L'espressionismo è un movimento artistico sviluppatosi nei primi decenni del '900 come reazione al naturalismo, caratterizzato da un uso soggettivo dei colori e delle forme per riflettere l'interiorità dell'artista. Edvard Munch è uno dei più significativi precursori dell'espressionismo, trattando temi di angoscia e disagio esistenziale attraverso opere influenti come 'La bambina malata' e 'Il grido', che esprimono profondi sentimenti di malattia e disperazione. A differenza dell'impressionismo, che si focalizza sulla bellezza esteriore, l'espressionismo rifiuta questa idea e si concentra sull'espressione di emozioni e stati d'animo attraverso il 'brutto' e l'angosciante.

1. D a v id e M a r c h e s in i

2. Espressionismo
Orientamento artistico che si diffuse nei primi decenni del Novecento, avendo come centro
d’irradiazione la Germania, come reazione al naturalismo e all’impressionismo. Si concretizzò in
diverse correnti, accomunate da un uso libero e soggettivo del mezzo artistico.
Il termine e. è adottato, nell’ambito della critica tedesca dei primi decenni del 20° sec. (A. Behne,
Deutsche Expressionisten, in Der Sturm, 1914; H. Bahr, Expressionismus, 1916 ecc.), a designare
espressioni artistiche che tendono a manifestare nella esasperazione delle forme e dei colori il
mondo soggettivo dell’artista. Assorbendo, in forme non sempre univoche, esigenze e suggestioni
espresse fin dallo Sturm und Drang nella cultura tedesca (K. Fiedler, A. Riegl, W. Worringer), è
indicata con e., quale categoria sovrastorica, una tendenza ricorrente, in momenti drammatici e di
crisi, nell’arte di tutti i tempi, da quella classica (G. Rodenwaldt nel 1921, a proposito dell’arte
romana del 3° sec. d.C.) alla medievale, alla rinascimentale nordica.

3. Espressionismo ed Impressionismo
Le differenze tra i due movimenti sono sostanziali e profonde: l’impressionismo rimase sempre legato alla realtà esteriore.
L’artista impressionista limitava la sua sfera di azione all’interazione che c’è tra la luce e l’occhio.
In tal modo cercava di rappresentare la realtà con una nuova sensibilità, cogliendo solo quegli effetti luministici
che rendono piacevole ed interessante uno sguardo sul mondo esterno.
L’espressionismo, invece, rifiutava il concetto di una pittura sensuale spostando la visione dall’occhio all’interiorità.
La pittura che nasce in questo modo, non deve fermarsi all’occhio dell’osservatore, ma deve giungere al suo interno.
Un’altra profonda differenza divide i due movimenti.
L’impressionismo è stato sempre connotato da un atteggiamento positivo nei confronti della vita.
Era alla ricerca del bello, e proponeva immagini di indubbia gradevolezza. I soggetti erano scelti con l’intento di
illustrare la gioia di vivere. Di una vita connotata da ritmi piacevoli e vissuta quasi con spensieratezza.
Totalmente opposto è l’atteggiamento dell’espressionismo.
La sua matrice di fondo rimane sempre profondamente drammatica.
Quando l’artista espressionista vuol guardare dentro di sé, o dentro gli altri, trova sempre toni foschi e cupi.
Al suo interno trova l’angoscia, dentro gli altri trova la bruttura mascherata dall’ipocrisia borghese.
E per rappresentare tutto ciò, l’artista espressionista non esita a ricorre ad immagini «brutte» e sgradevoli.
Anzi, con l’espressionismo il «brutto» diviene una vera e propria categoria estetica, cosa mai prima avvenuta
con tanta enfasi nella storia dell’arte occidentale.
Da un punto di vista stilistico la pittura espressionista muove soprattutto da Van Gogh e da Gauguin.
Dal primo prende il segno profondo e gestuale, dal secondo il colore come simbolo interiore.
La pittura espressionistica risulta quindi totalmente antinaturalistica, lì dove l’aderenza alla realtà dell’impressionismo
collocava quest’ultimo movimento ancora nei limiti di un naturalismo seppure inteso solo come percezione della realtà.

4. Cenni biografici
Edvard Munch (1863-1944) è senz’altro il pittore che
più di ogni altro anticipa l’espressionismo,
soprattutto in ambito tedesco e nord-europeo.
Egli nacque in Norvegia e svolse la sua attività
soprattutto ad Oslo. In una città che, in realtà, era
estranea ai grandi circuiti artistici che, in quegli
anni, gravitavano soprattutto su Parigi e sulle
altre capitali del centro Europa.
Nella pittura di Munch troviamo anticipati tutti i
grandi temi del successivo espressionismo:
dall’angoscia esistenziale alla crisi dei valori etici
e religiosi, dalla solitudine umana all’incombere
della morte, dalla incertezza del futuro alla
disumanizzazione di una società borghese e
militarista.
Del resto tutta la vita di Munch è stata segnata dal
dolore e dalle sofferenze sia per le malattie che
per problemi familiari. La sua infanzia è segnata
da due gravi lutti, quello della morte della madre,
quando egli ha solo cinque anni, e più tardi quello
della sorella maggiore, quindicenne (questo
ultimo fatto gli ispirerà l'opera "La bambina
malata"). Il padre, medico dei poveri, talvolta lo
conduce con sé durante la visita ai malati; questo
precoce contatto con il dolore segnerà
profondamente lo spirito di Edvard Munch ,
anche se da solo non è certo sufficiente a
spiegarne il genio.

5. Nel 1878 entra alla Scuola d'arti e mestieri di Oslo e dal 1881 ha come professore il pittore
Christian Krohg, le cui scene intimiste, benché composte piuttosto freddamente, sono
illuminate da una luce impressionista. Ciò spiega i primi lavori di Edvard Munch che,
nonostante il loro realismo, mostrano una chiara sensibilità per il colore. Ben presto,
l'artista sente l'esigenza di recarsi nel luogo d'origine dell'impressionismo, cioè Parigi e già
all'indomani di un brevissimo soggiorno, con la pittura della "Bambina Malata", evidenzia
una profonda metamorfosi della tecnica e anche se persiste l'elemento patetico, lo spazio
tridimensionale del realismo ottico cede il passo a una costruzione drammatica. Dalle opere
di Munch iniziano quindi ad emergere paura, solitudine, malattia e malinconia; tormenti
che non l'abbandoneranno mai, anche se ebbe a dire "la mia pittura, è in realtà un esame di
coscienza e un tentativo di comprendere i miei rapporti con l'esistenza. E' dunque una
forma d'egoismo, ma spero sempre di riuscire, grazie ad essa, ad aiutare gli altri a vedere
chiaro". Dopo un soggiorno a Parigi, dove ebbe modo di conoscere la pittura impressionista,
nel 1892 espose a Berlino una cinquantina di suoi dipinti. Ma la mostra fu duramente
stroncata dalla critica. Egli, tuttavia, divenne molto seguito ed apprezzato dai giovani pittori
delle avanguardie. Espose nelle loro mostre, compresa la celebre Secessione di Vienna del
1899. Il sorgere dell’espressionismo rese sempre più comprensibile la sua opera. E al pari
degli altri pittori espressionisti fu anche egli perseguitato dal regime nazista che dichiarò la
sua opera «arte degenerata». 82 sue opere presenti nei musei tedeschi vennero vendute.
Egli morì in piena guerra, nel 1944, pressoOslo, lasciando tutte le sue opere al municipio
della città.

6. Caratteristiche generali
Nell’opera di Munch sono rintracciabili molti elementi della cultura nordica di
quegli anni, soprattutto letteraria e filosofica: dai drammi di Ibsen e
Strindberg, alla filosofia esistenzialista di Kierkegaard e alla psicanali di
Sigmund Freud. Da tutto ciò egli ricava una visione della vita permeata
dall’attesa angosciosa della morte. Nei suoi quadri vi è sempre un elemento di
inquietudine che rimanda all’incubo.
Ma gli incubi di Munch sono di una persona comune, non di uno spirito esaltato
come quello di Van Gogh. E così, nei quadri di Munch il tormento affonda le
sue radici in una dimensione psichica molto più profonda e per certi versi più
angosciante. Una dimensione di pura disperazione che non ha il conforto di
nessuna azione salvifica, neppure il suicidio.

7. La Bambina malata è il capolavoro che conclude la fase
giovanile di Munch e ha suscitato grande scandalo.
Fanciulla malata
È il quadro con cui Munch ricorda la sorella, ne esistono
cinque versioni in pittura e diverse varianti grafiche.
Qui Munch abbandona il disegno e il chiaroscuro. Il
formato è quasi quadrato, la composizione è impostata
sulle diagonali.
Al centro geometrico del quadro c'è l'intreccio delle mani,
solo abbozzato da macchie di colore informi, non c'è
descrizione, è un'evocazione.
Eppure queste macchie informi comunicano tutta
l'intensità di un legame affettivo e della disperazione di
due persone che non vogliono lasciarsi.
La stanza è piccola, stretta. Il letto sembra compresso tra il
comodino e una parete, sulla quale pende un tendaggio
verde.
E’ uno spazio compresso, dà un senso di disagio e
claustrofobia. Si respira un’aria pesante, viziata.
Munch vuole farci sentire l’odore della malattia, il senso di
chiuso, gli aromi acuti delle medicine.
Ci sono colori freddi, toni scuri e strane luci. L’unica
luminosità proviene dal cuscino e dal volto pallido della
ragazza.
Ma non è luce riflessa, la federa e la pelle emanano una
loro luminescenza spettrale.
Anche la pittura sembra malata: è tutta corrosa, graffiata,
la materia del colore è tutta disfatta, sembra avere il
cancro, sembra rovinarsi sotto i nostri occhi. I colori scuri
sembrano sporchi. I colori chiari sono freddi, bianchi e
verdastri ed emanano fosforescenze inquietanti.
In questo quadro non sono rappresentati dei personaggi, il
protagonista è la malattia intesa come processo di
disfacimento che avviene sotto i nostri occhi.

8. In questo disfarsi della materia anche le figure non sono persone in carne e ossa, ma sono presenti
solo i loro spiriti, che sembrano molto più concreti dei loro corpi disfatti: la loro presenza
viene fatta sentire come grumi fatti di sentimenti, di passioni, talmente intensi da diventare
concreti.
La critica accoglie l’opera del pittore, poco più che ventenne, in modo impietoso. Il messaggio di
Munch non viene compreso.
La tecnica nervosa ed essenziale in cui era stato dipinto creò sconcerto e disprezzo nella critica,
tanto che le mani delle due donne, congiunte e quasi fuse, in un saluto estremo, vennero
paragonate a "purea di aragosta".
Al posto della tradizionale descrizione naturalistica dei corpi, l’artista sostituisce dei semplici
abbozzi di colore, al di fuori di qualsiasi regola mai prima sperimentata; anche tutte le
convenzioni del disegno e delle lumeggiature accademiche vengono trasgredite. Ma queste
scelte, consapevoli e coraggiose vengono invece fraintese come un’offensiva trascuratezza
pittorica. Gli intenti espressivi di Munch sono nuovi e diversi. Egli vuole rappresentare
sentimenti, presenze immateriali, non oggetti o corpi materiali, l’anima delle persone, non le
persone in carne e ossa. Per questo elimina il disegno e il chiaroscuro, la definizione e la
prospettiva che rendono invece la concretezza delle cose. Si rende conto che il colore suscita
più direttamente l’emozione. I suoi personaggi sono involucri di passioni o di angosce, grumi
emozionali resi con il colore.

9. Sera nel corso Il quadro fu esposto ad una mostra a
Karl Johann Berlino, insieme a cinquanta opere
dell’artista: il giudizio della critica fu così
aspro
(“un insulto all’arte”), che la mostra fu
sospesa dopo una sola settimana.
L’arte di Munch fu però accettata dalle
avanguardie tedesche, e questo lo indusse a
trattenersi a Berlino gli anni successivi.
Il dipinto rappresenta il passeggio serale
nella principale arteria dell’antica Crestaia,
centro animato
e pulsante della vita economica e politica
della città. Munch interpreta il rito del
passeggio,
tipico di un certo ambiente borghese, come
un’orrida processione di spettri dagli occhi
sbarrati.
Dell’umanità dei personaggi non sono
rimasti che gli attributi esteriori: i seri
cilindri degli uomini e i cappellini delle
signore.
I volti, invece, sono maschere scheletriche,
oscure incarnazioni di forze misteriose e
spaventose.

10. Nonostante gli occhi completamente spalancati, i loro visi appaiono chiusi. Prigionieri delle
norme e delle convenzioni borghesi, essi stessi producono un’atmosfera di repressione
morale. Sullo sfondo, a destra, le finestre innaturalmente gialle del Parlamento sembrano
occhi sinistri che controllano che tutto vada secondo gli schemi previsti. Unico elemento di
disarmonia, e quindi di opposizione (anche politica) la figura che si incammina sulla destra,
ombra incerta e solitaria: essa sfila accanto alla fiumana di gente, o più precisamente contro
di essa. Essa rappresenta l’artista stesso, colui che, incurante della massa, rema comunque
controcorrente.La violenza espressiva, che dall’animo dell’artista proietta sentimenti e stati
d’animo estremamente soggettivi, non altro che il tentativo disperato di aprire un varco nelle
coscienze addormentate, attraverso i colori violenti, le forme sommarie, i modellati angolosi:
un grido di dolore lanciato contro l’indifferenza della società borghese.

11. “Il grido” fa parte di una serie di opere realizzate da
L'Urlo Munch tra la fine dell'ottocento ed i primi del novecento
e che l'autore stesso ha idealmente raccolto in una serie
intitolata “Fregio della vita”.
Dell'opera esistono altre versioni, di cui alcune incisioni
in bianco e nero che anticipano
le versioni rese a colori. Una versione a colori anticipa
di un anno questa prescelta:
è un olio su tavola cm 83,5 x 66 ed è conservata ad Oslo
al Munch Museet.
La scelta della versione qui analizzata è stata orientata
dalla maggiore possibilità di analisi
coloristica dell'opera in relazione all'utilizzo congiunto
di olio, tempera e pastello.
La prima impressione che l'osservatore ha guardando
questa particolare opera di Munch, è di angoscia.
Attraverso la forma ed i colori quest'opera riesce dunque
a trasmettere una sensazione, e, la comunicazione,
che prima con gli impressionisti si giocava tutta
sull'impressione visiva si sposta adesso al livello
dell'inconscio.
L'opera agisce nell'animo stesso dell'osservatore perché
è espressione diretta dell'animo dell'autore.
Colori irreali, contrastanti, contorni dissolti, forme
indefinite sembrano emergere dalla dimensione del
sogno.

12. L'uso, alterante della realtà, del colore e gli accostamenti cromatici associati a lunghe pennellate
tese a deformare i soggetti rappresentati suggeriscono uno stato emotivo di angoscia.
L'associazione delle linee ondulate con le linee diagonali crea un senso di dinamicità che
provoca tensione nell'osservatore. L'uso della luce contribuisce a far scaturire nell'osservatore
un senso di inquietudine poiché conferisce il senso dell'immediatezza dell'evento
rappresentato, colpendo la figura principale frontalmente come se venisse illuminata dalla
luce di un flash. Anche la composizione degli elementi costitutivi del quadro è orientata a
sottolineare l'aspetto espressivo dell'opera mettendo in primo piano il soggetto che emette
l'urlo, staccandolo dallo sfondo attraverso la frapposizione dell'elemento ponte.

13. curiosità
Una versione de "L'Urlo" di Edvard Munch è stata aggiudicata
da Sotheby's a New York per 119,92 milioni di dollari,
diventando l'opera d'arte più cara mai venduta ad un'asta. Il pastello realizzato nel 1895
è il solo delle quattro versioni de "L'urlo" ancora detenuta da un privato

14. Pubertà
La figura della ragazza nuda, seduta sul bordo
del letto, è una delle più famose della produzione
di Munch. Non vi è alcun compiacimento
sensuale in questo nudo, anzi,
l’immagine trasmette, ad uno sguardo più
attento, un intenso sentimento di angoscia.
Il nudo, in questo caso, è allegoria di condizione
indifesa, soprattutto da parte di chi è ancora
giovane ed acerbo, nei confronti dei destini della
vita.
E che ognuno ha un destino che lo aspetta, in
questo quadro è simboleggiato dall’ombra
che la ragazza proietta sulla parete.
Non è un’ombra naturale, ma un grumo nero
come un fantasma che si materializza dietro di
noi, senza che possiamo evitarlo: è un po’ il
simbolo di tutti i dolori che attendono chi vive.

15. Il corpo della donna è dipinto particolarmente pallido e
Madonna con dei colori che fanno pensare quasi a un cadavere.
Allo stesso tempo la donna è però ritratta in una posa che
ricorda quella di un amplesso, il che riporta alla tematica
ricorrente nei lavori di Munch in cui sesso e morte sono
sempre intrecciati tra di loro.
Il ventre della donna è particolarmente sottolineato dalle
pennellate, che lo fanno apparire rigonfio, come se lei
fosse incinta.
Dalle litografie dell'opera è visibile anche la cornice,
originariamente progettata da Munch stesso per questo
dipinto, che vedeva incisi numerosi spermatozoi correre
lungo tutto il bordo e nell'angolo in basso a sinistra un
piccolo feto.Principale motivo dello scandalo quando il
quadro venne presentato (oltre all'immagine in sé), fu il
fatto che questa donna,probabilmente una prostituta,
rappresentata nuda, incinta, in una posa lasciva e
dall'aspetto malsano, venne presentata come la Madonna.
Una Madonna, però, con un'aureola rossa, ancora una
volta a sottolineare il ruolo profondamente negativo che
Munch associa alle donne, ricorrente in tutte le sue opere .
Dai contorni del corpo si irradia una sorta di aura che dal
grigio sfuma verso il verde (a destra) e il rosso (a sinistra)
seguendo quelle stesse linee ondulate che si possono
ritrovare nello sfondo del "l'urlo".

16. Il bacio con la Il dipinto fa parte di un gruppo di opere, chiamato “Il fregio della
vita”, sul tema del ciclo della vita,
della morte e dell’amore, gruppo comprende dipinti realizzati dal
finestra 1893 al 1918.
All’interno di questo tema "Il bacio" esprime una tematica più
volte trattata da Munch, quella del rapporto tra uomo e donna.
La coppia misteriosa ritratta in questo dipinto non mostra
tenerezza e complicità.
I volti sono nascosti nell’ombra di un abbraccio sensuale ma non
gioioso.
I corpi, indistinguibili l’uno dall’altro, sono avvinghiati in quella
che appare più una lotta che un abbraccio amoroso.
Le due figure sono nettamente decentrate contro ogni canone
compositivo tradizionale,
spinte verso il margine destro del quadro; esse accentuano un
senso di furtività sottolineato anche dal locale modesto e
disadorno,
quasi che l’incontro sia casuale o segreto. Le tonalità fredde del
dipinto rimandano alle atmosfere nordiche.
Le due figure abbracciate, impossibili da distinguere
separatamente, rappresentano la perdita d'identità
. Il rapporto tra uomo e donna si configura come tensione tra
desiderio di amare e paura di amare.
Il rapporto ambiguo è espresso dalla fusione fisica delle due
figure che si abbracciano
nel tentativo di annullarsi o assimilarsi. In ciò Munch trasferisce
quel doloroso senso di solitudine legate al suo vissuto personale.