Il documento presenta un kit di avvio per le arti digitali, evidenziando l'importanza di avere una libreria ricca di risorse e strumenti adeguati per il digital artist. Viene discusso l'uso di tecniche artistiche, software e hardware specifici, e si forniscono consigli pratici per la creazione di opere visive di qualità. Inoltre, si accenna alla necessità di comprendere le regole della comunicazione visiva per garantire l'efficacia dei progetti artistici.

1. Digital ArtsStarter Kit
Today is a new Creative day

2. “Stay hungry, stay foolish” (Steve Jobs)
“I don't think about art when I'm working. I try to think about life.” (Basquiat)
“Che te lo dico a fare..” (cit. Artlandis)
Tutte le immagini, gli elementi vettoriali e le risorse grafiche utilizzate
nel presente documento fanno parte del catalogo Fotolia, disponibili sul sito

3. “Digital Arts”: forme d’arte, tecniche, stili ed elaborazioni digitali
dedicate allo sviluppo di realizzazioni visive in grado di generare
emozione od esprimere un significato, spesso attraverso
un “concept” visivo personale.
Le tecniche a disposizione sono tante e diverse da sviluppare,
miscelare, fondere e diluire seguendo lo stimolo
delle competenze personali oppure di linguaggi visivi
nuovi e originali.
Tra Arte e Comunicazione Visiva il Digital Artist
conosce bene le regole del Graphic Design
e della composizione, dispone di risorse
specifiche ed è curioso di ogni nuovo
stimolo che la Vita e la Rete offrono.
Intro

4. Librerie
La dotazione di ogni Digital Artist prevede lo sviluppo di una libreria di risorse ampia e variegata:
- Inspiration (immagini, gallery, oggetti e modelli divisi per categoria)
- Immagini (Foto HQ, sorgenti, textures ed elementi Vettoriali)
- Tools, plugin e add-ons (strumenti aggiuntivi dei software principali)
- Modelli 3D (da renderizzare o già pronti per l’integrazione)
- HandMade (produzioni personali)*
- Modelli per l’applicazione e presentazione finale (mockup)
*Costruire una libreria di oggetti e immagini “handmade” favorisce l’originalità e permette
un’approccio diverso da quello “classico” (tempo e strumenti permettendo).
Per esempio: se si ha necessità di creare uno “schizzo” di colore è meglio puntare a ricrearlo
con materiali poveri (smalti colorati oppure tempera da cartoleria diluita) scattando personalmente
le foto necessarie. In questo caso sarà l’autore a decidere angolo, prospettiva e varietà dello scatto
anzichè doversi adattare a risorse presenti online create da terzi.

5. Librerie
(cloud)
imagestextures
brushes
lights
mockup
landscape
plugin
gradients
handmade
inspiration
drawing
explore
web
portfolio
marketplace
vectorial
materials

6. Strumenti (Hardware)
Oltre al classico Pc/Mac ben “dotato”, per lo sviluppo degli elaborati è possibile impiegare
strumenti specifici per ciascuna tecnica o capacità personale:
- Mouse ad alta precisione
- Tavoletta grafica (Wacom Intuos o Cintiq)
- InkLing Wacom (conversione digitale del tratto)
- Scanner (f.to a3, a4, manuale)
- Macchina fotografica Reflex (ed eventuale Set fotografico)
- Monitor (BigScreen) con profilo colore corretto e tarato

7. Strumenti: Software 2D e 3D
I software necessari per sviluppare le diverse tecniche coinvolgono
“big” di settore, software open source e produttori indipendenti:
- Adobe Photoshop (o equivalente)
- Adobe Illustrator (o equivalente)
- Software 3D
(completi Maya, 3DStudio Max, Blender, Cinema 4D , ZBrush, ecc..
o specifici per esempio Xara 3D e Aurora 3DMaker per i font)
- Alternativi (Terragen, Frattali, Special Fx, Post-production, Pixel Art, Google SketchUp
SketchBook Pro ecc..)
- Gestionali e anteprima libreria (Adobe Bridge, Fonts, Imgs, Brushes, ecc...)

8. Strumenti Software 2D e 3D (cloud)

9. Tools, Add-ons, Plugins
Per potenziare la resa dei programmi in uso (in particolare Photoshop e Illustrator)
è necessario dotarsi di “extra” integrativi che velocizzino alcuni passaggi o facilitino
l’applicazione di stili ed effetti aggiungendo
numerose opzioni:
- Azioni predefinite
- Pennelli HQ (originali o creati da immagini hi-res)
- Forme vettoriali (PS e Ill)
- Stili di livello (utili soprattutto per TypeArts e simili)
- Gradients e Patterns
- Curve, Script, filtri ed FX (post-produzione)

10. Tutorials & Techniques
Le tecniche attraverso le quali sviluppare progetti Digitali sono davvero tante e, in certi casi
prendono spunto dalle idee di singoli professionisti che fanno tendenza con la loro originalità.
Per ciascuna di essere è possibile rintracciare uno o più autori che hanno sviluppato un metodo
indicandoci delle linee guida ideali per seguirne le tracce.
La rete offre infiniti spunti utili attraverso portali, network, magazine e social media all’interno
dei quali intercettare tali risorse, e guide di aiuto con spiegazioni e tutorials.
Tra le “keyword” di stile più apprezzate, oltre ai concept più famosi:
- Abstract / Colors / Geometric / Pixel Art (vari stili aperti riadattabili)
- Reinterpretazione Creativa (ambienti urbani, film, personaggi, opere d’arte, prodotti, ecc..)
- TypeArts (estrusione o uso dei Font con rielaborazioni 2D e 3D e post-produzione)
- Handmade (produzioni personali, materiali alternativi e post-produzione)
- SceneMix / Surreal (integrazione di elementi digitali in scenari fotografici)
- Colorazione Digitale & Matte Painting (Artworks e Sketching avanzati)
- Quotes & Inspiration (Frasi famose e citazioni in un contesto creativo)
- Random / Chaos (moltiplicazione di soggetti simili)

11. Tutorials & Techniques (samples)
image source: Fotolia

12. Influenze & Inspiration
Sviluppare una propria tecnica oppure uno stile riconoscibile (senza diventare monotematici) e ricercare
il metodo più adatto alle nostre competenze (puntando ad espanderle) significa vivere quotidianamente
la ricerca di influenze e fonti di ispirazione significative.
Il portfolio di altri autori può fornire gli spunti di stile necessari ed indicazioni importanti sui “trucchi
del mestiere” per garantire il giusto appeal ad ogni elaborato.
Anche le Fotografie ambientali, panoramiche e i “ritratti” si offrono come di punti di riferimento
per ricreare tonalità di colore, ambientazioni e caratteristiche dello scenario che si desidera realizzare.
Qualche esempio:
- Foto dedicate alla campionatura di colori ed alla creazione di nuove “palette” personali ispirate
alla infinita varietà cromatica presente in natura (luci e colori utili per ogni concept)
- Landscapes e panoramiche per scenari ed effetti “naturali” (nuvole, tempeste, eruzioni, fiamme,
skylines, scenari devastati, effetti grunge, ecc..
- Ritratti (humans & Creatures) sono riferimenti utili a trarre ispirazione per l’ideazione di creature
digitalie personaggi
- Oggetti, Luci, Ombre e Contrasti: soggetti misti ai quali ispirarsi per una resa fotorealistica
del concept immaginato.

13. Influenze & Inspiration (samples)
image source: Fotolia

14. Uso delle Immagini
Lavorare bene con le immagini per sviluppare ciascun concept significa garantire ad ogni elaborato
qualità e forza visiva adeguate all’idea del progetto.
Qualche considerazione e consigli pratici:
- Importante usare immagini ad alta risoluzione per la manipolazione avanzata di ogni dettaglio.
- Usare immagini di qualità (attraverso l’acquisto su siti professionali come Fotolia) significa iniziare
da basi di qualità avendo inoltre a disposizione tante alternative per ogni scelta.
- Ricercare soggetti “neutri” da mixare nello scenario (evitare scene già pronti o elaborati da altri autori)
- Ricercare Textures di qualità (HQ) per la “decorazione” di parti dello scenario ed per ricreare effetti
speciali (per esempio: materiali speciali, scenari, skin, ecc..)
- Ricercare insiemi di soggetti “compatibili” (es. stessa direzione sorgente luminosa nella scena,
contrasti omogenei, ecc..) che rendano più semplice l’integrazione tra le singole parti
- Usare le immagini per generare Pattern e Pennelli personali di buona qualità
- Ricercare immagini per “keyword” / tema dedicando tempo e analisi alle raccolte
degli autori migliori
Fondamentale l’uso di immagini per le quali si possiedano i diritti d’uso
Le produzioni “Hand-Made” possono essere realizzate allo scopo di personalizzare
dettagli della scena garantendosi autonomia e varietà degli scatti grazie all’uso di un set
fotografico poco costoso e l’impiego di formati “Raw” da manipolare a piacimento.

15. Uso delle Immagini (samples)
image source: Fotolia

16. Mockup & Modelli
Mockup e Modelli già pronti all’uso svolgono un ruolo importante sia durante le fasi della creazione,
sia durante la fase “espositiva” all’interno del portfolio personale (cartaceo e online).
La rete offre tanti modelli già pronti di oggetti, hardware e “impaginati” necessari per fornire prove
pratiche dell’applicazione di alcuni elaborati e la loro resa finale.
Qualche esempio:
- Modelli di presentazione “poster” con figura umana o altro “sostegno” espositivo;
- Scenari di applicazione “manifesti” (supporti parete, roll-screen, stand, supporti vari);
- Schermi Desktop, Tablet e Smartphone;
- Pareti, ambienti (interni ed esterni), veicoli e supporti vari;
- Riviste, pieghevoli e Corporate Gift;
- Figure e oggetti “generici” da personalizzare

17. Mockup & Modelli (samples) image source: Fotolia

18. Risorse e Sorgenti d’autore
In rete è possibile rintracciare autori e iniziative (come la nota Ten Collection Fotolia) che mettono
a disposizione risorse dedicate (utili, ad esempio, allo sviluppo di un tutorial prodotto) come pennelli,
textures e files sorgenti (PSD) attraverso i quali comprendere gli “step” operativi ed espandere
le proprie librerie di riferimento.
Si tratta di risorse molto utili per identificare gli strumenti più utilizzati (Maschere, livelli di regolazione,
curve, ecc..) necessari a perfezionare ogni elaborato insieme con i “ritocchi” assegnati dall’autore
al proprio elaborato.
All’interno dei principali network Video (Youtube, Vimeo, ecc..) è possibile rintracciare canali e autori
che rilasciano produzioni qualitativamente apprezzabili dedicati a tutte le tecniche “digitali” descritte
destinati ad utenti base e avanzati.
Tra le risorse più interessanti (keywords): “Showreel”, “Speedpainting”, “Making of” e “Walkthrough”
Consiglio utile: rintracciare il sito principale dei singoli autori per verificare la disponibilità
di risorse e contenuti aggiuntivi.

19. Artworks,
VideoGames e Cinema
Tra le fonti di ispirazione e tra le possibilità di applicazione pratica delle Digital Arts
un ruolo da protagonista è svolto dall’Entertainment moderno, con Videogames
e Cinema a farla da padroni.
Artworks, bozzetti, studi e matte painting accompagnano infatti le fasi di produzione
e promozione di ogni titolo in uscita presentandosi infine, ad esempio, con l’enfasi
di una “copertina” finale (le tecniche impiegate sono facilmente riconoscibili).
Ambientazioni e concept di ciascun titolo coinvolgono autori e Studios specializzati
in grado di fornirci esempi, spunti utili e ispirazione per i nostri progetti e la loro
caratterizzazione.

20. Artworks, VideoGames e Cinema
Samples - all rights reserved

21. Artworks, VideoGames e Cinema
Samples - all rights reserved

22. Regole
della Comunicazione Visiva
Digital Arts significa anche tener conto in modo particolare di alcune regole
della comunicazione visiva necessarie a fornire al nostro elaborato le caratteristiche
utili ad essere correttamente “compreso” e apprezzato.
NB: Le regole vanno perseguite, a voltre infrante.
Alcuni abstract:
- Usare un unico linguaggio visivo
- Usare 2 famiglie di caratteri. Al massimo 3
- Usare la tecnica “one-two punch”
- Scegliere i colori giusti per il concept
- Lo spazio negativo è magia
- Spezzare e separare
- Distribuire ombre e luci
- Sii deciso. Fa una cosa o non farla.
- Misurare con gli occhi: il design è visione
- Crea da te le tue immagini. Non usare scene già pronte
- Movimentare la scena
- Studiare ciò che è stato fatto ma non ripeterlo
- La simmetria è il peggiore dei mali

23. Comunicare attraverso il giusto mix di colori è importante, trasmettendo il “climax” generale dell’elaborato a partire
dal momento dell’ imprinting (primo impatto dell‘elaborato sull’osservatore).
Ispirarsi ad opere esistenti oppure ai colori di uno scenario naturale (per richiamarne il concept visivo nella mente
dell’osservatore) ci permette di scegliere palettes cromatiche sempre nuove e diverse, scegliendo un’immagine
che rappresenti la nostra visione del lavoro in corso.
Dopo la prima selezione è importante ottimizzare la palette sviluppata modificando eventualmente alcuni campioni
per migliorare la selezione finale.
Esempio Campionatura Cromatica

24. Errori frequenti
Sviluppando alcuni tra gli stili più apprezzati dalle Community online è facile notare alcune sviste ricorrente dovute ad errori
di considerazione, alla fretta oppure alla inesperienza.
Qualche esempio:
Sorgenti luminose: nella composizione della scena spesso non si notano degli errori grossolani come la presenza di “punti luce”
ideali in contrasto con l’illluminazione di alcune parti dell’elaborato. Di conseguenza è importante tenere in considerazione i punti luce
di ogni soggetto scelto per il composit finale evitando discrepanze che spesso, a colpo d’occhio, sono origine di scarso gradimento.
Simmetrie: oltre alla classica “regola” di mestiere è importante evitare la duplicazione delle immagini da posizionare nello scenario
con lo scopo di “riempire” il quadro palesando una costruzione artefatta percepita quindi come irreale (in opposizione al fine ultimo
della foto-manipolazione d’autore).
Luci, ombre e contrasti: alcune elaborazioni difettano della capacità di rendere omogenee queste componenti nella composizione
finale mettendone in evidenza gli errori di valutazione.
Contrasti netti: mettendo insieme più immagini e contenuti è possibile notare come la sovrapposizione dei singoli soggetti si palesi
artefatta attraverso bordi e sagome troppo nette. Al fine di generare un effetto naturale è importante, di conseguenza, porre la giusta
attenzione alla “fusione” generale degli elementi.
Focus della scena: nel costruire la scena a volte non ci si rende conto di quale sia la “gerarchia visiva” generata rischiando
di non riuscire a costruire un “percorso visivo” adatto ad apprezzarne i dettagli.
Zone di luce e d’ombra, contrasti, colori e disposizione nella griglia sono i punti critici da considerare.
Prospettiva: negli stili astratti e “random/chaos” con la sovrapposizione di soggetti diversi a volte non si tiene conto della prospettiva
generale alla quale devono “adattarsi” gli elementi della scena.
Fondamentale, dunque, tenere in considerazione l’obiettivo finale in fase di scelta delle figure iniziali.

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26.
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27. Massimo Nava aka Artlandis
Art Director, Social Media Manager, Teacher & Coach
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