El Clasicismo. Natalia Lamarca y Adriana del Campo
Romanticismo
1. José Mas Soler - Crevillent
Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
2. Delimitamos cronológicamente el Romanticismo durante todo el
s. XIX, más concretamente entre los años 1810 (nacimiento de
Schumman) y 1905 (publicación de “LA MER” de Claude Debussy),
aunque hay corrientes que presentan características románticas
antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien
entrado el siglo XX.
Entre el Clasicismo y el
Romanticismo no hay una
línea divisoria estricta, sino
una lenta y poco definida
transición que nos permite
hablar de continuidad.
Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
3. CONTEXTO HISTÓRICO:
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras
políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales
de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La
revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución
Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las
cosas.
El movimiento nacionalista surge en
la última época del Romanticismo y
con él se refuerza la idea de
individualidad. El nacionalismo
afectará a todas las artes y muy en
especial a la música.
Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
4. CONTEXTO CULTURAL:
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del
Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar
rienda suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de libertad,
los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un
público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El
principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación
de las pasiones en todas sus obras.
Otro concepto que triunfa en la
época es el de "el arte por el arte",
sin condicionantes y sin tener que
respetar todas las normas formales
y estructurales que se habían
impuesto en el periodo anterior. Los
artistas van a ser genios creadores
que son reconocidos como tales por
el resto de la gente.
Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
5. Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
CONTEXTO MUSICAL:
El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la
música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de
lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es
capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.
En el campo de la música también se dejan ver los ideales de
libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a
hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a
muchos músicos a la ruina. El fundamento
básico de la música romántica es "la exaltación
de las pasiones"; los músicos románticos tratan,
con su música, de influir en el ánimo del oyente
implicándole emocionalmente. Para conseguir
este propósito, el vehículo más apropiado será
el piano, que se convertirá en el instrumento
estrella del periodo, ya que con él se logra una
atmósfera íntima.
7. ESCENARIOS ROMÁNTICOS
La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran
intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una
producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:
CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes salas propiedad del
Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos
lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de
ballet,...
SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos
empresarios burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran
salones no demasiado grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos
pocos privilegiados. La música más demandada en estos escenarios era la de
cámara.
MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o
amigos para celebrar fiestas en las que la música era el ingrediente principal. Era,
para la gran mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por
su ambiente íntimo y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas
musicales lideradas por Franz Schubert.
Muerte de Isolda – Tristan e Isolda – R. Wagner
9. LA MÚSICA DE
CÁMARA
La música de cámara en el
Romanticismo alcanzó su máximo
desarrollo, debido, en gran parte, a
que se hizo accesible a la burguesía y
a la constante demanda de obras
para interpretar en familia o entre
amigos. A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió
obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por
ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta
nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto
de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un
violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían
interpretar grupos de aficionados en las reuniones íntimas que
realizaban en sus propias casas.
Gretch
10. L Se trata de un género menor (de poca
duración) que se convirtió en una de las
principales formas vocales de la música
I romántica ya que normalmente era compuesta
para el disfrute en veladas musicales íntimas.
E El lied (lieder en plural) es una denominación
alemana que significa canción. Es una forma
breve escrita para voz y piano sobre un texto
D poético ya existente. Su principal característica
es la fusión entre el texto y la música. El lied era
muy apreciado por el público porque en los
conciertos creaba una atmósfera íntima
propiciada por la belleza y expresividad de sus
melodías. El piano se ponía al servicio de la
melodía del cantante.
Gretchen am Spinrad – F. Schubert
11. Entre los compositores más
destacados de lieder hay que citar a
F. Schubert, que a lo largo de su
vida realizó más de 600.
Más tarde cultivarán esta forma
otros autores como
Hugo Wolf o Gustav
Mahler.
Gretchen am Spinrad – F. Schubert
12. MÚSICA ORQUESTAL
La orquesta del siglo XIX se
convirtió en la gran protagonista
de la época. Casi todos los
compositores escribieron obras
musicales para este tipo de
formación.
La orquesta romántica,
denominada orquesta sinfónica,
estaba integrada por un número
de intérpretes que solía oscilar
entre los 60 y 75 instrumentos de
las tres familias. No es extraño,
sin embargo, encontrar a finales
de siglo obras que requerían 100
o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento
se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan
importantes como los de cuerda.
Marte – Los Planetas - Holst
13. Debido a la constante demanda de conciertos públicos el
número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el
punto de que las grandes ciudades contaban con varias
orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa
con una acogida extraordinaria.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en
el Romanticismo fueron:
LA SINFONÍA
EL CONCIERTO
PARA SOLISTA
LA MÚSICA
PROGRAMÁTICA
Marte – Los Planetas - Holst
14. LA SINFONÍA ROMÁNTICA
Durante el siglo XIX continúa
cultivándose esta forma que en el
Clasicismo había estructurado
perfectamente su contenido. Todos
los grandes autores componen en
este periodo numerosas sinfonías.
Poco a poco, los compositores se van a ir
liberando de los esquemas formales clásicos explotando
con gran efectividad la riqueza técnica de los
instrumentos. Las sinfonías serán cada vez más
largas y complejas aspirando a conseguir el máximo
rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes
orquestas sinfónicas de la época. 1.º Mov. 5.ª Sinfonía - Beethoven
15. EL CONCIERTO PARA SOLISTA
El Romanticismo es un
periodo muy fructífero para
este género instrumental. Se
escribieron numerosos
conciertos para solista y
orquesta, en los que el solista
podía ser cualquier instrumento.
Se conservan conciertos para clarinete, oboe,
flauta, violonchelo,...; sin embargo los instrumentos
más destacados y para los que más música de este tipo
se compuso fueron el violín y el piano.
Marte – Los Planetas - Holst
16. CONCIERTO PARA
PIANO Y ORQUESTA
Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios
momentos de lucimiento que se esperaban de la parte solista. Era el
preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar
en una sola forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo
del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano y las
grandes posibilidades técnicas de este instrumento polifónico. Entre
los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos para este
instrumento destacan L.V. Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F.
Liszt o J. Brahms.
Concierto para Piano y Orquesta N.º 1 - Tchaikovsky
17. CONCIERTO PARA
VIOLÍN Y ORQUESTA
Aunque menos numerosos que los de piano,
también los conciertos para violín y orquesta ocuparon
un lugar destacado. A partir de la revolución técnica del
violín, propiciada por N. Paganini, las exigencias de
virtuosismo del instrumento se multiplicaron. Como en el
caso del piano, las obras para violín exigían un gran
lirismo en la interpretación de sus melodías además de
una virtuosa técnica instrumental. Entre los
compositores que escribieron obras para este
instrumento podemos destacar a L.V. Beethoven, P.I.
Tchaikovski, J Brahms o N. Paganini, conocido, este
último, por ser el mejor violinista de la época y en
ocasiones el único capaz de interpretar sus propias obras.
Concierto para Violín y Orquesta N.º 1 - Paganini
18. MÚSICA PROGRAMÁTICA
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más
adecuadas para la expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la
música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de
criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje
descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de
Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo capaz de
materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música
programática:
La sinfonía programática y el poema sinfónico.
Poema Sinfónico Finlandia - Sibelius
20. MÚSICA PARA PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores
románticos y de muchos de los amantes de la música de ese periodo.
Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los
conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias
con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo de elegancia
y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o para
celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar
varias notas a la vez y esto le permitía interpretar reducciones de obras
de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los
románticos vieron en el piano un medio de comunicación ideal para
expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la música.
Para Elisa - Beethoven
21. LAS FORMAS PIANÍSTICAS MÁS
IMPORTANTES SON:
ESTUDIOS.- Composiciones creadas con fines
técnicos y virtosos, destinados a mejorar la
técnica del pianista.
NOCTURNOS Y FANTASÍAS.- Piezas breves
de carácter sentimental.
VALSES y POLONESAS.- Piezas inspiradas
en danzas populares de los diferentes paises.
IMPROMPTU.- Obras donde predomina la
improvisación.
23. LA ÓPERA ROMÁNTICA
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar
entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo.
Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de Wagner, en
las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto,
son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un
continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati
desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más
heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales
del período romántico, el verismo se popularizó en Italia,
retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o
mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y
quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
AIDA – G. Verdi
24. LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran
evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el
espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda
Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al
lucimiento vocal de sus arias.
Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:
ITALIA
FRANCIA
ALEMANIA
ESPAÑA
(La Zarzuela)
AIDA – G. Verdi
25. LA ÓPERA ITALIANA
En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales
escuelas que marcarán el desarrollo del género operístico en el resto
de Europa. Podemos destacar dos corrientes de este género que se van
a dar a lo largo del Romanticismo:
El Bel Canto
El Verismo
AIDA – G. Verdi
26. El Bel Canto
Esta ópera tiene como objetivo la
exhibición del cantante mediante pasajes melódicos
de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el
registro agudo de la voz. Los cantantes, sobretodo en
sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal
ligado a una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos
destacar algunos compositores como G. Donizetti
con "El elixir del amor" y V. Bellini con "Norma".
Estos dos compositores fueron los máximos
representantes del estilo belcantista. Otro personaje
destacado fue G. Rossini con "EL barbero de
Sevilla" que fue la ópera más representada en todo el
siglo XIX y que trata sobre un tema típico español.
No podemos olvidar a G Verdi, que se convertirá,
junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista
del Romanticismo. Algunas de sus obras destacables
son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" o
Nabucco – >G. Verdi
"El trovador".
27. DISTINTOS
TIPOS DE
VER LA
OPERA
MARCHA TRIUNFAL – AIDA
Verdi
BRINDIS – LA TRAVIATA
Verdi
28. El Verismo
Surge a finales del siglo XIX muy
unido a las corrientes del realismo y naturalismo
literario. Los argumentos de la ópera se
centrarán en personajes de la vida cotidiana,
reflejando sus emociones de forma realista sin
idealizaciones románticas.
Los máximos representantes de este
tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería
rusticana" y G. Puccini con óperas como
"Tosca", " La Boheme" o "Madame
Butterfly".
Madame Butterfly – G. Puccini
29. LA OPERA EN
LOS
ANUNCIOS
TELEVISIVOS
UN BEL DI VEDREMO
Madame Butterfly
Puccini
30. LA ÓPERA FRANCESA
París se convirtió en el siglo XIX en una importante capital de la
actividad operística europea. En Francia también existen dos estilos de
ópera:
LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes
escenográficos, profusión de ballets, grandes coros y escenas
multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género
podemos nombrar a G. Meyerbeer con "Los Hugonotes" o G. Bizet
con "Carmen" basado en un tema español en la que el autor utiliza
danzas y temas populares.
LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan
fragmentos cantados con otros hablados y normalmente sus argumentos
son de carácter humorístico. Destacan compositores como J. Offenbach
con "Los cuentos de Hoffmann" y “Orfeo en los Infiernos”
Carmen – G. Bizet
32. DISTINTOS
AMBIENTES
DE LA
MUSICA DE
OPERA
Orfeo en los Infiernos
Offenbach
33. LA ÓPERA ALEMANA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en
Alemania una ópera inspirada en los ideales expuestos por los
poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos
legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un
papel protagonista. Destaca en esta época la obra de C. M. von
Weber, al que podemos considerar el iniciador de la ópera
romántica en Alemania. Su obra más conocida es "El cazador
furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard
Wagner, que en una primera época enlaza con la tradición
romántica, pero dará paso después a una
gran reforma del género de enorme
trascendencia en toda la música posterior.
La idea de Wagner es crear un
"drama musical" continuo y con ese nombre se
conocerán las creaciones operísticas de
este autor. Las Walkirias – R. Wagner
34. Algunas de las características de su drama musical son las siguientes:
La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión
de todas las artes (poesía, música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de
manera inseparable en sus obras.
Utilización de técnicas como el LEITMOTIV, que es un motivo musical
recurrente para representar personajes, hechos, situaciones,...
Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que
marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un
papel principal en el desarrollo y explicación de la acción.
Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco
horas sin interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán
e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos" , esta última es una
tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.
Las Walkirias – R. Wagner
35. LA OPERA
EN EL CINE
CABALGATA
Las Walkirias
Wagner
36. NESUM DORMA
Turandot
Puccini
Andrea Bocelli
Aretha Franklin Paul Potts
Manowar Mónica Naranjo Scorpions
37. En España, hasta el
siglo XIX hay una gran
influencia de la ópera
italiana, hasta el punto de
que muchos compositores
e intérpretes italianos van
a presentar sus obras en
las cortes y teatros de
nuestro país. Pero hacia el
segundo cuarto de siglo se
intenta revitalizar un
género propio que hasta
ahora no había tenido gran
éxito:
La Zarzuela
La Revoltosa – R. Chapí
38. Recordemos que la
zarzuela española no es
una ópera como tal, ya
que intercala los frag-
mentos cantados con los
hablados. Los argumentos
de este género suelen ser
cotidianos y cercanos al
público, con notas
cómicas abundantes.
El lenguaje que se
usa es también sencillo y
asequible para espectado-
res sin grandes conoci-
mientos musicales.
39. BARBIERI
(1823-1894)
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los
compositores que inicia la recuperación del género con la
llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos
con frecuente uso de coro y predominio de las partes
cantadas sobre las habladas. Estas obras contaban con un
amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos.
Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de
Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y toros".
40. A partir de mediados de siglo y en gran parte
por motivos económicos, la zarzuela se hace más
simple y popular. Se crea así el denominado
"Género Chico", que se desarrolla en un sólo
acto, reduce el número de personajes y el
CHUECA despliegue de medios. En este género predominan
(1846-1808)
las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo
tanto una zarzuela más económica que hizo furor
entre las clases más populares.
Los autores principales de este género son
Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas,
TOMÁS BRETÓN como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y
(1850-1923)
aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de
la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa"
entre sus obras más destacadas.
R. CHAPÍ
(1851-1909)
41. CORO DE ESPIGADORAS
La Rosa del Azafrán
Jacinto Guerrero
CASTO JOSE
La Corte del Faraón
Vicente Lleó
42. LOS TRES RATAS
La Gran Vía
F. Chueca
PASODOBLE - JOTA
La Alegría de la Huerta
Federico Chueca
43. LA DANZA EN EL
ROMANTICISMO
Durante el siglo XIX la técnica del ballet clásico del siglo
anterior encontró su definitiva formulación. A principios del
Romanticismo, algunos maestros franceses se instalaron en
Rusia y crearon una escuela clásica de ballets rusos , cuyo
prestigio e importancia se han mantenido hasta la actualidad.
Hasta ese momento, muchos de los ballets estaban
constituidos y organizados a partir de la yuxtaposición de
diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no guardaba
ninguna relación entre sí.
Una de las grandes aportaciones de los ballets rusos
fue la de poner en escena una historia coherente con
diferentes temáticas, tanto dramáticas como cómicas.
La Bella Durmiente - Tchaikovsky
44. María Taglioni se convertirá en la gran bailarina del
siglo, participando en los estrenos de los ballets de los
principales compositores. Esta bailarina fue la primera que se
puso de puntillas a la hora de realizar sus danzas en el
escenario. Con este gesto se conseguía cierto sentido de
ingravidez, convirtiendo a la bailarina en un ser etéreo. Entre
los bailarines destacados se encuentra el ruso V. Nijinski.
Otra de las novedades que se instalaron en los ballets rusos
fue la utilización de cables para que los bailarines realizaran
grandes vuelos por el aire.
Entre los compositores más
famosos de ballet ruso
tenemos que destacar a
Tchaikovsky que dio un gran
impulso a este género con
obras como "El cascanueces",
"La bella durmiente" o "El
lago de los cisnes". La Bella Durmiente - Tchaikovsky
