El documento presenta un resumen de la teoría del arte de Worringer. Propone que existen dos tendencias en la creación artística: la abstracción y la empatía. La abstracción surge de un sentimiento de angustia ante un mundo hostil, mientras que la empatía surge de una concordia entre el ser humano y la realidad. La obra de arte es el resultado de la proyección de los sentimientos del artista. Worringer considera que ambas tendencias han existido a lo largo de la historia del arte.
Este documento describe los elementos básicos de la expresión plástica: el punto, la línea, el plano y la textura. Explica que el punto es la unidad mínima de información visual y puede variar en forma, color y tamaño. La línea se define como la marca que deja un punto al deslizarse y su expresividad depende de su trazado. El plano es la superficie que define una línea al cerrarse y puede crear la ilusión de espacio tridimensional. Por último, la textura es la apariencia de una super
La forma plástica: realista, figurativa y abstractammarlope
El documento describe diferentes conceptos relacionados con la forma plástica en el arte, incluyendo la forma realista, figurativa y abstracta. Explica que una forma plástica puede ser realista, figurativa o abstracta dependiendo de cuán fielmente reproduce la apariencia del objeto que representa. También discute estilos artísticos como el realismo, la figuración y la abstracción, así como conceptos como la iconicidad y diferentes técnicas para sintetizar formas.
1 introducción.el impresionismo y postimpresionismoMuchoarte
El documento describe el surgimiento del impresionismo y postimpresionismo en la segunda mitad del siglo XIX. El impresionismo surgió como una reacción contra el arte académico, enfocándose en capturar impresiones visuales al aire libre a través del uso de colores puros y pinceladas sueltas. Fue influenciado por el desarrollo de la fotografía, la teoría de los colores, y el deseo de reflejar la vida moderna. El movimiento sentó las bases para el arte moderno al centrarse
El documento presenta un resumen de la teoría del arte de Worringer. Propone que existen dos tendencias en la creación artística: la abstracción y la empatía. La abstracción surge de un sentimiento de angustia ante un mundo hostil, mientras que la empatía surge de una concordia entre el ser humano y la realidad. La obra de arte es el resultado de la proyección de los sentimientos del artista. Worringer considera que ambas tendencias han existido a lo largo de la historia del arte.
Este documento describe los elementos básicos de la expresión plástica: el punto, la línea, el plano y la textura. Explica que el punto es la unidad mínima de información visual y puede variar en forma, color y tamaño. La línea se define como la marca que deja un punto al deslizarse y su expresividad depende de su trazado. El plano es la superficie que define una línea al cerrarse y puede crear la ilusión de espacio tridimensional. Por último, la textura es la apariencia de una super
La forma plástica: realista, figurativa y abstractammarlope
El documento describe diferentes conceptos relacionados con la forma plástica en el arte, incluyendo la forma realista, figurativa y abstracta. Explica que una forma plástica puede ser realista, figurativa o abstracta dependiendo de cuán fielmente reproduce la apariencia del objeto que representa. También discute estilos artísticos como el realismo, la figuración y la abstracción, así como conceptos como la iconicidad y diferentes técnicas para sintetizar formas.
1 introducción.el impresionismo y postimpresionismoMuchoarte
El documento describe el surgimiento del impresionismo y postimpresionismo en la segunda mitad del siglo XIX. El impresionismo surgió como una reacción contra el arte académico, enfocándose en capturar impresiones visuales al aire libre a través del uso de colores puros y pinceladas sueltas. Fue influenciado por el desarrollo de la fotografía, la teoría de los colores, y el deseo de reflejar la vida moderna. El movimiento sentó las bases para el arte moderno al centrarse
Este documento presenta una discusión sobre cuándo un objeto puede considerarse una obra de arte. Explora diferentes marcos teóricos como el ready made de Duchamp, que propuso que cualquier objeto puede ser arte si el artista así lo decide. También examina las ideas de que la obra de arte debe ser significativa, abrir mundos y desvelar verdades. Finalmente, sugiere que para que haya arte se requiere la convergencia del artista, la obra y el espectador o institución que confiere el estatuto de arte.
Este documento describe diferentes indicadores de espacio que pueden usarse para introducir la tridimensionalidad en una superficie bidimensional. Estos indicadores incluyen la superposición, transparencia, contraste de tamaño, contraste de cálido y frío, contraste de claro y oscuro, y movimiento diagonal. Cada uno de estos recursos ópticos aprovecha efectos psicológicos como la opacidad, transparencia, tamaño, temperatura del color o contraste de valor para generar la percepción de profundidad espacial en una imagen bidimensional
Artearen Historian zehar giza irudiaren adierazpenak izan duen garapena aztertu eta azaltzen da, Historiaurretik gaur egun arte. Giza irudiaren kanona eta arte joera desberdinetan giza irudiak izan dituen adierazpen mota desberdinak azaldu, aztertu eta erakusten dira.
El documento resume el arte moderno desde finales del siglo XIX hasta los años 1970. Explica que el arte moderno representa la experimentación frente a la tradición académica. Describe el Impresionismo como un movimiento que buscaba captar impresiones momentáneas de la naturaleza usando colores puros y luminosos. También menciona el Puntillismo y Postimpresionismo como desarrollos posteriores que experimentaron con nuevas técnicas pictóricas.
El documento habla sobre diferentes formas de estructurar el espacio utilizando módulos y estructuras. Explica conceptos como contraste, proporción, ritmo y saturación. Define contraste como la comparación entre elementos que resalta sus diferencias. También describe cómo se puede lograr contraste a través de la figura, tamaño, color, textura, dirección, posición y espacio. Además, explica cómo estos elementos se pueden usar para crear ritmo y proporción al organizar formas en el espacio.
Gesture drawing focuses on capturing the essence and movement of a subject quickly before the moment passes. It is not meant to be a precise representation, but rather a way to depict the overall form through loose, quick lines that show weight and energy. Gesture drawings help practice capturing an object's movement and energy in a short time period without details, making them useful for warm-ups before more serious drawings.
Este documento discute la naturaleza y propósito de las imágenes. Define la imagen como una representación visual de algo que puede transmitir información. Explica que las imágenes no capturan la realidad exacta y a menudo son manipuladas. También describe diferentes tipos de signos visuales como símbolos, emblemas y pictogramas, y sus funciones como informar, persuadir o embellecer.
El documento describe la escultura barroca española, destacando las características y principales artistas de cada región. En Castilla, Gregorio Fernández se caracterizó por un realismo violento que buscaba conmover a los fieles. En Andalucía, Juan Martínez Montañés y Juan de Mesa crearon obras de belleza clásica más sosegada. En Murcia, Francisco Salzillo concibió grupos escultóricos narrativos tallados con suavidad.
El Arte Metafísico fue un movimiento artístico italiano entre 1918-1921 creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas retrataban plazas italianas idealizadas y yuxtaposiciones de objetos que representaban un mundo visionario más allá de la realidad física. Se caracterizó por el uso de maniquíes, imágenes clásicas y plazas italianas en composiciones misteriosas con perspectivas irrealistas.
This document provides instructions for a still life drawing exercise using chiaroscuro techniques. It recommends setting up a simple still life with directional lighting to create shadows and highlights. The instructions describe toning the paper with charcoal dust, then lightly sketching the composition and adding darks with charcoal while subtracting lights with an eraser. Finishing touches include ensuring outlines belong to objects or the background and leaving some objects extending off the edges. The goal is to create a naturalistic drawing using the subtractive and additive process.
El documento analiza el uso de las proporciones y el canon en el arte a lo largo de la historia. Explica que en la antigüedad griega se estableció un canon ideal para representar el cuerpo humano de forma armónica, y que este variaba entre 7 y 8 cabezas de altura. Más adelante, en la Edad Media y el Renacimiento, el canon se utilizó de forma expresiva para transmitir significados, como alargándolo en el arte gótico para sugerir elevación espiritual. Finalmente, analiza cómo artistas como Dalí plan
Este documento resume la evolución de la figura humana en el arte a través de las principales épocas, desde la prehistoria hasta la actualidad. En la prehistoria, las figuras humanas tenían un carácter mágico-religioso y no eran muy realistas. Los egipcios y griegos mejoraron el realismo pero todavía no mostraban detalles anatómicos. Los romanos y renacentistas se enfocaron más en el realismo y detalle anatómico. Los movimientos como el romanticismo transmitieron más sentimiento. Los mov
Este documento describe los diferentes elementos del diseño visual, incluyendo elementos conceptuales (punto, línea, plano, volumen), elementos visuales (forma, medida, color, textura), elementos de relación (dirección, posición, espacio, gravedad) y elementos prácticos (representación, significado, función). Explica que los elementos conceptuales no son visibles por sí mismos sino que se vuelven visibles a través de su interpretación, y que los elementos visuales y de relación determinan las características y relaciones entre las formas en un diseño.
Line is the basic element of visual art and can be defined as a dot in motion that has position and direction in space. Lines can vary in width, direction, and length, and are used to define shapes, contours, outlines, mass, and volume. Different line qualities communicate different emotions - horizontal lines suggest rest, vertical lines communicate loftiness, diagonal lines imply movement, and curved lines can indicate comfort or confusion depending on their shape. Line is the main element in drawings, where it is used for contour or gesture drawings, and also plays an important role in painting through outlining forms and shading with techniques like hatching and cross-hatching.
The document discusses basic visual elements including dots, lines, and shapes. It focuses on dots and lines, describing the two types of each. Dots can be geometric or graphic, and they are the smallest visual element. Lines are tracks made by moving points, and can also be geometric or graphic. The document explores line characteristics like intensity, thickness, and color, and different line types including horizontal, vertical, oblique, and curved lines. Art styles like Pointillism and works by Seurat, Signac, and Lichtenstein are mentioned in relation to using dots.
Este documento presenta una discusión sobre cuándo un objeto puede considerarse una obra de arte. Explora diferentes marcos teóricos como el ready made de Duchamp, que propuso que cualquier objeto puede ser arte si el artista así lo decide. También examina las ideas de que la obra de arte debe ser significativa, abrir mundos y desvelar verdades. Finalmente, sugiere que para que haya arte se requiere la convergencia del artista, la obra y el espectador o institución que confiere el estatuto de arte.
Este documento describe diferentes indicadores de espacio que pueden usarse para introducir la tridimensionalidad en una superficie bidimensional. Estos indicadores incluyen la superposición, transparencia, contraste de tamaño, contraste de cálido y frío, contraste de claro y oscuro, y movimiento diagonal. Cada uno de estos recursos ópticos aprovecha efectos psicológicos como la opacidad, transparencia, tamaño, temperatura del color o contraste de valor para generar la percepción de profundidad espacial en una imagen bidimensional
Artearen Historian zehar giza irudiaren adierazpenak izan duen garapena aztertu eta azaltzen da, Historiaurretik gaur egun arte. Giza irudiaren kanona eta arte joera desberdinetan giza irudiak izan dituen adierazpen mota desberdinak azaldu, aztertu eta erakusten dira.
El documento resume el arte moderno desde finales del siglo XIX hasta los años 1970. Explica que el arte moderno representa la experimentación frente a la tradición académica. Describe el Impresionismo como un movimiento que buscaba captar impresiones momentáneas de la naturaleza usando colores puros y luminosos. También menciona el Puntillismo y Postimpresionismo como desarrollos posteriores que experimentaron con nuevas técnicas pictóricas.
El documento habla sobre diferentes formas de estructurar el espacio utilizando módulos y estructuras. Explica conceptos como contraste, proporción, ritmo y saturación. Define contraste como la comparación entre elementos que resalta sus diferencias. También describe cómo se puede lograr contraste a través de la figura, tamaño, color, textura, dirección, posición y espacio. Además, explica cómo estos elementos se pueden usar para crear ritmo y proporción al organizar formas en el espacio.
Gesture drawing focuses on capturing the essence and movement of a subject quickly before the moment passes. It is not meant to be a precise representation, but rather a way to depict the overall form through loose, quick lines that show weight and energy. Gesture drawings help practice capturing an object's movement and energy in a short time period without details, making them useful for warm-ups before more serious drawings.
Este documento discute la naturaleza y propósito de las imágenes. Define la imagen como una representación visual de algo que puede transmitir información. Explica que las imágenes no capturan la realidad exacta y a menudo son manipuladas. También describe diferentes tipos de signos visuales como símbolos, emblemas y pictogramas, y sus funciones como informar, persuadir o embellecer.
El documento describe la escultura barroca española, destacando las características y principales artistas de cada región. En Castilla, Gregorio Fernández se caracterizó por un realismo violento que buscaba conmover a los fieles. En Andalucía, Juan Martínez Montañés y Juan de Mesa crearon obras de belleza clásica más sosegada. En Murcia, Francisco Salzillo concibió grupos escultóricos narrativos tallados con suavidad.
El Arte Metafísico fue un movimiento artístico italiano entre 1918-1921 creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas retrataban plazas italianas idealizadas y yuxtaposiciones de objetos que representaban un mundo visionario más allá de la realidad física. Se caracterizó por el uso de maniquíes, imágenes clásicas y plazas italianas en composiciones misteriosas con perspectivas irrealistas.
This document provides instructions for a still life drawing exercise using chiaroscuro techniques. It recommends setting up a simple still life with directional lighting to create shadows and highlights. The instructions describe toning the paper with charcoal dust, then lightly sketching the composition and adding darks with charcoal while subtracting lights with an eraser. Finishing touches include ensuring outlines belong to objects or the background and leaving some objects extending off the edges. The goal is to create a naturalistic drawing using the subtractive and additive process.
El documento analiza el uso de las proporciones y el canon en el arte a lo largo de la historia. Explica que en la antigüedad griega se estableció un canon ideal para representar el cuerpo humano de forma armónica, y que este variaba entre 7 y 8 cabezas de altura. Más adelante, en la Edad Media y el Renacimiento, el canon se utilizó de forma expresiva para transmitir significados, como alargándolo en el arte gótico para sugerir elevación espiritual. Finalmente, analiza cómo artistas como Dalí plan
Este documento resume la evolución de la figura humana en el arte a través de las principales épocas, desde la prehistoria hasta la actualidad. En la prehistoria, las figuras humanas tenían un carácter mágico-religioso y no eran muy realistas. Los egipcios y griegos mejoraron el realismo pero todavía no mostraban detalles anatómicos. Los romanos y renacentistas se enfocaron más en el realismo y detalle anatómico. Los movimientos como el romanticismo transmitieron más sentimiento. Los mov
Este documento describe los diferentes elementos del diseño visual, incluyendo elementos conceptuales (punto, línea, plano, volumen), elementos visuales (forma, medida, color, textura), elementos de relación (dirección, posición, espacio, gravedad) y elementos prácticos (representación, significado, función). Explica que los elementos conceptuales no son visibles por sí mismos sino que se vuelven visibles a través de su interpretación, y que los elementos visuales y de relación determinan las características y relaciones entre las formas en un diseño.
Line is the basic element of visual art and can be defined as a dot in motion that has position and direction in space. Lines can vary in width, direction, and length, and are used to define shapes, contours, outlines, mass, and volume. Different line qualities communicate different emotions - horizontal lines suggest rest, vertical lines communicate loftiness, diagonal lines imply movement, and curved lines can indicate comfort or confusion depending on their shape. Line is the main element in drawings, where it is used for contour or gesture drawings, and also plays an important role in painting through outlining forms and shading with techniques like hatching and cross-hatching.
The document discusses basic visual elements including dots, lines, and shapes. It focuses on dots and lines, describing the two types of each. Dots can be geometric or graphic, and they are the smallest visual element. Lines are tracks made by moving points, and can also be geometric or graphic. The document explores line characteristics like intensity, thickness, and color, and different line types including horizontal, vertical, oblique, and curved lines. Art styles like Pointillism and works by Seurat, Signac, and Lichtenstein are mentioned in relation to using dots.
El documento menciona varias obras de arte y artistas famosos, incluyendo pinturas de Joan Miró, Johannes Vermeer, Francisco de Goya, Édouard Manet, Roy Lichtenstein, Leonardo da Vinci, René Magritte y Salvador Dalí.
Vincent Van Goghen Autorretratua kapela grisarekin koadroa aztertzenPlastikaDBHLauro
Aurkezpenean Vincent Van Goghen Autorretratua kapela grisarekin koadroaren azterketa egiten da irudiaren egituran parte hartzen duten baliabideak aztertuz: konposaketa, elementuen kokaena, plano desberdinak, kolorearen erabilera eta interesguneak. Azterketa honen bitartez irudiaren mezua hobeto ulertuko dugu.
Koloreetako arkatzak lantzeko teknika desberdinak daude. Aipatzekoa da , marrazketa teknika hau batez ere teknika lineala dela, hau da, lerro edo marren bitartez koloreztatzen dena. Hala ere badaude , arkatzekin koloreztatzeko erabiltzen diren beste teknika batzuk (marra erabiltzen ez dutenak).
2. • ARTEA ez da beti izan gaur
egun dena. Gaur egun Arte
kontsideratzen ditugun zenbait
lan egin zirenean ez ziren
zentzu horrekin egin.
• “Arte” eta “artista” nozioak
nahiko termino modernoak
dira.
3. ZER DA ARTEA?
• Definizio zaharkituen arabera Arte da
ederra dena, zerbait ederra irudikatzea.
• Baina, zein da Artea eta Edertasunaren arteko
lotura? Arte guztia Ederra izan daiteke, baina
ez du zergatikan Polita izan beharrik.
4. ZEIN DA IRUDI HAUEN ARTEKO
DESBERDINTASUNA?
• Lau irudi hauen artean •
zein da “artistikoena”?
• Guztiak politak dira?
• Arteari buruzko
kontzeptzioa iguala al
da guztietan?
• …
5. ZER DA ARTEA?
• William Rubin-en iritziz (New York-eko MOMAren
zuzendaria, ez dago artea definitzen duen
definizio bakarra. Oso zaila da definitzea eta uste
du inork ezin duela egin.
• Philippe de Montebellok (New Yorkeko
Metropolitan Museoko zuzendaria) dio, ez
dagoela adostasunik Artea definitzeko. Bere
ustez gaur egun edozein gauzari Arte deitzen al
zaio, ezin dugu esan hau Artea da eta beste hori
ez.
6. ARTEAREN DEFINIZIOA
Artea,munduaz egon daitekeen ideia, pentsamendu
edo hausnarketa gisa har daiteke, baina baita
sentsazio, aldarte, mugimendu beharra edo kezka
baten adierazpide bezala ere. Komunikabide gisa
hartzen dute beste batzuk.
Artea, beraz, mundua ikusteko modu ezberdinen
bilaketa kreatzaile gisa labur daiteke, eta baita
adierazteko modu ezberdinena ere. Arteari egiten
zaion hurbilketa,errealitatearen hausnarketa gisa
ulertu behar da.
7. ARTISTAREN DEFINIZIOA
Artista gai da beste inork sortzen ez dituen
gauzak sortzeko. Egunerokotasun grixetik
ateratzen gaituen horrek harritu egiten gaitu,
eta gustagarria da.Baina artistak sortzen
dituenak, ez dira izaten denen gustoko.
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