La catedral de Reims es un ejemplo del gótico clásico francés del siglo XIII. Sus características incluyen grandes ventanales, bóvedas de crucería, pilares cuadrangulares y contrafuertes. La fachada occidental está ricamente decorada con esculturas narrativas y un gran rosetón central. En el interior, destaca la iluminación provista por las vidrieras y la elevada nave central. La catedral ha sufrido daños en guerras pero ha sido restaurada, preservando su papel históric

1. TEMA VI:
ARTE GÓTICA

2. CONTEXTO HISTÓRICO GÓTICO
• O gótico é unha arte que se desenvolve en Europa entre os séculos
XII e XV.
• Neste periodo a nivel polítco en Europa hai que destacar cambios
importantes como que os reis apoiados pola burguesía recuperan o
prestixio perdido durante o Románico e impoñense outra vez á
nobreza.
• A sociedade sigue sendo estamental e aínda se manteñen as
relacións feudais en algunhas zonas (Galicia); pero xurde un novo
estamento que é a burguesía que se vai a converter nunha clase
con poder sen ser propietaria de terras.
• Gracias a ela tamén rexurden as cidades e a sociedade deixa de ser
eminentemente rural para centrarse en actividades ecomónicas
novas ( artesanía) ou recuperar outras antigas (comercio).
• A nivel cultural xurden as universidades; a Igrexa sigue tendo un
forte papel e o artista comenza a ter recoñecemento social.

3. CARACTERÍSTICAS XERAIS DA ARQUITECTURA GÓTICA
• A construcción que máis destacou foi a catedral
• Novo concepto de espacio relixioso onde a elevación e a luminosidade desbancan á espiritualidade interiorista e oscura do románico
• O muro perde a función de soporte para converterse nun simple cerramento translúcido gracias á apertura de grandes vans
• Uso de arco apuntado ou oxival, que é un arco de medio punto que en lugar de ser semicircular agora é apuntado
• Uso de bóveda de crucería. Formada por dous elementos : o esqueleto que é a estructura; e os plementos que son os panos que cerran
os espacios entre os nervios
• Uso de pilares cuadrangulares ou cruciformes aos que se van pegando finas e estilizadas columnas chamadas baquetóns
• Para suxeitar os pesos das bóvedas e cúpulas síguense usando os contrafortes pero agora están separados dos muros exteriores e
únense aos edificios cuños arcos chamados arcobotantes
• Os contrafortes adoitan rematar con pináculos que ademais de un carácter decorativo teñen unha función constructiva que exercer un
impulso vertical sobre o contraforte para contrarrestar o impulso oblicuo que execren sobre eles os arcobotantes
• As catedrais góticas teñen varias fachadas porque se desenvolven tamén as do cruceiro nas que a escultura o inunda todo
• Os muros (debido a tanta desviación dos pesos das teitumes ) poden ser máis lixeiros e moitas veces son sustituidos por grandes
vidrieiras
• Nos muros ábrense grandes ventanais coa función de iluminar o interior
• Ó alzado a nave central é mais alta e ancha cãs laterais
• A tribuna românica desaparece no gótico e é substituída polo triforio, unha galeria interior mais alta ca tribuna e que co paso do tempo
tamén se abrirá ao exterior
• Sobre o triforio xurde unha ringleira de ventas que se abre ao exterior e se chama claristorio
• A portada românica deixa de ser unha soa xá que as dos brazos do cruceiro tamén se desenvolven com escultura e monumentalidade
• As fachadas principais están flanqueadas por duas torres xeneralmente cuadrangulares que rematan nun corpo piramidal chamado
chapitel
• Sobre a entrada principal ábrese un gran vano circular normalmente que se decora con grandres vidrieiras e que se chaman rosetóns
• Sobre o arco da entrada adoitan ir unhas molduras angulosas chamadas gabletes
• Na arquitectura civil destacou a construcción de palacios e castelos nas cidades para a nova clase social emerxente, a burguesía
• A vida urbana vai crecendo cada vez máis e créase a necesidade de construir edificacións novas: lonxas, concellos, palacios, etc.

4. Evolución.
S.XIII. Gòtico clásico
Catedral de Reims

5. Catedral de Reims
Abundante decoración a
la que se le puede seguir
añadiendo más sin que
se resienta su concepción
original (simboliza la
naturaleza continuamente
cambiante frente al concepto
de estático, permanente y eterno
del románico)
Muros horadados
decorados con abundante
tracería calada

6. Catedral de Reims
• ARQUITECTOS: Jean d´ Orbais,Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soisons,
• CRONOLOGÍA: 1211 – 1311
• ESTILO: Gótico clásico francés
• MATERIALES UTILIZADOS: piedra, argamasa, metal fundido y vidrio.
• DIMENSIONES: 38 metros (altura de la nave central), 86 metros (altura de las torres) y 149 m de longitud.
• La Catedral de Reims pertenece al conjunto de las catedrales clásicas de Francia, junto con las Catedrales de Amiens y de
Chartres. Está dedicado a la Virgen María. El origen de este imponente edificio gótico comenzó en el siglo IV con un
pequeño santuario Más tarde se construyó una basílica sobre columnas romanas de unas antiguas termas, y allí se bautizó a
Clodoveo, primer rey de Francia en el año 498.
• En el 816 Ludovico Pio, hijo de Carlomagno elige este lugar para ser consagrado emperador, se construye una iglesia de
estilo carolingio y a partir del reinado de Enrique I en el siglo XI se establece definitivamente este lugar para la consagración
real, con lo que adquiere la categoría de catedral. (el último rey coronado fue Carlos X en 1825)
• Esta catedral se incendiará y hay que iniciar una nueva.
• Tratándose de un templo de tal importancia, podemos considerar que las obras no se demoraron demasiado, se iniciaron
por encargo del obispo de la sede en 1211 y, probablemente en el plazo de unos setenta años el grueso de la construcción
estaba ya alzado, interviniendo en su trazado, de manera sucesiva, cuatro maestros de obras cuyos nombres se conservaron
en uno de los famosos laberintos trazados en el suelo de la nave central. Aunque el original fue destruido, un dibujo nos
indica que en Reims trabajaron Jean d´Orbais, Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soisons, y señala además la
parte que cada uno edificó.
• Esta catedral fue calificada de “mártir” después de la 1ª Guerra Mundial por ser bombardeada por los alemanes, que veían
en ella un símbolo nacional de Francia.
• Un andamio dejado en la torre norte se incendió, lo que permitió que el incendio se propagase por todo el armazón. Se
fundió todo el plomo de la techumbre y se vertió por las gárgolas. Lo recogieron los vecinos quienes lo restituyeron después
del conflicto.

7. Catedral de Reims
• La catedral se volvió abrir en 1938 gracias al apoyo financiero del mecenas norteamericano Rockefeller.
• De esta construcción llama la atención el enorme tamaño de la cabecera, que alcanza la mitad de la longitud. Se ha
explicado este fenómeno de la cabecera hipertrofiada como respuesta a la necesidad de disponer de una zona lo
suficientemente amplia como para alojar al numeroso coro que participaba en las principales ceremonias religiosas de la
catedral.
• La nave central también se alarga para abrir espacio para la gente que acudía a ver las coronaciones
• Pero no se trata únicamente de valorar esta catedral desde el punto de vista arquitectónico. En este lugar podemos admirar
uno de los repertorios más amplios de la escultura y del relieve góticos, que se extiende por sus distintas fachadas externas,
así como por esa otra fachada interior que cierra los pies del templo, hasta sumar un conjunto de más de 2303 piezas.
• En la mayor parte de ellas están ya presentes las novedades de la plástica escultórica gótica que, en algunos casos, ha
producido verdaderas obras maestras, como ese ángel sonriente del grupo de la Visitación. Por lo demás, en un templo
gótico el espacio reservado a las vidrieras ha de ser también considerable y en Reims destacan sobremanera las del enorme
rosetón central en el que se representa a la Virgen rodeada de apóstoles y ángeles.
• Así que quien entra a la catedral de Reims resulta atrapado por el peso de la Historia y el Arte. En el lugar en el que ahora
ocupa el templo el rey franco Clodoveo fue bautizado por San Remigio, dando origen a la tradición de la coronación de los
reyes franceses en la ciudad. Entre estos muros, asistió en 1429 Juana de Arco a la coronación de Carlos VII, a quien ella
misma había ayudado decisiva-mente en su camino al trono. Aquí, en el ábside, un artista judío, Marc Chagall, diseñó un
insólito conjunto de vidrieras en el ábside. Y aquí mismo cayeron algunas de las bombas de la Primera y Segunda Guerra
Mundial.

8. Catedral de Reims
• Exterior
• Lo más destacable del exterior es su imponente fachada Occidental que se observa desde la larguísima calle que
conduce hasta ella.
• Dividida en tres grandes registros y tres calles rematadas en dos torres y un gran gablete central encima del gran
rosetón
• Tres portadas abocinadas reúnen un gran número de esculturas (tema de la Anunciación y la Visitación), gabletes
rosetones etc.
• La “galería de los reyes” por encima, muestra el bautismo de Clodoveo y estatuas de sus sucesores.
• En las otras dos fachadas, la norte está decorada con temas como el Juicio Final y una figura de Jesús y la sur tiene
un rosetón con los profetas y apóstoles.
• Planta e interior
• El edificio destaca por su unidad de estilo, a pesar de todos los contratiempos que ha sufrido.
• La planta tiene tres naves, un transepto (también con tres naves) y un ábside con girola y capillas radiales. Esta
catedral reduce la longitud del transepto casi hasta coincidir con las naves laterales.
• Como elementos constructivos destaca el arco ojival y la bóveda de crucería. Las naves laterales se encuentran
separadas de la nave central por una serie de columnas lobuladas.
• Como rasgo más destacable de la Catedral de Reims, podemos hablar de la hipertrofia de la cabecera, una de las
particularidades de algunas iglesias francesas del siglo XIII, aunque en esta catedral llega a ocupar la mitad justa
de todo el edificio. El interior destaca por la esbeltez de su estructura y presenta tres niveles: arcos formeros,
triforio y ventanas o claristorio.
• La galería de arcos contiene (cada una), una estatua de reyes en su interior.
• Las vidrieras restauradas poseen tonos rojizos o azulados.
• Como resultado, la luz interior de la catedral no es la clásica de los grandes templos góticos. En la girola hay una
vidriera con hermosos tonos azules, que el pintor Marc Chagall hizo en 1994.

9. CARACTERÍSTICAS ESCULTURA GÓTICA
•
• Forte carácter simbólico pero con naturalismo e realismo
• As figuras énchense de vida e movemento
• As figuras gañan en humanidade abandonando o hieratismo e a xeometrización do
románico
• As figuras convértense en reflexo dos sentimentos e das perocupacións humanas
• A temática principal é relixiosa aínda que admite un carácter máis narrativo que
durante o románico ( A Crucifixión, a virxe co Neno, vida de santos, etc.)
• As imaxes relixiosas experimentan cambios moi significativos amosando dor e
sufrimento, compaixón, templanza,etc
• O lugar de máximo interese é a fachada das igrexas sobre todo as portadas. Así
atopamos imaxes nas arquivoltas, nos rosetóns, no parteluz, nas xambas, etc. Pero
tamén adopta novos espacios como as torres, os pináculos, ciborrios e gárgolas.
• O tímpano da portada é o centro do desenvolvemento da escultura; normalmente
co Xuízo Final
• A escultura tamén se aplica en sepulcros, retablos e cadeirados
• As figuras ganan en proporción e estilización

10. Portada Principal.
Catedral de Chartres.

11. Timpanos central y lateral.
Catedral de Chartres

12. CATEDRAL DE CHARTRES, PÓRTICO REAL
• CATEDRAL DE CHARTRES, PORTAL REAL (CA. 1150)
• NOMBRE: Pórtico Real de la Catedral de Chartres
• AUTORES: Desconocido
• CRONOLOGÍA: Siglo XII
• LOCALIZACIÓN: Catedral de Chartres
• ESTILO: Gótico Inicial
• MATERIALES: Piedra caliza
• La catedral de Chartres es el paradigma de catedral y el prototipo del gótico francés. En 1134 un incendio destruyó la antigua catedral
románica y se tuvo que reconstruir la fachada, incluido el Pórtico Real.
• En 1194 otro incendio afectó lo que quedaba del antiguo edificio; la reconstrucción lo respetó, y la planta de la nueva catedral se diseñó
a partir de él. Por ello se nota un tratamiento diferenciado de la nave y la cabecera.
• La rapidez con la que se iniciaron las obras de reconstrucción nos hace pensar que Chartres era una ciudad rica, un posible lugar de
peregrinación (se conservaba una pretendida túnica de la Virgen), un centro comercial y ferial, y un obispado real utilizadopor la
monarquía para afianzar su poder.
• El 1245 las obras habían terminado. Su fachada principal, la del Pórtico Real, reúne muchos de los supuestos del gótico.
• En el Pórtico Real observamos una estrecha relación entre la estructura arquitectónica y las esculturas. Encontramos las típicas
estatuas-columnas que reúnen los cánones estéticos de esta etapa inicial del gótico: rigidez, piernas paralelas, pies colgantes, ropajes
con pliegues rígidos y paralelos, cabezas equivalentes a un séptimo de la altura del cuerpo, boca de labios finos que esbozanuna
sonrisa.
• El tímpano central está dedicado a Jesucristo en Majestad rodeado de los Tetramorfos, en los laterales a la Virgen María coronada
como una reina y la Ascensión de Cristo; en las jambas las figuras de reyes, reinas y patriarcas del Antiguo Testamento.
• Las figuras de las jambas de la izquierda de la portada central reúnen las siguientes características:"cada una de las figuras vive, por así
decirlo, en su propio mundo; las estatuas no están relacionadas ni entre sí ni con el que las contempla; su expresión parecepensativa,
misteriosamente distante, e incluso llegamos a descubrir un débil rastro de la sonrisa arcaica. El aspecto global de estas figuras cuadra
perfectamente con las columnas de la jamba ante las que se hallan apostadas o suspendidas. Las cabezas miran al frente, sin desviarse
lo más mínimo; los brazos y las manos están pegados al cuerpo, y sujetan un libro o un rollo de pergamino; y los cuerpos apenas se
distinguen bajo los largos pliegues de las vestiduras. Son, en el más puro sentido del término, "estatuas-columna", pero no tienen
función arquitectónica alguna y podrían quitarse sin alterar para nada los elementos arquitectónicos."
• Los bloques de piedra se trabajaban en el taller de la catedral, y en el caso de Chartres cada figura está tallada de un único bloque
(ninguna resulta de unir dos o más piedras) y la figura y la columna pertenecen al mismo bloque; la aureola situada en la unión con la
columna indica que la figura llenaba toda la altura de piedra. Cada una medía poco más de dos metros de alto y su lado medíaunos 30
cm.
• Los arcos son ya apuntados y hay novedades en la temática de la escultura: los tímpanos se dedican a la Ascensión de Cristo o a la
Parusía (La Parusía es la segunda venida de Cristo a la Tierra, previa al Juicio Final) y a la Virgen.
• Las columnas están ocupadas por Reyes y otros personajes del Antiguo Testamento. Son losreyes de Judá pero funcionando como
propaganda monárquica de la dinastía Capeta reinante en Francia. (Regnum y sacerdotium caminan unidos).
• En el terreno estilístico, son figuras estilizadas, de larguísimo canon (sobre todo las estatuas-columnas) con plegados minuciosos y
caligráficos. La serenidad y el porte majestuoso de las estatuas, a un paso del hieratismo, son atributos de la realeza, de la autoridad
real que se pretende representar.

13. Esculturas de las jambas.
Catedral de Amiens

14. Características generales.
Anunciación y Visitación.
Catedral de Reims
Gran fuerza
expresiva
Individualización
De los rostros
Liberación del
Marco arquitectónico
Formación de grupos.
Actitudes dialogantes
Gusto por lo secundario
Y anecdótico
Naturalismo
(ej.: Pliegues)
Comienzos
Del Gótico
Sonrisa
arcaica

15. Detalles de rostro.
Anunciación y Visitación.
Catedral de Reims

16. Grupo escultórico de la Anunciación y la Visitación.
• NOMBRE: Grupo escultórico de la Anunciación y la Visitación.
• AUTORES: Maestro de la Visitación
• Maestro de la Sonrisa (Anunciación: ángel)
• Maestro de Amiens (Anunciación: la Virgen)
• CRONOLOGÍA: las esculturas se realizan entre 1245 / 1255
• LOCALIZACIÓN: Portada Occidental de la catedral de Reims
• ESTILO: Gótico Clásico
• MATERIALES: Piedra caliza
• La fachada de la catedral de Reims fue construida entre 1210 y 1290 con triple portada, como
es habitual en el gótico clásico (sigue el esquema tripartito que hemos visto en Notre-Dame).
• Destaca por la profusión de esculturas que invaden todos los espacios disponibles
(arquivoltas, columnas, contrafuertes, gabletes etc.). Si embargo, las puertas no tienen
tímpanos, sustituidos por rosetones con vidrieras, por lo que los temas principales se colocan
en las columnas y gabletes. En su decoración escultórica intervienen varios talleres con
estilos muy diferentes aunque sus obras aparecen frecuentemente mezcladas, incluso en un
mismo portal.
• En las Jambas se sitúan las llamadas ESTATUAS COLUMNA por su adaptación al marco, con los
grupos escultóricos de la anunciación y la Visitación
• Se trata del tema de la Anunciación. Un ángel anuncia a María que va a concebir un hijo por
obra y gracia de Dios.
• Se compone de la figura de la Virgen y el ángel sonriente. Recuerda la sonrisa de la escultura
griega arcaica
• El movimiento viene reflejado por la gesticulación de los brazos. María no tiene apenas
expresión. Vestiduras y modelado primitivo. Pliegues rectos angulosos, que acentúan la
verticalidad.

17. Grupo escultórico de la Anunciación y la Visitación.
• Las esculturas intentan integrarse en un marco exterior más allá de la portada: el ángel observa a la Virgen
y esta mira hacia el exterior de la portada.
• Diferencias entre el tratamiento de los ropajes en el Ángel y la adaptación a la columna del cuerpo y
ropajes de la Virgen nos hacen pensar en la intervención de dos maestros: uno más arcaizante en la
escultura de la Virgen y otro más moderno en el ángel. Esto también se observa en ropajes y rostros.
• Maestro de la Sonrisa: Sería el autor del famoso Ángel de la sonrisa que responden a los gustos de un arte
cortesano y amable que triunfará en la segunda mitad del XIII, es un arte humano, agradable,
caracterizado por el preciosismo técnico) por ejemplo en las plumas de las alas, etc.)
• Maestro de Amiens: La catedral de Amiens se concluyó antes de la de Reims lo que permitió que un grupo
de escultores que habían trabajado en Amiens se trasladara más tarde a Reims. Su estilo (Virgen de la
Anunciación) deja de lado la antigüedad tanto como la "amabilidad" de los escultores anteriores. Es un
arte frío y distante, que no trasluce sentimientos, un arte uniforme y estilizado, realizado en serie, en el
que las figuras visten todas túnicas iguales con marcados pliegues rectilíneos.
• Encuentro de María e Santa Isabel, [madre de san Juan] ambas embarazadas.
• El autor de este grupo escultórico nos es desconocido por eso le llamamos Maestro de la Visitación o
también "Maestro de las Figuras Antiguas".
• Nos presenta el tema de la Visitación de María a su prima Isabel y ocupa dos estatuas-columna del portal
central. Sus figuras demuestran un profundo conocimiento de la escultura clásica, probablemente a partir
de sarcófagos romanos. La Virgen y su prima aparecen vestidas de matronas romanas con túnicas en las
que late el recuerdo de los paños mojados de Fidias y de la escultura helenística de la escuela de Pérgamo
con sus plegados movidos, muy elaborados. Recursos como el de la pierna de apoyo y la pierna libre y una
cierta curvatura "praxitélica" demuestran que el conocimiento que el artista tiene de la antigüedad no es
solamente superficial, sin embargo no se supera todavía el "principio de disyunción" de Panofsky ya que se
adoptan las formas clásicas pero aplicadas a temas cristianos.
• El parecido de la cabeza de María con la Venus de Médici es evidente aunque no hay que pensar en una
influencia directa sino en la copia de modelos intermedios, sarcófagos o relieves galorromanos.

18. Grupo escultórico de la Anunciación y la Visitación.
• La inspiración en un sarcófago lleva al escultor a desechar la iconografía tradicional del tema de la
Visitación (normalmente una escena de abrazo entre María e Isabel) sustituyéndola por una escena de
filósofos, más adecuada a la tipología de las estatuas-columna.
• Composición en CONTRAPPOSTO, cabezas inclinadas, gesticulan.
• Rostros expresivos y diferenciados ambos.
• Modelado de ropajes: intenso, muchos pliegues y profundos envuelven el cuerpo aunque se adivina por
debajo de los mismos. Recuerdan la forma en como se trataban los paños en la Grecia clásica. Recuerdan
la técnica de los paños mojados
• Figuras insertadas en un espacio: se comunican entre ambas
• La LEY DEL MARCO condiciona el canon pero en ambos grupos escultóricos quieren liberarse de ese marco
y se proyectan hacia el exterior. Se inicia con ello el camino de la liberación de las portadas.
• Aquí no hay convencionalismos como en la escultura románica [ jerarquización, hieratismo, frontalidad ,
esquematización de ropas, etc. ] todos estos aspectos están superados en estos grupos escultórico..
• El siglo de las catedrales es el siglo XIII, y con ello el desarrollo de las ciudades, de la burguesía como grupo
social emergente
• Las esculturas reflejan dos aspectos:
• Una evolución en la técnica que se hace más preciosista más detallista.
• Por otro lado: evolución y conexión con la nueva estética y pensamiento filosófico. Se ha superado ya los
miedos y terrores del año mil. La nueva espiritualidad refleja el despertar de las ciudades, la confianza en
el hombre, el resurgir del comercio y las actividades artesanales.
• Se esculpe unas figuras más naturalistas, más cercanas al hombre. La Virgen no es solo el principal
personaje femenino dentro de la religión cristiana, también es madre de Dios, bondadosa, dulce, cariñosa,
humana en definitiva

19. CARACTERÍSTICAS DA PINTURA GÓTICA
• Diminución da pintura mural coa reducción dos muros no gótico que agora son sustituídos por grandes
vidrieiras
• A pintura busca novos soportes como as táboas e as miniaturas
• A temática é maiormente relixiosa
• As figuras son cada vez máis expresivas e naturais
• Os fondos oscuros e dourados son substituídos por paisaxes
• É dificil establecer unhas características xerais debido a diferente evolución que a pintura gótica
• Destacan catro estilos diferentes en Europa dentro da evolución da pintura gótica:
– Estilo franco- gótico: dáse en Francia. A pintura céntrase na miniatura e nas vidrieiras; predominia a
linea sobre a cor; as figuras son planas; non hai volume nin sombreado; as figuras recórtanse con
amrcadas siluetas.
– Estilo italo-gótico: dáse en Italia. Reciben a influencia bizantina; as figuras ganan vitalidade e
dinamismo; aparece o volumen e a perspectiva. Predominou a a pintura mural sobre outras técnicas.
Destaca GIOTTO:
• Supón un grande avance en canto a cor, luz, liña, composición e prespectiva.
• Considérase o precusor do Renacemento
• Apártase do estilo lineal bizantino
• Prefire representacións máis serenas e realistas
• Representa a figura humana con liñas amplas e redondeadas para dar sensación de volume
• Clara preocupación polo naturalismo
• As figuras mostran emocións e sentimentos
• As figuras aparecen nun marco arquitectónico ou nunha paisaxe que as ubica espacialmente
• Obras: A fuxida a Exipto, Laios sobre o corpo de Cristo,etc

20. CARACTERÍSTICAS DA PINTURA GÓTICA
– Estilo internacional: dáse no centro do continente. Predomina o curvilíneo, o movemento e a
estilización das figuras; a cor é variada e brillante; crecente interese naturalista; os fondos son
paisaxes que reflexan escenas cotiás.
– Estilo flamengo. Dáse nos países do norte de Europa. O principal cliente desta pintura é a burquesía
por iso ademais da temática relixiosa abundan os retratos e as escenas cotiás.Recoñécese polo seu
naturalismo e realismmo; o uso de vivas cores; o gusto polo detallismo; o interes pola paisaxe, o
retrato e as escens cotiás; o seu virtuosismo na técnica do óleo sobre táboa co que se consegue
espacios tridimensionais. Destacaron:
• JAN VAN EYCK. Características:
– Pintura realista
– Gran signifocación simbólica cun afán minucioso no tratamento dos detalles
– Precisión das texturas
– Logro da ilusión óptica de espacios tridimensionais
– A temática das súas pinturas é a paisaxística, escenas relixiosas, retratos, etc
– Usa unha ampla e rica gama cromática cores
– Gradación das tonalidades e cores crean a ilusión de luz do sol
– Obras: O matrimonio Arnolfini; A Virxe do Canciller Rolin; etc
•
O BOSCO.

21. El prendimiento.
Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

22. El beso de Judas
• NOMBRE: El beso de Judas
• AUTOR: Giotto
• CRONOLOGÍA: Siglo XIV (1303-5)
• LOCALIZACIÓN: Capilla Scrovegni. Padua (Italia)
• ESTILO: Gótico
• MATERIALES: Pintura al frescoHistoria del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 5
• B) ICONOGRAFÍA
• El beso de Judas era la escena que centraba el registro inferior del muro sur de la capilla
• Scrovegni. Sabedor de la importancia del acontecimiento, Giotto le dio un lugar destacado en la capilla.
• La traición de Judas ocurre en el primer término de la composición. El resto de los personajes reflejan la
• confusión y el dramatismo de la escena. El núcleo argumental destaca por la tensión que reflejan los
• protagonistas: Judas rodea con su manto, de plasticidad y modelado de increíble tratamiento, y se acerca
• a Jesús para delatarlo con su beso, mientras éste permanece estático.
• Las dos figuras se miran fijamente, convirtiéndose este hecho en el que más claramente ilustra el
• contenido del episodio. A la izquierda, se presenta Pedro cortándole la oreja a Malco, mientras que
• fariseos y soldados con sus armas comienzan el enfrentamiento al fondo y a la derecha.
• En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central,
• donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la
• expresión facial de los personajes expresa la emoción humana
• El dinamismo que presentan estos grupos, muy dependientes en su composición de la tradición
• gótica, contrasta vivamente con el momento contenido de delante. Estas acciones no son más que un
• reflejo del dramatismo y tensión argumental del primer término.

23. El beso de Judas
• Giotto domina completamente el lenguaje de los gestos, las manos de sus figuras son más
• elocuentes que las palabras. En el gesto de desesperación de S. Juan (brazos abiertos hacia atrás)
• La preocupación de Giotto por la tridimensionalidad de la escena se plasma en la introducción del
• paisaje (todavía no demasiado real), en los escorzos de los querubines voladores y en la propia
• monumentalidad escultórica de las figuras con sus rotundos volúmenes resaltados por el fuerte
• claroscuro de las túnicas.
• Son característicos de Giotto los ojos, negros o castaños fuertemente rasgados que dotan de
• intensa emoción a sus figuras, recurso luego muy imitado por sus numerosos seguidores.
• Las escenas son tridimensionales gracias a la utilización del paisaje de fondo, la
• disposición de las figuras en diferentes planos, las lanzas y el uso de recursos que psicológicamente
• sugieren profundidad (figuras de espaldas en primer plano) y consiguen la sensación de tercera
• dimensión.
• Sus figuras son rotundas y volumétricas gracias a los fuertes efectos de claroscuro. Los gestos
• juegan un papel fundamental en la caracterización psicológica de los personajes y en general se
puede
• decir que comienza aquí el camino de la pintura moderna en su intento de conseguir que el cuadro
sea
• una "ventana abierta" a la realidad.-

24. Llanto sobre el Cristo muerto
Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

25. Llanto por Cristo muerto
• NOMBRE: Llanto por Cristo muerto
• AUTOR: Giotto
• CRONOLOGÍA: Siglo XIV
• LOCALIZACIÓN: Capilla
• Scrovegni. Padua (Italia)
• ESTILO: Gótico
• MATERIALES: Pintura al fresco
• Conocida también como la
• Capilla de la Arena, por
• encontrarse cerca del anfiteatro
• romano, el promotor de la obra fue
• Enrico Scrovegni, una de las
• grandes fortunas de Padua, quien
• hizo construir la capilla, de carácter
• funerario, como un medio de expiar
• sus pecados, ya que su fortuna Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 4
• había sido amasada en buena parte, con la práctica de la usura (el propio Enrico aparece en la escena del
• Juicio Final ofreciendo a Cristo la maqueta de la construcción). La obra presenta una perfecta
• adecuación entre las pinturas y el marco arquitectónico lo que ha llevado a pensar que Giotto haya
• podido ser el autor del proyecto arquitectónico y no sólo de la decoración pictórica.
• Las pinturas al fresco ocupan completamente las paredes interiores del edificio con un amplio
• ciclo dedicado a la Virgen y otro a la vida de Cristo (desde su infancia hasta la Ascensión y la
• Pentecostés pasando por las escenas de la Pasión, con episodios tomados de los Apócrifos, como el
• Sueño de S. Joaquín o El Abrazo ante la Puerta Dorada). Todo ello se completa con un monumental
• Juicio Final situado, como es tradicional, en el muro occidental. En total son cuarenta y dos
• composiciones en las que se descubre lo mejor de Giotto y el porqué de su ttrascendencia en la historia
• de la pintura

26. Llanto por Cristo muerto
• B) ICONOGRAFÍA
• Llanto sobre Cristo muerto: La Lamentación sobre el cuerpo de Cristo no se menciona en la
• Biblia, es un tema de origen bizantino inspirado en los ritos dramáticos del Threnos e introducido en
• Italia a finales del siglo XIII por Coppo di Marcovaldo.
• Giotto, que fue quien popularizó el tema, plantea una composición monumental en la que las
• masas de las figuras se distribuyen armoniosamente por la escena. El componente trágico aparece
• reflejado en los rostros y actitudes de los personajes cada uno de los cuales representa un diferente
• estado emocional ante la muerte de Cristo.
• Giotto se inspiró, como demuestra Panofsky, en un sarcófago romano con la tragedia de Meleagro.
• C) ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO
• Giotto domina completamente el lenguaje de los gestos, las manos de sus figuras son más
• elocuentes que las palabras. En el gesto de desesperación de S. Juan (brazos abiertos hacia atrás)
• La preocupación de Giotto por la tridimensionalidad de la escena se plasma en la introducción del
• paisaje (todavía no demasiado real), en los escorzos de los querubines voladores y en la propia
• monumentalidad escultórica de las figuras con sus rotundos volúmenes resaltados por el fuerte
• claroscuro de las túnicas.
• Son característicos de Giotto los ojos, negros o castaños fuertemente rasgados que dotan de
• intensa emoción a sus figuras, recurso luego muy imitado por sus numerosos seguidores.
• Las escenas son tridimensionales gracias a la utilización del paisaje de fondo, la
• disposición de las figuras en diferentes planos, las lanzas y el uso de recursos que psicológicamente
• sugieren profundidad (figuras de espaldas en primer plano) y consiguen la sensación de tercera
• dimensión.
• Sus figuras son rotundas y volumétricas gracias a los fuertes efectos de claroscuro. Los gestos
• juegan un papel fundamental en la caracterización psicológica de los personajes y en general se puede
• decir que comienza aquí el camino de la pintura moderna en su intento de conseguir que el cuadro sea
• una "ventana abierta" a la realidad.-

27. La Virgen del Canciller Rolin.
Jan Van Eyck
Gótico flamenco

28. La Virgen del Canciller Rolín
• NOMBRE: La Virgen del Canciller
• Rolín
• AUTOR: Jan Van Eyck
• CRONOLOGÍA: Siglo XV. 1435
• LOCALIZACIÓN: Museo del
• Louvre, París
• ESTILO: Gótico
• DIMENSIONES: 66 X 62 CM
• MATERIALES: Pintura al óleo
• sobre tabla
• El canciller Nicolás Rolin, "primer ministro" del ducado de Borgoña en la época de Felipe el
Bueno, encarga a Jan Van Eyck este pequeño cuadro de devoción en el que se hace
representar él mismo como donante, en oración recibiendo en su cámara la visita-aparición
de la Virgen con el Niño, coronada como Reina por un ángel.
• El canciller, que maneja las riendas del gobierno de Borgoña, recibe la bendición del Niño
que legitima su poder. Un cuadro de devoción mariana que lleva implícito un mensaje
político autolaudatorio.
• Sorprende la relevancia que se otorga al canciller, situado de tú a tú con los personajes
divinos pero Van Eyck subraya con el tratamiento de las figuras el carácter terrenal del
Canciller, un soberbio retrato en el que el pintor demuestra sus dotes como retratista y las
posibilidades del óleo, frente al carácter celestial de María a la que corresponde un
tratamiento idealizado

29. La Virgen del Canciller Rolín
• A pesar de sus pequeñas dimensiones el cuadro tiene carácter monumental por la profundidad que
• Van Eyck ha conseguido gracias al uso que hace de la perspectiva lineal o matemática (situando el
• punto de fuga en la pequeña isla que aparece en el río que puede verse a través de la ventana del
fondo)
• combinada con la perspectiva aérea que le lleva a pintar la atmósfera en el paisaje del fondo,
• difuminando los contornos de los objetos que aparecen en la lejanía y azulando los tonos para
conseguir
• la sensación de tercera dimensión.
• El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se enlazan en perfecta
• continuidad con una fórmula -la ventana al fondo, el cuadro dentro del cuadro- destinada a gozar
de
• gran éxito posterior.
• El temperamento de miniaturista de Van Eyck aflora en el tratamiento minucioso y detallista que le
• lleva, por ejemplo, a representar en el capitel-friso del fondo escenas perfectamente legibles.
• Tampoco está ausente el "simbolismo disfrazado" típico del autor: la ciudad del fondo alude
• probablemente a la Jerusalén celeste y los pavos reales que aparecen el la terraza son, además de
un
• signo de estatus, símbolos de la resurrección.

30. El matrimonio Arnolfini.
Jan Van Eyck.
Gótico flamenco

31. El matrimonio Arnolfini
• NOMBRE: El matrimonio Arnolfini
• AUTOR: Jan Van Eyck
• CRONOLOGÍA: Siglo XV. (1434)
• LOCALIZACIÓN: National Gallery, Londres
• ESTILO: Gótico
• MATERIALES: Pintura al óleo sobre tabla
• Se trata de un cuadro nupcial, encargado por Michele Arnolfini para conmemorar su boda.
• Los esposos aparecen retratados en pie, vestidos lujosamente como corresponde a su estatus social,
dándose las manos mientras el esposo hace un gesto de bendición; es el gesto con el que se celebraba un
matrimonio en la época, cuando todavía no era necesaria la presencia de un sacerdote.
• Sin embargo, Arnolfini sujeta a sus esposa con la mano izquierda, no con la derecha que sería lo normal,
rasgo que se ha interpretado (Panofsky) como signo de desigualdad social lo que cuadraría perfectamente
con el matrimonio de Michele, casado con una plebeya, Elisabeth, de la que se desconoce el apellido y su
procedencia (para algunos el representado es su hermano Giovanni con su esposa Giovanna Cenami. Los
Arnorfini, originarios de Lucca (Italia), eran adinerados comerciantes de telas asentados en Brujas).
• La ceremonia nupcial transcurre en un confortable dormitorio burgués que Van Eyck representa con todo
detalle y con su habitual maestría técnica, al fondo, en un espejo aparecen reflejadas dos personas, una el
propio Van Eyck y la otra un personaje desconocido, que actúan como testigos de la ceremonia. Sobre el
espejo, en la pared, aparece la firma de Jan pero una firma de notario, no de pintor Johannnes de Eyck fuit
hic, (estuvo aquí, no lo hizo o lo pintó que sería lo normal).
• El "truco" del espejo que representa la realidad que está fuera del cuadro es un recurso típico de la pintura
flamenca y será más tarde utilizado por Velázquez en Las Meninas.Aparentemente el cuadro es solamente
un retrato nupcial, una "foto de boda" pero, diseminados por la habitación, aparecen una serie de objetos,
frecuentes en una estancia burguesa pero a los que Van Eyck ha dotado de un carácter simbólico
convirtiendo la tabla en una representación alegórica del matrimonio.

32. El matrimonio Arnolfini
• Aunque es de día, y por tanto completamente innecesaria, una vela encendida luce en la magnífica
lámpara de bronce que cuelga del techo de la habitación: es un símbolo de Cristo que santifica la unión
matrimonial y se utilizaba en las ceremonias de casamiento, pero es también la llama de amor que nunca
debe de apagarse.
• Las naranjas, que aparecen como por azar en el alféizar de la ventana que proporciona la luz a la
habitación y al cuadro, son la fruta del paraíso, símbolo de los placeres del matrimonio.
• El perrillo a los pies de los esposos simboliza la fidelidad. Las zapatillas tiradas, los placeres de la vida
hogareña. La figura de Sta. Margarita, protectora de los nacimientos, aparece tallada en la cabecera de la
cama y con el "embarazo" ficticio de la señora Arnolfini alude a la procreación como finalidad del
matrimonio.
• El espejo del fondo es un atributo de la virginidad. El "rosario" de cuentas que aparece colgado enla pared
simboliza la castidad....alrededor del espejo diez medallones nos relatan las escenas de la Pasión de Xto,
imitando esmaltes con un virtuosísimo inigualable
• No hay nada al azar en el cuadro y hasta el objeto más mínimo esconde un "simbolismodisfrazado" que
aumenta el encanto de la obra.
• En el terreno estilístico, el cuadro es una excelente muestra del virtuosismo técnico de Van Eyck.
• Nadie como él es capaz de describir las calidades de los objetos: el metal de la lámpara, el terciopelo del
traje de Elisabeth, las pieles de Arnolfini... todo aparece representado con un detallismo típicamente
flamenco. Si a ello añadimos un sabio uso de la luz (hay dos focos, uno la ventana y otro frontal que
ilumina los rostros de los esposos), una coherente construcción perspectiva y la habilidad parael retrato
tenderemos los ingredientes para considerar al Matrimonio Arnolfini como una obra maestra.
• El cuadro fue adquirido, a finales del S. XV por el embajador de los Reyes Católicos en los Países Bajos
quien lo regaló a la infanta Margarita de Austria, futura esposa del malogrado infante Juan, hijo de los
Reyes Católicos. Llegó así a España donde estuvo -en El Escorial- hasta principios del XIX siendo robado por
las tropas de Napoleón y acabando luego en los fondos de la National Gallery