obras de arte del neoclasicismo y postimpresionistas

1. 2017
Obras de arte neoclásicas y
postimpresionistas
SILVIA ROCIO QUINTERO MEDINA CEDULA 25643370

2. Obras neoclásicas análisis.
AUTOR: JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825).
Fecha: 1793
Museo: Museo Real de BB.AA. -Bruselas-
Características:
Estilo: Neoclasicismo Francés
Material: Óleo sobre lienzo
Época: Revolución Francesa.
Análisis: Es una oración fúnebre y un tributo a Marat, mártir de
la Revolución. Exhibe el hecho y la virtud del asesinato; así, la
bañera en la que se sumerge es para atenuar el dolor; la caja de
madera representa su pobreza, de su integridad y un cheque sobre
la caja que manda a una mujer pobre hace referencia a su
generosidad. Además, la pluma es el arma de la razón, frente al
cuchillo. En cuanto a la composición vemos que la parte baja del
cuadro está recargada, y la superior vacía, de las cosas se pasa a
la ausencia. Las manchas de sangre tampoco son grotescas se
han realizado muy cuidadosamente lo que sugiere que no hubo
exceso de violencia. La manera como reposa la cabeza nos indica
calma, tranquilidad, como un descanso.

3. Las tres gracias
BERTEL THÖRWALDSEN (1770-1844)
"Las tres gracias" las hizo en dos versiones (bulto redondo y
relieve). En éste caso de las tres mujeres griegas que representan
la voluptuosidad, la castidad y la pulcritud, aunque ninguno de
estos atributos se divisa con facilidad la obra carece de
emocione. Se distinguen a las tres mujeres, danzando levemente,
de manera muy parecida y en otro plano a cupido.

4. El baño turco
Autor: J. Auguste Dominique Ingres
Fecha: 1862-63
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 108 cm. diámetro
Estilo: Neoclasicismo Francés
Material: Óleo sobre lienzo
El tema eterno de Ingres, el cuerpo femenino desnudo, se nos
muestra de nuevo en este cuadro como único motivo, repetido
como eco en los cuerpos de las veinticuatro mujeres que
aparecen en la escena. Parece ser que el artista tomó como fuente
el relato de una dama del siglo XVIII, Lady Montagu, esposa del
embajador inglés en Constantinopla, que visitó en dicha ciudad
un baño femenino. Sus descripciones hablan de doscientas
mujeres desnudas entregadas al placer ocioso de cuidar sus
cuerpos. El fondo muestra una visión casi clandestina, como la
de un espectador que penetra en la intimidad del baño a través
de un agujero en la pared.

5. El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el
cuerpo de Héctor
Autor: Jacques Louis David
Fecha: 1783
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características:
Estilo: Neoclasicismo Francés
Material: Óleo sobre lienzo
Análisis: David pintó esta obra entre Belisario y el Juramento de
los Horacios, un lienzo que le consagró definitivamente. La
historia que narra una vez más se remite a la antigüedad clásica,
concretamente a la Ilíada, libro del que extrajo abundantes
motivos para sus cuadros: recordemos el Funeral de Patroclo,
pues esta pintura podría considerarse la segunda parte de aquella.
Patroclo era el mejor amigo de Aquiles, héroe griego que dirigía
el asedio a Troya. Héctor era el hijo de Príamo, el rey de Troya.
Había defendido la ciudad durante más de diez años. Su mujer
Andrómaca era el modelo de madre amantísima y esposa fiel.
Héctor mató a Patroclo, Aquiles mató a Héctor y humilló el
cadáver de su enemigo en el funeral. Sin embargo, Andrómaca
consiguió que el griego le devolviera el cuerpo de su esposo para
honrarlo a su vez. Aquí podemos ver la escena. David va
depurando su estilo, que veíamos agitado y sentimental en el
Funeral de Patroclo. En esta ocasión, ha realizado una severa
composición geométrica en una gama casi monócroma, lo que le
da un aspecto muy frío. Andrómaca, con los ojos llenos de
lágrimas, acoge su hijo e implora a los dioses acerca del destino
de su esposo. El hermoso pero gélido cuerpo de Héctor yace en
un lecho, coronado con laurel como un triunfador, con las armas
a los pies de la cama. El mobiliario y las armas fueron copiados
por David de grabados y relieves antiguos. En los relieves de la
cama podemos intuir la historia de Troya, con la escena de la
muerte de Héctor al final, tras el respaldo de Andrómaca, como
punto final de un ciclo iniciado mucho antes.

6. Escultor: Antonio Cánova
Nombre Oficial: Psique reanimada por el beso del amor
Nombre alternativo: Eros y Psique
Tema: Mitológico
Material: Mármol blanco de Carrara
Técnica: Talla
Dimensiones: 155 x 168 cm.
Estilo: Neoclásico
Tipología: Grupo escultórico de bulto redondo
Localización: Museo del Louvre, París, Francia
Análisis: esta obra llena de mitología y de erotismo nos muestra
la sensualidad y delicadeza con la Cánova se inspira en las
formas y proporciones de la antigüedad, con cuerpos desnudos,
sensuales, puros, bien acabados, con expresiones dulces y
serenas en sus rostros.

7. obras posimpresionistas:
La noche estrellada
Obra realizada por Vicent van Gogh en 1889, en la época del
Postimpresionismo. Esta obra pertenece al arte vanguardista,
está pintada al óleo sobre lienzo, sus medidas son 74 x 92 cm.
Actualmente, lo podemos encontrar en el museo de arte moderno
de Nueva York (Moma).
Análisis: Podemos diferenciar 4 planos: en primer plano están
los cipreses que “son como un obelisco gigante” según el autor
en una carta escrita para su hermano Theo; en segundo plano esta
la ciudad donde resalta la iglesia. El tercer plano es una línea en
diagonal donde están las montañas y por último está el cielo
estrellado que ocupa más de la mitad del cuadro, con una especie
de remolino de estrellas con una pincelada corta y retorcida. Es
muy típico del autor poner la línea del horizonte muy baja para
tener más espacio a la hora de representar cielos tormentosos y
sinuosos.

8. obra "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?"de Paul Gauguin
¿De dónde venimos? – "La fuente. El niño. La vida en común"
El origen de la vida queda plasmado a través de un bebé, rodeado
de chicas jóvenes y un perro doméstico. Simboliza la esperanza
y el sueño por la vida.
¿Quiénes somos? - "Vida cotidiana. El hombre instintivo se
pregunta a sí mismo qué significa todo esto"
Mediante las distintas personas del cuadro, Gauguin representa
el mundo de los adultos, con sus temores y alegrías. A través de
la mujer con un fruto, identifica la escena con el Jardín de Edén.
A su izquierda dos personajes filosofan sobre la vida, mientras
otros se dejan llevar por la alegría de vivir. El ídolo a su derecha,
aborda el aspecto espiritual y religioso.
Sobre esto último Gauguin afirma, "Volviendo a mi cuadro
grande, el ídolo no está puesto como una cita literaria, sino como
una estatua que representa lo indefinido y lo incomprensible ante
el misterio de nuestros orígenes y de nuestro futuro."
La estatua representa a Hina, la diosa hindú de la Luna, que es la
diosa de la regeneración y el renacimiento, en alusión a los
constantes ciclos lunares.
¿A dónde vamos? – "Junto la muerte de una vieja, un pájaro
extraño y estúpido lleva todo a su final"
Esta obra la hizo en la etapa más difícil de su vida.

9. Vairumati.
Autor: Paul Gauguin, 1897
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Postimpresionismo
Tamaño: 73 cm × 94 cm
Localización: Museo de Orsay, París, Francia
Análisis: El cuadro representa una joven polinesia sentada a la
cabecera de una cama y apoyada sobre su brazo derecho. Tiene
el torso desnudo y una prenda enrollada a la cintura. Cerca de
ella, a su espalda, una alegórica ave blanca apresa entre sus
garras a un lagarto negro. Al fondo, en la esquina superior
derecha del cuadro, se distinguen dos mujeres tahitianas sentadas
en el suelo. No es posible determinar con exactitud lo que están
haciendo, aunque su postura evoca una actitud ritual o cultual,
que recuerda a los bajorrelieves de Borobudur. La muchacha
tahitiana que constituye el motivo central del cuadro se reclina
ausente sobre un lecho florido, cuyo cabecero dorado destaca
sobre la tierra rojiza. El fondo está poblado de vegetación de
tonos verdes y amarillos. A la manera de un encuadre
fotográfico, los elementos en primer término, la muchacha y el
lecho, aparecen con mayor nitidez que las mujeres y la
vegetación del fondo, provocando una sensación de perspectiva.
La luz incide desde el ángulo izquierdo de la imagen,
proyectando las sombras hacia el lado opuesto, si bien de manera
caprichosa. La luminosidad del pájaro blanco y del cabecero
bruñido contrasta con el espacio umbrío que se abre a la derecha
del cuadro.

10. Grandes bañistas
Autor: Paul Cézanne
Fecha: 1900-05
Museo: National Gallery de Londres
Características: 126 x 196 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo
Material: Óleo sobre lienzo
Análisis:
Las mujeres se muestran desnudas ante un fondo de paisaje en el
que no hay nada definido y en el que abundan las tonalidades
malvas. Estas figuras son macizas, casi escultóricas, en parte
debido al empleo de una línea oscura que delimita sus contornos.
Sin embargo, los rostros han desaparecido, siendo sustituidos por
máscaras, como también haría Picasso. El color es aplicado con
violencia, mediante largas pinceladas en las que emplea espátula.
Las tonalidades claras y alegres de sus primeros años dan paso a
tonos oscuros. Su proceso de recuperación de la forma a través
del color ha concluido; el Impresionismo ya es algo sólido y
duradero, como el arte de los museos.

11. Autor: Vincent Van Gogh
Fecha: 1888
Museo: Museo Kröller Müller
Características: 81 x 65´5 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo
Material: Óleo sobre lienzo
café por la noche
Van Gogh presenta la terraza de un elegante café situado en la
plaza del Forum, en el centro de Arles. Las luces del gas y de las
estrellas iluminan la composición especialmente la zona del
velador, donde contemplamos las pequeñas mesas y las sillas con
los clientes, así como a la camarera. Por la calle, más en
penumbra, varias figuras pasean. Vincent siente una fuerte
atracción por la luz de la noche bien sea artificial - Café nocturno
- o natural - Noche estrellada sobre el Ródano -. Esta escena que
contemplamos une perfectamente ambas. El pintor se interesa
por mostrar con detalle la terraza empleando una pincelada
suelta, sin dar minuciosidad, pero sin saltarse los detalles, estilo
que había exhibido Goya unos 80 años antes. La zona de los
adoquines está pintada empleando pequeños toques de pincel en
forma de oruga, que caracterizarán buena parte de su obra. Las
sombras de la luz de gas son moradas, recordando al
Impresionismo en sus conceptos lumínicos. Los colores que
tanto gustan a Vincent, el azul y el amarillo, llenan la
composición mostrando la alegría que inunda el espíritu del
artista, quien espera impaciente la llegada de Gauguin para
formar una sociedad de artistas en la casa amarilla. Como se
observará en las obras realizadas en Arles, Vincent tomará como
temática los elementos más cercanos, sin preocuparse por la
profundidad ni el simbolismo de esos asuntos. Su creación es
totalmente libre y crea lo que ve inspirándose en la naturaleza.