1. Max Fleischer
Max Fleischer
Max Fleischer en 1934.
Nacimiento 19 de julio de 1883
Cracovia, Polonia
Fallecimiento 11 de
septiembre de 1972 (88 años)
Los angeles, California
Nacionalidad Polaca
Ocupación Dibujante, Escritor e inventor
Años activo 1919-1972
Conocido por Dave Fleischer
Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de
septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación dedibujos
animados. Es el creadorde Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine
a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas
cuantas innovaciones tecnológicas.
Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad
para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó
la rotoscopia en1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su
primercartoon en 1915.

2. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y
cortometrajes.
Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno
de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.
Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando
un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se
lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.
Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.
Biografía
(Viena, 1889 - Los Ángeles, 1972) Dibujante estadounidense de origen
austriaco, creador de personajes animados tan populares como Betty Boop o
Popeye, nacidos en el estudio que fundó con su hermano Dave. Procedente de
una familia de emigrantes, que llegó a los Estados Unidos cuando tan él
contaba sólo cuatro años de edad, realizó sus estudios de arte en la Union
Coper y en la Liga de Estudiantes, concluidos los cuales en 1916, comenzó a
trabajar para John R. Bray.
En 1917 patentó el "Rotoscope", un artefacto que permitía animar fotografías
reales mediante un sencillo procedimiento, basado en copiar la acción que se
proyectaba sobre unas hojas de papel. Tras varios años trabajando para John
R. Bray, en 1921 fundó con su hermano la compañía “Out of the Inkwell Films”
que se convirtió, andando el tiempo, en uno de los estudios de animación más
importantes de los Estados Unidos, competencia directa de la factoría Disney.
Ese mismo año, Max produjo su primera película,Modeling, en la que aparecía
caracterizado uno de sus personajes más populares, Koko el Payaso, que
había sido creado a través del proceso Rotoscope. Además, la película sentó el
predecente de utilizar la plastilina como material de animación, algo bastante
importante, pues el sistema de ensamblaje de la época sólo estaba preparado
para el dibujo. Fleischer fue madurando su técnica de realización para las
películas, en las que se mezclan a partes iguales realidad y animación, lo que
consigue mediante el fotografías estáticas utilizadas como fondo, en los que
inserta recortes de los personajes de ficción.
El primer dibujo animado con sonido se realizó en 1924-26. En 1928 la
compañía cambió su nombre por el de su fundador, con lo que pasó a llamarse
Estudio Fleischer. El cliente más importante era la productora Paramount. En
1930 diseñó algunos de los personajes con los que consiguió más fama, Betty
Boop y Popeye, de los que se realizaron las series Carrie of the
Choruso Popeye the Sailor respectivamente. En 1939 produjoGulliver's Travels,
un filme basado en el cuento homónimo, que supuso su primer largometraje.

3. Dos años después el Estudio Fleischer produjo una serie sobre el famoso
personaje de cómic Superman, y poco después, el estudio cayó en manos de
la productora Paramount, con lo que los hermanos Fleischer dejaron de ser sus
responsables. En 1942 Max se trasladó a Detroit contratado por una empresa
de cine. Unos años más tarde se trasladó a nueva York para volver a trabajar
en el mismo lugar en que había empezado su carrera, el estudio Bray.
Fleischer Studios
Fleischer Studios, Inc. es una corporación estadounidense que comenzó
como un estudio de animación ubicado en 1600 Broadway, Nueva York. Fue
fundada en 1921por los hermanos Max y Dave Fleischer, quienes estuvieron a
cargo de la compañía hasta que fueron despedidos por Paramount Pictures en
enero de 1942. En su apogeo, fue el más significante competidor de Walt
Disney Productions, y es famoso por llevar a la pantalla dibujos animados
como Koko el payaso, Betty Boop, Popeye, y Superman.
 1 Cine mudo
 2 Sonido y color
 3 Periodo posterior
Cine mudo
La compañía comenzó cuando Max Fleischer inventó el rotoscopio que le
permitió realizar una animación más real. Utilizando este aparato, los hermanos
Fleischer obtuvieron un contrato con Bray Studio en 1919 para producir una
serie llamada Out of the Inkwell donde presentaban su primer personaje, Koko
el payaso. La serie se convirtió en todo un éxito, lo que les dio la confianza de
crear su propio estudio en 1921.
A través de los años 1920, el estudio era uno de los principales productores de
animación con un humor ingenioso y numerosas innovaciones. Estos
incluían Ko-Ko Song Cartunes, dibujos animados musicales (con "The Famous
Bouncing Ball"), que fue el precursor de los videos musicales; e hicieron
películas educativas que explicaban cosas como la relatividad.
El estudio incluso experimentó con películas sonoras años antes que El
cantante de jazz. Los cortometrajes con sonido atrajeron poco interés, en parte
debido a que la mayoría de los cines no tenían la tecnología necesaria.
El estudio usó los métodos de Lee De Forest en una docena de dibujos
animados con banda sonora sincronizada, como Come Take a Trip in My

4. Airship, Darling Nelly Gray, My Old Kentucky Home, y In the Good Old Summer
Time.
Sonido y color
Con la completa adopción de las películas con sonido en los años 1920, el
estudio fue una de los pocas compañías de animación en hacer exitosamente
la transición con Screen Songs, una continuación de Ko-Ko Song Cartunes. El
primero de estos fue The Sidewalks of New York, estrenado el 5 de
febrero de 1929. En octubre del mismo año, los Fleischer crearon una nueva
serie llamada Talkartoons. Los primeros episodios casi no tenían relación unos
de otros, pero un nuevo personaje,Bimbo estuvo presente en casi toda la serie.
Bimbo perdió protagonismo por su novia, Betty Boop, quien rápidamente se
convirtió en la estrella del estudio. Betty fue el primer personaje femenino en
Estados Unidos, y reflejaba la orientación urbana y adulta de los productos del
estudio.
El éxito de los hermanos Fleischer fue confirmado con la autorización
de E.C.Segarpara hacer una serie animada de su personaje de tira
cómica, Popeye el marino.Popeye se convirtió en la serie más popular jamás
producida por los Fleischer, y su éxito competía con el de la serie
animada Mickey Mouse de Walt Disney.
Desafortunadamente, la fortuna del estudio comenzó a cambiar a medida que
los años 1930 pasaban. En 1934, el código Hays fue promulgado en
Hollywood, lo cual significaba una severa censura para las películas. Como
resultado, Betty perdió en parte su sexualidad. Incluso peor, los Fleischer se
veían acosados por la presión de su distribuidor, Paramount Pictures, quien les
ordenó imitar el estilo y contenido de los dibujos animados de Walt Disney. El
más claro ejemplo de este cambio fue su serie llamada Color Classics, que
esencialmente era una copia de Silly Symphoniesde Disney.
Periodo posterior
Los esfuerzos de Fleischer Studios para imitar al estudio Disney terminaron con
la producción de películas animadas, siguiendo el éxito de Blancanieves y los
siete enanitos. Paramount le prestó a Fleischer el dinero para un estudio más
grande, que fue construido en Miami (Florida) para aprovechar las roturas de
impuestos y terminar con la actividad resultante de una huelga del sindicato en
1937. El nuevo estudio fue abierto en marzo de 1938, y comenzó la producción
de su primera película, Los viajes de Gulliver, que pasó de una etapa de
desarrollo a una de activa producción.

5. La película fue estrenada en Navidad de 1939, y Gulliver fue presentado
modestamente, aunque la calidad de la historia y animación estaban bastante
alejados de lo que trataban de imitar, Blancanieves. Entre el estreno
de Gulliver y la siguiente, Mister Bug Goes to Town, los Fleischer produjeron el
mejor trabajo de este periodo, una serie de gran calidad basada en
el superhéroe de historietasSuperman. El primer cortometraje de la serie,
simplemente titulado Superman, tenía un presupuesto de $100.000 dólares,
uno de los más altos para un corto, y fue nominado a los Premios Óscar.
Sin embargo, este éxito no ayudó al estudio con su problema financiero. El
numeroso personal del nuevo estudio creó grandes gastos, necesitando una
producción estable. Un número de los cortos fue producido durante este
periodo, como la serie de Popeye y una dapatación de 1941 de Raggedy Ann y
Andy, manteniendo un gran nivel de calidad. Otros, como los cortos de Stone
Age y la serie de Gulliver, fueron los últimos grandes éxitos del estudio.
Como las ganancias disminuyeron, los Fleischer tuvieron que continuamente
solicitar préstamos de Paramount, poniendo más y más acciones de su estudio
como garantía. Además, Max y Dave Fleischer ya no tenían una relación de
amistad. Paramount recibió cartas firmadas de los dos hermanos, para poder
financiar la temporada 1940–1941 del estudio. El 24 de mayo de 1941,
Paramount asumió un control completo de Fleischer Studios, Inc., e incorporó
una nueva compañía,Famous Studios, como el sucesor de Fleischer Studios,
que se mantuvo como un centro coporativo. Los Fleischer volvieron a estar a
cargo de la producción a finales de 1941.
Mister Bug Goes to Town fue estrenado en diciembre de 1941. A diferencia
deGulliver, Mister Bug falló en su intento de crear impresión de cualquier tipo, y
acabó rápidamente. Dave Fleischer dejó el estudio para estar a cargo del
estudio de animación Screen Gems de Columbia en California. Con el
cofundador de su estudio de animación trabajando para un competidor,
Paramount hizo sus cartas de renuncia y exigió el pago de sus préstamos,
dejando al estudio en bancarrota y removiendo oficialmente a los Fleischer del
control del estudio. Max Fleischer se convirtió en empleado del estudio Jam
Handy, y Isadore Sparber, Dan Gordon, y el yerno de Max, Seymour Kneitel, se
convirtieron en los nuevos directores del estudio, que fue movido de Miami a
Nueva York en 1943. Los Fleischer nunca más fueron grandes personajes
dentro de la industria, pero sus trabajos y personajes han mantenido su

6. popularidad, y en los años 1980, los hermanos fueron reconocidos como los
pioneros en animación que fueron.
Fleischer Studios es hoy en día solo una compañía de nombre, estando a
cargo de las licencias de personajes como Betty Boop y Koko el payaso.
Friz Freleng
Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue
unanimador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su
trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie
Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio,
como Porky Pig, Piolín,El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue
el director del estudioTermite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más
premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner
cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David
DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados,
créditos de películas, y series animadas en los años 1980.
 1 Primeros años
 2 Freleng como director
o 2.1 MGM
o 2.2 Logros como director
o 2.3 Luego de Warner Bros.
 3 Trabajo posterior
Primeros años[editar]
Freleng nació en Kansas, Misuri, donde comenzó su carrera como animador
enWalt Disney Pictures. Trabajó junto a otros animadores, como Carmen
Maxwell, Ub Iwerks, Hugh Harman y Rudy Ising. Freleng acompañó
a Disney a Hollywood,California, donde trabajaron en las series Alice
Comedies y Oswald the Lucky Rabbit para los productores Margaret
Winkler y Charles Mintz.
Freleng pronto se unió a Harman e Ising para crear su propio estudio. El trío
produjo un dibujo animado protagonizado por un personaje parecido a Mickey
Mousellamado Bosko. Al ver un posible desempleo si el dibujo animado no
llamaba la atención, Freleng se mudó a Nueva York para trabajar en Krazy
Kat de Mintz, mientras seguía tratando de vender la creación de Harman e

7. Ising. Bosko fue finalmente vendido a Leon Schlesinger, quien le aseguró a
Harman e Ising que Bosko protagonizaría la serie Looney Tunes que estaba
produciendo para Warner Bros. Freleng se mudó a California para trabajar con
Harman e Ising nuevamente.
Freleng como director[editar]
Harman e Ising dejaron el estudio de Schlesinger luego de disputas sobre
presupuesto en 1933. Schlesinger quedó sin directores experimentados por lo
que promovió a Freleng. El joven animador introdujo la primera estrella del
estudio tras Bosko, Porky Pig, en I Haven't Got a Hat de 1935. El cortometraje
es importante por tener uno de los primeros ejemplos de caracterización en un
dibujo animado. Porky era distinto a Bosko y a su reemplazo Buddy por lo que
fue bastante popular.
MGM
En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred
Quimby. Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie
llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The
Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido
principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El
reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo nivel de liderazgo
que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuando su contrato
terminó en 1940.
Logros como director
La actitud de no intervención de Schlesinger hacia sus animadores le permitió
crear varios cortometrajes cómicos, como You Oughta Be in
Pictures de 1940 donde elpato Lucas le habla a Porky de dejar Warner Bros.
para encontrar trabajo en otra parte. Freleng y sus animadores se mantuvieron
a la par con Disney y su superioridad técnica haciendo los dibujos animados
más y más cómicos (aunque, como era común para la época, un número de
cortos incluían temas racistas contra las personas de color y propaganda anti
japonesa). El estilo de Freleng maduró rápidamente, y se convirtió en un
maestro de la coordinación cómica (comic timing). También introdujo o
rediseñó a varios personajes de Warner, como Sam Bigotes en1945, el
dúo Silvestre y Piolín en 1947 y Speedy Gonzales en 1955.
Freleng y Chuck Jones lideraron el estudio Warner Bros. en los años
posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Freleng comenzó a limitarse solo a
los pocos personajes ya mencionados y a Bugs Bunny. También continuó

8. produciendo versiones modernas de las comedias musicales que animó en sus
primeros años, como The Three Little Bops (1957) y Pizzacato
Pussycat (1955). Freleng ganó cuatro premios Oscar en Warner Bros. por los
cortos Tweetie Pie (1947), Speedy Gonzales (1955), Knighty Knight
Bugs (1958) y Birds Anonymous (1957).
Luego de Warner Bros
Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear
dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng
Enterprisesestuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la
película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para
esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de
vuelta en 1964 con un cortometraje paraUnited Artists, el cual ganó un premio
Oscar.
Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear
cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se
mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa,
y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión.
Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación
en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos
animados hasta1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y
con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no
igualaron a los clásicos.
Trabajo posterior
Freleng trabajó como productor ejecutivo en una serie de películas de Looney
Tunesen los años 1980.
Tras su muerte en 1995, fue enterrado en el Hillside Memorial Park
Cemetery enCulver City, California. Murió a la edad de 89 años.
Oskar Fischinger
Oskar Fischinger (22 de junio de1900 - † 31 de enero de 1967) fue un pintor,
animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser
abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania

9. de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados
Unidos, llegando a Hollywood en febrero de1936.
Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso.
Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt(de
MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película
de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus
intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger
se volvió cada vez más un pintor al óleo.
Biografía
Explorador, buscador del arte absoluto, un arte en que música, color y
movimiento, se suman proporcionando una experiencia estética sin
precedentes, la aportación de Oskar Fischinger (1900-1967) no sólo a historia
de las vanguardias artísticas y al ámbito de la animación con el que se lo
asocia, sino también a las trayectorias de artistas procedentes de las más
diversas disciplinas como el músico John Cage, o Jackson Pollock y el
expresionismo abstracto, o verdaderos artistas del videoclip como Michael
Gondry, no tiene parangón. Podemos imaginar a Oskar Fischinger como una
versión moderna del artista renacentista; pintor, compositor y cineasta, cuyas
piezas han influido de forma decisiva en el actual video clip -creará los primeros
vídeos musicales 50 años antes que irrumpa en escena la MTV- en el ámbito
del videoarte, o en el de la publicidad.
En 1947, Ralph G. Potter se pregunta en su
artículoAudiovisual Music "Will there ever be a generally accepted music that is
both audible and visible?" Nos hallamos ante el planteamiento de lo que Oskar
Fischinger llamará absolutefilm, cuyos precedentes se remontan, por lo menos,
al siglo XVIII. Hacia 1720 Louis-Bertrand Castel, un matemático y físico
francés, teoriza sobre el "clavecín ocular", fundándose en la creencia en la
relación directa entre los siete colores del arco iris y las siete notas de la
escala. Mediante este peculiar instrumento, el clavecín ocular, nacería la
"música visible"- mediante la asociación de transparencias coloreadas con las
claves del clavecín.
En consonancia con las ideas del excéntrico científico francés, Oskar
Fischinger (que había estudiado ingeniería después de la primera guerra
mundial y fabricará el lumigraph con principios parecidos a los del clavecín
ocular de Castel) defenderá la animación como un "arte verdadero" en relación
con su capacidad sinestésica de crear lo que él denominaría "poesía óptica",
"ojomúsica" o "danza ornamental". En el film absoluto de Fischinger confluyen
todas las artes, pintura, música y el movimiento cinético que posibilita el
cinematógrafo, para dar forma material a las emociones.

10. El descubrimiento de la obra de Walter Ruttman, y en concreto la asistencia en
1921, en Frankurt al estreno de Light -play Opus I de Ruttman será decisiva. En
la línea de los trabajos de Rutman, la serie Studios (1930-32), incluida en la
etapa berlinesa del artista previa a su exilio a estados unidos, muestra la
interacción entre una serie de líneas blancas en movimiento sobre un fondo
negro, con diversas piezas de música clásica. El resultado es impactante e
hipnótico; la simbiosis entre imagen, movimiento, y sonido es total. Lo mismo
ocurre con otras piezas del Oskar Fischinger comoCircles (1933), el primer film
en color hecho por el artista, en que las formas y el movimiento se sincronizan
con elVenusberg Ballet de la ópera Tanhauser de Wagner. En estas piezas no
sólo se da una sincronía absoluta entre música y movimiento. Las distintas
figuras geométricas, las distintas formas que adoptan las líneas parecen
corresponder a las distintas texturas musicales, a los tonos, vibraciones y
armonías de las canciones, acercándonos a la encarnación en el celuloide de
música visual, mencionada unos párrafos más arriba.
Estas primeras piezas de Fischinger, animaciones bidimensionales
caracterizadas por una gran sencillez formal y complejidad conceptual, guardan
un alto paralelismo con el nacimiento del arte abstracto y la defensa de la
autonomía del arte. Es en este sentido que a principios del siglo XX varios
artistas formulan una serie de ideas que vemos claramente reflejadas en el
aparato conceptual que alimenta algunas de las creaciones de Fischinger: "Una
línea es una fuerza que actúa como todas las fuerzas elementales: varias
líneas relacionadas pero opuestas, tienen el mismo efecto que varias fuerzas
elementales antagónicas." (...) "El artista consciente de estas leyes y de la
interacción de las líneas pierde la ingenuidad. En el momento en que traza una
curva, la que se opone a ella ya no puede librarse del concepto que encierra
cada parte de la primera; a su vez la segunda actúa sobre ésta y ésta se
transforma en relación a una tercera y a todas las demás" afirma Henry van de
Velde en KungstewerblicheLaienpredigren publicado en 1902. Y en la misma
época William Worringer, en su tesis doctoral Abstraktion undEingühlung,
publicada en 1908, escribe, en relación con la creación pictórica autónoma de
la mimesis aristotélica a la que ha estado anclada la pintura: "Las banales
teorías de la imitación, que dominan nuestra estética gracias a la dependencia
absoluta de los conceptos aristotélicos en la que se halla nuestra cultura, nos
han vuelto ciegos a los valores psíquicos que son punto de partida y meta de
toda producción artística."
Respecto a sus Studies, Fishinger hará una declaración totalmente en la línea
de las palabras de Van de Velde y de Worringer: "it seemed to me that, after all,
a line is actually something in and on itself (...) When I think of how this line,
which is so nicely round and delicate, and fine, can suddenly change into
something pointed, angry, jagged and nervous, thorny, steep and violent (...)

11. and made an absolute cinema."
Por otro lado, con sus reveladoras palabras, el artista Henry Van der Velde y el
crítico y teórico del arte Worringer abonan el camino que lleva a una obra en la
historia del arte, De loespiritual en el arte y Punto y línea sobre el plano del
pintor Vasili Kandinsky, considerado el padre del arte abstracto. Kandinsky abre
el capítulo VI de De lo espiritual en el arte, titulado
El lenguaje de las formas y de los colores, con una cita de Goethe "El sonido
musical tiene acceso directo al alma. Inmediatamente encuentra una
resonancia porque el hombre "lleva la música en sí mismo". A partir de esta
fructífera cita, Kandinsky desarrollará su teoría de los colores y las formas y su
resonancia en el espíritu humano, nada alejada de lo que transmiten las piezas
mencionadas de Fischinger, relacionándose de nuevo la música con las formas
y los colores, y su reverberación en la psique humana. Tanto la trayectoria
teórica como la pictórica de Kandisnky, se hallan en directa relación con
el absolute cinema de Fischinger, que no en vano, ha sido denominado por
muchos "cine abstracto", situando al cineasta alemán en un ámbito paralelo al
de Kandisky respecto al arte abstracto, fundadores ambos de una alternativa
radical a la mimesis occidental. Una alternativa que tan bien se expresa en la
cuestión que se hace Kandinsky enDe lo espiritual en el arte: "¿no sería mejor
renunciar por completo a lo figurativo, desparramarlo a todos los vientos y
desnudar por completo lo puramente abstracto?".
Pero Fishinger no limitará su obra a estas composiciones cinéticas abstractas
que son los los Studies o la pieza Circles.Spiritual constructions (1927),
realizada en su etapa de Munich, es una riquísima pieza que cuenta, a caballo
entre lo abstracto y lo figurativo, y anticipándose arte psicodélico y el pop art de
los años 60, la historia de dos borrachos, sus disputas y peleas, y como son
echados del bar (en una magnífica animación en que son literalmente
escupidos por la misma pared que anteriomente engulló sus siluetas). La pieza
es excepcional desde el punto de vista estético como narrativo. Una vez más la
absoluta sincronía entre música e imagen, aderezada ahora con la tensión y el
suspense de la historia, dejan boquiabierto al espectador.
Además de estas piezas, predecesoras sin duda del videoclip, como
apuntamos en párrafos anteriores, Oskar Fishinger
realiza Muratti marches on (1934) y Muratti Privat (1935), dos anuncios
publicitarios de cigarrillos, en que el artista trabaja ya con figuras de tres
dimensiones. En Muratti marches on, decenas de cigarrillos cobran vida,
extraordinariamente antropomorfizados, y marchan al son de la música. En
esta pieza, realizada mediante la técnica de animación de stop-motion, se pone
de manifiesto el Fischinger inventor, el explorador de las formas y su
materialización fílmica. Para la realización del anuncio se construyó una serie
de sets en miniatura sobre una mesa redonda que podía rotar simulando

12. panorámicas y trávelings. Dada la fragilidad de los cigarrillos para su
manipulación, se los vació de tabaco, rellenándolos de pequeñas piezas de
madera y pegando las hebras de tabaco en sus dos extremos. Para simular el
movimiento, el cigarro se clavaba y desclavaba de una superficie plastilene, a
razón de 24 veces por cada segundo de película. Para evitar que se viesen las
marcas en de las agujas insertadas a los cigarros, se cubriría la superficie
plástica con el serrín resultante de la manipulación de la madera para rellenar
los cigarrillos. El anuncio de Fischinger sería profusamente imitado a pesar de
que el artista no revelaría nunca los secretos de su realización.
Con su Composition in blue (1935), Fischinger prosigue la línea
del absolute cinema iniciada con sus Studies y Circles, pero a partir de la
animación con modelos tridimensionales, como en sus anuncios publicitarios.
Con esta pieza Fischinger desafía al régimen nazi, en el poder desde 1933,
que ha prohibido el cine abstracto en un contexto en que el audiovisual deviene
el instrumento de propaganda por excelencia del gobierno de Adolf Hitler. En
1936 la Paramount ofrece un contrato a Fischinger, que, apremiado por sus
crecientes dificultades para vivir en libertad en la Alemania nazi, se exilia a los
Estados Unidos, país en el que vivirá hasta su fallecimiento en 1967. En
Estados Unidos, Fischinger proseguirá con la realización de sus piezas más
experimentales, como testimonia la animación
experimental An Optical Poem de 1937 y realizará algunas colaboraciones con
grandes estudios cinematográficos, como la llevada a cabo con la factoría
Disney en 1938 y 1939, con la realización de la pieza Tocatta y fuga para el film
Fantasía (1940) que sería alterada por los artistas del estudio para hacerla más
representacional, y se eliminaría del montaje del film, y animando la varita
mágica del hada de Pinocchio(1940). Pero las colaboraciones con la industria
cinematográfica se remontan a la época berlinesa de Fischinger en y su
colaboración con Fritz Lang en 1928 realizando los efectos especiales de La
mujer en la luna (Frauim mond, 1928). Ante las numerosas negativas de
financiación de sus proyectos, y a pesar del progresivo reconocimiento de su
trayectoria artística, durante los últimos años de su existencia Fischinger se irá
decantando hacia el ámbito de la pintura, consagrándose diversas
exposiciones a sus lienzos. Mucho debe la historia del arte y del audiovisual a
la trayectoria de este artista multidisciplinar y sus extraordinarias creaciones.
William Hanna
William Hanna
Nacimiento 14 de julio de 1910
Nuevo México, Estados

13. Unidos
Fallecimiento 22 de marzo de 2001 (90 años)
Los
Ángeles, California,Estados
Unidos
Nacionalidad Estados Unidos
Etnia Irlandés estadounidense
Ocupación Dibujante y animador, y director
y productor de cine y televisión
Cónyuge Violet Blanch Wogatzke (1936–
2001)
William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de2001) fue
un dibujante, director, animador y productor de cine ytelevisión estadounidense.
Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica,
se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en
dibujos animados comoCaptain and the Kids le permitió obtener una mayor
experiencia y notabilidad en la industria.2 En 1937, mientras trabajaba
en Metro-Goldwyn-Mayer(MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos
comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones
como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957
fundaron Hanna-Barbera,3 4 que se convertiría en el estudio de animación
televisiva más exitoso en esa época,5 6 al producir series como Los
Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los
Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En
1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque
sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.7 En ese
año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996
con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron
como asesores.8 9 10
El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,11 12 y sus dibujos animados se
convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han
aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas

14. creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas
en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.13
Trayectoria
Cinematográfica
Una vez que abandonó la universidad, Hanna consiguió empleo como
ingeniero de construcción y participó en la edificación del Pantages Theatre,
en Hollywood.20 24Sin embargo, tuvo que buscar otro empleo al ser despedido
de este a causa del impacto de la crisis económica. Consiguió un trabajo
temporal en un lavado de automóviles. En esa etapa, el novio de una de sus
hermanas lo alentó a buscar una oportunidad laboral en la compañía Pacific
Title and Art, que producía intertítulospara filmes.28 Mientras trabajaba ahí,
comenzó a sobresalir por su talento para dibujar, y en 1930 se incorporó al
estudio animado Harman-Ising, responsable de los dibujos animados Looney
Tunes y Merrie Melodies.1 A pesar de carecer de formación en materia de
animación, pasó a encabezar el departamento de coloreado del estudio. Sin
embargo, su labor fue más allá de solamente colorear los dibujos, ya que
también escribió algunas letras de las canciones que servían como temas de
apertura y cierre de esos programas.1 En sus primeros años ahí, el estudio
estaba asociado con Leon Schlesinger, de Pacific Title and Art, que emitía el
material de Harman-Ising por medio de Warner Bros. Sin embargo, una vez
queHugh Harman y Rudolph Ising decidieron prescindir de su asociación con
Schlesinger y comenzar, en cambio, a producir sus dibujos animados de forma
independiente para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), en 1933, Hanna optó por
seguir colaborando con Harman e Ising.1 29
En 1936, Hanna dirigió su primera serie de dibujos animados, To Spring, que
formó parte de la colección Happy Harmonies de Harman-Ising.16 Al año
siguiente, MGM finalizó su asociación con Harman-Ising y comenzó a producir
sus propios dibujos animados.2 Hanna se convirtió en uno de los primeros
empleados en ser contratados por MGM para su nuevo estudio de animación.
En la temporada de 1938-39, fungió como director en jefe de la serie Captain
and the Kids de MGM, basada en la tira cómica del mismo nombre (una versión
modificada de The Katzenjammer Kids, que había resultado de una demanda
judicial en 1914). No obstante, el programa no tuvo el éxito esperado, por lo
que Hanna fue reasignado como guionista del estudio, a partir de la
cancelación de los dibujos animados.2 El escritorio donde trabajaba Hanna
estaba justo al lado del de Joseph Barbera, que previamente había trabajado
en Terrytoons. Poco después, ambos coincidieron en que podían colaborar
juntos en algunos proyectos.18 De esta forma, para 1939 ya habían establecido
una sociedad sólida, que se prolongaría por más de seis décadas.1 29 Hanna y
Barbera trabajaron en ese entonces junto con el director de animación Tex
Avery, creador del Pato Lucas y de Bugs Bunny para Warner Bros., y director
de Droopy en MGM.30 31 En 1940, Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje
animado Puss Gets the Boot, que se hizo acreedor a una nominación como
«Mejor cortometraje animado».32 33 A pesar del éxito del proyecto, el estudio
quería una oferta más diversificada de dibujos animados en su haber, y el
supervisor de Hanna y Barbera, Fred Quimby, no quería producir más dibujos

15. animados de gatos y ratones.34 Sorprendidos por el impacto causado por Puss
Gets the Boot, los creadores ignoraron a Quimby35 y siguieron adelante con el
concepto del gato y el ratón. En ese entonces, Hanna expresó deseos de
volver a trabajar con Ising, a quien le era muy leal. Hanna y Barbera se
reunieron con Quimby, que descubrió que Ising no había colaborado en el corto
y aun así había tomado crédito por haberlo producido. Quimby decidió
entonces permitir que Hanna y Barbera prosiguieran con su idea, y como
resultado surgió Tom y Jerry.36
Diseñada en base a los personajes de Puss Gets the Boot, aunque con
mínimas diferencias, la serie sigue a Jerry, el roedor molesto que suele burlar a
su enemigo felino, Tom.16 23 Sobre la elección del concepto, Hanna comentó:
«Sabíamos que necesitábamos dos personajes. Pensábamos que debía haber
un conflicto, persecuciones y acción. Y un gato que persigue a un ratón se veía
como un concepto bueno y básico».20 Tom y Jerry aparecieron por primera vez
en The Midnight Snack (1941).35 Hanna y Barbera continuarían colaborando
casi de forma exclusiva en esta serie por los próximos 17 años,32 llegando a
dirigir más de 114 cortometrajes del gato y el ratón.37 En la Segunda Guerra
Mundial, continuaron animando películas con enfoque educativo.17 Desde el
principio, concibieron queTom y Jerry debía tener más acción que diálogo entre
los protagonistas.29 A pesar de su popularidad, se la ha criticado al catalogarla
como «extremadamente violenta».38 39 El programa obtuvo su primer premio
Óscar en su 11° entrega, The Yankee Doodle Mouse (1943), cuya trama está
basada en la época bélica.16 En total, Tom y Jerry tuvo 14 nominaciones en
dichos galardones, de las cuales ganó en siete ocasiones.40 Ninguna otra serie
animada ha ganado más premios, ni tampoco otra que contuviera a los mismos
personajes.1 6 Los personajes aparecieron también en otras películas de
imagen real de MGM, entre ellas Anchors Aweigh (1945) e Invitation to the
Dance (1956) con Gene Kelly, y Dangerous When Wet (1953) con Esther
Williams.25 6 41
Quimby recibió cada premio Óscar que obtuvo Tom y Jerry, sin invitar a Hanna
y a Barbera al escenario para que dirigiesen algunas palabras a la audiencia,
en sus roles como creadores del programa. Inclusive, Quimby figuraba en los
créditos como el único productor, de manera idéntica a como lo había hecho
Ising en su momento, y que tanto había criticado el primero.42 Una vez que este
se retiró en 1955, Hanna y Barbera se hicieron cargo de la división animada de
MGM.1 4 Debido a que el estudio comenzó a generar más y más pérdidas
financieras debido a la competición televisiva,3 28 MGM concluyó que sería más
rentable relanzar antiguos dibujos animados, en vez de producir nuevos. Así,
en 1957, el gerente de negocios del dúo creador de Tom y Jerry ordenó el
cierre de la división animada del estudio, y despidió a todos los
empleados.43 Esto les pareció desconcertante a Hanna y a Barbera dado el
éxito previo de Tom y Jerry
Televisiva
En su último año en MGM, Hanna incursionó en la televisión, al establecer la
compañía Shield Productions junto con el animador Jay Ward,44 que para
entonces había creado la serie Crusader Rabbit. No obstante, su sociedad
terminó pronto y, en 1957, Hanna volvió a colaborar con Barbera en la

16. producción de dibujos animados que se emitirían en televisión, así como en
cortometrajes para cine.23Barbera se distinguía más por ser el audaz escritor
de las bromas, así como el dibujante, mientras que Hanna tenía más afinidad
por la dirección, al encargarse de la sincronización y la trama, y la contratación
de los dibujantes. Las decisiones de negocios eran tomadas entre ambos, y
cada año alternaban el título de presidente en su nuevo estudio de
animación.45 21 4 Para elegir el nombre de la empresa, tiraron una moneda al
aire y ganó Hanna,18 así que este decidió llamarla H-B Enterprises, aunque
luego cambiaría a Hanna–Barbera Productions.3 4
Logotipo de Hanna-Barbera Productions, fundada en 1957.3 4
El primer proyecto de Hanna-Barbera fueThe Ruff & Reddy Show,23 una serie
que gira en torno a la amistad entre un gato y un perro.9 A pesar de una
recepción variada con Loopy De Loop, su primera producción cinematográfica,
el estudio pronto comenzó a ganar popularidad en la industria al crear las
exitosas series The Huckleberry Hound Show y el Show del Oso Yogi. Una
encuesta realizada en 1960 mostró que la mitad de la audiencia de Huckleberry
Hound era adulta. Por lo tanto, crearon una nueva serie animada: Los
Picapiedra.41 13 A manera de parodia de The Honeymooners, este nuevo
programa seguiría las aventuras de una típica familia de la Edad de Piedra. La
audiencia de Hanna-Barbera se expandió al mercado infantil a partir de Los
Picapiedra, que se convirtió en la primera serie animada de horario central en
ser exitosa.9 41 46 Cabe añadir que la expresión de Pedro Picapiedra, «yabba
dabba doo», se integró al léxico popular,41 47 y el éxito del programa hizo que el
estudio obtuviera aún una mayor popularidad.25 Tiempo después, produjeron la
versión espacial de Los Picapiedra, denominada Los Supersónicos. Si bien
ambos programas se emitieron en las décadas de 1970 y 1980 al mismo
tiempo, Los Picapiedra resultaron más populares en la audiencia.9
Para finales de los años 1960, Hanna-Barbera era el estudio de animación
televisiva más exitoso en la industria. En total, produjo más de 3000 capítulos
animados de media hora de duración,41 de 138 series televisivas.48 Algunas de
sus programas más notables son La Hormiga Atómica, Canuto y Canito (una
imitación de uno de sus otros programas, Spike and Tyke, para MGM), Johnny
Quest, Josie and the Pussycats, Maguila Gorila, Pixie, Dixie y el gato Jinks, Tiro
Loco McGraw, elInspector Ardilla y Don Gato.5 6 Esta última se basó en el
personaje Sargento Bilko, de Phil Silvers,49 aunque ha habido reportes
erróneos de que el Sargento Bilko había sido la inspiración del oso Yogi, en vez
de la de Don Gato.29 Otras producciones de Hanna-Barbera incluyen Scooby-
Doo (1969–1986) y Los Pitufos(1981–1989),23 y especiales animados

17. inspirados en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, Las
habichuelas mágicas, Cyrano de Bergerac y Charlotte's Web.50
Los Picapiedra se convirtió en la primera serie animada de horario centralen
ser exitosa.9 41 46
Así como sus dibujos animados fueron populares en la audiencia de los años
1960, a otros dibujantes no les agradaban sus producciones.48 Los programas
televisivos tenían menores presupuestos que las animaciones
cinematográficas, y esto ocasionó la quiebra de muchos estudios de animación
en las décadas de 1950 y 1960.29 13 Hanna–Barbera se volvió crucial en el
desarrollo de la animación limitada,51 52 que permitió que la animación de
televisión fuese más rentable, aunque eso implicara que con frecuencia la
calidad artística fuese sacrificada en el proceso.5 23 27 6 El dúo había
experimentado por primera vez esta técnica en los comienzos de Tom y
Jerry.17 Barbera, 1994, pp. 74, 115</ref> Para reducir el costo de cada
episodio, los programas se centraban, con frecuencia, más en los diálogos que
en detallar la animación.29 48 De 14 000 dibujos que se creaban en Hanna-
Barbera para una serie de dibujos animados de siete minutos, la cifra se redujo
a 2000, además de que se implementaron técnicas innovadoras como cambios
rápidos de fondo para mejorar la sintonización.13 Algunos críticos repudiaron
estas modificaciones, en especial por la transición de una animación detallada
y exuberante a personajes planos con movimientos repetitivos.48 Barbera dijo,
en alguna ocasión, que las opciones en esos momentos eran adaptarse a los
presupuestos televisivos, o cambiar de carrera.51 52 El nuevo estilo de
animación no provocó efectos negativos en cuanto al éxito de sus programas,
lo cual permitió al estudio prevalecer en el negocio, y brindarle empleo a varias
personas que estaban desempleadas como consecuencia de dicha
situación.13 Con el paso del tiempo la animación limitada se volvió el formato
estándar para la producción de animación televisiva, y sigue usándose desde
entonces en series como Los Simpson y South Park.15 48
En 1966, Taft Broadcasting (renombrada a Great American Communications en
1987) adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD,7 aunque Bill Hanna y
Joseph Barbera continuaron encabezando la empresa hasta 1991.53 54 55 Ese
año, Turner Broadcasting System compró el estudio por un estimado de 320

18. millones USD,8 que se fusionó con Time Warner, propietarios de Warner Bros.,
en 1996.9 A partir de ese momento se le asoció con Cartoon Network. Hanna y
Barbera continuaron como asesores de la empresa, y se involucraron en
algunos programas nuevos como The Cartoon Cartoon Show y en
producciones fílmicas como Los Picapiedra (1994) yScooby-Doo (2002).10 41 56
Muerte
Hanna murió de cáncer de garganta el 22 de marzo de 2001 en North
Hollywood, Los Ángeles, California, y su cuerpo fue enterrado en el Ascension
Cemetery, enLake Forest, California.57 Tras la muerte de Hanna, en abril de
ese año, Cartoon Network puso en línea un micrositio web con la biografía del
dibujante a manera de homenaje, y el logotipo del canal torna sus cuadros
blancos con letras negras a cuadros negros con letras blancas en señal de
luto.58 De forma similar, Warner Bros. ofreció un memorial privado en el Steven
J. Ross Theater ese mismo mes.59
Legado
La mayoría de los dibujos animados que Hanna y Barbera crearon tenían
historias que giraban en torno a una amistad, o a una asociación, entre sus
protagonistas, como por ejemplo el gato Tom y el ratón Jerry, el oso Yogi y Boo
Boo, Pedro Picapiedra y Pablo Mármol, Ruff y Reddy, los Supersónicos así
como el equipo deScooby-Doo. Esto podría representar un reflejo de la amistad
que tenían Hanna y Barbera, la cual persistió por más de 60 años.60 Aún
cuando sus «talentos, debilidades y personalidades profesionales se
combinaron a la perfección»,15 25 141 ambos interactuaban en un círculo social
diferente para cada caso. En cuanto a Hanna, sus otros amigos eran también
animadores, mientras que Barbera solía rodearse de celebridades de
Hollywood.61 Rara vez hablaban fuera del trabajo, mientras que cuando
trabajaban apenas hablaban entre sí.23 21 Sobre la poca comunicación que
había entre ellos, Barbera dijo: «Nos entendíamos perfectamente, y cada uno
tenía un profundo respeto por el trabajo del otro». Como resultado de su
colaboración, crearon más de 2000 personajes animados.32
Se lo considera a Hanna como uno de los mejores animadores, al igual que
Tex Avery.46 Junto con Barbera, fue uno de los primeros animadores en probar
el potencial de la animación televisiva, rubro en el que tuvo un gran
éxito.27 62 El crítico Leonard Maltin añadió que Hanna-Barbera «[podría] tener el
récord de haber producido dibujos animados sobresalientes, con los mismos
personajes, año tras año, sin desviarse en su rutina. Sus personajes no son
simplemente superestrellas animadas, sino también una parte muy querida de
la cultura pop estadounidense».41 63 Noell Wolfgram, del sitio web Digital Media
Fx, comentó que Hanna había sido «uno de los pocos personajes cuyo trabajo
no solamente había sido para entretener o influir en su época, sino uno cuya
importancia no tenía un tiempo específico».59 Se los ha concebido como los
únicos rivales para Walt Disneyen cuanto a la producción de dibujos
animados.23 64

19. Los personajes de Hanna-Barbera han prevalecido en la cultura popular,
además de aparecer en películas, libros y otros productos.10 En la imagen, la
portada de un libro para colorear de Tiro Loco McGraw.
El dúo tuvo un impacto notable en la animación televisiva.53 Con frecuencia,
sus dibujos animados son consideradas como algunas de las mejores en la
industria.9 65 Muchos de sus personajes han aparecido en películas, libros,
juguetes y otros medios,10 mientras que las series han sido vistas por más de
300 millones de personas, y traducidas a más de 20 idiomas distintos.13 Otro
aspecto que ha sido elogiado con el tiempo es la musicalización de sus
programas; en particular, los cortometrajes The Cat Concerto (1946) y Johann
Mouse (1952) fueron catalogados como «obras maestras de la animación»,
debido en parte a la incorporación de música clásica en su trama.1 66 39
En total, el equipo Hanna-Barbera se hizo acreedor a siete premios Óscar y
ocho Emmy,1112 entre ellos el galardón de 1960 para The Huckleberry Hound
Show, el primer Emmy otorgado a una serie animada en toda la historia de
dichos premios.9 41 Otros premios incluyen el Globo de Oro al «Logro
Televisivo» (1960),11 el Golden IKE en la categoría de «Pioneros de la
transmisión» (1983), el premio Broadcast Music Incorporated en la categoría de
«Pioneros» (1987), el Iris por «Hombres del año» (1988), el galardón de la
Licensing Industry Merchandisers' Association por concepto de
«Reconocimiento a la trayectoria» (1988), el premio Governors de la Academy
of Television Arts and Sciences (1988), la distinción Jackie Coogan por
«Contribución sobresaliente a la juventud por medio del entretenimiento juvenil
en el cine» (1988), el galardón Frederic W. Ziv por «Logro sobresaliente en las
telecomunicaciones» del Broadcasting Division College, de la Universidad de
Cincinnati (1989), además de una estrella para cada uno en el Paseo de la
Fama de Hollywood (1976), varios Annie,67 y otros reconocimientos en cuanto
al cuidado ambiental, entre otros premios, aunados a su inducción al Salón de
la Fama de la Televisión, en 1994.67 9 41 En marzo de 2005, la Academia de
Artes y Ciencias de la Televisión y Warner Bros. Animation les dedicaron una
escultura de pared en la Hall of Fame Plaza, de la Academia de la Televisión,
en North Hollywood.68

20. Ray Harryhausen
Ray Harryhausen
Nombre Raymond Frederick
Harryhausen
Nacimiento 29 de junio de 1920
Los Ángeles, Estados
Unidos
Fallecimiento 7 de mayo de 2013, 92 años
Londres, Reino Unido
Nacionalidad estadounidense
Ocupación productor, técnico de efectos
especiales
Cónyuge Diana Livingstone Bruce
Hijos 1
Premios Premio Óscar en 1949
Galardón Ciencia Ficción en

21. 2005
Sitio web
Ray Harryhausen
Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de
junio de 1920 -Londres, 7 de mayo de 2013)1fue un técnico en efectos
especiales y productor cinematográfico estadounidense.
Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop
motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto
aWillis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos
visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y
los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981.
Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.
 1 Filmografía
 2 Exposiciones y bibliografía (Selección)
Filmografía
 How to Bridge a Gorge (1942) (productor)
 Tulips Shall Grow (1942) (animador)
 Mother Goose Stories (1946) (productor)
 The Story of Little Red Riding Hood (1949) (productor, animador)
 El gran gorila (1949) (efectos especiales)
 Rapunzel (1951) (productor)
 Hansel and Gretel (1951) (productor)
 The Story of King Midas (1953) (productor)
 The Beast from 20,000 Fathoms (1954) (efectos especiales)
 Surgió del fondo del mar (1955) (efectos especiales)
 The Animal World (1956) (efectos especiales)
 La tierra contra los platillos volantes (1956) (efectos especiales)
 La bestia de otro planeta (1957) (efectos especiales)
 Simbad y la princesa (1958) (productor asociado, efectos especiales)
 Los viajes de Gulliver (1960) (efectos especiales)
 La isla misteriosa (1961) (efectos especiales)

22.  Jasón y los argonautas (1963) (productor asociado, efectos especiales)
 La gran sorpresa (1964) (productor asociado, efectos especiales)
 One Million Years B.C. (1966) (efectos especiales)
 El valle de Gwangi (1969) (productor asociado, efectos especiales)
 El viaje fantástico de Simbad (1974) (productor, efectos especiales)
 Simbad y el ojo del tigre (1977) (productor, efectos especiales)
 Furia de titanes (1981) (productor, efectos especiales)
 The Story of the Tortoise & the Hare (2003) (director, co-productor,
animador)
 Ray Harryhausen Presents: The Pit and the Pendulum (2007) (productor
ejecutivo)
Como director:
Cortometrajes:
1946: Mother Goose presents Humpty Dumpty.
1949: Story of Little Red Rinding Hood.
1951: The story of Hansel and Gretel; The story of Rapunzel.
1953: The story of King Midas.
Como técnico de efectos especiales:
1949: El gran gorila.
1953: El monstruo de tiempos remotos.
1955: It came from beneath the sea; The animal world.
1956: La Tierra contra los platillos volantes.
1957: 20 million miles to Earth.
1958: Simbad y la princesa.
1960: Los viajes de Gulliver.
1961: La isla misteriosa.
1963: Jasón y los argonautas.
1964: La gran sorpresa.
1966: Hace un millón de años.
1969: El valle de Gwangi.
1973: El viaje fantástico de Simbad (y coproductor).
1977: Simbad y el Ojo del Tigre (y coproductor).
1981: Furia de titanes (y coproductor).
2003: The Story of the Tortoise & the Hare (coproductor y animador)
2007: The Pit and the Pendulum (productor ejecutivo)
Como actor:
1985: Espías como nosotros.
1994: Superdetective en Hollywood III.

23. Exposiciones y bibliografía (Selección)
 Ray Harryhausen creador de monstruos. Exposición comisariada por Asier
Mensuro que se celebró en la Fundación Luis Seoane de La Coruña del 20
de julio al 25 de setiembre de 2011. En ella se reflexionaba sobre la figura
de la monstruosidad vista a través de las creaciones de este creador de
efectos especiales cinematográficos, mostrándose más de 100 dibujos
originales, 25 muñecos articulados, storyboards, etc. La exposición
además, ponía en relieve el trabajo de Ray Harryhausen en España,
mostrándose el trabajo de directores artísticos españoles que participaron
en sus películas como Fernando González o Gil Parrondo.[1]
 Ray Harryhausen creador de monstruos; (textos de Asier Mensuro, Alberto
Ruiz de Samaniego, Jorge Gorostiza, Domingo Lizcano y Antonio
Garcinuño); Editado por la Fundación Luis Seoane y Maia Ediciones,
Madrid, 2011.[2]
 Al final de los Créditos de la Película "Titanes del Pacifico" se hace mención
a su nombre reconociéndolo como uno de los precursores de este tipo de
filmes.

 RAY HARRYHAUSEN
(1920-2013)
 Antes de que la animación se convirtiese en un juego de niños ricos
gracias a las maquinitas, existía un genio llamado Ray Harryhausen que
conseguía levantar admiración empleando con maestría la técnica del
stop motion.
Con su enorme talento, influenciado por el maestro Willis O’Brien
(responsable del stop motion de, entre otras, la obra maestra de 1933
“King Kong”) este grande del cine logró efectos especiales que todavía
hoy en día consiguen levantar fascinación, convirtiendo sus mejores
trabajos en auténticos títulos de culto del género fantástico.

24. Ray Harryhausen nació el 29 de junio de
1920 en la ciudad de Los Angeles,
California (Estados Unidos). Amante del
mundo de la ciencia-ficción y la fantasía
desde niño, Ray formó parte de clubes de
aficionados a estos géneros, intimando
desde su adolescencia con el conocido
escritor Ray Bradbury.
Fue el citado Willis O’Brien el que impulsó
a Harryhausen a dedicarse al mundo de la
animación de marionetas y maquetas
mediante el stop motion, llegando a
colaborar con su maestro en “El Gran
Gorila” (1949), que dirigió Ernest B.
Schoedsack y produjo Merian C. Cooper y
nada menos que John Ford, quien
también dirigió varias escenas.
Unos años antes Ray se había curtido en
la animación dirigiendo cortos junto a
George Pal, alcanzando un dominio del
stop motion que le llevaría a sus máximos
logros décadas más tarde.
 Al margen de los efectos Harryhausen también realizó sus pinitos como
director de fotografía, ejerciendo tal labor con el seudónimo de Jerome
Wray en “La historia de Caperucita Roja” (1949), película que también
produjo.
“El monstruo de tiempos remotos” (1953), monster movie basada en una
historia de Bradbury, fue la primera ocasión en la que Harryhausen
firmaba en solitario como autor de los efectos de animación.
Durante esta década Ray trabajaría en
películas como “It came from beneath the
sea” (1955), la primera vez de las muchas
en las cuales formó equipo con el productor
Charles H. Schneer, “La Tierra contra los
platillos voladores” (1956), “20 millions miles
to Earth” (1957) y “Simbad y la princesa”
(1958), título, al igual que el anterior, dirigido
por Nathan Juran.
En los años 60 Ray Harryhausen filmaría
“Los viajes de Gulliver” (1960), adaptación
de la sátira de Jonathan Swift, “La isla
misteriosa” (1961), basada en la novela de
Julio Verne, “Jason y los Argonautas”
(1963), probablemente su mejor trabajo con
Don Chaffey en la dirección, “La gran
sorpresa” (1964), adaptando a H. G. Wells
con dirección de nuevo de Juran, “Hace un
millón de años” (1966), aventuras

25. prehistóricas con Raquel Welch, y “El valle
Gwangi” (1969), con dirección de Jim
O’Connolly.
 A partir del cambio de decenio los trabajos de Harryhausen, que se
había casado en 1961 con Diana Livingstone, familiar del explorador
David Livingstone, serían bastante esporádicos.
En los 70 colaboró en “Trog” (1970), un título menor realizado por
Freddie Francis, y en dos películas sobre Simbad el Marino, “El viaje
fantástico de Simbad” (1974) y “Simbad y el ojo del trigre” (1977), en las
cuales también participó como guionista.
En los años 80 solamente trabajó en “Furia de Titanes” (1981), film
sobre los mitos griegos que supondría su última ocupación como
animador cinematográfico.
Curiosamente en la última etapa de su carrera profesional apareció más
como actor en apariciones fugaces, interviniendo en películas poco
trascendentes como “Espía como nosotros” (1985) o “Superdetective en
Hollywood 2” (1991), ambas dirigidas por John Landis.
 Harryhausen murió el 7 de mayo del año 2013. Tenía 92 años.
 Películas criticadas en ElCriticón-AlohaCriticón
 Jason y los Argonautas (1963)
Hace un millón de años (1966)