El documento describe las técnicas artísticas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar de forma suave o fuerte y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que permiten capas finas o empastadas. Ambas técnicas fueron usadas por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
La acuarela es una técnica pictórica húmeda que utiliza colores diluidos en agua. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o glicerina. La técnica transparente implica la superposición de lavados finos utilizando la blancura del papel para obtener efectos. Artistas como Durero, Turner y Monet fueron pioneros en el uso de esta técnica, mientras que Cézanne, Kandinsky y Barceló continúan explorando sus posibilidades.
El documento describe la técnica del pastel, incluyendo una breve historia del medio, sus usos principales en diferentes épocas y estilos artísticos, y artistas destacados como Rosalba Carriera, Quentin de La Tour, Degas y Picasso. Explica los materiales y técnicas básicas del pastel, desde la aplicación de líneas y colores hasta el sombreado cruzado.
El rotulador fue inventado en Japón en la década de 1960 y se ha utilizado ampliamente en diseño gráfico, ilustración y arte urbano. Es una técnica de dibujo rápida que usa tintas acrílicas aplicadas con puntas de fieltro o nylon. Requiere movimiento constante para evitar manchas y admite varias técnicas como enmascaramiento, rayado y superposición de capas. Se ha empleado en bocetos de artistas como Lichtenstein y Haring.
Este documento describe diferentes técnicas y herramientas para trabajar con tinta, incluyendo modos de empleo con pinceles, plumillas y estilógrafos. Explica que la tinta se ha utilizado ampliamente en el arte oriental y occidental a lo largo de la historia, desde los egipcios y chinos antiguos hasta artistas renacentistas y modernos como Da Vinci, Rembrandt, Goya y Van Gogh. También proporciona detalles sobre diferentes tipos de pinceles, plumillas, estilógrafos y papeles apro
El documento describe diferentes materiales y técnicas de pintura. Describe los diferentes aglutinantes como aceites, resinas, cera, gomas y cal, y los disolventes utilizados. También describe diferentes soportes como papel, madera, lienzos y su preparación.
El documento describe las técnicas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar suave o fuertemente sobre diferentes soportes y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que Picasso popularizó como alternativa al óleo tradicional. Ambas técnicas permiten lograr transparencias y empastes mediante diferentes utensilios y métodos.
El documento describe los elementos gráfico-plásticos de la línea, la textura y el color. Explica técnicas como el encuadre, encaje, esquema, apunte y boceto para la línea. Para la textura, detalla diferentes técnicas de estarcido, dripping, rodillo de esponja y estampaciones con acrílico usando varios materiales. Finalmente, introduce el tema del color como elemento gráfico-plástico.
El documento describe las técnicas artísticas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar de forma suave o fuerte y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que permiten capas finas o empastadas. Ambas técnicas fueron usadas por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
La acuarela es una técnica pictórica húmeda que utiliza colores diluidos en agua. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o glicerina. La técnica transparente implica la superposición de lavados finos utilizando la blancura del papel para obtener efectos. Artistas como Durero, Turner y Monet fueron pioneros en el uso de esta técnica, mientras que Cézanne, Kandinsky y Barceló continúan explorando sus posibilidades.
El documento describe la técnica del pastel, incluyendo una breve historia del medio, sus usos principales en diferentes épocas y estilos artísticos, y artistas destacados como Rosalba Carriera, Quentin de La Tour, Degas y Picasso. Explica los materiales y técnicas básicas del pastel, desde la aplicación de líneas y colores hasta el sombreado cruzado.
El rotulador fue inventado en Japón en la década de 1960 y se ha utilizado ampliamente en diseño gráfico, ilustración y arte urbano. Es una técnica de dibujo rápida que usa tintas acrílicas aplicadas con puntas de fieltro o nylon. Requiere movimiento constante para evitar manchas y admite varias técnicas como enmascaramiento, rayado y superposición de capas. Se ha empleado en bocetos de artistas como Lichtenstein y Haring.
Este documento describe diferentes técnicas y herramientas para trabajar con tinta, incluyendo modos de empleo con pinceles, plumillas y estilógrafos. Explica que la tinta se ha utilizado ampliamente en el arte oriental y occidental a lo largo de la historia, desde los egipcios y chinos antiguos hasta artistas renacentistas y modernos como Da Vinci, Rembrandt, Goya y Van Gogh. También proporciona detalles sobre diferentes tipos de pinceles, plumillas, estilógrafos y papeles apro
El documento describe diferentes materiales y técnicas de pintura. Describe los diferentes aglutinantes como aceites, resinas, cera, gomas y cal, y los disolventes utilizados. También describe diferentes soportes como papel, madera, lienzos y su preparación.
El documento describe las técnicas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar suave o fuertemente sobre diferentes soportes y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que Picasso popularizó como alternativa al óleo tradicional. Ambas técnicas permiten lograr transparencias y empastes mediante diferentes utensilios y métodos.
El documento describe los elementos gráfico-plásticos de la línea, la textura y el color. Explica técnicas como el encuadre, encaje, esquema, apunte y boceto para la línea. Para la textura, detalla diferentes técnicas de estarcido, dripping, rodillo de esponja y estampaciones con acrílico usando varios materiales. Finalmente, introduce el tema del color como elemento gráfico-plástico.
El documento resume la historia del lápiz desde su descubrimiento en el siglo XVII hasta su perfeccionamiento y uso generalizado. Explica que el grafito se insertó primero en madera y luego se mezcló con arcilla y otros materiales para crear lápices más duraderos. También describe las escalas de dureza de los lápices y algunos materiales básicos para el dibujo a lápiz como papel, sacapuntas y gomas.
El documento describe diferentes técnicas de dibujo a línea, incluyendo el uso de carboncillo, grafito, rotulador y tinta. Presenta numerosos ejemplos de obras maestras de artistas como Miguel Ángel, Matisse, Giacometti, Schiele, Picasso, López, Hockney y Guston donde se aprecia el poder expresivo de la línea. Asimismo, analiza técnicas como el tramado y el dibujo de sombras para representar volúmenes.
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
Este documento describe las diferentes formas en que los artistas han usado la tinta a lo largo de la historia, incluyendo las técnicas de Van Gogh, Picasso, Matisse, Kandinsky, Warhol y Burton. Explica que la tinta puede usarse de diferentes maneras dependiendo de la herramienta y superficie, y menciona que ha sido una técnica fundamental en el cómic y la ilustración. Alienta al lector a experimentar con la tinta por sí mismo.
Este documento describe la técnica de la tinta, incluyendo los útiles como plumillas, pinceles y estilógrafos. Explica cómo se usa la tinta con diferentes útiles como pinceles, plumillas y estilógrafos, y los diferentes modos de empleo como trabajar en seco o húmedo. También cubre los soportes como papeles orientales y occidentales, y proporciona ejemplos históricos del uso de la tinta en el arte oriental y occidental a través de los tiempos.
La acuarela es una técnica pictórica de colores transparentes obtenidos de pigmentos disueltos en agua y goma arábiga. Se usa papel o cartón como soporte. La acuarela se perfeccionó en el siglo XVIII por pintores paisajistas ingleses e influyó al impresionismo francés en el siglo XIX. Se aplica en capas finas de lavado para lograr volumen y color, dejando el blanco del soporte para las luces más intensas.
La pintura al pastel es una técnica seca que utiliza barras de pigmento ligeramente aglutinado. Es común usar papel de buena calidad como soporte. Los artistas pueden lograr diferentes efectos como líneas, tonos de color o sombreados mediante el uso de la barra de pastel directamente o difuminándola. Artistas notables que utilizaron esta técnica incluyen a Rosalba Carriera, Maurice-Quentin de la Tour, Edgar Degas y Mary Cassatt.
Este documento describe diferentes tipos de ilustración como la ilustración literaria, científica, editorial y publicitaria. Explica que la ilustración se diferencia del dibujo artístico en que tiene un propósito informativo o decorativo centrado en un tema específico, mientras que el dibujo artístico se enfoca en la emoción y sensibilidad del artista. También menciona algunos artistas importantes del género como Frank Frazetta y Burne Hogarth.
La litografía es un método de impresión planográfico inventado en 1796 que se basa en el principio de repulsión entre agua y grasa. Los artistas comenzaron a utilizarla a principios del siglo XIX y destacan Goya, Daumier, Delacroix, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Munch, Nolde, Picasso, Braque y Matisse. La litografía permitió la ilustración de libros y el desarrollo de carteles publicitarios de forma barata.
El documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres de la prehistoria hasta la actualidad, pasando por su uso en manuscritos medievales, en el Renacimiento para el estudio científico y como preparación de obras pictóricas, su auge con el grabado y como herramienta de sátira política, el modernismo y el expresionismo, su influencia en el impresionismo y el cubismo y su actual dimensión digital.
El documento describe la técnica del carboncillo, incluyendo su historia, materiales, y usos. El carboncillo se obtiene quemando madera y se usa principalmente para dibujar líneas o manchas de tono. Ha sido importante desde el Renacimiento, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci usándolo. Se puede aplicar de varias formas como trazos o sombreado, y es útil para estudios previos a pinturas u obras finales.
Este documento presenta una breve historia del uso de la sanguina como técnica artística. A lo largo de la historia, artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Watteau y Degas han utilizado la sanguina tanto para bocetos como para obras acabadas debido a sus posibilidades expresivas. El documento también incluye ejemplos concretos de obras realizadas con esta técnica de diferentes épocas.
La encaústica es una técnica pictórica policroma que utiliza cera como medio. Se aplica la cera en barras sobre el soporte de forma suave o fuerte. Se pueden mezclar colores y realizar transparencias, raspados y fundidos. Fue utilizada por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
Este documento describe diferentes procesos y técnicas de dibujo. Explica términos como boceto, estudio, apunte y croquis y sus definiciones. También describe los procesos de representación analítica y sintética, así como ejemplos históricos de técnicas como tinta y pluma y carboncillo. Además, presenta actividades de dibujo para practicar diferentes enfoques.
Este documento trata sobre el lenguaje visual y sus diferentes elementos. Explica que el lenguaje visual se expresa a través de imágenes y define conceptos como iconicidad, modos de expresión, símbolos y signos. También describe elementos como marcas, logotipos y pictogramas que son parte integral del lenguaje visual.
El documento habla sobre la técnica artística del claroscuro, que consiste en el uso de fuertes contrastes entre volúmenes iluminados y en sombras. Explica que la luz y las sombras cobran protagonismo en la pintura de los siglos XIV y XV, modelando la forma. Además, describe conceptos como la clave tonal, los tipos de luz, y ofrece ejercicios prácticos para trabajar con escalas tonales y sombras.
El documento describe las diferentes técnicas mixtas utilizadas en el arte, como collage, frottage y monotipo. Explica que las técnicas mixtas combinan dos o más técnicas en una obra y que su uso comenzó en 1912 con los cubistas como Picasso y Braque. Describe varias técnicas mixtas como acuarela con cera, que produce efectos interesantes, y cómo han sido usadas por artistas como Paul Klee, Max Ernst y Antoni Tàpies.
PPT general para mostrar al alumnado de EPVA de 4to o al de Dibujo Artístico de 1º de bachillerato las diferentes formas que se pueden dibujar, desde naturales, artificiales, paisaje, figura humana...
El documento resume la historia del lápiz desde su descubrimiento en el siglo XVII hasta su perfeccionamiento y uso generalizado. Explica que el grafito se insertó primero en madera y luego se mezcló con arcilla y otros materiales para crear lápices más duraderos. También describe las escalas de dureza de los lápices y algunos materiales básicos para el dibujo a lápiz como papel, sacapuntas y gomas.
El documento describe diferentes técnicas de dibujo a línea, incluyendo el uso de carboncillo, grafito, rotulador y tinta. Presenta numerosos ejemplos de obras maestras de artistas como Miguel Ángel, Matisse, Giacometti, Schiele, Picasso, López, Hockney y Guston donde se aprecia el poder expresivo de la línea. Asimismo, analiza técnicas como el tramado y el dibujo de sombras para representar volúmenes.
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
Este documento describe las diferentes formas en que los artistas han usado la tinta a lo largo de la historia, incluyendo las técnicas de Van Gogh, Picasso, Matisse, Kandinsky, Warhol y Burton. Explica que la tinta puede usarse de diferentes maneras dependiendo de la herramienta y superficie, y menciona que ha sido una técnica fundamental en el cómic y la ilustración. Alienta al lector a experimentar con la tinta por sí mismo.
Este documento describe la técnica de la tinta, incluyendo los útiles como plumillas, pinceles y estilógrafos. Explica cómo se usa la tinta con diferentes útiles como pinceles, plumillas y estilógrafos, y los diferentes modos de empleo como trabajar en seco o húmedo. También cubre los soportes como papeles orientales y occidentales, y proporciona ejemplos históricos del uso de la tinta en el arte oriental y occidental a través de los tiempos.
La acuarela es una técnica pictórica de colores transparentes obtenidos de pigmentos disueltos en agua y goma arábiga. Se usa papel o cartón como soporte. La acuarela se perfeccionó en el siglo XVIII por pintores paisajistas ingleses e influyó al impresionismo francés en el siglo XIX. Se aplica en capas finas de lavado para lograr volumen y color, dejando el blanco del soporte para las luces más intensas.
La pintura al pastel es una técnica seca que utiliza barras de pigmento ligeramente aglutinado. Es común usar papel de buena calidad como soporte. Los artistas pueden lograr diferentes efectos como líneas, tonos de color o sombreados mediante el uso de la barra de pastel directamente o difuminándola. Artistas notables que utilizaron esta técnica incluyen a Rosalba Carriera, Maurice-Quentin de la Tour, Edgar Degas y Mary Cassatt.
Este documento describe diferentes tipos de ilustración como la ilustración literaria, científica, editorial y publicitaria. Explica que la ilustración se diferencia del dibujo artístico en que tiene un propósito informativo o decorativo centrado en un tema específico, mientras que el dibujo artístico se enfoca en la emoción y sensibilidad del artista. También menciona algunos artistas importantes del género como Frank Frazetta y Burne Hogarth.
La litografía es un método de impresión planográfico inventado en 1796 que se basa en el principio de repulsión entre agua y grasa. Los artistas comenzaron a utilizarla a principios del siglo XIX y destacan Goya, Daumier, Delacroix, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Munch, Nolde, Picasso, Braque y Matisse. La litografía permitió la ilustración de libros y el desarrollo de carteles publicitarios de forma barata.
El documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres de la prehistoria hasta la actualidad, pasando por su uso en manuscritos medievales, en el Renacimiento para el estudio científico y como preparación de obras pictóricas, su auge con el grabado y como herramienta de sátira política, el modernismo y el expresionismo, su influencia en el impresionismo y el cubismo y su actual dimensión digital.
El documento describe la técnica del carboncillo, incluyendo su historia, materiales, y usos. El carboncillo se obtiene quemando madera y se usa principalmente para dibujar líneas o manchas de tono. Ha sido importante desde el Renacimiento, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci usándolo. Se puede aplicar de varias formas como trazos o sombreado, y es útil para estudios previos a pinturas u obras finales.
Este documento presenta una breve historia del uso de la sanguina como técnica artística. A lo largo de la historia, artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Watteau y Degas han utilizado la sanguina tanto para bocetos como para obras acabadas debido a sus posibilidades expresivas. El documento también incluye ejemplos concretos de obras realizadas con esta técnica de diferentes épocas.
La encaústica es una técnica pictórica policroma que utiliza cera como medio. Se aplica la cera en barras sobre el soporte de forma suave o fuerte. Se pueden mezclar colores y realizar transparencias, raspados y fundidos. Fue utilizada por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
Este documento describe diferentes procesos y técnicas de dibujo. Explica términos como boceto, estudio, apunte y croquis y sus definiciones. También describe los procesos de representación analítica y sintética, así como ejemplos históricos de técnicas como tinta y pluma y carboncillo. Además, presenta actividades de dibujo para practicar diferentes enfoques.
Este documento trata sobre el lenguaje visual y sus diferentes elementos. Explica que el lenguaje visual se expresa a través de imágenes y define conceptos como iconicidad, modos de expresión, símbolos y signos. También describe elementos como marcas, logotipos y pictogramas que son parte integral del lenguaje visual.
El documento habla sobre la técnica artística del claroscuro, que consiste en el uso de fuertes contrastes entre volúmenes iluminados y en sombras. Explica que la luz y las sombras cobran protagonismo en la pintura de los siglos XIV y XV, modelando la forma. Además, describe conceptos como la clave tonal, los tipos de luz, y ofrece ejercicios prácticos para trabajar con escalas tonales y sombras.
El documento describe las diferentes técnicas mixtas utilizadas en el arte, como collage, frottage y monotipo. Explica que las técnicas mixtas combinan dos o más técnicas en una obra y que su uso comenzó en 1912 con los cubistas como Picasso y Braque. Describe varias técnicas mixtas como acuarela con cera, que produce efectos interesantes, y cómo han sido usadas por artistas como Paul Klee, Max Ernst y Antoni Tàpies.
PPT general para mostrar al alumnado de EPVA de 4to o al de Dibujo Artístico de 1º de bachillerato las diferentes formas que se pueden dibujar, desde naturales, artificiales, paisaje, figura humana...
Este documento describe el papel de las mujeres en el arte a través de la historia, desde la Edad Media hasta el siglo XIX. Destaca a artistas pioneras como Hildegarda de Bingen en la Edad Media, Caterina dei Vigri y Sofonisba Anguissola en el Renacimiento, y Artemisia Gentileschi en el Barroco. También describe cómo las academias de arte restringían el acceso de las mujeres y cómo algunas lograron éxito a pesar de las barreras, como Rosalba Carriera, Vigée-Lebrun y
Una aproximación al arte paritario analizando los roles de la mujer en el arte. Adecuada para Dibujo Artístico, Técnicas de Expresión Grafico-Plástica, Diseño o EPVA 3ro y 4to.
Esta PPT se debería completar con otra que muestre el gran número de mujeres artistas ninguneadas por la Historia del Arte.
El documento explora cómo la línea y la mancha se usan en el dibujo artístico para definir la forma. Menciona a varios artistas notables como Edgar Degas, Leonardo da Vinci, Parmigianino, Claudio de Lorena, Poussin, Goya y Egon Schiele cuyo trabajo utiliza la mancha para crear formas.
Este documento habla sobre el urban sketching, una técnica de dibujo que involucra capturar el entorno urbano y la ciudad a través del dibujo. Explica que se trata de un fenómeno mundial que promueve contar la ciudad a través del dibujo respetando diferentes perspectivas y compartiendo el arte del dibujo. También enumera los materiales necesarios como papel de acuarela, lápices, rotuladores, acuarela y pinceles, e invita al lector a sentarse a dibujar una calle, plaza
Este documento describe diferentes técnicas de representación de formas y paisajes urbanos. Explica que las formas naturales pueden clasificarse en geométricas u orgánicas. Además, cubre conceptos como la perspectiva cónica y cómo representar objetos de manera objetiva o subjetiva según diferentes estilos artísticos como el impresionismo o el hiperrealismo. Por último, ofrece ejercicios prácticos para aplicar estas técnicas al dibujar habitaciones, árboles y vistas urbanas utilizando la perspect
Una PPT adaptada a EPVA de 4º de la ESO, tanto como para Dibujo Artístico como Diseño del bachillerato de Artes.
La figura humana y su estilización ajustada a los diferentes estilos de moda por épocas.
La percepción del color es una experiencia subjetiva producida por la interacción entre la luz, los ojos y el cerebro. Los receptores de la luz en los ojos transmiten mensajes al cerebro, que interpreta estas señales como las sensaciones de color que conocemos. El color es el resultado de la traducción de la luz en impulsos nerviosos a través de la retina y el nervio óptico hasta alcanzar la corteza visual del cerebro.
Este documento define la naturaleza muerta o bodegón como una pintura o dibujo que representa alimentos, recipientes y utensilios domésticos. Explora la historia del género desde la antigüedad hasta la actualidad, destacando artistas clave de cada época. Finalmente, ofrece consejos para crear y dibujar un bodegón propio, incluyendo la selección y disposición de objetos y la aplicación de la perspectiva y el claroscuro.
El documento describe la evolución del bodegón desde la antigua Grecia y Roma hasta el Renacimiento y el Barroco. En la Grecia clásica, los pintores trataban de representar la naturaleza de manera realista. En Roma, los bodegones tenían un propósito decorativo y se realizaban mediante técnicas como el fresco y el mosaico. Durante la Edad Media hubo un retroceso del género. En el Renacimiento surgió un gran interés por la naturaleza que llevó al desarrol
Este documento habla sobre la evolución y uso de la tinta a través de la historia, desde su uso por los egipcios y romanos hasta su uso actual. Describe diversos tipos de tinta como la tinta china y de color, así como los materiales e instrumentos utilizados como plumas, pinceles, papel y soportes. También explica diferentes técnicas para trabajar con tinta como dibujo a línea, lavados, degradados, sombreados y más.
En aquesta presentació preparada per a la ponència de Edusiona't amb les arts, organitzada per la Conselleria d'Educació de València, mostrem els treballs cooperatius i per projectes que desenvolupem Ana Sàenz Aliaga i jo, desde fa quatre cursos.
El documento describe las diferentes técnicas mixtas utilizadas en el arte, como collage, frottage y monotipo. Explica que las técnicas mixtas combinan dos o más técnicas en una obra y que su uso comenzó con los cubistas en 1912. Describe varias técnicas mixtas como acuarela con cera o carboncillo con acuarela. También explica el trabajo de artistas como Picasso, Braque, Klee y Ernst que utilizaron técnicas mixtas.
2. L’ACRÍLIC
Polimetilmetacrilat o PMMA
L’acrílic és un mitjà de pintura molt
actual on l’aglutinant dels pigments
és una resina sintètica, tal com
l’emulsió acrílica. En efecte, el
terme “acrílic” fa referència a la
resina polimèrica que s’usa per a
endurir els pigments, pigments
idèntics als de qualsevol altra
técnica pictòrica.
Resina acrílica (sintètica)
3. La pintura acrílica és una classe de pintura
d'assecat ràpid, en la qual els pigments estan
continguts en una emulsió d'un polímer
acrílic (cua vinílica, generalment). Encara
que són solubles en aigua, una vegada
seques són resistents a la mateixa.
Destaca especialment per la rapidesa de
l'assecat.
En assecar es modifica lleugerament el to,
més que en l'oli.
David Hockney, Splash, 1967
4. Els canvis químics que experimenta i que
l’impedeix d’engroguir. Es pot
polvoritzar i barrejar amb arena i cola
per a generar diversos efectes de
textura, i amb d’altres composts químics
ampliant les seues possibilitats, etc.
James Rosenquist, I love you with my food, 1933
5. Victor Vasarely
Les seues característiques més significatives
són:
- la permanència i capacitat per a adaptar-se
a diferents formes d’aplicació, des de les
suaus veladures als enèrgics impastos.
- la rapidesa en secar-se, el que pot
considerar-se tant un avantage com un
inconvenient segons es mire.
6. El material
Poliacrilat sòlid en forma de gel sec
L’acrílic es fonamenta en resines de
poliacrilats i polimetracrilats que són
utilitzades com a aglutinants per a
barrejar els pigments. Són solubles a
l’aigua, amb la qual es poden mesclar
quan estan humides, però en secar-se
generen una làmina que, tot i ser
flexible, és resistent i repel.leix l’aigua.
No són solubles, en canvi, amb l’oli de
llinòs ni amb l’aiguarràs.
7. Composició químicaEl terme polímer al·ludeix a la unió de molècules xicotetes i idèntiques per a
formar una més gran, la qual cosa fa que posseïsca com a propietat
fonamental una gran resistència.
Es van desenvolupar llavors dues resines sintètiques adaptades per a ser
utilitzades en la branca de l'art: l'acetat de polivinil i la resina acrílica.
Aquestes últimes s'aconsegueix a partir d'àcids acrílics i metacrilats; la gran
importància de les pintures amb acrílic és que aquestes una vegada
finalitzades s'assequen instantàniament i una vegada que açò ocorre se li
permet als artistes afegir més pintura a la superfície.
8. Permet agregar més pintura a la superfície ja
treballada, utilitzant fins i tot una tècnica
diferent.
L'acrílic és estable, resistent a l'oxidació, això
explica per què les pintures amb acrílic
posseeixen una major vida útil.
A diferència de l'oli, l'acrílic permet
empastaments de millor resistència, el primer,
amb el pas dels anys tendeix a cuartearse.
9. Pot treballar-se sobre qualsevol
superfície que sigui absorbent
de forma directa o amb
imprimación.
La pintura acrílica data de la
primera meitat del segle XX, i va
ser desenvolupada
paral·lelament a Alemanya i als
Estats Units.
Mark Rothko, Orange,red, yellow, 1961
10. Suports La pintura acrílica és consistent, ferma
i no engrogueix amb el pas del temps
com l’oli però té l’inconvenient que no
pot retocar-se com aquest. Com a
suport per a pintar en aquest mitjà, en
principi, és vàlid qualsevol superficie ja
siga fusta, tela, cartó o paper sempre
que no estiga totalment pulimentada
ni engreixada.
11. Suports Es pot treballar sobre qualsevol
suport, paper, fusta, tela,
mur.En alguns casos és
necessari preparar el suport
Imprimació acrílica de gesso
Conté polímer acrílic i blanc de
titani es pot estendre amb
brotxa, imprimador, espàtula, o
raspador de netejar cristalls
12.
13. para mezclar
colores caballete y
traposÚtils
Acrílic en tub o pots, pinzells,
recipient per a l'aigua i els
mediums, paleta
14. Hi ha diversos mediums en el
mercat per a produir impasto i
veladures que es barregen molt bé
amb la pintura: mitjà mat, mig tipus
gel, agents humectante,
retardadores d'assecat, pastes per
a afegir textura (pedra pómez,
marmolina, arena)
L'emulsió de polímer acrílic és
soluble a l'aigua quan aquesta
humida una vegada seca
proporciona una pel·lícula flexible
resistent a l'aigua, que no es
grogueeix.
16. Transparent i aiguat com l'aquarel·la
Empastaments, espàtula
Veladura
Esfumato
Alla prima
Mescla òptica com l'oli.
Opac sobre fons de colors com
gouache
Grans brotxades opaques o
transparents
Tècniques
17. Diego Rivera
Mural Presencia de América Latina, ubicado la Casa del Arte de la
Universidad de Concepción, en Chile.
Altres tècniques
Dripping o xorrats
Aerògraf
Ús de plantilles o màscares
Raspats
Estarcits
Estampats
34. Un poc d’història
L’acrílic és un dels procediments
pictòrics més recents de la història
de la pintura ja que la seua invenció
tingué lloc a començaments del
segle XX. El seu descobriment ha
sigut considerat per alguns com el
primer gran avanç dels últims
cinc-cents anys en el camp dels
materials de pintura.
35. ESTIL
ARTISTIC,
ÉPOCA,
ARTISTES
El desenvolupament de la pintura
amb acrílic com un mitjà artístic va
tenir lloc en els anys 20’ del Segle XX,
per a aqueix llavors un grup de
pintors mexicans, especialment José
Clemente Orozco, Diego Rivera i
David Alfaro Sequeiros desitjaven
pintar grans murals per a edificis
públics, molts d'aquests murs
estaven a l'aire lliure.
José Clemente Orozco
36. Els grans
muralistes
mexicans
Orozco, Rivera i Siqueiros
Es van adonar que utilitzar olis no
seria possible a causa de la seua curta
expectativa de vida i per açò van
tractar amb el fresc, però tampoc va
resultar. Es necessitava un tipus de
pintura que assecara de forma ràpida
i no es vera alterada pels canvis
climàtics; el material que ells estaven
cercant existia ja des de feia temps
però s'utilitzava únicament en el
plànol industrial, ens referim a les
resines plàstiques.
37. Els grans
muralistes
mexicans
José ClementeOrozco
Així va ser com va tenir origen la
pintura amb acrílic, es va començar a
cercar colors d'aplicació artística; els
pigments eren els mateixos que els
pintors utilitzaven solament que ara
s'agregaven els polimerizados per a
poder aglutinar-los.
38. Els grans muralistes mexicans: Orozco,
*Siqueiros es van adonar que utilitzar olis no seria
possible a causa de la seua curta expectativa de
vida i per açò van tractar amb el fresc, però
tampoc va resultar. Es necessitava un tipus de
pintura que assecara de forma ràpida i no es vera
alterada pels canvis climàtics; el material que ells
estaven cercant existia ja des de fa temps però
s'utilitzava únicament en el plànol industrial, ens
referim a les resines plàstiques.
Així va ser com va tenir origen la pintura amb
acrílic, es va començar a cercar colors d'aplicació
artística; els pigments eren els mateixos que els
pintors utilitzaven solament que ara s'agregaven
els *polimerizados per a poder aglutinar-los.
Mexico City. Palacio de Bellas Artes: Mural "El Hombre en la
encrucijada" ( 1934 ) by Diego Rivera.
45. James Rosenquist
Un poc
d’història
Als anys 50 l’acrilic es va
popularitzar com a mitjà
plàstic entre els artistes
p
Jackson Pollock,
Mark Rothko i Robert
Motherwel.
L’Expressionisme
Abstracte
46. Un poc
d’història
Number 8, 1949, Jackson Pollock
Elegia a la república espanyola. CIII, 1965, Robert Motherwell