Este documento describe la relación entre la música y la pintura abstracta de Wassily Kandinsky. Kandinsky padecía sinestesia, la capacidad de ver colores al escuchar sonidos. Esto lo llevó a desarrollar la "música visual", traduciendo elementos musicales como el tono y el timbre en propiedades pictóricas como el color y la forma. Kandinsky fue pionero en crear pinturas completamente abstractas que buscaban evocar emociones musicales sin representar objetos del mundo real.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso pionero del arte abstracto. Según Kandinsky, la pintura abstracta es el arte más difícil porque requiere habilidades de dibujo, sensibilidad para la composición y los colores, y ser un verdadero poeta. Kandinsky mostró una gran sensibilidad para los sonidos, palabras y colores desde una edad temprana. Aunque estudió derecho, abandonó su carrera para estudiar arte en Múnich. Allí cofundó el grupo Der Blaue Reiter y publicó su tratado teórico sobre
Este documento presenta información sobre el pintor ruso Wassily Kandinsky, pionero del arte abstracto. Reconocido en vida por sus contemporáneos por la genialidad de sus composiciones e improvisaciones de color y forma. Sus obras muestran explosiones de color que se transforman ante el espectador. Considerado el fundador de la pintura abstracta, sus influencias artísticas principales fueron Monet, los Fauves y Matisse. Visualizaba sonidos como parches de color y su arte refleja su amor por la música de Wagner.
El documento resume dos obras pictóricas, "Interior Holandés" de Joan Miró y "Sobre el blanco" de Vassily Kandinsky. Describe los géneros surrealismo y abstracción a los que pertenecen, así como los elementos formales como composición, color, líneas y volumen que caracterizan cada obra. También analiza la significación de las obras y aporta más información biográfica sobre los artistas.
El documento describe el punto como el elemento más simple de la expresión plástica. Explica que el punto puede tener diferentes formas y que su principal función es indicar una posición fija. También introduce el puntillismo como un estilo artístico que usa puntos de colores para crear imágenes, y describe cómo el punto continuó siendo un elemento importante en el arte abstracto del siglo XX, donde podía expresar sentimientos e ideas.
El documento describe el arte conceptual como una forma de arte en la que la idea y el proceso son más importantes que el producto final. Se define como una reacción contra el pop art y el minimalismo, y se considera que comenzó en la década de 1960. El arte conceptual se basa en la noción de que el arte existe principalmente como una idea conceptual más que como una obra física.
El arte abstracto surgió alrededor de 1910 y se enfoca en formas y colores en lugar de representaciones figurativas. Algunas corrientes principales son el expresionismo abstracto, el neoplasticismo, el constructivismo e informalismo. Artistas clave incluyen a Kandinsky, Mondrian, Gabo y Chillida. La escultura abstracta sigue los mismos principios que la pintura abstracta de concentrarse en la forma en lugar de la representación.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso pionero del arte abstracto. Según Kandinsky, la pintura abstracta es el arte más difícil porque requiere habilidades de dibujo, sensibilidad para la composición y los colores, y ser un verdadero poeta. Kandinsky mostró una gran sensibilidad para los sonidos, palabras y colores desde una edad temprana. Aunque estudió derecho, abandonó su carrera para estudiar arte en Múnich. Allí cofundó el grupo Der Blaue Reiter y publicó su tratado teórico sobre
Este documento presenta información sobre el pintor ruso Wassily Kandinsky, pionero del arte abstracto. Reconocido en vida por sus contemporáneos por la genialidad de sus composiciones e improvisaciones de color y forma. Sus obras muestran explosiones de color que se transforman ante el espectador. Considerado el fundador de la pintura abstracta, sus influencias artísticas principales fueron Monet, los Fauves y Matisse. Visualizaba sonidos como parches de color y su arte refleja su amor por la música de Wagner.
El documento resume dos obras pictóricas, "Interior Holandés" de Joan Miró y "Sobre el blanco" de Vassily Kandinsky. Describe los géneros surrealismo y abstracción a los que pertenecen, así como los elementos formales como composición, color, líneas y volumen que caracterizan cada obra. También analiza la significación de las obras y aporta más información biográfica sobre los artistas.
El documento describe el punto como el elemento más simple de la expresión plástica. Explica que el punto puede tener diferentes formas y que su principal función es indicar una posición fija. También introduce el puntillismo como un estilo artístico que usa puntos de colores para crear imágenes, y describe cómo el punto continuó siendo un elemento importante en el arte abstracto del siglo XX, donde podía expresar sentimientos e ideas.
El documento describe el arte conceptual como una forma de arte en la que la idea y el proceso son más importantes que el producto final. Se define como una reacción contra el pop art y el minimalismo, y se considera que comenzó en la década de 1960. El arte conceptual se basa en la noción de que el arte existe principalmente como una idea conceptual más que como una obra física.
El arte abstracto surgió alrededor de 1910 y se enfoca en formas y colores en lugar de representaciones figurativas. Algunas corrientes principales son el expresionismo abstracto, el neoplasticismo, el constructivismo e informalismo. Artistas clave incluyen a Kandinsky, Mondrian, Gabo y Chillida. La escultura abstracta sigue los mismos principios que la pintura abstracta de concentrarse en la forma en lugar de la representación.
El documento describe el arte óptico y cinético que surgió en la década de 1960 como reacción contra el expresionismo y el pop art. Se centraba en crear la ilusión de movimiento a través de formas geométricas y efectos ópticos. Artistas como Victor Vasarely y Bridget Riley pioneeron esta tendencia en París, donde fundaron un centro de investigación para desarrollar obras interactivas que unieran arte, ciencia y tecnología. A finales de la década de 1960, el op art se había convertido en un estilo
El documento presenta una introducción al concepto de espacio en las artes visuales, definiendo el espacio físico, simbólico y social. Explica que el espacio es un elemento fundamental en toda obra visual y que los artistas se enfrentan al espacio de diferentes maneras, ya sea de forma consciente o no. Además, distingue entre los tipos de espacio material, virtual, público y privado e incluye varios ejemplos de obras de arte para ilustrar estos conceptos. Finalmente, propone algunas actividades y lecturas para que los estudiant
El documento habla sobre las formas en el arte. Explica que las formas pueden ser naturales o artificiales, planas o tridimensionales, y cerradas u abiertas. También discute cómo los artistas representan las formas usando estilos como el realismo, la figuración, la deformación, la esquematización y la abstracción. Finalmente, describe cómo las relaciones espaciales entre formas, como el tamaño y la superposición, crean la ilusión del espacio tridimensional.
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
El documento proporciona una introducción al movimiento artístico del Pop Art, destacando sus orígenes en Gran Bretaña y Estados Unidos en la década de 1950 y describiendo algunos de sus principales exponentes como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, quienes tomaron imágenes de la cultura popular como cómics, publicidad y celebridades para sus obras. También menciona al grupo español Equipo Crónica, pionero del Pop Art en España, que realizaba obras colectivas con un enfoque crítico de la sociedad.
El documento describe la corriente artística de la abstracción, que surgió en contraposición al arte figurativo y dio un papel preponderante a la forma y el color. Se caracteriza por prescindir de la representación de objetos o figuras y utilizar un lenguaje visual autónomo compuesto de líneas y colores. Algunos de los principales exponentes fueron Kandinsky, Klee, Van Doesburg y Pollock.
El cubismo fue un movimiento artístico del siglo XX que rompió con la estética clásica y la belleza renacentista. Se distinguen tres etapas: cezaniano, analítico y sintético. Los artistas cubistas más importantes fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
El Impresionismo surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX como una reacción contra el arte académico. Los artistas impresionistas abandonaron sus talleres para pintar al aire libre y capturar la luz y los efectos atmosféricos, utilizando pinceladas sueltas de color puro. El Postimpresionismo siguió este estilo pero con una visión más subjetiva, utilizando técnicas como el puntillismo. Ambos movimientos influyeron enormemente en el desarrollo posterior del arte.
Este documento presenta los elementos básicos de las artes visuales que se utilizan para analizar obras de arte, incluyendo el punto focal, color, línea, forma, espacio, textura y perspectiva. Explica conceptos como colores primarios, secundarios y complementarios, y principios de diseño como ritmo, unidad y equilibrio que ayudan a componer una obra de arte.
Paul Klee nació en Suiza en 1879 y se crió en una familia de músicos. Aunque descubrió que le gustaba más la pintura que la música. Estudió arte en la Academia de Bellas Artes de Munich y se unió al grupo Blaue Reiter en 1911. Trabajó en óleo, acuarela e incorporó la poesía y la música en sus pinturas. Fue profesor en la escuela Bauhaus entre 1921 y 1931 donde enseñó teoría del color. Klee murió en 1940 después de una enfermedad degenerativa
El documento habla sobre el Pop Art y su relación con los cómics. Algunos artistas Pop Art como Román Gubern se inspiraron en historietas para sus obras, creando piezas basadas en personajes como Flash. Más adelante, historietistas como el belga Guy Peellaert también se dejaron influir por el Pop Art en sus cómics.
Ricardo marín viadel cap 1 parte 3 del dibujo a la cultura visualPeteca Indiaca
La Unión Europea ha anunciado nuevas sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen prohibiciones de viaje y congelamiento de activos para más funcionarios rusos, así como restricciones a las importaciones de productos rusos de acero y tecnología. Los líderes de la UE esperan que estas medidas adicionales aumenten la presión sobre Rusia para poner fin a su guerra contra Ucrania.
Cuando una o más formas visuales se repiten en una composición de manera regular, se genera un ritmo que puede ser uniforme, si se repiten a intervalos iguales y manteniendo el mismo tamaño, o alterno, si se repiten más de una figura. Los ritmos también pueden ser decrecientes o crecientes dependiendo de si el tamaño o espacio entre las figuras va disminuyendo o aumentando. Algunos polígonos regulares tienen la propiedad de poder rellenar el plano por sí solos creando superficies rítmicas.
Vasili Kandinsky fue un pionero del arte abstracto. Comenzó su carrera artística realizando paisajes y escenas con cierto grado de abstracción. Más tarde eliminó por completo las referencias a objetos del mundo real, enfocándose en el uso del color y la forma para expresar emociones y significados espirituales. Fundó el grupo Der Blaue Reiter y enseñó en la escuela Bauhaus, influyendo enormemente en el desarrollo del arte abstracto.
El punto es el elemento más pequeño de la expresión plástica. Aunque no tiene dimensión, puede variar de tamaño, color, forma o material. Los puntos pueden crear sensación de profundidad y atraer la mirada cuando se varían adecuadamente sus características. Los puntos son constructores de líneas, formas, volúmenes y texturas. Algunos artistas como Seurat, Klee y Lichtenstein se han expresado utilizando el punto como elemento fundamental en algunas de sus obras. El documento propone dos actividades en las que los estudiant
Este documento presenta los 10 elementos básicos de la composición en el arte: 1) Patrones de repetición y ritmo, 2) Simetría y asimetría, 3) Contraste, 4) Equilibrio y armonía, 5) Volumen, 6) Planos de observación, 7) El encuadre, 8) Línea, 9) Punto, 10) Ejemplos de artistas que utilizan estos elementos. Explica cada elemento y cómo se aplica en la creación de obras de arte.
Este documento presenta una unidad didáctica sobre el grabado y la reprografía para alumnos de cuarto curso de la ESO. La unidad tiene como objetivos que los estudiantes entiendan las técnicas de grabado, adquieran habilidades técnicas básicas y desarrollen su capacidad expresiva. La unidad se desarrollará a lo largo de 6 sesiones e incluirá actividades como el diseño de bocetos y la estampación en linóleo. Los estudiantes serán evaluados en base a sus traba
El documento resume la historia del arte argentino desde el período colonial hasta principios del siglo XX. Destaca a los pintores Juan Bautista Daniel y Tomás Cabrera en el período colonial, el desarrollo del arte durante los siglos XVIII y XIX con influencias europeas, y el surgimiento del impresionismo y el arte moderno en el siglo XX con figuras como Emilio Pettoruti.
El movimiento Pop Art surgió a mediados de los 1950 en Reino Unido y a finales de esa década en Estados Unidos. Se caracteriza por usar imágenes de la cultura popular como anuncios, cómics y personajes de cine. En Reino Unido, el Grupo Independiente de 1952 introdujo el uso de estas imágenes populares en sus obras. En Estados Unidos, Andy Warhol popularizó el Pop Art al pintar productos comerciales y personajes famosos en los 1960. Algunos exponentes principales fueron Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso nacionalizado alemán y francés conocido por ser pionero de la abstracción en la pintura. Estudió derecho y arte y se mudó a Múnich a los 30 años para estudiar pintura. Exploró el uso del color y la forma en sus pinturas, evolucionando desde el impresionismo hacia la abstracción pura. Sus obras más conocidas incluyen Composición VII y Composición VIII.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso nacido en Moscú y fallecido en París. Fue el primero en pintar cuadros abstractos que se centraban en el uso del color más que en objetos realistas. Estudió derecho y economía pero se dedicó a la pintura y enseñanza del arte. Sus cuadros evolucionaron de paisajes y escenas realistas a formas geométricas y colores puros.
El documento describe el arte óptico y cinético que surgió en la década de 1960 como reacción contra el expresionismo y el pop art. Se centraba en crear la ilusión de movimiento a través de formas geométricas y efectos ópticos. Artistas como Victor Vasarely y Bridget Riley pioneeron esta tendencia en París, donde fundaron un centro de investigación para desarrollar obras interactivas que unieran arte, ciencia y tecnología. A finales de la década de 1960, el op art se había convertido en un estilo
El documento presenta una introducción al concepto de espacio en las artes visuales, definiendo el espacio físico, simbólico y social. Explica que el espacio es un elemento fundamental en toda obra visual y que los artistas se enfrentan al espacio de diferentes maneras, ya sea de forma consciente o no. Además, distingue entre los tipos de espacio material, virtual, público y privado e incluye varios ejemplos de obras de arte para ilustrar estos conceptos. Finalmente, propone algunas actividades y lecturas para que los estudiant
El documento habla sobre las formas en el arte. Explica que las formas pueden ser naturales o artificiales, planas o tridimensionales, y cerradas u abiertas. También discute cómo los artistas representan las formas usando estilos como el realismo, la figuración, la deformación, la esquematización y la abstracción. Finalmente, describe cómo las relaciones espaciales entre formas, como el tamaño y la superposición, crean la ilusión del espacio tridimensional.
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
El documento proporciona una introducción al movimiento artístico del Pop Art, destacando sus orígenes en Gran Bretaña y Estados Unidos en la década de 1950 y describiendo algunos de sus principales exponentes como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, quienes tomaron imágenes de la cultura popular como cómics, publicidad y celebridades para sus obras. También menciona al grupo español Equipo Crónica, pionero del Pop Art en España, que realizaba obras colectivas con un enfoque crítico de la sociedad.
El documento describe la corriente artística de la abstracción, que surgió en contraposición al arte figurativo y dio un papel preponderante a la forma y el color. Se caracteriza por prescindir de la representación de objetos o figuras y utilizar un lenguaje visual autónomo compuesto de líneas y colores. Algunos de los principales exponentes fueron Kandinsky, Klee, Van Doesburg y Pollock.
El cubismo fue un movimiento artístico del siglo XX que rompió con la estética clásica y la belleza renacentista. Se distinguen tres etapas: cezaniano, analítico y sintético. Los artistas cubistas más importantes fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
El Impresionismo surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX como una reacción contra el arte académico. Los artistas impresionistas abandonaron sus talleres para pintar al aire libre y capturar la luz y los efectos atmosféricos, utilizando pinceladas sueltas de color puro. El Postimpresionismo siguió este estilo pero con una visión más subjetiva, utilizando técnicas como el puntillismo. Ambos movimientos influyeron enormemente en el desarrollo posterior del arte.
Este documento presenta los elementos básicos de las artes visuales que se utilizan para analizar obras de arte, incluyendo el punto focal, color, línea, forma, espacio, textura y perspectiva. Explica conceptos como colores primarios, secundarios y complementarios, y principios de diseño como ritmo, unidad y equilibrio que ayudan a componer una obra de arte.
Paul Klee nació en Suiza en 1879 y se crió en una familia de músicos. Aunque descubrió que le gustaba más la pintura que la música. Estudió arte en la Academia de Bellas Artes de Munich y se unió al grupo Blaue Reiter en 1911. Trabajó en óleo, acuarela e incorporó la poesía y la música en sus pinturas. Fue profesor en la escuela Bauhaus entre 1921 y 1931 donde enseñó teoría del color. Klee murió en 1940 después de una enfermedad degenerativa
El documento habla sobre el Pop Art y su relación con los cómics. Algunos artistas Pop Art como Román Gubern se inspiraron en historietas para sus obras, creando piezas basadas en personajes como Flash. Más adelante, historietistas como el belga Guy Peellaert también se dejaron influir por el Pop Art en sus cómics.
Ricardo marín viadel cap 1 parte 3 del dibujo a la cultura visualPeteca Indiaca
La Unión Europea ha anunciado nuevas sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen prohibiciones de viaje y congelamiento de activos para más funcionarios rusos, así como restricciones a las importaciones de productos rusos de acero y tecnología. Los líderes de la UE esperan que estas medidas adicionales aumenten la presión sobre Rusia para poner fin a su guerra contra Ucrania.
Cuando una o más formas visuales se repiten en una composición de manera regular, se genera un ritmo que puede ser uniforme, si se repiten a intervalos iguales y manteniendo el mismo tamaño, o alterno, si se repiten más de una figura. Los ritmos también pueden ser decrecientes o crecientes dependiendo de si el tamaño o espacio entre las figuras va disminuyendo o aumentando. Algunos polígonos regulares tienen la propiedad de poder rellenar el plano por sí solos creando superficies rítmicas.
Vasili Kandinsky fue un pionero del arte abstracto. Comenzó su carrera artística realizando paisajes y escenas con cierto grado de abstracción. Más tarde eliminó por completo las referencias a objetos del mundo real, enfocándose en el uso del color y la forma para expresar emociones y significados espirituales. Fundó el grupo Der Blaue Reiter y enseñó en la escuela Bauhaus, influyendo enormemente en el desarrollo del arte abstracto.
El punto es el elemento más pequeño de la expresión plástica. Aunque no tiene dimensión, puede variar de tamaño, color, forma o material. Los puntos pueden crear sensación de profundidad y atraer la mirada cuando se varían adecuadamente sus características. Los puntos son constructores de líneas, formas, volúmenes y texturas. Algunos artistas como Seurat, Klee y Lichtenstein se han expresado utilizando el punto como elemento fundamental en algunas de sus obras. El documento propone dos actividades en las que los estudiant
Este documento presenta los 10 elementos básicos de la composición en el arte: 1) Patrones de repetición y ritmo, 2) Simetría y asimetría, 3) Contraste, 4) Equilibrio y armonía, 5) Volumen, 6) Planos de observación, 7) El encuadre, 8) Línea, 9) Punto, 10) Ejemplos de artistas que utilizan estos elementos. Explica cada elemento y cómo se aplica en la creación de obras de arte.
Este documento presenta una unidad didáctica sobre el grabado y la reprografía para alumnos de cuarto curso de la ESO. La unidad tiene como objetivos que los estudiantes entiendan las técnicas de grabado, adquieran habilidades técnicas básicas y desarrollen su capacidad expresiva. La unidad se desarrollará a lo largo de 6 sesiones e incluirá actividades como el diseño de bocetos y la estampación en linóleo. Los estudiantes serán evaluados en base a sus traba
El documento resume la historia del arte argentino desde el período colonial hasta principios del siglo XX. Destaca a los pintores Juan Bautista Daniel y Tomás Cabrera en el período colonial, el desarrollo del arte durante los siglos XVIII y XIX con influencias europeas, y el surgimiento del impresionismo y el arte moderno en el siglo XX con figuras como Emilio Pettoruti.
El movimiento Pop Art surgió a mediados de los 1950 en Reino Unido y a finales de esa década en Estados Unidos. Se caracteriza por usar imágenes de la cultura popular como anuncios, cómics y personajes de cine. En Reino Unido, el Grupo Independiente de 1952 introdujo el uso de estas imágenes populares en sus obras. En Estados Unidos, Andy Warhol popularizó el Pop Art al pintar productos comerciales y personajes famosos en los 1960. Algunos exponentes principales fueron Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso nacionalizado alemán y francés conocido por ser pionero de la abstracción en la pintura. Estudió derecho y arte y se mudó a Múnich a los 30 años para estudiar pintura. Exploró el uso del color y la forma en sus pinturas, evolucionando desde el impresionismo hacia la abstracción pura. Sus obras más conocidas incluyen Composición VII y Composición VIII.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso nacido en Moscú y fallecido en París. Fue el primero en pintar cuadros abstractos que se centraban en el uso del color más que en objetos realistas. Estudió derecho y economía pero se dedicó a la pintura y enseñanza del arte. Sus cuadros evolucionaron de paisajes y escenas realistas a formas geométricas y colores puros.
Wassily Kandinsky nació en Rusia en 1866. Desde niño le gustaba la música y la pintura. Visitó un museo donde descubrió que mezclando colores podía crear nuevos colores, lo cual le pareció mágico. Más tarde se mudó a Alemania donde enseñó arte y desarrolló su estilo no figurativo y abstracto, creando composiciones de formas, líneas y colores que comparaba con la música. Se convirtió en un importante pintor pionero del arte abstracto.
Este documento describe un proyecto de 4 años sobre el pintor ruso Wassily Kandinsky. Explica cómo Kandinsky comenzó a pintar paisajes de forma realista y luego se volvió más abstracto, usando formas geométricas, puntos y líneas. Los estudiantes aprenden sobre Kandinsky creando sus propias obras de arte inspiradas en su estilo, como dibujos de paisajes, formas geométricas, puntos y líneas. Finalmente, recrean cuadros famosos de Kandinsky usando materiales recicl
Anàlisi i comentari de l'obra "Formes úniques de continuïtat en l'espai" de l'artista futurista italià Umberto Boccioni seguint les pautes pel comentari d'una obra escultòrica PAU 2016.
La presentació inclou "links" amb pàgines web, videos i d'altres presentacions que permeten ampliar la informació sobre l'obra,
Es recomanable descarregar la presentació per visualitzar les animacion i activar els "links" d'ampliació.
NOVA VERSIÓ ACTUALIZADA al meu bloc: hdartantonio.blogspot.com
La Unión Europea ha acordado un embargo petrolero contra Rusia en respuesta a la invasión de Ucrania. El embargo forma parte de un sexto paquete de sanciones y privará a Rusia de miles de millones de euros. Sin embargo, Hungría, Eslovaquia y la República Checa recibirán exenciones temporales debido a su dependencia del petróleo ruso.
Este documento presenta un análisis de la obra abstracta "Composición VIII" de 1923 del pintor ruso Wassily Kandinsky. Se proporciona información biográfica sobre Kandinsky y se analizan los elementos clave de la pintura, incluidas las masas de color, líneas y formas geométricas. El documento sugiere posibles interpretaciones de la obra como un paisaje marítimo o una representación musical.
Este documento presenta un análisis de la obra abstracta "Composición VIII" de 1923 del pintor ruso Wassily Kandinsky. Se describe la vida y obra de Kandinsky, pionero del arte abstracto. El cuadro utiliza grandes masas de color divididas horizontal y verticalmente. Se destacan dos focos: una gran circunferencia violeta y negro en la izquierda y un gran ángulo agudo central de color cálido. El documento propone posibles interpretaciones como un paisaje marítimo o una representación musical basada en la pasión de
La Unión Europea ha acordado un paquete de sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen restricciones a las transacciones con bancos rusos clave y la prohibición de la venta de aviones y equipos a Rusia. Los líderes de la UE esperan que las sanciones aumenten la presión económica sobre Rusia y la disuadan de continuar su agresión contra Ucrania.
Wasily Kandinsky fue un pintor ruso nacido en 1866 que fue pionero de la abstracción en la pintura. Estudió derecho y economía antes de dedicarse al arte, fundando un grupo para introducir las vanguardias francesas. Sus primeras obras fueron paisajes y temas fantásticos, pero hacia 1913 creó las primeras obras totalmente abstractas inspiradas en la música. Más tarde sus abstracciones se volvieron más geométricas, logrando obras de gran equilibrio a pesar de alejarse del estilo fluido de su primera ép
Vasili Kandinsky fue un pintor ruso considerado el pionero del arte abstracto. Nació en 1866 en Moscú y sus primeras obras tenían influencias del simbolismo y representaban paisajes y caballos. En 1910 comenzó a crear composiciones no figurativas usando formas geométricas y colores. Más tarde enseñó en la escuela Bauhaus y creó obras completamente abstractas usando círculos, líneas y triángulos coloreados. Fue pionero en usar la forma y el color como elementos independientes
Wassily Kandinsky was a Russian painter born in 1866 who was inspired by music to create abstract paintings using shapes and colors. After initially becoming a teacher, he left at age 30 to study art, creating non-representational works influenced by his love of music, believing that certain tones elicited certain colors. Kandinsky felt music and painting were closely related and listened to music to help decide which colors and shapes to use in his abstract compositions.
Este documento describe el dolor y la sinestesia. Explica que el dolor es una experiencia sensorial asociada a daño tejular que se transmite a través del sistema nervioso central. Describe diferentes tipos de dolor como agudo, crónico e irradiado. También cubre la clasificación, fisiología y función del dolor. La sinestesia se define como una condición en la que los sentidos se combinan, como asociar colores a letras o números.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso conocido por ser pionero del arte abstracto. Comenzó su carrera realizando pinturas naturalistas y postimpresionistas, pero luego se unió al grupo Der Blaue Reiter y comenzó a crear obras más abstractas que buscaban capturar lo espiritual en el arte. A partir de 1910, produjo obras completamente abstractas compuestas solo de formas geométricas y colores. Más tarde enseñó en la escuela Bauhaus, donde impartió cursos sobre elementos abstractos y la relación entre forma y conten
Vasili Kandinsky introduce su vida como pintor abstracto ruso que utiliza la música, los colores y las formas geométricas para representar sus emociones y pensamientos en sus obras. Muestra algunos de sus cuadros abstractos y explica que necesita materiales para pintar.
Este documento describe la Composición IV de Kandinsky, una pintura abstracta sin referencias a la realidad externa dominada por colores vibrantes. Kandinsky consideraba que la música era la base de la pintura abstracta y que un cuadro podía representar visualmente una composición musical, con cada color equivalente a un sonido. Se inspiró en la música, especialmente después de asistir a una representación de Wagner, para crear obras abstractas que ejercieran el mismo impacto emocional en el espectador que la música.
El documento resume las ideas del pintor ruso Wassily Kandinsky sobre el arte abstracto. Kandinsky fue un innovador pionero del arte abstracto que creía que las obras de arte transmiten miles de sensaciones y sentimientos a través de figuras múltiples en lugar de simplemente imitar objetos del mundo real. El también creía que el color y la forma son las teclas que hacen vibrar el alma humana como un piano de cuerdas.
Este documento trata sobre el color en la pintura. Explica que el color se percibe cuando hay luz y que está presente en la luz. También menciona a artistas como Newton, quien relacionó el color y el sonido, y a Kandinsky, pintor abstracto ruso que fusionó la música y el color en sus pinturas sin representación de la realidad. Finalmente, hace referencia al arte cinético y a su precursor Victor Vasarely.
Este documento resume una investigación sobre la relación interdisciplinaria entre W. Kandinsky y A. Schönberg. Explora si es posible interpretar musicalmente las obras abstractas de Kandinsky a través del piano, analizando específicamente su diagrama 17. Argumenta que ambos artistas compartían una visión similar del arte y que Kandinsky se inspiró en la música para desarrollar su arte abstracto, buscando ritmo y construcción matemática.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso nacionalizado alemán y francés conocido por ser pionero de la pintura abstracta. Se interesó por el color desde el inicio de su carrera y realizó varios viajes entre 1902-1907 que influyeron en su estilo. Entre 1910-1914 pintó obras inspiradas en la naturaleza, emociones y composiciones rigurosas que mostraban la presencia de la realidad a través de colores y líneas. Llegó a la abstracción a través de un proceso espiritual que elim
Kandinsky fue un pintor ruso pionero de la abstracción en la pintura que consideraba que la forma y el color son el lenguaje para expresar emociones en el arte abstracto de manera similar a como la música usa el sonido. Promovió que al ver una pintura abstracta como las suyas se debería enfocar en la sensación general que producen las combinaciones de colores, líneas y formas en lugar de elementos específicos, al igual que la música usa notas y ritmos a lo largo del tiempo.
Wassily Kandinsky es considerado el fundador de la pintura abstracta. Sus obras prescindían de la representación de objetos naturales y buscaban una pintura pura guiada por principios de armonía y contraste de colores. Kandinsky desarrolló la idea de sinestesia en la que los colores se asocian a sonidos y estados de ánimo. Sus escritos como "De lo espiritual en el arte" influyeron en muchos artistas posteriores al proponer que cada color tiene un significado emocional.
Vasili Kandinsky analizó los elementos fundamentales de la composición visual como el plano, punto y línea, y consideró que la espiritualidad y la libre expresión de sentimientos son aspectos clave del arte. Kandinsky veía al artista como un profeta que muestra un nuevo punto de vista e incluso crea nuevas realidades a través de su obra. Comparó el arte con la música, afirmando que ambos pueden plasmar ideas abstractas y transmitir emociones de manera personal.
El documento resume las ideas principales del expresionismo alemán, incluyendo sus orígenes en Francia y Alemania a principios del siglo XX, los grupos fundacionales como Die Brücke y Der Blaue Reiter, y figuras clave como Kandinsky, Marc y otros. Explica que buscaban expresar lo interior sobre lo exterior, y que el arte debía crear su propia realidad más allá de la representación. También resume las teorías de Wöringer sobre la abstracción y la naturaleza.
El documento trata sobre la abstracción en el arte. Explica que la abstracción se caracteriza por no tener referencias a la realidad observada, enfocándose en elementos como el color, la luz y la forma. Menciona que surgió entre 1910 y 1917 en lugares como Holanda, Rusia y París. También describe dos estilos de abstracción - la lírica que intenta plasmar emociones a través de formas indefinidas, y la geométrica que se adhiere a leyes matemáticas como en las obras de Mondrian y Malevich.
El documento describe la abstracción en el arte, específicamente la abstracción geométrica y el expresionismo abstracto. La abstracción surge entre 1910 y 1917 en lugares como Holanda, Rusia y París, y se caracteriza por eliminar referencias a la realidad y enfocarse en elementos plásticos como el color, la forma y la línea. Dentro de la abstracción geométrica se encuentran los movimientos neoplástico y suprematista, representados por artistas como Mondrian y Malevich. El expresionismo abstracto surgió después de
1. El documento discute diferentes formas de arte como pintura, escultura, arquitectura y música. Varias citas describen cómo el arte eleva el espíritu humano y cultiva la sensibilidad.
2. La escultura se describe como el arte que puede caminar, mientras que la arquitectura es el arte que permite caminar a través de él. La música se presenta como la forma más sutil de arte.
3. La arquitectura influye en la vida de las personas a través de la forma en que diseña los espacios donde se real
1. El documento discute diferentes formas de arte como pintura, escultura, arquitectura y música. Varias citas describen cómo el arte eleva el espíritu humano y cultiva la sensibilidad.
2. La escultura se describe como el arte que puede caminar, mientras que la arquitectura es el arte que permite caminar a través de él. La música se presenta como la forma más sutil de arte.
3. La arquitectura influye en la vida de las personas a través de la forma en que diseña los espacios donde se real
El arte es el conjunto de disciplinas como la pintura, escultura, arquitectura, literatura y música que los humanos usan para expresarse estéticamente. El arte usa diferentes medios como la pintura, dibujo, escultura, música y danza a través de la historia. El arte ha sido importante para la humanidad desde sus orígenes y continúa siendo una forma de expresión.
La pintura abstracta surgió en 1910 de la mano de Kandinsky. Se desarrolló en dos vías: la abstracción lírica defendida por Kandinsky, basada en la expresión a través del color, y la abstracción geométrica de Mondrian y Malevich, que se centra en las formas geométricas y las matemáticas. Ambas rechazan la representación figurativa y buscan transmitir significados a través de un lenguaje visual propio.
La pintura abstracta surgió en 1910 de la mano de Kandinsky. Se desarrolló en dos vías: la abstracción lírica defendida por Kandinsky, basada en la expresión a través del color, y la abstracción geométrica de Mondrian y Malevich, que se centra en las formas geométricas y las matemáticas. Ambas rechazan la representación figurativa y buscan transmitir significados a través de un lenguaje visual propio.
Este documento explora la relación entre la música y los colores a través de dos ideas: la sinestesia y el timbre. Algunas personas con sinestesia pueden ver colores cuando escuchan música. Compositores como Scriabin y Messiaen experimentaban esto. La comparación más común entre color y sonido es a través del timbre, o la cualidad de un sonido producido por diferentes instrumentos. La orquestación ordena los timbres de acuerdo a una estructura musical para explorar el color.
El documento discute la importancia del azar en la vida humana y cómo el destino no es previsible. Argumenta que creer en el azar permite abrirse a posibilidades y tener más oportunidades de realizarse. Luego resume la vida y obra del pintor Wassily Kandinsky, incluyendo detalles sobre sus cuadros Movimiento I y Acorde Recíproco que fueron colocados en su ataúd.
El documento explora cómo el lenguaje visual puede utilizarse para enseñar conceptos musicales. Examina elementos como el ritmo, el compás, la forma, el timbre, la expresividad y las versiones/variaciones a través de imágenes que ilustran estos conceptos de manera visual. El autor argumenta que el lenguaje visual puede ser una herramienta poderosa para acercar a los estudiantes a la música de una manera original.
Vassily Kandinsky fue el máximo representante del abstraccionismo lírico. Estudió derecho y economía antes de dedicarse a la pintura a los 30 años. En 1895, tras ver cuadros de Monet, decidió estudiar arte en Múnich, donde se vio influenciado por el postimpresionismo y el expresionismo hasta llegar a la abstracción. Fundó el grupo Der Blaue Reiter junto a otros artistas para expresar el interior a través del arte. La música de Arnold Schönberg también influyó en su obra abstracta, buscando transmitir em
Similar to Wassily Kandinsky y la musica visual (20)
Las castas fueron sin duda uno de los métodos de control de la sociedad novohispana y representaron un intento por limitar el poder de los criollos; sin embargo, fueron excedidas por la realidad. “De mestizo y de india; coyote”.
Fichas técnicas de las obras de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, imágenes de las obras y títulos en inglés, alemán y español en:
Consultar página web: http://luisjferreira.es/
Enganchados nº1_Fanzine de verano de junio de 2024Miguel Ventayol
Número 1 del fanzine de creación Enganchados.
Escrito e ideado por Miguel G. Ventayol.
Poemas, textos breves, narrativa y crítica literaria.
He escrito el primer fanzine para este verano de 2024, con la intención de que tenga continuidad en el tiempo.
Con una serie de poemas surgidos de diversas plantillas de CANVA, porque me pareció divertido trabajar sobre esas imágenes; así como poemas y algunos textos.
Algunos de ellos de experiencias personales, otros inventados.
Recuerdos de discos como el de Supersubmarina, Eels o Los Planetas
ÍNDICE
copiar. página 4
una cala frente al mar. página 5
una plaza en verano. página 6
tierra. página 7
échate unas risas, primo. página 8
palabras son solo palabras, a fin de cuentas. página 9
gírate. página 10
enganchados. páginas 11-13
luis, celine y la chica de ojos Bowie. páginas 14-15
crítica literaria. páginas 16-18
párate y mira. página 19
aniversario de super 8. página 20-22
échate unas risas, primo 2. página 23
FIN. página 24
Obra plástica de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
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Texto del catálogo de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, imágenes de las obras, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
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Presentación Proyecto libreta Creativo Doodle Rosa (1).pdfPatriciaPiedra8
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Aquí tienes una descripción al azar de 500 palabras:
En el vasto horizonte del cosmos, donde las estrellas parpadean como joyas incrustadas en el manto celestial, se encuentra un universo lleno de misterios y maravillas. Desde los confines de las galaxias distantes hasta los rincones más oscuros de la imaginación humana, la exploración del cosmos nos lleva a un viaje sin fin de descubrimiento y asombro.
En este vasto universo, la Tierra, nuestro hogar, brilla como una esfera azul brillante suspendida en la inmensidad del espacio. Un mundo de una belleza incomparable, donde los océanos danzan con la luz del sol y los continentes están adornados con una diversidad de paisajes y formas de vida.
Los océanos, vastos y profundos, albergan una inmensa variedad de criaturas marinas, desde las criaturas más pequeñas e imperceptibles hasta los gigantes majestuosos de las profundidades. Los arrecifes de coral, con sus colores vibrantes y formas caprichosas, son como ciudades submarinas llenas de vida y actividad.
En tierra firme, los paisajes varían desde las vastas llanuras hasta las imponentes montañas, desde los densos bosques tropicales hasta los áridos desiertos. Cada rincón de la Tierra está habitado por una diversidad de formas de vida, desde las diminutas bacterias hasta los majestuosos elefantes y los ágiles leopardos.
Pero la belleza de la Tierra también está marcada por la fragilidad de su ecosistema. El cambio climático, la deforestación y la contaminación amenazan con perturbar el delicado equilibrio de la naturaleza, poniendo en peligro la vida en el planeta. Es responsabilidad de cada uno de nosotros proteger y preservar este precioso hogar que compartimos.
Mientras exploramos las maravillas de la Tierra, también miramos hacia el cielo en busca de respuestas a las preguntas más profundas sobre el universo. Desde los telescopios terrestres hasta los satélites en órbita, la humanidad ha desplegado una red de ojos en el cielo para desentrañar los secretos del cosmos.
Las estrellas, como faros en la oscuridad, nos guían a través del vasto océano cósmico, mientras que los planetas y las lunas nos ofrecen destellos de mundos distantes y paisajes extraterrestres. En los confines del sistema solar y más allá, los científicos buscan signos de vida más allá de la Tierra, preguntándose si estamos solos en el universo.
Pero incluso mientras miramos hacia las estrellas en busca de respuestas, recordamos que nuestro hogar, la Tierra, es un oasis de vida en un vasto y desolado desierto cósmico. Es aquí, en este pequeño rincón del universo, donde encontramos la belleza, la diversidad y la maravilla que nos inspiran a explorar y descubrir más sobre el mundo que nos rode
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Wassily Kandinsky y la musica visual
1. WASSILY KANDINSKY
Y LA SINESTESIA QUE
LO CONDUJO A LA
MÚSICA VISUAL
Cómo la música puede ser representada sin utilizar
sonido
Paolo Di Marco Alessia Spadaccini
2. “Las obras de Wassily Kandinsky
mostran como el artista utilizaba su
sinestesia – la capacidad de ver el
sonido y de oír el color – para crear
las primeras pinturas del mundo
verdaderamente abstractas.”
Ossian Ward
3. INTRODUCCIÓN
El trabajo plantea la relación y el vínculo entre el sonido y
la imagen, considerada como el componente icónico de lo
visual.
Podemos definir la Música Visual como una modalidad
representativa, sobre todo audiovisual, pero también
visiva, donde los caracteres de la imagen están
relacionados con la estructura musical o del sonido.
El que fue capaz de entender profundamente la sinestesia,
tanto como la función sensorial, sino también como idea
artística fue Wassily Kandinsky que exploró la relación
entre el color y el timbre juntando un color al sonido de
cada instrumento musical y que utilizó términos musicales
como títulos para algunos de sus cuadros.
4. EVOLUCIÓN
HISTORICA
Los primeros intentos de traducir pictóricamente efectos
musicales se pueden encontrar en las antiguas culturas de
India y China.
Más recientemente el sacerdote gesuista francés Beltrand
Luis Castel (siglo XVIII) empezó a estudiar el intento de
escribir el tono de los sonidos con los colores en capas
superpuestas del pintor Arcimboldi (siglo XVI).
En el siglo XX el pintor milanés Luigi Veronesi, dibujando
algunos compases de una sonata de Beethoven, nos ha
puesto visualmente lo que era sólo la sensación auditiva.
5. En la partitura del Prometeo para piano y orquesta de
1911, Alexander Scriabin puse algunas marcas que
incluyen una proyección de luces coloradas.
Arnold Schoenberg, tras las experiencias de Scriabin,
escribió, a partir de 1909, Glückliche Die Hand (Mano
Feliz). La partitura muestra signos de colores que deben
ser proyectados en una pantalla en relación con el flujo de
la música.
En 1913 Roberto Carrà escribió el “Manifiesto de la
pintura de los sonidos, los ruidos y colores”.
En 1928, en la Bauhaus H. Neugeboren dibuja en papel
cuadriculado una Fuga de Bach.
6. Oskar Fischinger creió “Los primeros estudios 1-13” entre
los años 1929 y 1934, desarollando las ilustraciones y los
contrapuntos visuales de las composiciones musicales de
Brahms, Mozart y Beethoven.
Pero el que exploró la relación entre el color y el timbre
juntando un color al sonido de cada instrumento musical
Wassily Kandinsky, el artista abstracto más pertecenente
a la Música Visual.
7. LA MÚSICA VISUAL
Música Visual, a veces llamada "música de color", se refiere a la
utilización de las estructuras musicales en imagenes visuales.
También se refiere a los medios o dispositivos que se pueden
traducir los sonidos o música en una presentación visual.
Una definición ampliada deberá incluir la traducción de la música
a la pintura: esta fue la definición original del término acuñado
por Roger Fry en 1912 para describir la obra de Wassily
Kandinsky.
Música Visual se refiere al mismo tiempo a los sistemas que
convierten música o sonido directamente en las formas visuales
por medio de un instrumento mecánico, la interpretación de un
artista, o un ordenador.
8.
9. SINESTESIAS
(ESCUCHO COLORES, VEO MÚSICA)
Entre los trastornos sensoperceptivos que afectan a la
integridad de la percepción se encuentran aquellos en los
que, en lugar de distorsionar el objeto percibido perdiendo
alguno o algunos de sus componentes, las percepciones
se aglutinan: son las sinestesias, un trastorno infrecuente
de la percepción en el que el estímulo a través de uno de
los sentidos provoca simultáneamente la sensación en
otro.
Las sinestesias más frecuentes aunan percepciones
visuales y auditivas, de modo que los sonidos, las
palabras o la música evocan simultáneamente la
visión de colores.
10. SINESTESIA Y KANDINSKY
Wassily Kandinsky, pintor de origen rusa, quiso evocar el
sonido a través de la vista y crear el equivalente pictórico
de una sinfonía que no solo estimula los ojos, pero
también las orejas.
A pesar de la falta de pruebas médicas para la sinestesia
de Kandinsky, la correlación entre el sonido y el color fue
una preocupación permanente para el artista.
11. Quiza Kandinsky descubrió su sinestesia en una
representación de la ópera Lohengrin de Wagner en
Moscú, cuando dijo:
“He visto todos los colores en mi espíritu, ante mis
ojos. Salvajes, casi loco se esbozaron las líneas de
frente a mí.”
Fue en este momento especial que Kandinsky se dio
cuenta del enorme poder que el arte podría ejercer sobre
el espectador y que la pintura podría desarrollar
competencias equivalentes a las de la música.
12. Después de 1910, se desvinculó de su trabajo en tres
categorías:
Impresiones;
Improvisaciones;
Composiciones.
A menudo se añaden títulos musicales a fotos
individuales.
Sin embargo, el curioso don de Kandinsky dio al mundo
otra forma de apreciar el arte que se hereda por muchos
más poetas, artistas abstractos y los rockeros psicodélicos
en el resto del disonante siglo XX.
13. KANDINSKY:
RELACIONES COLOR-
MÚSICAEn sus obras Kandinsky expone teorías sobre el uso del
color, ya viendo un vínculo muy estrecho entre las obras
de arte y las dimensiones espirituales.
El color puede tener dos efectos en el espectador:
• un efecto físico, poco profundo y basado en sensaciones
momentaneas, determinadas por la por parte de la retina;
• un efecto psíquico debido a la vibración del espiritu
(producida por la fuerza psíquica de los seres humanos) a
través del cual el color llega al alma y que puede ser directo
o ser producido en asociación con otros elementos
sensoriales. El efecto psíquico del color está determinado
por sus cualidades sensibles: el color tiene olor, sabor,
sonido.
14. La composición pictórica está formada por el color, que,
aunque en nuestra mente es ilimitada, en realidad toma
forma.
Color y forma no pueden existir por separado en la
composición.
La combinación de forma y color se basa en la relación
privilegiada entre formas y colores individuales: si un color
se asocia con su forma privilegiada, los efectos y las
emociones que surgen de los colores y de las forma se
van mejorado.
15. Compositión IV (1911); Oil on canvas, 159.5 x 250.5 cm
Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Dusseldorf.
16. KANDINSKY Y LA MÚSICA
El término “composición" puede implicar una metáfora con
la música: Kandinsky quedó fascinado por el poder
emocional de la música.
Como la música se expresa a través del sonido y del
tiempo, permite al oyente una libertad de la imaginación,
una interpretación y una respuesta emocional que no se
basa en algo de literal o descriptivo, sino en una cualidad
abstracta.
Lo contrario occurre con la pintura que todavía depende
de la representación del mundo visible.
La música puede responder y apelar directamente al
interior de la artista y expresa los valores espirituales, así
por Kandinsky es un arte más avanzado.
17. “PUNTO, LÍNEA,
SUPERFICIE”
Este ensayo de Wassily Kandinsky está dedicado a la
parte gráfica de la Música Visual, que puede existir incluso
sin colores.
El punto es el primer núcleo del significado de una
composición, comienza cuando el artista toca el lienzo; es
estático.
La línea es la huella dejada por el punto en movimiento y por
eso es dinámica. Puede ser horizontal (la forma más concisa
de la infinita movilidad fría); vertical (la forma más concisa de
la infinita movilidad caliente), diagonal (unión uniforme de frío
y calor). Puede ser rota, doblada, mixta.
La superficie es el material de apoyo que es destinado a
recibir el contenido de la obra. Por lo tanto, la obra, es
limitada por dos líneas horizontales y dos líneas verticales, o
de una línea curva.
18. “DE LO ESPIRITUAL EN EL
ARTE”
La constante referencia a la música y a la metáfora
musical en su obra “De lo espiritual en el arte” es parte de
sus teorías y experiencias que unien sonido y color.
Desde su mismo título, este libro de Wassily Kandinsky
nos sitúa en gran medida en la formula pragmática de los
expresionistas y, a la vez, nos expresa, por primera vez, la
tendencia a la unificación sistemática de una teoría
artística.
19. OTROS ARTISTAS
SINESTETICOS
Charles Baudelaire
El poeta francés e influyente cronista de la vida moderna muestra
la sensibilidad sinestésica en su soneto del 1857
"Correspondencias": "Perfumes, colores y sonidos se
responden". Además de sus escritos frecuentes en la música de
Richard Wagner, Baudelaire estaba intrigado por las experiencias
sensoriales, especialmente del cuerpo dentro de la ciudad.
20. Olivier Messiaen
El aclamado compositor y organista francés alegó que sus
acordes y ritmos complejos se le apareció en "Sueños de color"
en la que vio azul, rojo y verde espirales en movimiento antes con
los sonidos.
"Cuando escucho música, veo en los ojos de la mente los
colores que se mueven con la música. Esto no es
imaginación, ni es un fenómeno psíquico. Es una realidad
interior."
21. LA MÚSICA VISUAL HOY EN DÍA
Con las herramientas multimediales y tecnologicas
disponibles en la actualidad hay muchas investigaciones
en este campo: algunos ofrecen una interfaz visual para
crear música como Hyperscore, un software que intenta
hacer más intuitivo el proceso de creación musical.
Hyperscore ya se está utilizando con éxito en la
“Newcomers High School” en Nueva York, donde enseña
Tod Machover, uno de sus desarrolladores.
Es posible componer música con sólo el trazado de líneas
de colores en la pantalla y escuchando los resultados,
continuando en el perfeccionamiento ulterior de tonalidad y
tiempo musical a través de la forma y del color de las
mismas líneas.
22. Otros experimentos utilizan programas que generan
imágenes y sonidos como el software de
“autom@tedVisualMusic”, proyecto del artista italiano
Sergio Maltagliati centrado en esta emocionante relación
entre imagen y sonido.
Las imágenes, creadas en relación con definidas
correspondencias de sonido-signos-colores, siguen la
evolución de las notas y se muestran a través del
programa que genera múltiples variaciones visuales y de
sonido.
También “The visual music project” de Gian Marco Vergani
(Director de Arte y Artista de Medios de Comunicación),
crea secuencias visuales desde famosas composiciones
de música clasica.
24. CONCLUSIONES
Wassily Kandinsky fue uno de los primeros artistas modernos que
pintaron figuras abstractas de expresar los sentimientos, en lugar
de crear imágenes de objetos y personas.
Wassily Kandinsky amaba la música, especialmente la música
clásica: a menudo, cuando pintaba, iba a escuchar música y tratar
de pintar lo que la música le hizo sentir.
Consideró la forma y color capaces de expresión: creó imágenes
en relación con definidas correspondencias de sonido-signos-
colores.
Comparó las notas musicales diferentes a los colores del arco iris:
trató de pintar lo que las notas se vería.
Esto es el primer paso para representar la música sin utilizar el
sonido.