Max fleischer

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Max fleischer

  1. 1. Max Fleischer Max Fleischer Max Fleischer en 1934. Nacimiento 19 de julio de 1883 Cracovia, Polonia Fallecimiento 11 de septiembre de 1972 (88 años) Los angeles, California Nacionalidad Polaca Ocupación Dibujante, Escritor e inventor Años activo 1919-1972 Conocido por Dave Fleischer Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación dedibujos animados. Es el creadorde Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primercartoon en 1915.
  2. 2. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real. Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde. Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine. Biografía (Viena, 1889 - Los Ángeles, 1972) Dibujante estadounidense de origen austriaco, creador de personajes animados tan populares como Betty Boop o Popeye, nacidos en el estudio que fundó con su hermano Dave. Procedente de una familia de emigrantes, que llegó a los Estados Unidos cuando tan él contaba sólo cuatro años de edad, realizó sus estudios de arte en la Union Coper y en la Liga de Estudiantes, concluidos los cuales en 1916, comenzó a trabajar para John R. Bray. En 1917 patentó el "Rotoscope", un artefacto que permitía animar fotografías reales mediante un sencillo procedimiento, basado en copiar la acción que se proyectaba sobre unas hojas de papel. Tras varios años trabajando para John R. Bray, en 1921 fundó con su hermano la compañía “Out of the Inkwell Films” que se convirtió, andando el tiempo, en uno de los estudios de animación más importantes de los Estados Unidos, competencia directa de la factoría Disney. Ese mismo año, Max produjo su primera película,Modeling, en la que aparecía caracterizado uno de sus personajes más populares, Koko el Payaso, que había sido creado a través del proceso Rotoscope. Además, la película sentó el predecente de utilizar la plastilina como material de animación, algo bastante importante, pues el sistema de ensamblaje de la época sólo estaba preparado para el dibujo. Fleischer fue madurando su técnica de realización para las películas, en las que se mezclan a partes iguales realidad y animación, lo que consigue mediante el fotografías estáticas utilizadas como fondo, en los que inserta recortes de los personajes de ficción. El primer dibujo animado con sonido se realizó en 1924-26. En 1928 la compañía cambió su nombre por el de su fundador, con lo que pasó a llamarse Estudio Fleischer. El cliente más importante era la productora Paramount. En 1930 diseñó algunos de los personajes con los que consiguió más fama, Betty Boop y Popeye, de los que se realizaron las series Carrie of the Choruso Popeye the Sailor respectivamente. En 1939 produjoGulliver's Travels, un filme basado en el cuento homónimo, que supuso su primer largometraje.
  3. 3. Dos años después el Estudio Fleischer produjo una serie sobre el famoso personaje de cómic Superman, y poco después, el estudio cayó en manos de la productora Paramount, con lo que los hermanos Fleischer dejaron de ser sus responsables. En 1942 Max se trasladó a Detroit contratado por una empresa de cine. Unos años más tarde se trasladó a nueva York para volver a trabajar en el mismo lugar en que había empezado su carrera, el estudio Bray. Fleischer Studios Fleischer Studios, Inc. es una corporación estadounidense que comenzó como un estudio de animación ubicado en 1600 Broadway, Nueva York. Fue fundada en 1921por los hermanos Max y Dave Fleischer, quienes estuvieron a cargo de la compañía hasta que fueron despedidos por Paramount Pictures en enero de 1942. En su apogeo, fue el más significante competidor de Walt Disney Productions, y es famoso por llevar a la pantalla dibujos animados como Koko el payaso, Betty Boop, Popeye, y Superman.  1 Cine mudo  2 Sonido y color  3 Periodo posterior Cine mudo La compañía comenzó cuando Max Fleischer inventó el rotoscopio que le permitió realizar una animación más real. Utilizando este aparato, los hermanos Fleischer obtuvieron un contrato con Bray Studio en 1919 para producir una serie llamada Out of the Inkwell donde presentaban su primer personaje, Koko el payaso. La serie se convirtió en todo un éxito, lo que les dio la confianza de crear su propio estudio en 1921. A través de los años 1920, el estudio era uno de los principales productores de animación con un humor ingenioso y numerosas innovaciones. Estos incluían Ko-Ko Song Cartunes, dibujos animados musicales (con "The Famous Bouncing Ball"), que fue el precursor de los videos musicales; e hicieron películas educativas que explicaban cosas como la relatividad. El estudio incluso experimentó con películas sonoras años antes que El cantante de jazz. Los cortometrajes con sonido atrajeron poco interés, en parte debido a que la mayoría de los cines no tenían la tecnología necesaria. El estudio usó los métodos de Lee De Forest en una docena de dibujos animados con banda sonora sincronizada, como Come Take a Trip in My
  4. 4. Airship, Darling Nelly Gray, My Old Kentucky Home, y In the Good Old Summer Time. Sonido y color Con la completa adopción de las películas con sonido en los años 1920, el estudio fue una de los pocas compañías de animación en hacer exitosamente la transición con Screen Songs, una continuación de Ko-Ko Song Cartunes. El primero de estos fue The Sidewalks of New York, estrenado el 5 de febrero de 1929. En octubre del mismo año, los Fleischer crearon una nueva serie llamada Talkartoons. Los primeros episodios casi no tenían relación unos de otros, pero un nuevo personaje,Bimbo estuvo presente en casi toda la serie. Bimbo perdió protagonismo por su novia, Betty Boop, quien rápidamente se convirtió en la estrella del estudio. Betty fue el primer personaje femenino en Estados Unidos, y reflejaba la orientación urbana y adulta de los productos del estudio. El éxito de los hermanos Fleischer fue confirmado con la autorización de E.C.Segarpara hacer una serie animada de su personaje de tira cómica, Popeye el marino.Popeye se convirtió en la serie más popular jamás producida por los Fleischer, y su éxito competía con el de la serie animada Mickey Mouse de Walt Disney. Desafortunadamente, la fortuna del estudio comenzó a cambiar a medida que los años 1930 pasaban. En 1934, el código Hays fue promulgado en Hollywood, lo cual significaba una severa censura para las películas. Como resultado, Betty perdió en parte su sexualidad. Incluso peor, los Fleischer se veían acosados por la presión de su distribuidor, Paramount Pictures, quien les ordenó imitar el estilo y contenido de los dibujos animados de Walt Disney. El más claro ejemplo de este cambio fue su serie llamada Color Classics, que esencialmente era una copia de Silly Symphoniesde Disney. Periodo posterior Los esfuerzos de Fleischer Studios para imitar al estudio Disney terminaron con la producción de películas animadas, siguiendo el éxito de Blancanieves y los siete enanitos. Paramount le prestó a Fleischer el dinero para un estudio más grande, que fue construido en Miami (Florida) para aprovechar las roturas de impuestos y terminar con la actividad resultante de una huelga del sindicato en 1937. El nuevo estudio fue abierto en marzo de 1938, y comenzó la producción de su primera película, Los viajes de Gulliver, que pasó de una etapa de desarrollo a una de activa producción.
  5. 5. La película fue estrenada en Navidad de 1939, y Gulliver fue presentado modestamente, aunque la calidad de la historia y animación estaban bastante alejados de lo que trataban de imitar, Blancanieves. Entre el estreno de Gulliver y la siguiente, Mister Bug Goes to Town, los Fleischer produjeron el mejor trabajo de este periodo, una serie de gran calidad basada en el superhéroe de historietasSuperman. El primer cortometraje de la serie, simplemente titulado Superman, tenía un presupuesto de $100.000 dólares, uno de los más altos para un corto, y fue nominado a los Premios Óscar. Sin embargo, este éxito no ayudó al estudio con su problema financiero. El numeroso personal del nuevo estudio creó grandes gastos, necesitando una producción estable. Un número de los cortos fue producido durante este periodo, como la serie de Popeye y una dapatación de 1941 de Raggedy Ann y Andy, manteniendo un gran nivel de calidad. Otros, como los cortos de Stone Age y la serie de Gulliver, fueron los últimos grandes éxitos del estudio. Como las ganancias disminuyeron, los Fleischer tuvieron que continuamente solicitar préstamos de Paramount, poniendo más y más acciones de su estudio como garantía. Además, Max y Dave Fleischer ya no tenían una relación de amistad. Paramount recibió cartas firmadas de los dos hermanos, para poder financiar la temporada 1940–1941 del estudio. El 24 de mayo de 1941, Paramount asumió un control completo de Fleischer Studios, Inc., e incorporó una nueva compañía,Famous Studios, como el sucesor de Fleischer Studios, que se mantuvo como un centro coporativo. Los Fleischer volvieron a estar a cargo de la producción a finales de 1941. Mister Bug Goes to Town fue estrenado en diciembre de 1941. A diferencia deGulliver, Mister Bug falló en su intento de crear impresión de cualquier tipo, y acabó rápidamente. Dave Fleischer dejó el estudio para estar a cargo del estudio de animación Screen Gems de Columbia en California. Con el cofundador de su estudio de animación trabajando para un competidor, Paramount hizo sus cartas de renuncia y exigió el pago de sus préstamos, dejando al estudio en bancarrota y removiendo oficialmente a los Fleischer del control del estudio. Max Fleischer se convirtió en empleado del estudio Jam Handy, y Isadore Sparber, Dan Gordon, y el yerno de Max, Seymour Kneitel, se convirtieron en los nuevos directores del estudio, que fue movido de Miami a Nueva York en 1943. Los Fleischer nunca más fueron grandes personajes dentro de la industria, pero sus trabajos y personajes han mantenido su
  6. 6. popularidad, y en los años 1980, los hermanos fueron reconocidos como los pioneros en animación que fueron. Fleischer Studios es hoy en día solo una compañía de nombre, estando a cargo de las licencias de personajes como Betty Boop y Koko el payaso. Friz Freleng Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue unanimador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín,El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudioTermite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.  1 Primeros años  2 Freleng como director o 2.1 MGM o 2.2 Logros como director o 2.3 Luego de Warner Bros.  3 Trabajo posterior Primeros años[editar] Freleng nació en Kansas, Misuri, donde comenzó su carrera como animador enWalt Disney Pictures. Trabajó junto a otros animadores, como Carmen Maxwell, Ub Iwerks, Hugh Harman y Rudy Ising. Freleng acompañó a Disney a Hollywood,California, donde trabajaron en las series Alice Comedies y Oswald the Lucky Rabbit para los productores Margaret Winkler y Charles Mintz. Freleng pronto se unió a Harman e Ising para crear su propio estudio. El trío produjo un dibujo animado protagonizado por un personaje parecido a Mickey Mousellamado Bosko. Al ver un posible desempleo si el dibujo animado no llamaba la atención, Freleng se mudó a Nueva York para trabajar en Krazy Kat de Mintz, mientras seguía tratando de vender la creación de Harman e
  7. 7. Ising. Bosko fue finalmente vendido a Leon Schlesinger, quien le aseguró a Harman e Ising que Bosko protagonizaría la serie Looney Tunes que estaba produciendo para Warner Bros. Freleng se mudó a California para trabajar con Harman e Ising nuevamente. Freleng como director[editar] Harman e Ising dejaron el estudio de Schlesinger luego de disputas sobre presupuesto en 1933. Schlesinger quedó sin directores experimentados por lo que promovió a Freleng. El joven animador introdujo la primera estrella del estudio tras Bosko, Porky Pig, en I Haven't Got a Hat de 1935. El cortometraje es importante por tener uno de los primeros ejemplos de caracterización en un dibujo animado. Porky era distinto a Bosko y a su reemplazo Buddy por lo que fue bastante popular. MGM En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred Quimby. Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo nivel de liderazgo que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuando su contrato terminó en 1940. Logros como director La actitud de no intervención de Schlesinger hacia sus animadores le permitió crear varios cortometrajes cómicos, como You Oughta Be in Pictures de 1940 donde elpato Lucas le habla a Porky de dejar Warner Bros. para encontrar trabajo en otra parte. Freleng y sus animadores se mantuvieron a la par con Disney y su superioridad técnica haciendo los dibujos animados más y más cómicos (aunque, como era común para la época, un número de cortos incluían temas racistas contra las personas de color y propaganda anti japonesa). El estilo de Freleng maduró rápidamente, y se convirtió en un maestro de la coordinación cómica (comic timing). También introdujo o rediseñó a varios personajes de Warner, como Sam Bigotes en1945, el dúo Silvestre y Piolín en 1947 y Speedy Gonzales en 1955. Freleng y Chuck Jones lideraron el estudio Warner Bros. en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Freleng comenzó a limitarse solo a los pocos personajes ya mencionados y a Bugs Bunny. También continuó
  8. 8. produciendo versiones modernas de las comedias musicales que animó en sus primeros años, como The Three Little Bops (1957) y Pizzacato Pussycat (1955). Freleng ganó cuatro premios Oscar en Warner Bros. por los cortos Tweetie Pie (1947), Speedy Gonzales (1955), Knighty Knight Bugs (1958) y Birds Anonymous (1957). Luego de Warner Bros Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprisesestuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje paraUnited Artists, el cual ganó un premio Oscar. Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión. Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos animados hasta1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos. Trabajo posterior Freleng trabajó como productor ejecutivo en una serie de películas de Looney Tunesen los años 1980. Tras su muerte en 1995, fue enterrado en el Hillside Memorial Park Cemetery enCulver City, California. Murió a la edad de 89 años. Oskar Fischinger Oskar Fischinger (22 de junio de1900 - † 31 de enero de 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania
  9. 9. de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt(de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo. Biografía Explorador, buscador del arte absoluto, un arte en que música, color y movimiento, se suman proporcionando una experiencia estética sin precedentes, la aportación de Oskar Fischinger (1900-1967) no sólo a historia de las vanguardias artísticas y al ámbito de la animación con el que se lo asocia, sino también a las trayectorias de artistas procedentes de las más diversas disciplinas como el músico John Cage, o Jackson Pollock y el expresionismo abstracto, o verdaderos artistas del videoclip como Michael Gondry, no tiene parangón. Podemos imaginar a Oskar Fischinger como una versión moderna del artista renacentista; pintor, compositor y cineasta, cuyas piezas han influido de forma decisiva en el actual video clip -creará los primeros vídeos musicales 50 años antes que irrumpa en escena la MTV- en el ámbito del videoarte, o en el de la publicidad. En 1947, Ralph G. Potter se pregunta en su artículoAudiovisual Music "Will there ever be a generally accepted music that is both audible and visible?" Nos hallamos ante el planteamiento de lo que Oskar Fischinger llamará absolutefilm, cuyos precedentes se remontan, por lo menos, al siglo XVIII. Hacia 1720 Louis-Bertrand Castel, un matemático y físico francés, teoriza sobre el "clavecín ocular", fundándose en la creencia en la relación directa entre los siete colores del arco iris y las siete notas de la escala. Mediante este peculiar instrumento, el clavecín ocular, nacería la "música visible"- mediante la asociación de transparencias coloreadas con las claves del clavecín. En consonancia con las ideas del excéntrico científico francés, Oskar Fischinger (que había estudiado ingeniería después de la primera guerra mundial y fabricará el lumigraph con principios parecidos a los del clavecín ocular de Castel) defenderá la animación como un "arte verdadero" en relación con su capacidad sinestésica de crear lo que él denominaría "poesía óptica", "ojomúsica" o "danza ornamental". En el film absoluto de Fischinger confluyen todas las artes, pintura, música y el movimiento cinético que posibilita el cinematógrafo, para dar forma material a las emociones.
  10. 10. El descubrimiento de la obra de Walter Ruttman, y en concreto la asistencia en 1921, en Frankurt al estreno de Light -play Opus I de Ruttman será decisiva. En la línea de los trabajos de Rutman, la serie Studios (1930-32), incluida en la etapa berlinesa del artista previa a su exilio a estados unidos, muestra la interacción entre una serie de líneas blancas en movimiento sobre un fondo negro, con diversas piezas de música clásica. El resultado es impactante e hipnótico; la simbiosis entre imagen, movimiento, y sonido es total. Lo mismo ocurre con otras piezas del Oskar Fischinger comoCircles (1933), el primer film en color hecho por el artista, en que las formas y el movimiento se sincronizan con elVenusberg Ballet de la ópera Tanhauser de Wagner. En estas piezas no sólo se da una sincronía absoluta entre música y movimiento. Las distintas figuras geométricas, las distintas formas que adoptan las líneas parecen corresponder a las distintas texturas musicales, a los tonos, vibraciones y armonías de las canciones, acercándonos a la encarnación en el celuloide de música visual, mencionada unos párrafos más arriba. Estas primeras piezas de Fischinger, animaciones bidimensionales caracterizadas por una gran sencillez formal y complejidad conceptual, guardan un alto paralelismo con el nacimiento del arte abstracto y la defensa de la autonomía del arte. Es en este sentido que a principios del siglo XX varios artistas formulan una serie de ideas que vemos claramente reflejadas en el aparato conceptual que alimenta algunas de las creaciones de Fischinger: "Una línea es una fuerza que actúa como todas las fuerzas elementales: varias líneas relacionadas pero opuestas, tienen el mismo efecto que varias fuerzas elementales antagónicas." (...) "El artista consciente de estas leyes y de la interacción de las líneas pierde la ingenuidad. En el momento en que traza una curva, la que se opone a ella ya no puede librarse del concepto que encierra cada parte de la primera; a su vez la segunda actúa sobre ésta y ésta se transforma en relación a una tercera y a todas las demás" afirma Henry van de Velde en KungstewerblicheLaienpredigren publicado en 1902. Y en la misma época William Worringer, en su tesis doctoral Abstraktion undEingühlung, publicada en 1908, escribe, en relación con la creación pictórica autónoma de la mimesis aristotélica a la que ha estado anclada la pintura: "Las banales teorías de la imitación, que dominan nuestra estética gracias a la dependencia absoluta de los conceptos aristotélicos en la que se halla nuestra cultura, nos han vuelto ciegos a los valores psíquicos que son punto de partida y meta de toda producción artística." Respecto a sus Studies, Fishinger hará una declaración totalmente en la línea de las palabras de Van de Velde y de Worringer: "it seemed to me that, after all, a line is actually something in and on itself (...) When I think of how this line, which is so nicely round and delicate, and fine, can suddenly change into something pointed, angry, jagged and nervous, thorny, steep and violent (...)
  11. 11. and made an absolute cinema." Por otro lado, con sus reveladoras palabras, el artista Henry Van der Velde y el crítico y teórico del arte Worringer abonan el camino que lleva a una obra en la historia del arte, De loespiritual en el arte y Punto y línea sobre el plano del pintor Vasili Kandinsky, considerado el padre del arte abstracto. Kandinsky abre el capítulo VI de De lo espiritual en el arte, titulado El lenguaje de las formas y de los colores, con una cita de Goethe "El sonido musical tiene acceso directo al alma. Inmediatamente encuentra una resonancia porque el hombre "lleva la música en sí mismo". A partir de esta fructífera cita, Kandinsky desarrollará su teoría de los colores y las formas y su resonancia en el espíritu humano, nada alejada de lo que transmiten las piezas mencionadas de Fischinger, relacionándose de nuevo la música con las formas y los colores, y su reverberación en la psique humana. Tanto la trayectoria teórica como la pictórica de Kandisnky, se hallan en directa relación con el absolute cinema de Fischinger, que no en vano, ha sido denominado por muchos "cine abstracto", situando al cineasta alemán en un ámbito paralelo al de Kandisky respecto al arte abstracto, fundadores ambos de una alternativa radical a la mimesis occidental. Una alternativa que tan bien se expresa en la cuestión que se hace Kandinsky enDe lo espiritual en el arte: "¿no sería mejor renunciar por completo a lo figurativo, desparramarlo a todos los vientos y desnudar por completo lo puramente abstracto?". Pero Fishinger no limitará su obra a estas composiciones cinéticas abstractas que son los los Studies o la pieza Circles.Spiritual constructions (1927), realizada en su etapa de Munich, es una riquísima pieza que cuenta, a caballo entre lo abstracto y lo figurativo, y anticipándose arte psicodélico y el pop art de los años 60, la historia de dos borrachos, sus disputas y peleas, y como son echados del bar (en una magnífica animación en que son literalmente escupidos por la misma pared que anteriomente engulló sus siluetas). La pieza es excepcional desde el punto de vista estético como narrativo. Una vez más la absoluta sincronía entre música e imagen, aderezada ahora con la tensión y el suspense de la historia, dejan boquiabierto al espectador. Además de estas piezas, predecesoras sin duda del videoclip, como apuntamos en párrafos anteriores, Oskar Fishinger realiza Muratti marches on (1934) y Muratti Privat (1935), dos anuncios publicitarios de cigarrillos, en que el artista trabaja ya con figuras de tres dimensiones. En Muratti marches on, decenas de cigarrillos cobran vida, extraordinariamente antropomorfizados, y marchan al son de la música. En esta pieza, realizada mediante la técnica de animación de stop-motion, se pone de manifiesto el Fischinger inventor, el explorador de las formas y su materialización fílmica. Para la realización del anuncio se construyó una serie de sets en miniatura sobre una mesa redonda que podía rotar simulando
  12. 12. panorámicas y trávelings. Dada la fragilidad de los cigarrillos para su manipulación, se los vació de tabaco, rellenándolos de pequeñas piezas de madera y pegando las hebras de tabaco en sus dos extremos. Para simular el movimiento, el cigarro se clavaba y desclavaba de una superficie plastilene, a razón de 24 veces por cada segundo de película. Para evitar que se viesen las marcas en de las agujas insertadas a los cigarros, se cubriría la superficie plástica con el serrín resultante de la manipulación de la madera para rellenar los cigarrillos. El anuncio de Fischinger sería profusamente imitado a pesar de que el artista no revelaría nunca los secretos de su realización. Con su Composition in blue (1935), Fischinger prosigue la línea del absolute cinema iniciada con sus Studies y Circles, pero a partir de la animación con modelos tridimensionales, como en sus anuncios publicitarios. Con esta pieza Fischinger desafía al régimen nazi, en el poder desde 1933, que ha prohibido el cine abstracto en un contexto en que el audiovisual deviene el instrumento de propaganda por excelencia del gobierno de Adolf Hitler. En 1936 la Paramount ofrece un contrato a Fischinger, que, apremiado por sus crecientes dificultades para vivir en libertad en la Alemania nazi, se exilia a los Estados Unidos, país en el que vivirá hasta su fallecimiento en 1967. En Estados Unidos, Fischinger proseguirá con la realización de sus piezas más experimentales, como testimonia la animación experimental An Optical Poem de 1937 y realizará algunas colaboraciones con grandes estudios cinematográficos, como la llevada a cabo con la factoría Disney en 1938 y 1939, con la realización de la pieza Tocatta y fuga para el film Fantasía (1940) que sería alterada por los artistas del estudio para hacerla más representacional, y se eliminaría del montaje del film, y animando la varita mágica del hada de Pinocchio(1940). Pero las colaboraciones con la industria cinematográfica se remontan a la época berlinesa de Fischinger en y su colaboración con Fritz Lang en 1928 realizando los efectos especiales de La mujer en la luna (Frauim mond, 1928). Ante las numerosas negativas de financiación de sus proyectos, y a pesar del progresivo reconocimiento de su trayectoria artística, durante los últimos años de su existencia Fischinger se irá decantando hacia el ámbito de la pintura, consagrándose diversas exposiciones a sus lienzos. Mucho debe la historia del arte y del audiovisual a la trayectoria de este artista multidisciplinar y sus extraordinarias creaciones. William Hanna William Hanna Nacimiento 14 de julio de 1910 Nuevo México, Estados
  13. 13. Unidos Fallecimiento 22 de marzo de 2001 (90 años) Los Ángeles, California,Estados Unidos Nacionalidad Estados Unidos Etnia Irlandés estadounidense Ocupación Dibujante y animador, y director y productor de cine y televisión Cónyuge Violet Blanch Wogatzke (1936– 2001) William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine ytelevisión estadounidense. Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en dibujos animados comoCaptain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.2 En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer(MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera,3 4 que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época,5 6 al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.7 En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.8 9 10 El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,11 12 y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas
  14. 14. creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.13 Trayectoria Cinematográfica Una vez que abandonó la universidad, Hanna consiguió empleo como ingeniero de construcción y participó en la edificación del Pantages Theatre, en Hollywood.20 24Sin embargo, tuvo que buscar otro empleo al ser despedido de este a causa del impacto de la crisis económica. Consiguió un trabajo temporal en un lavado de automóviles. En esa etapa, el novio de una de sus hermanas lo alentó a buscar una oportunidad laboral en la compañía Pacific Title and Art, que producía intertítulospara filmes.28 Mientras trabajaba ahí, comenzó a sobresalir por su talento para dibujar, y en 1930 se incorporó al estudio animado Harman-Ising, responsable de los dibujos animados Looney Tunes y Merrie Melodies.1 A pesar de carecer de formación en materia de animación, pasó a encabezar el departamento de coloreado del estudio. Sin embargo, su labor fue más allá de solamente colorear los dibujos, ya que también escribió algunas letras de las canciones que servían como temas de apertura y cierre de esos programas.1 En sus primeros años ahí, el estudio estaba asociado con Leon Schlesinger, de Pacific Title and Art, que emitía el material de Harman-Ising por medio de Warner Bros. Sin embargo, una vez queHugh Harman y Rudolph Ising decidieron prescindir de su asociación con Schlesinger y comenzar, en cambio, a producir sus dibujos animados de forma independiente para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), en 1933, Hanna optó por seguir colaborando con Harman e Ising.1 29 En 1936, Hanna dirigió su primera serie de dibujos animados, To Spring, que formó parte de la colección Happy Harmonies de Harman-Ising.16 Al año siguiente, MGM finalizó su asociación con Harman-Ising y comenzó a producir sus propios dibujos animados.2 Hanna se convirtió en uno de los primeros empleados en ser contratados por MGM para su nuevo estudio de animación. En la temporada de 1938-39, fungió como director en jefe de la serie Captain and the Kids de MGM, basada en la tira cómica del mismo nombre (una versión modificada de The Katzenjammer Kids, que había resultado de una demanda judicial en 1914). No obstante, el programa no tuvo el éxito esperado, por lo que Hanna fue reasignado como guionista del estudio, a partir de la cancelación de los dibujos animados.2 El escritorio donde trabajaba Hanna estaba justo al lado del de Joseph Barbera, que previamente había trabajado en Terrytoons. Poco después, ambos coincidieron en que podían colaborar juntos en algunos proyectos.18 De esta forma, para 1939 ya habían establecido una sociedad sólida, que se prolongaría por más de seis décadas.1 29 Hanna y Barbera trabajaron en ese entonces junto con el director de animación Tex Avery, creador del Pato Lucas y de Bugs Bunny para Warner Bros., y director de Droopy en MGM.30 31 En 1940, Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje animado Puss Gets the Boot, que se hizo acreedor a una nominación como «Mejor cortometraje animado».32 33 A pesar del éxito del proyecto, el estudio quería una oferta más diversificada de dibujos animados en su haber, y el supervisor de Hanna y Barbera, Fred Quimby, no quería producir más dibujos
  15. 15. animados de gatos y ratones.34 Sorprendidos por el impacto causado por Puss Gets the Boot, los creadores ignoraron a Quimby35 y siguieron adelante con el concepto del gato y el ratón. En ese entonces, Hanna expresó deseos de volver a trabajar con Ising, a quien le era muy leal. Hanna y Barbera se reunieron con Quimby, que descubrió que Ising no había colaborado en el corto y aun así había tomado crédito por haberlo producido. Quimby decidió entonces permitir que Hanna y Barbera prosiguieran con su idea, y como resultado surgió Tom y Jerry.36 Diseñada en base a los personajes de Puss Gets the Boot, aunque con mínimas diferencias, la serie sigue a Jerry, el roedor molesto que suele burlar a su enemigo felino, Tom.16 23 Sobre la elección del concepto, Hanna comentó: «Sabíamos que necesitábamos dos personajes. Pensábamos que debía haber un conflicto, persecuciones y acción. Y un gato que persigue a un ratón se veía como un concepto bueno y básico».20 Tom y Jerry aparecieron por primera vez en The Midnight Snack (1941).35 Hanna y Barbera continuarían colaborando casi de forma exclusiva en esta serie por los próximos 17 años,32 llegando a dirigir más de 114 cortometrajes del gato y el ratón.37 En la Segunda Guerra Mundial, continuaron animando películas con enfoque educativo.17 Desde el principio, concibieron queTom y Jerry debía tener más acción que diálogo entre los protagonistas.29 A pesar de su popularidad, se la ha criticado al catalogarla como «extremadamente violenta».38 39 El programa obtuvo su primer premio Óscar en su 11° entrega, The Yankee Doodle Mouse (1943), cuya trama está basada en la época bélica.16 En total, Tom y Jerry tuvo 14 nominaciones en dichos galardones, de las cuales ganó en siete ocasiones.40 Ninguna otra serie animada ha ganado más premios, ni tampoco otra que contuviera a los mismos personajes.1 6 Los personajes aparecieron también en otras películas de imagen real de MGM, entre ellas Anchors Aweigh (1945) e Invitation to the Dance (1956) con Gene Kelly, y Dangerous When Wet (1953) con Esther Williams.25 6 41 Quimby recibió cada premio Óscar que obtuvo Tom y Jerry, sin invitar a Hanna y a Barbera al escenario para que dirigiesen algunas palabras a la audiencia, en sus roles como creadores del programa. Inclusive, Quimby figuraba en los créditos como el único productor, de manera idéntica a como lo había hecho Ising en su momento, y que tanto había criticado el primero.42 Una vez que este se retiró en 1955, Hanna y Barbera se hicieron cargo de la división animada de MGM.1 4 Debido a que el estudio comenzó a generar más y más pérdidas financieras debido a la competición televisiva,3 28 MGM concluyó que sería más rentable relanzar antiguos dibujos animados, en vez de producir nuevos. Así, en 1957, el gerente de negocios del dúo creador de Tom y Jerry ordenó el cierre de la división animada del estudio, y despidió a todos los empleados.43 Esto les pareció desconcertante a Hanna y a Barbera dado el éxito previo de Tom y Jerry Televisiva En su último año en MGM, Hanna incursionó en la televisión, al establecer la compañía Shield Productions junto con el animador Jay Ward,44 que para entonces había creado la serie Crusader Rabbit. No obstante, su sociedad terminó pronto y, en 1957, Hanna volvió a colaborar con Barbera en la
  16. 16. producción de dibujos animados que se emitirían en televisión, así como en cortometrajes para cine.23Barbera se distinguía más por ser el audaz escritor de las bromas, así como el dibujante, mientras que Hanna tenía más afinidad por la dirección, al encargarse de la sincronización y la trama, y la contratación de los dibujantes. Las decisiones de negocios eran tomadas entre ambos, y cada año alternaban el título de presidente en su nuevo estudio de animación.45 21 4 Para elegir el nombre de la empresa, tiraron una moneda al aire y ganó Hanna,18 así que este decidió llamarla H-B Enterprises, aunque luego cambiaría a Hanna–Barbera Productions.3 4 Logotipo de Hanna-Barbera Productions, fundada en 1957.3 4 El primer proyecto de Hanna-Barbera fueThe Ruff & Reddy Show,23 una serie que gira en torno a la amistad entre un gato y un perro.9 A pesar de una recepción variada con Loopy De Loop, su primera producción cinematográfica, el estudio pronto comenzó a ganar popularidad en la industria al crear las exitosas series The Huckleberry Hound Show y el Show del Oso Yogi. Una encuesta realizada en 1960 mostró que la mitad de la audiencia de Huckleberry Hound era adulta. Por lo tanto, crearon una nueva serie animada: Los Picapiedra.41 13 A manera de parodia de The Honeymooners, este nuevo programa seguiría las aventuras de una típica familia de la Edad de Piedra. La audiencia de Hanna-Barbera se expandió al mercado infantil a partir de Los Picapiedra, que se convirtió en la primera serie animada de horario central en ser exitosa.9 41 46 Cabe añadir que la expresión de Pedro Picapiedra, «yabba dabba doo», se integró al léxico popular,41 47 y el éxito del programa hizo que el estudio obtuviera aún una mayor popularidad.25 Tiempo después, produjeron la versión espacial de Los Picapiedra, denominada Los Supersónicos. Si bien ambos programas se emitieron en las décadas de 1970 y 1980 al mismo tiempo, Los Picapiedra resultaron más populares en la audiencia.9 Para finales de los años 1960, Hanna-Barbera era el estudio de animación televisiva más exitoso en la industria. En total, produjo más de 3000 capítulos animados de media hora de duración,41 de 138 series televisivas.48 Algunas de sus programas más notables son La Hormiga Atómica, Canuto y Canito (una imitación de uno de sus otros programas, Spike and Tyke, para MGM), Johnny Quest, Josie and the Pussycats, Maguila Gorila, Pixie, Dixie y el gato Jinks, Tiro Loco McGraw, elInspector Ardilla y Don Gato.5 6 Esta última se basó en el personaje Sargento Bilko, de Phil Silvers,49 aunque ha habido reportes erróneos de que el Sargento Bilko había sido la inspiración del oso Yogi, en vez de la de Don Gato.29 Otras producciones de Hanna-Barbera incluyen Scooby- Doo (1969–1986) y Los Pitufos(1981–1989),23 y especiales animados
  17. 17. inspirados en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, Las habichuelas mágicas, Cyrano de Bergerac y Charlotte's Web.50 Los Picapiedra se convirtió en la primera serie animada de horario centralen ser exitosa.9 41 46 Así como sus dibujos animados fueron populares en la audiencia de los años 1960, a otros dibujantes no les agradaban sus producciones.48 Los programas televisivos tenían menores presupuestos que las animaciones cinematográficas, y esto ocasionó la quiebra de muchos estudios de animación en las décadas de 1950 y 1960.29 13 Hanna–Barbera se volvió crucial en el desarrollo de la animación limitada,51 52 que permitió que la animación de televisión fuese más rentable, aunque eso implicara que con frecuencia la calidad artística fuese sacrificada en el proceso.5 23 27 6 El dúo había experimentado por primera vez esta técnica en los comienzos de Tom y Jerry.17 Barbera, 1994, pp. 74, 115</ref> Para reducir el costo de cada episodio, los programas se centraban, con frecuencia, más en los diálogos que en detallar la animación.29 48 De 14 000 dibujos que se creaban en Hanna- Barbera para una serie de dibujos animados de siete minutos, la cifra se redujo a 2000, además de que se implementaron técnicas innovadoras como cambios rápidos de fondo para mejorar la sintonización.13 Algunos críticos repudiaron estas modificaciones, en especial por la transición de una animación detallada y exuberante a personajes planos con movimientos repetitivos.48 Barbera dijo, en alguna ocasión, que las opciones en esos momentos eran adaptarse a los presupuestos televisivos, o cambiar de carrera.51 52 El nuevo estilo de animación no provocó efectos negativos en cuanto al éxito de sus programas, lo cual permitió al estudio prevalecer en el negocio, y brindarle empleo a varias personas que estaban desempleadas como consecuencia de dicha situación.13 Con el paso del tiempo la animación limitada se volvió el formato estándar para la producción de animación televisiva, y sigue usándose desde entonces en series como Los Simpson y South Park.15 48 En 1966, Taft Broadcasting (renombrada a Great American Communications en 1987) adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD,7 aunque Bill Hanna y Joseph Barbera continuaron encabezando la empresa hasta 1991.53 54 55 Ese año, Turner Broadcasting System compró el estudio por un estimado de 320
  18. 18. millones USD,8 que se fusionó con Time Warner, propietarios de Warner Bros., en 1996.9 A partir de ese momento se le asoció con Cartoon Network. Hanna y Barbera continuaron como asesores de la empresa, y se involucraron en algunos programas nuevos como The Cartoon Cartoon Show y en producciones fílmicas como Los Picapiedra (1994) yScooby-Doo (2002).10 41 56 Muerte Hanna murió de cáncer de garganta el 22 de marzo de 2001 en North Hollywood, Los Ángeles, California, y su cuerpo fue enterrado en el Ascension Cemetery, enLake Forest, California.57 Tras la muerte de Hanna, en abril de ese año, Cartoon Network puso en línea un micrositio web con la biografía del dibujante a manera de homenaje, y el logotipo del canal torna sus cuadros blancos con letras negras a cuadros negros con letras blancas en señal de luto.58 De forma similar, Warner Bros. ofreció un memorial privado en el Steven J. Ross Theater ese mismo mes.59 Legado La mayoría de los dibujos animados que Hanna y Barbera crearon tenían historias que giraban en torno a una amistad, o a una asociación, entre sus protagonistas, como por ejemplo el gato Tom y el ratón Jerry, el oso Yogi y Boo Boo, Pedro Picapiedra y Pablo Mármol, Ruff y Reddy, los Supersónicos así como el equipo deScooby-Doo. Esto podría representar un reflejo de la amistad que tenían Hanna y Barbera, la cual persistió por más de 60 años.60 Aún cuando sus «talentos, debilidades y personalidades profesionales se combinaron a la perfección»,15 25 141 ambos interactuaban en un círculo social diferente para cada caso. En cuanto a Hanna, sus otros amigos eran también animadores, mientras que Barbera solía rodearse de celebridades de Hollywood.61 Rara vez hablaban fuera del trabajo, mientras que cuando trabajaban apenas hablaban entre sí.23 21 Sobre la poca comunicación que había entre ellos, Barbera dijo: «Nos entendíamos perfectamente, y cada uno tenía un profundo respeto por el trabajo del otro». Como resultado de su colaboración, crearon más de 2000 personajes animados.32 Se lo considera a Hanna como uno de los mejores animadores, al igual que Tex Avery.46 Junto con Barbera, fue uno de los primeros animadores en probar el potencial de la animación televisiva, rubro en el que tuvo un gran éxito.27 62 El crítico Leonard Maltin añadió que Hanna-Barbera «[podría] tener el récord de haber producido dibujos animados sobresalientes, con los mismos personajes, año tras año, sin desviarse en su rutina. Sus personajes no son simplemente superestrellas animadas, sino también una parte muy querida de la cultura pop estadounidense».41 63 Noell Wolfgram, del sitio web Digital Media Fx, comentó que Hanna había sido «uno de los pocos personajes cuyo trabajo no solamente había sido para entretener o influir en su época, sino uno cuya importancia no tenía un tiempo específico».59 Se los ha concebido como los únicos rivales para Walt Disneyen cuanto a la producción de dibujos animados.23 64
  19. 19. Los personajes de Hanna-Barbera han prevalecido en la cultura popular, además de aparecer en películas, libros y otros productos.10 En la imagen, la portada de un libro para colorear de Tiro Loco McGraw. El dúo tuvo un impacto notable en la animación televisiva.53 Con frecuencia, sus dibujos animados son consideradas como algunas de las mejores en la industria.9 65 Muchos de sus personajes han aparecido en películas, libros, juguetes y otros medios,10 mientras que las series han sido vistas por más de 300 millones de personas, y traducidas a más de 20 idiomas distintos.13 Otro aspecto que ha sido elogiado con el tiempo es la musicalización de sus programas; en particular, los cortometrajes The Cat Concerto (1946) y Johann Mouse (1952) fueron catalogados como «obras maestras de la animación», debido en parte a la incorporación de música clásica en su trama.1 66 39 En total, el equipo Hanna-Barbera se hizo acreedor a siete premios Óscar y ocho Emmy,1112 entre ellos el galardón de 1960 para The Huckleberry Hound Show, el primer Emmy otorgado a una serie animada en toda la historia de dichos premios.9 41 Otros premios incluyen el Globo de Oro al «Logro Televisivo» (1960),11 el Golden IKE en la categoría de «Pioneros de la transmisión» (1983), el premio Broadcast Music Incorporated en la categoría de «Pioneros» (1987), el Iris por «Hombres del año» (1988), el galardón de la Licensing Industry Merchandisers' Association por concepto de «Reconocimiento a la trayectoria» (1988), el premio Governors de la Academy of Television Arts and Sciences (1988), la distinción Jackie Coogan por «Contribución sobresaliente a la juventud por medio del entretenimiento juvenil en el cine» (1988), el galardón Frederic W. Ziv por «Logro sobresaliente en las telecomunicaciones» del Broadcasting Division College, de la Universidad de Cincinnati (1989), además de una estrella para cada uno en el Paseo de la Fama de Hollywood (1976), varios Annie,67 y otros reconocimientos en cuanto al cuidado ambiental, entre otros premios, aunados a su inducción al Salón de la Fama de la Televisión, en 1994.67 9 41 En marzo de 2005, la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión y Warner Bros. Animation les dedicaron una escultura de pared en la Hall of Fame Plaza, de la Academia de la Televisión, en North Hollywood.68
  20. 20. Ray Harryhausen Ray Harryhausen Nombre Raymond Frederick Harryhausen Nacimiento 29 de junio de 1920 Los Ángeles, Estados Unidos Fallecimiento 7 de mayo de 2013, 92 años Londres, Reino Unido Nacionalidad estadounidense Ocupación productor, técnico de efectos especiales Cónyuge Diana Livingstone Bruce Hijos 1 Premios Premio Óscar en 1949 Galardón Ciencia Ficción en
  21. 21. 2005 Sitio web Ray Harryhausen Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de junio de 1920 -Londres, 7 de mayo de 2013)1fue un técnico en efectos especiales y productor cinematográfico estadounidense. Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto aWillis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981. Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.  1 Filmografía  2 Exposiciones y bibliografía (Selección) Filmografía  How to Bridge a Gorge (1942) (productor)  Tulips Shall Grow (1942) (animador)  Mother Goose Stories (1946) (productor)  The Story of Little Red Riding Hood (1949) (productor, animador)  El gran gorila (1949) (efectos especiales)  Rapunzel (1951) (productor)  Hansel and Gretel (1951) (productor)  The Story of King Midas (1953) (productor)  The Beast from 20,000 Fathoms (1954) (efectos especiales)  Surgió del fondo del mar (1955) (efectos especiales)  The Animal World (1956) (efectos especiales)  La tierra contra los platillos volantes (1956) (efectos especiales)  La bestia de otro planeta (1957) (efectos especiales)  Simbad y la princesa (1958) (productor asociado, efectos especiales)  Los viajes de Gulliver (1960) (efectos especiales)  La isla misteriosa (1961) (efectos especiales)
  22. 22.  Jasón y los argonautas (1963) (productor asociado, efectos especiales)  La gran sorpresa (1964) (productor asociado, efectos especiales)  One Million Years B.C. (1966) (efectos especiales)  El valle de Gwangi (1969) (productor asociado, efectos especiales)  El viaje fantástico de Simbad (1974) (productor, efectos especiales)  Simbad y el ojo del tigre (1977) (productor, efectos especiales)  Furia de titanes (1981) (productor, efectos especiales)  The Story of the Tortoise & the Hare (2003) (director, co-productor, animador)  Ray Harryhausen Presents: The Pit and the Pendulum (2007) (productor ejecutivo) Como director: Cortometrajes: 1946: Mother Goose presents Humpty Dumpty. 1949: Story of Little Red Rinding Hood. 1951: The story of Hansel and Gretel; The story of Rapunzel. 1953: The story of King Midas. Como técnico de efectos especiales: 1949: El gran gorila. 1953: El monstruo de tiempos remotos. 1955: It came from beneath the sea; The animal world. 1956: La Tierra contra los platillos volantes. 1957: 20 million miles to Earth. 1958: Simbad y la princesa. 1960: Los viajes de Gulliver. 1961: La isla misteriosa. 1963: Jasón y los argonautas. 1964: La gran sorpresa. 1966: Hace un millón de años. 1969: El valle de Gwangi. 1973: El viaje fantástico de Simbad (y coproductor). 1977: Simbad y el Ojo del Tigre (y coproductor). 1981: Furia de titanes (y coproductor). 2003: The Story of the Tortoise & the Hare (coproductor y animador) 2007: The Pit and the Pendulum (productor ejecutivo) Como actor: 1985: Espías como nosotros. 1994: Superdetective en Hollywood III.
  23. 23. Exposiciones y bibliografía (Selección)  Ray Harryhausen creador de monstruos. Exposición comisariada por Asier Mensuro que se celebró en la Fundación Luis Seoane de La Coruña del 20 de julio al 25 de setiembre de 2011. En ella se reflexionaba sobre la figura de la monstruosidad vista a través de las creaciones de este creador de efectos especiales cinematográficos, mostrándose más de 100 dibujos originales, 25 muñecos articulados, storyboards, etc. La exposición además, ponía en relieve el trabajo de Ray Harryhausen en España, mostrándose el trabajo de directores artísticos españoles que participaron en sus películas como Fernando González o Gil Parrondo.[1]  Ray Harryhausen creador de monstruos; (textos de Asier Mensuro, Alberto Ruiz de Samaniego, Jorge Gorostiza, Domingo Lizcano y Antonio Garcinuño); Editado por la Fundación Luis Seoane y Maia Ediciones, Madrid, 2011.[2]  Al final de los Créditos de la Película "Titanes del Pacifico" se hace mención a su nombre reconociéndolo como uno de los precursores de este tipo de filmes.   RAY HARRYHAUSEN (1920-2013)  Antes de que la animación se convirtiese en un juego de niños ricos gracias a las maquinitas, existía un genio llamado Ray Harryhausen que conseguía levantar admiración empleando con maestría la técnica del stop motion. Con su enorme talento, influenciado por el maestro Willis O’Brien (responsable del stop motion de, entre otras, la obra maestra de 1933 “King Kong”) este grande del cine logró efectos especiales que todavía hoy en día consiguen levantar fascinación, convirtiendo sus mejores trabajos en auténticos títulos de culto del género fantástico.
  24. 24. Ray Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Amante del mundo de la ciencia-ficción y la fantasía desde niño, Ray formó parte de clubes de aficionados a estos géneros, intimando desde su adolescencia con el conocido escritor Ray Bradbury. Fue el citado Willis O’Brien el que impulsó a Harryhausen a dedicarse al mundo de la animación de marionetas y maquetas mediante el stop motion, llegando a colaborar con su maestro en “El Gran Gorila” (1949), que dirigió Ernest B. Schoedsack y produjo Merian C. Cooper y nada menos que John Ford, quien también dirigió varias escenas. Unos años antes Ray se había curtido en la animación dirigiendo cortos junto a George Pal, alcanzando un dominio del stop motion que le llevaría a sus máximos logros décadas más tarde.  Al margen de los efectos Harryhausen también realizó sus pinitos como director de fotografía, ejerciendo tal labor con el seudónimo de Jerome Wray en “La historia de Caperucita Roja” (1949), película que también produjo. “El monstruo de tiempos remotos” (1953), monster movie basada en una historia de Bradbury, fue la primera ocasión en la que Harryhausen firmaba en solitario como autor de los efectos de animación. Durante esta década Ray trabajaría en películas como “It came from beneath the sea” (1955), la primera vez de las muchas en las cuales formó equipo con el productor Charles H. Schneer, “La Tierra contra los platillos voladores” (1956), “20 millions miles to Earth” (1957) y “Simbad y la princesa” (1958), título, al igual que el anterior, dirigido por Nathan Juran. En los años 60 Ray Harryhausen filmaría “Los viajes de Gulliver” (1960), adaptación de la sátira de Jonathan Swift, “La isla misteriosa” (1961), basada en la novela de Julio Verne, “Jason y los Argonautas” (1963), probablemente su mejor trabajo con Don Chaffey en la dirección, “La gran sorpresa” (1964), adaptando a H. G. Wells con dirección de nuevo de Juran, “Hace un millón de años” (1966), aventuras
  25. 25. prehistóricas con Raquel Welch, y “El valle Gwangi” (1969), con dirección de Jim O’Connolly.  A partir del cambio de decenio los trabajos de Harryhausen, que se había casado en 1961 con Diana Livingstone, familiar del explorador David Livingstone, serían bastante esporádicos. En los 70 colaboró en “Trog” (1970), un título menor realizado por Freddie Francis, y en dos películas sobre Simbad el Marino, “El viaje fantástico de Simbad” (1974) y “Simbad y el ojo del trigre” (1977), en las cuales también participó como guionista. En los años 80 solamente trabajó en “Furia de Titanes” (1981), film sobre los mitos griegos que supondría su última ocupación como animador cinematográfico. Curiosamente en la última etapa de su carrera profesional apareció más como actor en apariciones fugaces, interviniendo en películas poco trascendentes como “Espía como nosotros” (1985) o “Superdetective en Hollywood 2” (1991), ambas dirigidas por John Landis.  Harryhausen murió el 7 de mayo del año 2013. Tenía 92 años.  Películas criticadas en ElCriticón-AlohaCriticón  Jason y los Argonautas (1963) Hace un millón de años (1966)

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