2. Biografia di Leonardo da Vinci
La figura di Leonardo ed i principali episodi della sua
biografia, raccontati da Carlo Peretti, noto studioso della
vita e delle opere del genio di Vinci.
Il 15 aprile 1452 Leonardo nasce a Vinci, una borgata di
poche case a ridosso di un castello medievale posto sulle
pendici del Montalbano.Vinci, a sua volta, è a mezza via tra
Firenze e Pisa. Leonardo nasce dunque in un piccolo villaggio
che ha l'aria di essere tagliato fuori dal mondo e che è invece
all'incrocio di grandi vie di comunicazione.
All'età di sedici o diciassette anni si trasferisce a Firenze, dove il
padre notaio lo mette a bottega presso il Verrocchio. La strada
che percorre, a piedi o a cavallo - una quarantina di chilometri -,
è quella che ancora oggi costeggia l'Arno.
3. .
La stessa che molto probabilmente l'aveva già portato a Pisa attratto da
un paesaggio inconsueto, dove le formazioni rocciose delle montagne
circostanti assumono spesso il carattere primordiale che si avvertirà
nello sfondo della Vergine delle rocce del Louvre, il primo dipinto
milanese commessogli nel 1483 quando aveva trentun anni.A Firenze
Leonardo trascorre dodici anni di sistematica formazione e intensa
sperimentazione, ed entra presto sotto la protezione del quasi coetaneo
Lorenzo de' Medici (1449-1492), raffinato umanista, scaltro mercante,
astuto statista e abile politico, ma soprattutto impareggiabile
diplomatico: in breve, un maestro della comunicazione. Per il giovane
Leonardo, Lorenzo è un esempio affascinante di tecnica della
comunicazione, dove l'efficacia persuasiva della parola si basa
sull'eloquenza e la psicologia, e con questo Leonardo viene ad affinare
il proprio linguaggio visivo adottando una forma di pittura "parlante" che
con l'Adorazione dei magi del 1481 (aveva allora ventinove anni)
perviene a una intensità di animazione gestuale e di impatto iconico che
sono proprio da film muto.
4. .
Tutta l'opera di Leonardo pittore e teorico della pittura, e quindi ogni
manifestazione con la quale avrebbe dato corpo all'idea che l'arte
debba intendersi come forma di conoscenza creativa, e quindi come
scienza e filosofia, tutto dunque, in Leonardo, è un insegnamento che
ancora oggi si riceve come in presa diretta, immediata, sia con mezzi
tradizionali - quelli che nell'indagine storica sono ancora insuperati - sia
con le nuove tecnologie elettroniche: impareggiabile sussidio anche alla
ricerca storica ma che solo ora comincia ad affermarsi nella sua
effettiva valenza ed efficacia, superando una prima, inevitabile fase
ludica.
Del resto anche Leonardo giocava. Se n'era accorto Sigmund Freud già
nel 1910: "Il grande Leonardo, a ben vedere, rimase tutta la vita per più
versi infantile; si dice che tutti i grandi uomini conservano qualcosa di
infantile. Continuò a giocare ancora in età adulta e anche per questo
apparve talora inquietante e incomprensibile agli occhi dei suoi
contemporanei".
5. .
E tale - inquietante e incomprensibile - appare ancora di più oggi,
a distanza di cinque secoli, e si può dire proprio perché più
studiato che capito. Si è ritrovato il genio e si è perduto l'uomo.
Durante una visita a Pavia nel gennaio 1490 in compagnia
dell'architetto senese Francesco di Giorgio Martini per un
consulto sui lavori di quella cattedrale, Leonardo, allora
trentottenne, fu attratto dall'ingegnosa disposizione delle stanze
di una celebre casa di tolleranza in quella città, e ne disegnò la
pianta come modello di "lupanare". Questo si trova sulla pagina
di un suo manoscritto di quel tempo.
Nello stesso foglio, allo stesso tempo, Leonardo annota: "catena
aurea", che è il titolo della grandiosa silloge tomista sui vangeli.
Piccoli ma sicuri indizi di come il vero Leonardo, in presa diretta,
potrà finalmente riemergere nel nuovo millennio. Era morto una
prima volta in Francia il 2 maggio 1519, e tante volte ancora
negli scritti dei posteri. Quelli che ne proclamavano l'immortalità.
6. Estetica di pittura Mona Lisa
Leonardo ha usato una forma di progettazione di una piramide di mettere la donna in
un semplice e tranquillo nello spazio del dipinto. Dirgħajha tenuta a prendere l'angolo
sinistro della piramide. La luce che si accende sul petto, e għonqha volto è lo stesso
che dà forma alle loro mani. A quanto pare, Leonardo sarebbe ricorso alla forma
semplice l'immagine della Madonna seduta (a quel tempo era molto popolare) ipitter
figura ordine della donna seduta. Riuscito modificare questa formula tanto successo
crea l'illusione ottica di distanza tra il soggetto e l'osservatore. Poltrona funziona
come un elemento che separa la Mona Lisa dall'osservatore. Particolare delle mani
Gioconda, dove vuota mano destra appoggiata su quel calcio d'angolo. Leonardo ha
scelto questa situazione, e non un anello di matrimonio, per dimostrare che Lisa è
una donna di virtù e fedele al marito. Dettaglio mostra la paoramica del soggetto.La
donna seduta è ben collegato b'dirgħajha dritto e prominente, il simbolo della sua
riservato naturale.Il guardarla profonda ssammar invitano l'osservatore e sembra
comunicare con lui in silenzio. Poiché la superficie illuminata è praticamente
circondato da elementi molto più scure (capelli, il velo, le ombre), l'osservatore tirato
molto più vicino alla superficie della Gioconda. In questo modo la composizione della
figura crea un effetto ambiguo: l'osservatore tirato verso questa donna misteriosa, ma
devono tenere a distanza, se si trattasse di una creatura divina. Non vi è alcun
accenno di dialogo intimo tra la donna e l'osservatore, come nel caso dell'immagine
di Baldassare Castiglione (al Louvre) tenuto da Raffaello circa dieci anni dopo la
Mona Lisa, che è stato senza dubbio di nulla influenzato dal lavoro di Leonardo
7. .
Questo dipinto è stata tra le prime immagini che mostrano sfondo immaginario
soggetto. La donna enigmatica è raffigurato seduto portico aperto f'donnha dove
c'è una base di colonna scura su ogni lato.Dietro di essa si trova per fermare
quando cominciano a vedere le montagne innevate. Il imserrpin sentieri e ponti
distanti dare piccoli suggerimenti della presenza umana. Le curve sensuali dei
capelli di una donna e dei suoi propri affari, creato da i sfumato , eco nelle valli e
nei fiumi ondulate immaginato per esso. Bordi indistinti, figura grazzjuża,
contrasti drammatici fra la sensazione chiara e coraggiosa, e il generale di
calma sono tutte le caratteristiche dello stile di Leonardo. Perché Leonardo
raggiunto questa sintesi espressiva tra il soggetto e la vista è discutibile se
Mona Lisa deve essere considerato tirreppreżenta immagine tradizionale della
donna ideale, piuttosto che una vera donna. Il senso di armonia globale
raggiunto in pittura, in particolare l'accenno di un sorriso sul tema per via orale,
che riflette l'idea che Leonardo era l'unità tra uomo e natura.La Gioconda non ha
i capelli sulla fronte, sopracciglio, né su né i cappelli della mente. Alcuni
ricercatori sostengono che il tempo le donne di questa classe ha personalizzato
la rimozione di lui perché aveva visto qualcosa che la gente non anteriori. Per gli
osservatori moderni, non ha occhi capelli semiastratta aumenta leggermente
con la qualità della superficie.
8. La Gioconda (Monna Lisa)
Un ritratto ad olio dipinto su legno di pioppo. Esso misura 30,5 mm x 20,14 polliciappartiene
alla collezione del Museo del Louvre di Parigi. In Italia si preferisce chiamarlo "La Gioconda",
come Cassiano del Piombo ha chiamato per la prima volta,nel 1625. E 'noto migliore all'estero con
il nome di Monna Lisa (Lisa Madonna o la signora Lisa o Elisa), come GiorgioVasari si ha diritto,
in 1550.Leonardo iniziato adipingere nel 1503 a Firenze, ha lavorato fino al 1506 con
interruzioni, secondo la suaabitudine, e mai finito secondo la sua opinione. Rappresenta forse la
signora LisaGherardini, moglie del Giocondo rivenditore, o forse lei è una misteriosa
signorafiorentina, il cui ritratto è stato affidato a Leonardo da Giuliano de Medici ', fratello
diLorenzo il Magnifico. O si tratta di una sconosciuta signora napoletana?Probabilmente non
riusciremo mai a know.Vasari Gioconda ha scritto che era moltobella e che Leonardo dipingendola
aveva contattato musici, cantanti e buffoni, in modo che l'avrebbe divertire e farla sorridere, a
sparire la malinconia chegeneralmente appare nei ritratti tradizionali. Con gli anni La Gioconda è
diventato ilritratto tipico per eccellenza e, per uno di quei misteriosi capricci del destino, nelquadro
più famoso del fatto world.In 62 copie di La Gioconda esiste (tra cui alcuni che la rappresentano
nuda), di cui il più conosciute si trovano nei musei di Roma, Madrid, Londra, Innsbruck,
Monaco, Baltimora, Tous, Bourg-en-Bresse, e in collezioni specialiinglesi. Una copia è attribuita
a Bernardo Luini, un'altra al Salaino, altre si basano su cartoni di Joos van Cleeve, un'altra copia è
stata fatta da un anonimo spagnolo nella foto 1500.The rappresenta una signora rinascimentale, il
suo viso appare quasifrontalmente, il corpo in tre quarti dare l'impressione di un movimento di
rotazione, una delle sue braccia riposa su uno dei braccioli della poltrona in cui siede e la sua
manodestra si posa delicatamente sull'altro.
9. .
Di fronte ai ritratti da un busto e il velo, che copre i capelli, si distingue chiaramente per linea nera che
ha sulla fronte. Un sorriso, sul quale tanto si è scritto e discusso, appare sulle labbra. Un sorriso che
sembra venire da una luce interna, in quanto nessuna contrazione dei muscoli facciali è notato. Un
sorriso enigmatico e misterioso, che potrebbe anche essere triste e tenero, compassionevole e dolce o,
forse, ironico. Leonardo usò tecniche pittoriche diverse e strane miscele di agglutinanti, dato che le
mani della donna sono ottimamente conservato, mentre il viso appare chapped.The luce che illumina il
viso, il petto, le braccia e le mani viene dall'alto, a sinistra, che osserva lei, mentre la parte inferiore del
quadro resta in ombra.Un'altra fonte d'illuminazione proviene dall'orizzonte, illumina il paesaggio e
disegna il contorno della sua capigliatura. . La bellezza della Gioconda non va ricercata nei suoi
lineamenti facciali, ma nell'armonia degli elementi pittorici, nell'originalità meravigliosa dell'insieme e in
ogni singolo dettaglio, nella sapiente distribuzione dei colori e anche nella perfetta sorriso-
paesaggio secondo che emanano una sensazione misteriosa e irreale come una sfida all'intelligenza e
allo spirito di chi osserva her.In sullo sfondo un paesaggio alpino dirupato, oppure sembra che ci siano
due paesaggi diversi, separati dal ritratto della Gioconda, dal momento che il loro livello non
corrispondono con la linea dell'orizzonte. In entrambi i picchi e rocce scoscese, fiumi sinuosi,
vegetazione rada, laghi e un ponte può essere perceived.The composizione è studiata scrupolosamente
seguendo regole e concetti geometrici, collocati armoniosamente. La figura della Gioconda corrisponde
a un cono tronco, mentre la linea verticale dei picchi e le rocce e del ritratto stesso si equilibrano con
quelle orizzontali delle sue mani e le braccia, della balaustra della terrazza e del bracciolo visibile
della poltrona, uniti dalle sinuosità dei fiumi dalle pieghe del suo vestito e dalla stessa ondulazione del
suo corpo.
10. .
Leonardo always made numerous sketches before starting his painting. Despite this, all that was
meticulously studied, really appears as a spontaneous and natural vision. For example the
landscape is unreal, and it flows from the imagination of the painter with his unmistakable style.
In fact, as all the great artists, Leonardo doesn't imitate nature, but he recreates it organizing the
natural elements according to his personal interpretation, his esthetical an expressive sense,
infusing to it a poetical accent.The landscape and the same La Gioconda are reinterpreted
according to the Renaissance concepts, in fact all seems real and unreal, known and mysterious.
Double mystery woman-nature. Mysterious identity of the woman, mysterious landscape, that
oscillates between the real and the unreal. Two aspects of the same impassioned mystery that
invite to investigate, to interpret, to unveil them.To this point seem to be heard the words of
Leonardo child, when one day he came on the threshold of a dark cave: "I reached the entrance
of a big cavern, in front of which I remained amazed and ignorant of such thing… immediately I
felt two things: fear and desire, fear for the menacing and dark cavern, desire to see if there was
some miraculous thing".The shade and the light, that according to the "Treatise on Painting"
(Trattato della Pittura) by Leonardo, are the first two of the eight parts that form this art, they give
vitality and dimension to the figure of La Gioconda. Attenuating the 'chiaroscuro' (light and
shade), thanks to a wise graduation, the painter uses the 'sfumato'. The shadows are colored, as
the impressionists painted three centuries later.In the same book we read that the blue we see in
the atmosphere is not an intrinsic color, but it is produced by warm steam that evaporates in
minuscule and sensitive atoms. According to this we notice that Leonardo painted the landscape
with bluish and evanescent tones, while as we approach the terrace these tones are transformed
in tones rosy and defined. The same atmosphere is denser when it wraps the landscape, but
becomes clearer and transparent raising from the ground.The mind of Leonardo, so systematic,
pushed him toward investigation, experimentation, to a meticulous empiricism, but his sensibility
and artistic nature succeeded in humanizing science turning it into poetry.
11. La pittura in Italia
L’Italia è una delle nazioni con il più ampio patrimonio culturale e artistico,
basta pensare che Firenze è considerata in tutto il mondo la culla dell’arte,
proprio per questo nel 1982 il suo centro storico è stato proclamato
Patrimonio Mondiale dell’Umanità. Il capoluogo toscano è solo un esempio
della ricchezza artistica della penisola, che tuttavia verrà trattata solo in
parte in quest’articolo incentrato unicamente sulla pittura italiana.
La storia della pittura italiana ha origini in tempi remoti, già gli antichi romani
vantavano, infatti, una raffinata attitudine alla sua pratica. Seppur molto vasta,
essa presenta dei periodi artistici fondamentali per la cultura artistica del paese
tra cui il Gotico con Giotto e, ancor di più, il Rinascimento, nato a Firenze e
caratterizzato dalle opere di pittori di fama mondiale come Leonardo da Vinci,
Michelangelo e Raffaelo, che influenzeranno con il loro stile numerosi artisti
successivi; mentre a fine ‘500 è da ricordare il naturalismo del Caravaggio.
Successivamente, nel periodo delle avanguardie, è stato fondamentale l’impulso
artistico del movimento futurista composto da grandi artisti come Boccioni, Balla
e Carrà, a cui seguì un altro importante personaggio, De Chirico, appartenente
al gruppo dei pittori della Metafisica. Da non dimenticare, inoltre, il contributo
artistico dell’arte informale di Burri e Fontana.
12. La pittura italiana oggi
La tradizione pittorica italiana ha fatto si che non si perdesse,
nemmeno ai giorni nostri, la vena pittorica storica della penisola.
Nonostante la scarsa pubblicità e l’esigua considerazione in
molte manifestazioni artistiche, il genere pittorico è duro a morire
e conta tuttora numerosi sostenitori. Molti pittori si sono riuniti in
gruppi e hanno spesso creato sul web dei forum per lo scambio
di idee e per la diffusione delle loro opere d’arte. Infatti molto
spesso, come si suol dire, chi fa da sé fa per tre. Ciò non toglie
che diversi curatori d’arte si impegnino a sostegno di questa
nuova generazione di pittori, uno di essi è Francesco Bonami
che nel 2003 alla Biennale di Venezia ha dedicato un’intera
sezione alla pittura. In Italia sono, inoltre, frequenti mostre
pittoriche dei grandi artisti del passato.
13. Grandi pittori
Il panorama artistico italiano è davvero ampio e ricco di figure importanti che hanno
fatto la storia della nazione. Seguendo un ordine cronologico possiamo parlare in
primis di Giotto, pittore toscano del periodo gotico ricordato, tra le tante opere, per gli
affreschi nella Basilica superiore di Assisi, la Croce di Santa Maria Novella, il
Campanile del Duomo di Firenze e il Trittico Stefaneschi. Giotto è ritenuto il
precursore del Rinascimento italiano in quanto per primo ha dato importanza ai
volumi e alla reale fisionomia delle figure umane. Proprio durante il Rinascimento
spiccò per talento e bravura il pittore Sandro Botticelli, il cui stile incentrato sulla
bellezza ideale, sull’uso delle linee di contorno, sul senso di movimento e sugli effetti
materici gli ha donato una fama senza luogo né tempo. Tra le sue maggiori opere si
ricordano La Primavera, La nascita di Venere, gli affreschi nella Cappella Sistina e la
Calunnia. A Botticelli seguì l’eclettico Leonardo da Vinci, ritenuto un genio senza
tempo che si fa notare, in pittura, per le sue tecniche rivoluzionarie e gli studi raccolti
nel Trattato della pittura, come, ad esempio, lo studio della proporzionalità del corpo
umano rappresentato dal celebre Uomo Vitruviano; egli riteneva, infatti, che la pittura
fosse una scienza che rappresenta la natura. Le opere leonardiane sono
innumerevoli ma non si possono non nominare la Gioconda, L’ultima cena, la Vergine
delle rocce o la Dama con l’ermellino. Altra figura di spicco del Rinascimento italiano
è l’urbinate Raffaello Sanzio ben noto per la Pala della Colonna, lo Sposalizio della
Vergine, la Madonna del Cardellino e per gli affreschi nelle stanze papali del
Vaticano.
