1. José Mas Soler - Crevillent

2. SITUACIÓN
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo
que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado
entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos
musicales que encuadran esta etapa son la creación
de la primera ópera y la muerte de Johann Sebastian
Bach, que será el genio indiscutible de esta época.
Nacimiento Muerte de
de la Ópera J. S. Bach
1600 1750

3. CONTEXTO
HISTÓRICO
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una
Europa que está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El
poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que
quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los
que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en
mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes
cortes y palacios.
Monarquías Absolutas
LUIS XIV
“El Rey Sol”

4. CONTEXTO CULTURAL
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo
de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época se darán cita
personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega,
Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como
Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además de destacar científicos como
Galileo Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado,
excesivo o adornado, por lo que es común
encontrar obras de arte en las que no queda
ni un espacio que rellenar.
A esto se le conoce con el nombre de
"Horror Vacui" (miedo al vacío).

5. El hombre barroco no persigue
la belleza, tal y como se había hecho
en el Renacimiento, sino que fundamenta
su pensamiento en torno a dos aspectos
opuestos:
la RAZÓN y el SENTIMIENTO.
La razón en cuanto que
intentan buscar la lógica y el lado
científico de todo. El sentimiento
del ser humano que se hará
evidente en todos los campos; en el
musical sobre todo en la ópera.

6. CONTEXTO MUSICAL
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy
patente en el panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una
codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como
forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en
la siguiente frase de J. P. Rameau (considerado el fundador de la
moderna armonía):
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas
bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio
evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las
matemáticas....“
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder
expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodia
acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será el
género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.

7. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA
Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una
serie de importantes novedades que darán a este periodo una
sonoridad característica indiscutible, pero que siempre tendrá
como referencia
EL CONTRASTE
A continuación destacamos las más importantes:
LA MONODIA ACOMPAÑADA
EL BAJO CONTINUO
ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y EL RITMO
NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO

8. LA MONODÍA ACOMPAÑADA:
Los compositores de Barroco consideraron excesiva
la complejidad a la que había llegado el contrapunto
renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de
sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a
crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía
con acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite
comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. En
el campo donde más se desarrolló fue en la ópera.

9. EL BAJO CONTINUO:
Es una línea de notas graves que se interpreta de
manera ininterrumpida durante toda la pieza. La melodía
principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo,
pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas
(manteniendo su estructura), creando un relleno armónico
que va cambiando durante toda la obra.
Normalmente, los instrumentos que se encargarán del
bajo continuo serán el clave, el violonchelo o el fagot.

10. ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD
Y DEL RITMO:
En el Barroco se establece el concepto de
tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan
tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas
normas sobre las tonalidades y la formación de acordes.
Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza la
escritura de la música utilizando compases. La música
quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier
atisbo de ritmo libre.

11. NACIMIENTO DEL ESTILO
CONCERTATO:
Es una técnica que nacerá sobre todo para la
música orquestal. Se basa en contraponer distintos
planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos
(tutti, concertino, soli,...). Es un recurso para dar
mayor expresividad a la música.

12. Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de
estudiar la música barroca:
PRIMER BARROCO:
Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un mayor
predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los
compositores realizan experimentos armónicos que más tarde
darán lugar a la música tonal en cierto modo producido por el
nacimiento de la ópera. En esta época se produce un rechazo al
contrapunto renacentista. Los compositores más destacados
son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania
M. Praetorius.
Michael
Girolamo Praetorius
Frescobaldi
(1571-1621)
(1583-1643)
Claudio Monteverdi (1567-1643)

13. BARROCO MEDIO:
La música instrumental gana terreno y se pone a la
altura de la vocal. Se abandona poco a poco la música modal y
hay una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más
relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B.
Lully en Francia.
Jean-Baptiste Lully Henry Purcell
(1632-1687) (1659-1695)

14. BARROCO TARDÍO:
Se da un predominio de la música instrumental sobre la
vocal. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras
más representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los
alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.
George Friederic
Antonio Vivaldi Haendel
(1678-1741) (1685-1759)
Johann Sebastian
Georg Philip
Domenico Scarlatti BACH Telemann
(1685-1759) (1685-1750) (1681-1767)

15. LA MÚSICA ESCÉNICA
La primeras manifestaciones de música
escénica consistían en la introducción de
números musicales durante los entreactos
de las representaciones teatrales

16. LOS ORÍGENES DE LA ÓPERA
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un
grupo de artistas e intelectuales que trabajarán
financiados por el conde Bardi. A este grupo se le
conocerá como "La Camerata Fiorentina". Estos
artistas están en contra del desarrollo polifónico
que habían alcanzado las composiciones del
Renacimiento, que por su complejidad, perdían la
esencia principal que debe cumplir la música, que
no es otra que la de conmover al oyente y hacer
brotar en él todo tipo de sentimientos.

17. Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando
retomar las raíces de la música griega. Llegan a la conclusión
de que en Grecia la música era monódica y con un
acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada
de una gran expresividad. Basándose en estos principios
nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la
base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la
Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las
formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera
como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una sola
forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la
época, ya que lograba una gran expresividad gracias a la
unión ideal entre música y palabra; se consolidará como uno
de las formas con más protagonismo a lo largo de los
posteriores siglos.

18. EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
La ópera es un género musical profano que va a surgir en
Italia a comienzos del siglo XVII. El antecedente más
significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo", que
eran pequeñas actuaciones musicales que se desarrollaban en
los intermedios de los dramas teatrales. Estos intermedios poco
a poco irán tomando importancia y cada vez serán mas largos,
hasta que de manera autónoma se confirmen como un nuevo
género musical.
La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne",
de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero esta obra no se
conserva en su totalidad, ya que algunos fragmentos se han
perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice", una
del mismo J. Peri y otra de G. Caccini.

19. Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo",
que se confirmará como la primera gran ópera debido a
que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos
como estructurales de la ópera que se desarrollará en años
posteriores. Esta obra, será tomada como referencia por
todos los compositores que le sucederán. Además, el
propio Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una
gran fama como "La coronación de Popea" y "El retorno de
Ulises".
Preludio de “ORFEO”
MONTEVERDI

20. Este género fue tomando mucha importancia
en toda Italia. Varias ciudades se convirtieron
sucesivamente en capitales operísticas (Roma,
Venecia, Nápoles,...), añadiendo cada una sus
propias innovaciones. El resto de Europa adoptó
el estilo operístico italiano, excepto Francia que
creará su género propio.

21. PARTES DE LA ÓPERA
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
OBERTURA
RECITATIVOS
ARIAS
COROS
INTERLUDIOS

22. OBERTURA:
Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental.
Normalmente es breve y sirve como introducción al
espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se
abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores
tengan su toma de contacto con el escenario.

23. RECITATIVOS:
Son partes cantadas por solistas en las que se
desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe
realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen
dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo
continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).

24. ARIAS:
Son las partes más importantes y más vistosas de la
ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el
cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de
su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
En la ópera también puede haber dúos, tríos,...

25. COROS:
Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo
de personajes.

26. INTERLUDIOS:
Partes instrumentales que se intercalan entre todos los
fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".

27. LOS CASTRATI
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en
el que desarrolló su mayor actividad. Sin
embargo, durante varios siglos se recurrió a la
castración masculina para que el cantante
pudiera conservar la voz clara y aguda (blanca)
en su edad adulta. Esta práctica tiene su origen
en la Edad Media, debido a que a las mujeres
les estaba prohibido cantar en la iglesias. En el
siglo XVI el papa Pablo IV prohibió las voces
femeninas en la catedral de San Pedro y con
ello comenzó la hegemonía de los castrati.

28. La catedral de Burgos ofrece el primer
dato escrito sobre la presencia de estos castrados
en los coros eclesiásticos en un documento
fechado el 7 de mayo de 1506. En España, los
castrados se llamaban “Capones”
Los castrados eran, al fin y al cabo,
hombres con su fuerza característica, pero con
una pequeña y flexible laringe y cuerdas vocales
relativamente pequeñas.
La castración debía realizarse en la edad prepúber, unos ocho
años.
En el periodo barroco, los Castrati no se dedicaban sólo a la
música religiosa, como en su origen, sino que cantaban óperas
y todo tipo de música profana.

29. Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su
sueldo hoy lo podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por
ejemplo un futbolista de élite.
Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática,
por lo que algunos podían aguantar hasta un minuto manteniendo una
misma nota y sin respirar.
Era frecuente que la gente, al oírlos
rompiera a llorar o se desmayara de la
emoción.
Fue el Papa León XIII quien en 1902
prohibió que los castrati cantaran
en el coro sixtino.

30. El más famoso de todos fue Carlo
Broschi (1705-1782) más conocido como
“FARINELLI”, que trabajó en la corte del rey
español Felipe V, al que dicen que curó de su
melancolía cantándole todas las noches, durante
10 años, las mismas cuatro canciones.

31. TIPOS DE ÓPERA
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el
primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia
debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus argumentos y a su
gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: "Orfeo".
ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y
fáciles de entender. El despliegue de medios de este género no es
demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya que
además de ser más asequible económicamente y más fácil de entender
para todo tipo de personas, era bastante típico que el argumento fuese una
crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo fue
escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada "La Serva
Padrona" en 1733.

32. Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue
adquiriendo la ópera en los distintos territorios en los que se desarrollaba:
FRANCIA
Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características principales
serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran
despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus creaciones.
El compositor más importante será J. B. Lully.

33. INGLATERRA:
Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y Eneas"
estrenada en el año 1689.
ALEMANIA:
Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que
parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo:
el Singspiel.

34. ESPAÑA
La TONADILLA es un género de música escénica
típicamente español. Se representaba en los populares Corrales de
Comedia y consistía en la incorporación de números musicales
intercalados ntre los actos de las comedias.
Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya
característica más significativa será la sucesión de partes cantadas
y habladas.

35. EL NACIMIENTO DE LA ZARZUELA
La zarzuela es nuestro teatro musical más representativo y su
historia comenzó el día 17 de Enero de 1657 en un pabellón de
caza construido en medio de zarzales y denominado La Zarzuela
(que se encontraba situado en una parte de lo que hoy es el Retiro
de Madrid).
Ese día se estrenaba una obra titulada "El golfo de las
sirenas", cuyo argumento giraba en torno a la aventura de Ulises
con las sirenas. Se trataba de una obra declamada en dos actos en
la que se intercalaban fragmentos musicales. La obra era de
Calderón de la Barca, por lo que podemos afirmar, que este autor
es uno de los fundadores de nuestro teatro musical.

36. A partir de ese momento se fueron haciendo más obras de este
tipo, pero por desgracia la mayor parte de ellas se ha perdido y se
ignora también el nombre de sus primeros compositores. Sin
embargo, conocemos el nombre de uno de ellos, llamado Juan
Hidalgo, que se convirtió en el músico oficial de teatro musical
para la corte a mediados del siglo XVII.
“Celos aun del aire matan” (1660)
Música: Juan Hidalgo
Libreto: Calderón de la Barca

37. MÚSICA RELIGIOSA
La música religiosa, aunque ha perdido su gran
hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco.
Tanto la iglesia protestante como la católica
aprovecharán las innovaciones que se dan en la música
profana para crear nuevas formas.

38. Una de las técnicas que más se desarrollará
dentro de esta música será el "policoralismo", que
se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta
técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo
espacio arquitectónico permitió la colocación de dos coros
contrapuestos. En Roma evolucionará exigiendo varios coros
que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo
más espectacular lo encontramos en "La misa de la catedral
de Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan en
distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia.
Esta misa se le atribuye a Orazio Benevoli.

39. En este periodo, hay tres géneros nuevos que
estudiaremos a continuación:
 EL ORATORIO
 LA CANTATA
 LA PASIÓN

40. Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos
apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Además, tiene otras
similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el
oratorio encontramos características propias:Los textos son religiosos,
normalmente extraídos de la Biblia.
El oratorio no se escenifica.
Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el
recitativo.
Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio
más conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".

41. El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge
en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género que nace dentro
de la música vocal profana, destinado a ser interpretado en los salones de la
aristocracia; sin embargo, fueron los músicos de la iglesia protestante los que lo
convirtieron en una forma de música religiosa, cambiando el texto, que ahora se
basará en fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos. La cantata
tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se diferencia de éste en
que será más breve. Las melodías solían estar divididas en frases que finalizaban
con un calderón (influencia del coral).

42. Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y muerte
de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión
también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el
evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos. Los
personajes importantes del Evangelio son interpretados
por los solistas, mientras que otros personajes
(discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es
J.S.Bach, con dos obras fundamentales: "La pasión
según San Mateo" y "La pasión según San Juan”

43. EL DESARROLLO DE LOS TEATROS
A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que
tendrá mucho que ver en el posterior desarrollo de la música;
fue la creación de los primeros teatros públicos. Hasta ese
momento, aquel que desease escuchar música tenía que
acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas
sociales a sus celebraciones (posibilidad bastante remota si
no pertenecías a la nobleza). Esto cambió cuando
comenzaron a surgir los primeros teatros y salas de
conciertos que se abrían a todo el público bajo el pago de una
entrada. El campo de la música, a partir de este momento se
abre a toda la población, que ávidas de consumo musical
acogerán la idea con gran aceptación.

44. ITALIA: Será el país que estará a la cabeza en el nacimiento de la ópera y de los
teatros públicos. El primer teatro se inauguró en 1637 en Venecia, el San
Cassiano, y a principios del XVIII (Venecia contaba con unos 140.000 habitantes)
existían ya 17 teatros además de otros centros religiosos donde se interpretaba
música.
TEATRO LA FENICE - VENECIA

45. INGLATERRA: Fue una de las primeras ciudades europeas que contó con teatros
públicos. En 1661 se inaugura uno dedicado exclusivamente a la ópera. En estos
centros musicales destacará un músico llamado H. Purcell con óperas como
"Dido y Eneas".
COVENT GARDEN (LONDRES)

46. FRANCIA: En París, durante el reinado de Luis XIV, gran aficionado a la música,
se construye un fascinante palacio en Versalles en los que se estrenarán las
obras del mejor compositor del barroco francés: J. B. Lully, que destacará sobre
todo en el plano del ballet.
Salón de los Espejos
PALACIO DE VERSALLES

47. ESPAÑA: Durante la primera mitad del siglo XVIII disfruta de un intenso ambiente
musical; en la corte de los reyes españoles se dan cita algunos músicos italianos
de gran renombre como el castrati Farinelli o D. Scarlatti. Proliferan teatros y
salas de conciertos tales como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de la Granja
o el de los Caños del Peral (actual Teatro Real).
PALACIO DE LA ZARZUELA en 1640

48. TEATRO LICEO - BARCELONA

49. MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental en el Barroco logra la total
autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este
desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución
técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta
como grupo organizado. Los intérpretes se especializan
debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de
música, surgiendo la figura del virtuoso.

50. MÚSICA PARA ORQUESTA
En el siglo XVII la orquesta era un conjunto variable de instrumentos
cuya selección dependía en muchos casos del número de músicos
disponibles en un determinado momento. Aunque Claudio Monteverdi ya
indicó expresamente los instrumentos que debían interpretar la parte
instrumental de su ópera “Orfeo” esto no era lo habitual.
Normalmente los intérpretes,
muchas veces también
compositores, daban rienda
suelta a su imaginación
creando variadas combinaciones
tímbricas y tendiendo muchas
veces a la improvisación.

51. Hacia 1700, muchos instrumentos se perfeccionaron técnicamente. Por
ejemplo, la familia del violín se impuso gradualmente a la de la viola,
pasando a ser el núcleo central de la orquesta. En lo que respecta a los
instrumentos de viento comenzó a usarse el corno de caccia, antepasado
de la trompa y la flauta travesera se impuso a la flauta de pico , aunque
ésta aún se utilizó en algunas composiciones orquestales. Por otra parte,
en la época de J. S. Bach las designaciones instrumentales indicadas por
los compositores en sus partituras eran confusas. Por ejemplo, la
expresión clarino que se encuentra en algunas cantatas de Bach designa
el registro determinado de un instrumento (trompa o trompeta). Sólo los
factores musicales podían , en última instancia, decidir sobre el
instrumento elegido. De todo, se deduce que la orquesta barroca, a pesar
de evidentes progresos, no había alcanzado aún un grado de uniformidad,
ni delimitado la constitución de una plantilla básica.

52. No obstante puede hablarse de un instrumental más o menos fijo:
PLANTILLA DE LA ORQUESTA BARROCA
CUERDAS
- Violines
- Violas
- Violonchelos
- Contrabajo
VIENTO MADERA
- 2 Flautas
- 2 Oboes
- 1 o 2 Fagotes
VIENTO METAL
- 2 Trompas
- 2 Trompetas
PERCUSIÓN
- Timbales
TECLA
- Órgano
- Clavicémbalo

53. Durante el Barroco, no
existía todavía el director de
orquesta tal y como lo conocemos
hoy en día.
Normalmente el intérprete del
primer violín, del clavicémbalo o del
órgano, también llamado maestro de
concierto, se encargaba de dirigir al
resto de los músicos desde el lugar en
el que estaba sentado.

54. FORMAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales
barrocas, que marcarán no sólo este periodo sino toda la música posterior.
LA SUITE:
Es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto
carácter. El número y la disposición de las danzas es variable, pueden aparecer
Alemanda, Courante, Zarabana, Giga, Minueto, Gavota, Rondó, Bourrée. . . .
Inicialmente eran danzas para ser bailadas, pero con el tiempo se convirtieron en
una excusa para hacer música destinada solo a ser escuchada.
La estructura más habitual de la suite barroca es:
ALLEMANDA COURANTE ZARABANDA GIGA
Ritmo binario Ritmo ternario Ritmo ternario Ritmo ternario
tempo lento
tempo rápido tempo lento tempo rápido

55. LA FUGA:
Será la forma más importante para instrumentos de teclado,
especialmente para órgano. Es una forma simple (de un solo movimiento),
de textura contrapuntística basada en el uso de la imitación:
El tema principal llamado “SUJETO” va alternando con temas
secundarios “CONTRASUJETOS” y con partes de imitación más libres
llamadas “EPISODIOS”.

56. LA SONATA:
El significado de la palabra sonata es "música para sonar" (tocada por
instrumentos). Es una forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro
movimientos que contrastan en cuanto al tempo. La estructura de ésta fue
establecida por Arcángelo Corelli.
LENTO RÁPIDO LENTO RÁPIDO

57. EL CONCIERTO:
El término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer
cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos
contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los instrumentos el
concierto puede ser:
CONCERTO GROSSO: en el que se establece un contraste entre un
grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van
alternándose en la interpretación de la obra.
CONCERTO A SOLO: compuesto para un solo instrumento solista
que contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le
atribuyen más de 300 conciertos para solista, como las "Cuatro Estaciones",
compuesto para violín.
El concierto es una forma compleja compuesta por la sucesión de tres
movimientos contrastantes:
RÁPIDO LENTO RÁPIDO

58. Eran artesanos en la construcción de instrumentos musicales.
Fueron los verdaderos artífices del desarrollo técnico de los instrumentos
en el Barroco, entre los más destacados se encuentran:
STRADIVARIUS
AMATI
GUARNIERI
Cuyos instrumentos son considerados hoy día joyas de
extraordinario valor cuya técnica no ha sido superada todavía.

59. Estos 3 grandes Luthiers vivieron en la ciudad italiana
de CREMONA y, al parecer en el mismo edificio.
Se cuenta, que después de años de pacífica convivencia,
Amati decidió iniciar la competencia con sus vecinos poniendo un
cartel “Hacemos los mejores violines de la ciudad” Guarnieri
los mejores violines de la ciudad”.
de
reaccionó enseguida con otro “Hacemos los mejores violines de
Italia”
Italia”. Stradivarius terminó con la rivalidad anunciando
“Fabricamos los mejores violines del edificio”

60. LA DANZA BARROCA
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas.
Para celebrar cualquier acontecimiento, organizaban festines en los que la
música y la danza siempre estaban presentes. En el año 1700, un
importante maestro de baile, llamado Feuillet, creó el primer sistema de
notación de danza de la historia. Gracias a este hecho, se conservan más
de 350 coreografías de salón y teatro. La danza, poco a poco, fue
adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la DANZA CLÁSICA.

61. Las danzas que se bailaban en los salones
europeos seguían siendo básicamente las
mismas que se habían dado a lo largo del
Renacimiento (pavana, gallarda, branle,...).
Pero a partir de 1600 surgirá una nueva danza
que se convertirá en la protagonista del periodo:
Chacona y Giga
EL MINUÉ. LULLY
Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que proviene
de un balie de campesinos de la región francesa de Poitou. Era una
danza tranquila escrita en compás ternario. Se bailaba por parejas que
salían al centro del salón saludándose ceremoniosamente. A medida que
evolucionaba la coreografía las parejas iban intercambiándose. Los
movimientos eran muy sobrios y refinados, manteniendo siempre el
cuerpo muy erguido, y los bailarines se desplazaban de izquierda a
derecha y de adelante hacia atrás creando una trayectoria en forma de Z.

62. PRIMERAS Y ATREVIDAS BAILARINAS
La danza estuvo prohibida para las mujeres hasta 1681, pero ya a
comienzos del s. XVIII encontramos las primeras grandes bailarinas entre
las que destacan las francesas MARIE SALLÉ (1707-1756) y MARIE-
ANNE CAMARGO (1710-1770).
Ambas contribuyeron a la simplificación de las vestimentas
acortando las faldas y reduciendo el tacón a favor de una mayor libertad
de movimientos. Es fácil imaginar el escándalo que provocó “La Camargo”
en los escenarios cuando en 1730 subió sus faldas por encima de las
rodillas.

63. CLAVES PARA RECONOCER LA MÚSICA BARROCA
 El bajo continuo se convierte en el cimiento de la mayoría de las composiciones.
 Utilización de efectos de contrastes rítmicos (rápidos-lentos); Dinámicos (Fuerte-
suave); de timbres (Solista-Tutti).
 El ritmo es muy mecánico, con patrones rítmicos repetitivos.
 La orquesta comienza a tomar forma, siendo su componente principal las
cuerdas, junto con el continuo de teclado que rellena la armonía.
 Entre los principales tipos de música barroca son:
-- VOCAL: Ópera, Oratorio, Cantata.
-- INSTRUMENTAL: Suite de danzas, Sonata, Concerto grosso y solo
 Formas caraterísticas: Rondó, variaciones, ritornello, fuga

65. José Mas Soler - Crevillent