gli storici dell’arte hanno sottolineato la tradizione europea, celebrando le sue origini greche e romane e gli ideali dell'arte accademica. Per molti secoli, ripeto fino alla metà del 20 ° secolo, fu stabilita una narrativa standard per "l'arte occidentale" che tracciava il suo sviluppo dal Mediterraneo preistorico, antico e medievale all'Europa moderna e agli Stati Uniti. L'arte dal resto del mondo, etichettata come "arte non occidentale", veniva generalmente trattata solo marginalmente e da una prospettiva colonialista.
- Gli immensi cambiamenti socioculturali che hanno avuto luogo nel 20 ° secolo hanno portato gli storici dell'arte a modificare questa visione e dunque anche questi racconti, questo genere di narrative. La moderna disciplina della storia dell’arte è molto più inclusiva rispetto al passato. Quella occidentale ha fatto molti sforzi, per esempio, al fine di includere le donne e gli artisti di colore. La tradizionale attenzione per la pittura, la scultura e l'architettura è stata ampliata per includere le cosiddette arti applicate, come la ceramica e il tessile e i media contemporanei come video e performance art.
- Un considerevole ampliamento ha coinvolto anche la geografia. La geografia dell’arte contemporanea, per esempio, è oggi molto elevata. L'interesse per l'arte non occidentale è aumentato, accelerando drammaticamente negli ultimi anni. Oggi, il più grande sviluppo sociale di fronte alla storia dell'arte è il globalismo. Poiché il nostro mondo diventa sempre più interconnesso, la familiarità con le diverse culture e la facilità con la diversità sono essenziali. La storia dell'arte, come la storia di artefatti eccezionali di una vasta gamma di culture, ha un ruolo da svolgere nello sviluppo di queste abilità. Ora gli storici dell'arte meditano e discutono su come riconciliare le origini intellettuali europee della disciplina e il suo problematico retaggio colonialista con il multiculturalismo contemporaneo e su come scrivere la storia dell'arte in un'era globale.
- Anche gli strumenti sono molto cresciuti, si sono evoluti. Sono ultrasofisticati. Pensiamo per esempio al computer e ancor più alla rete. Esistono oggi delle straordinarie risorse. Con un semplice smartphone, meglio se supportato da un wifi, oggi possiamo accedere a centinaia, direi a milioni di immagini di storia dell’arte; e anche a migliaia di opere d’arte realizzate direttamente sul web. Pensiamo poi ai video. Molti artisti lavorano con il video, talora in via esclusiva. Ma il video è anche un riflesso della storia della storia dell’arte. Esistono strumenti molto sofisticati in questo senso. Pensiamo a Google Art Project. O alla Kahnacademy; o a Treccani Channel. Anche per questo abbiamo creato qui al DAMS una piattaforma video su Youtube, un canale DAMS apposito. Vi consiglio di darvi un’occhiata. La cosa buona è che è fatta apposta per noi, cioè per noi.
- D’altro canto, personalmente non ritengo che il libro, i libri siano superati. Il libro richiede uno sforzo, un livello di attenzione superiore. Ma è anche conforme al nostro, al vostro ritmo. Cioè il libro va alla vostra velocità, al vostro ritmo. È come un bastone quando si scala la montagna. Siete voi direttamente a comandarlo.
- Infine, vorrei menzionare la battuta di una grande storica dell’arte del passato, Paola Barocchi. Morta solo qualche mese fa. Paola Barocchi cedeva a pochi, forse a nessuno quando si trattava di strumenti della storia dell’arte. è stata una pioniera nell’impiego delle piattaforme informatiche. Eppure, quando le chiedevano quale fosse lo strumento migliore, più importante, Paola Barocchi rispondeva: un paio di scarpe comode e robuste. Tutte le immagini che vedete sul libro, al computer, in video sono riproduzioni meccaniche di opere d’arte. riproduzioni, copie, fotografie. A volte anche belle. Ma appunto immagini. Sono morte. Quasi sempre infedeli. Per esempio in merito alle dimensioni. Dall’immagini per esempio non vi rendete conto di quanto sia grande. Vedere le cose dal vivo costa sforzo, fatica, soldi. Ma nulla e nessuno possono sostituire la visione diretta. È solo con questa visione diretta che si ricostruisce l’aura. Cioè l’empatia fra l’opera e chi ne fruisce.