Especifica las características de la escultura renacentista italiana y explica su evolución, desde el Quattrocento al Manierismo

ESPECIFICA LAS CARACTERÍSTICAS DE LA
ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA Y EXPLICA SU
EVOLUCIÓN, DESDE EL QUATTROCENTO AL
MANIERISMO

La escultura reflejará perfectamente la nueva mentalidad del Renacimiento, recuperando
las formas clásicas, el interés por el ser humano y la vuelta a la naturaleza.
Donatello: David, 1440 Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de Adán y Eva, 1425-52

En el surgimiento de esta nueva
escultura serán fundamentales:
• La propia evolución de la escultura
gótica, independizándose del
marco y buscando un mayor
naturalismo.
• La escultura gótica italiana del
trecento, con representantes como
los Pisano, que se inspiran en las
formas de la antigüedad clásica y
paleocristiana, dado el escaso
arraigo del estilo gótico en Italia.
• La presencia de abundantes restos
de esculturas romanas y de
sarcófagos romanos, que sirvieron
como modelo y fuente de
inspiración a los artistas.
• Obras escritas de la antigüedad
que hacían referencia a conceptos
de la escultura clásica, como el
canon, la proporción o la armonía.
Claus Sluter: Virgen portada Cartuja
de Champmol, 1393
Nicola Pisano: Púlpito del Baptisterio
de Pisa, 1260
Leon Battista Alberti: De statua, 1462Policleto: El Doríforo. Copia romana

Antropocentrismo y
recuperación de las
proporciones del
cuerpo humano.
• Gran interés por la
anatomía humana.
• La representación
del cuerpo humano
desnudo será un
tema central.
• Incluso, en algunos
casos, se empleará
en la escultura
religiosa, en una
curiosa
identificación de los
héroes de la
mitología clásica y
los personajes de la
tradición cristiana.
Miguel Ángel: David, 1501-4
CARACTERÍSTICAS :

Inspiración en la naturaleza,
tanto en el propio cuerpo
humano (idealizado), como en la
representación del relieve.
• Los artistas no se inspirarán
en la tradición ni en los
modelos de sus maestros,
sino que lo harán
directamente en la naturaleza,
recuperando valores como el
modelado e incorporando la
perspectiva.
• Supone un reto del propio
artista frente al pasado, por lo
que los artistas deben
conocer diferentes ciencias
como anatomía, botánica,
óptica, matemáticas…
• También se incorporan en el
relieve tanto el paisaje como
las arquitecturas urbanas.
Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de Abraham, 1425-52

Idealismo: búsqueda de la belleza
ideal, especialmente en el cuerpo
humano.
• El cuerpo humano se convierte en
ideal de belleza e incluso los
personajes religiosos llegarán a
representarse como desnudos
 Se funden los ideales
cristianos con los clásicos
grecorromanos, propio del
humanismo de la época.
• La mímesis no debe reproducir la
naturaleza tal cual es, sino de un
modo idealizado, buscando la
máxima perfección y belleza, de
acuerdo con los ideales
neoplatónicos del renacimiento
 Tomarán los modelos que
habían desarrollado los
clásicos en poses, actitudes,
expresión serena…
Miguel Ángel: Piedad del Vaticano, detalle del rostro de Cristo, 1498-99

Imitación de los modelos de la
antigüedad clásica:
• Recuperación de aspectos clásicos
tales como canon, contrapposto,
armonía basada en la proporción y
las matemáticas….
• La armonía y la perfección se
lograrán mediante la integración de
cada parte en el todo de acuerdo con
rigurosas proporciones matemáticas y
el uso de estrictos cánones.
Miguel Ángel: David, 1501-4Policleto: El Doríforo. Copia romana
Estatua ecuestre de Marco Aurelio y
Donatello: Condottiero Gattamelata, 1453

Especial preocupación por la recuperación de la representación de la sensación espacial:
• Uso de la perspectiva, de un modo científico, a través de la pirámide o cono visual.
• Empleo de técnicas como el relieve pictórico y del schiacciato, disminuyendo el volumen hacia
el fondo para simular la sensación de profundidad.
Donatello: Milagro de la mula. Relieves del altar de San Antonio de Padua, 1447-50

Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de José, 1425-52

Liberación del marco y recuperación del
volumen, de los valores plásticos
y táctiles.
• Tridimensionalidad, volumen natural.
• La escultura adquiere independencia
respecto de la arquitectura: fuentes,
monumentos urbanos, retratos…
Ammannati: Fuente de
Neptuno, Bolonia, 1563
Verrocchio: Monumento al Condottiero
Colleoni, Venecia, 1480-88

Protección y patrocinio por
parte de los mecenas y
presencia de grandes artistas.
• Los artistas reclaman su arte
como liberal, intelectual y
dan rienda suelta a su
creatividad, a su estilo
personal e individual,
inspirándose en la naturaleza
y en modelos clásicos.
• Ya no trabajarán solo al
dictado de los comitentes o
por mera imitación de la
tradición o la inspiración
clásica.
• Los artistas realizarán obras
originales, basadas en sus
propias concepciones
estéticas y visiones
personales, desarrollando su
propio estilo.
Donatello y Cosme de Medici. Serie TV
Miguel Ángel y Julio II. Pintura de Alexandre
Cabanel, 1859

Temas:
• Se mantienen los temas
religiosos tradicionales:
personajes sagrados,
Cristos crucificados,
vírgenes, pasiones…
• En ocasiones los
personajes y temas
religiosos serán tratados
al modo clásico,
inspirándose en las
formas grecorromanas e
incorporando el gusto
por la belleza y del
cuerpo humano desnudo,
pareciendo prevalecer el
aspecto de la belleza del
cuerpo humano a su
trasfondo religioso
David de Donatello, de
Verrocchio, de Miguel
Ángel,
Miguel Ángel: Piedad (1498-99) y Moisés (1513-15)

El retrato, de carácter conmemorativo,
adquiere cada vez más importancia,
especialmente:
• Busto
• El retrato ecuestre, que se recupera,
siguiendo el modelo del emperador
Marco Aurelio.
Verrocchio: Retrato
de Giuliano de
Medici, 1475-78
Temas:

Escultura mitológica y alegórica.
Benvenuto
Cellini:
Perseo con la
cabeza de
Medusa,
1445-54
Giambologna:
El rapto de las
sabinas,
1579-83
Temas:

Ubicación de la escultura:
• Desaparece la escultura
de las fachadas de los
edificios, tan abundante
en el gótico.
• Se desarrolla la
escultura exenta,
incluso monumental,
como esculturas de
grandes personajes,
fuentes… para ser
exhibidas en espacios
públicos o privados.
• Sepulcros.
• Balcones y cantorías de
iglesias.
• Puertas de bronce.
• Retablos, especialmente
en España.
Miguel Ángel: Tumba de Giuliano de Medici, 1520-34
Miguel Ángel: David,
1501-4
Donatello: Cantoría Catedral de Florencia, 1433-39
Ghiberti: Puertas del Paraíso,
Florencia. 1425-52

Materiales:
• Semejantes a los
clásicos, como el
mármol sin
policromar (al
creer que la
escultura clásica
no se
policromaba).
• El bronce fundido.
• La terracota
esmaltada:
cerámica vidriada
y policromada.
• El alabastro, sobre
todo en España.
• La madera,
especialmente en
España.
• Talla, sobre todo en
mármol.
• Se recupera la
técnica de la
fundición en bronce
a la cera perdida,
que no se empleaba
con carácter
monumental desde
la antigüedad.
Técnicas:
Joseph Noel Paton: Miguel Ángel esculpiendo la estatua
de la Noche, Siglo XIX
Luca della Robbia: Madonna con el Niño entre
ángeles, 1450. Terracota esmaltadaº

Tipos:
• Escultura exenta, de bulto redondo,
que se desarrolla mucho, como tipo
individual y no vinculado a la
arquitectura, independizándose de
ella.
 Llegarán a desarrollarse
esculturas monumentales para
ser ubicadas en plazas como
monumentos en honor a
personajes importantes
(Condottiero Gattamellatta,
Colleoni…)
• Relieve, tratado con carácter
pictórico, para imitar a la naturaleza
y simular un aspecto naturalista,
mediante la reducción del bulto con
la profundidad y otros efectos
pictóricos, como disminuir el tamaño
de los personajes hacia el fondo,
sistemas de perspectiva lineal,
juegos de luces y sombras….
Ghiberti:
Puertas del
Paraíso,
Florencia.
Escenas de
Salomón y la
reina de Saba,
1425-52

QUATTROCENTO
• Iniciador del
nuevo estilo,
inspirándose
en lo clásico.
• Básicamente
broncista.
• Maestro en
el uso del
relieve
pictórico.
• Recupera el
paisaje y la
figura
humana
siguiendo
modelos
clásicos.
• Sobre todo vinculado a Florencia y los Medici.
• Se produce la recuperación de la naturaleza y la inspiración
clásica.
Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de Noé, Abraham, José y Salomón y la reina de Saba, 1425-52
Lorenzo Ghiberti

Concurso puertas del baptisterio de Florencia: Sacrificio de Isaac (1401).
• Enmarcadas al modo gótico, en un marco en forma de cuatrifolio.
• Supera a Brunelleschi y della Quercia por su mayor facilidad de fusión, por incorporar
de modo naturalista el paisaje, recuperar el desnudo clásico en el cuerpo de Isaac,
superponer figuras en diferentes planos, simulando profundidad, mayor serenidad de
aspecto idealista clásico…
• Recupera las proporciones, la belleza del cuerpo humano, el gusto clásico…
Brunelleschi
Ghiberti

Encargo de las Puertas
del Paraíso del
baptisterio de Florencia:
(1425-52);
• 10 relieves de gran
tamaño de bronce
dorado enmarcadas
por otras figuras y
medallones
prácticamente de
bulto redondo.
• Concebidos mediante
paneles cuadrados, sin
marco, para acentuar
la composición y el
uso de la perspectiva.
• Temática: Antiguo
testamento,
representando varias
escenas en cada
panel.

• Recupera el relieve pictórico
clásico, graduando los
volúmenes mediante la
profundidad (relieve
schiacciato), pasando del
altorelieve a un relieve muy
plano, casi esbozado,
consiguiendo una sensación
de profundidad muy
naturalista.
• Compone las escenas con
un carácter narrativo y
realista, integrándolas en el
paisaje y en marcos
arquitectónicos, para dar
mayor naturalismo y
profundidad a las escenas.
• Utiliza la perspectiva
matemática y científica en
los relieves.
• Emplea modelos clásicos en el modelado del cuerpo, como el canon, la proporción clásica,
el contrapposto, los paños plegados al modo grecorromano.
• Estudia las diferentes posturas del cuerpo humano.
Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de Adán y Eva, 1425-52

• Se dedica especialmente a la
escultura exenta.
• Aprende con Ghiberti,
estudia el estilo clásico
directamente en Roma,
junto con Brunelleschi.
• Trabaja todo tipo de temas y
materiales, pero son
especialmente conocidos
sus bronces, recuperando la
fundición a la cera perdida
en la escultura monumental.
• Gran realismo, naturalismo,
fuerza expresiva y
emocional.
• Gran dominio en el
tratamiento de la anatomía
humana en todas sus partes
y en las diferentes edades y
diferentes estados de ánimo.
Donatello Donato di Niccolò di Betto Bardi, principal escultor del Quattrocento.
Donatello: David (1440), San Jorge (1416-7) y Profeta Habacuc (1425)

David:
• Tema religioso, pero tratado
de modo novedoso,
recuperando la belleza
clásica del cuerpo humano
desnudo
• Une el interés pagano por la
belleza ideal con la cultura
cristiana:
• Frente al tradicional Rey
David representado como
un adulto o anciano David
parece un héroe de la
antigüedad grecorromana.
• Intención política, al
representarlo con sombrero
de paja toscano, frente a
sus enemigos exteriores
(Milán=Goliat).
Donatello: David (1440)

• Cuerpo joven,
ideal de belleza
adolescente del
cuerpo
humano, de
aspecto
andrógino.
• Enorme interés
por las
variaciones de
la luz sobre la
piel.
• Formas
proporcionadas
y contrapposto
exagerado, al
estilo de la
curva
praxiteliana,
actitud serena,
suavidad en
formas y
movimiento.
• Es el primer desnudo integral de bulto redondo fundido en la escultura
occidental tras la Edad media.
• Punto de vista prácticamente frontal.
Donatello:
David
(1440)

 Recuperar el
desnudo y la
belleza clásica
del cuerpo
humano en un
tema religioso.
 Las formas y
proporciones
clásicas.
 La armonía,
proporción,
canon,
contrapposto…
 Recupera la
técnica de
fundición de
bronce en la
escultura
monumental.
• Rompe la tradición medieval:
David: Siglo XII. Pórtico
Platerías. Santiago Compostela
Donatello: David (1440)Claus Sluter. David, Cartuja de
Champmol, 1395-1406

Condottiero Gattamelata.
• Inspirada en la escultura ecuestre de Marco Aurelio.
• Escultura monumental realizada para conmemorar los hechos gloriosos de un caudillo
militar (Erasmo de Narni, como los retratos de los emperadores romanos), de carácter
funerario, y no vinculada a la arquitectura, sino para ser expuesta en su pedestal en
un espacio público y ser una propaganda del poder.
• Es una escultura monumento no dependiente de una arquitectura sino para
insertarse en un entorno urbano y ser admirada.
Estatua ecuestre de Marco AurelioDonatello: Condottiero Gattamelata, 1453

• Fundición de bronce a la cera
perdida en un tamaño nunca visto
desde la antigüedad.
• Escultura a tamaño natural sobre
un gran pedestal.
• Perfecto ejemplo de la
recuperación de los modelos de la
antigüedad clásica en sus formas e
intención.
• Recupera el retrato ecuestre, al
estilo de los emperadores
romanos, como propaganda del
poder.
• Refleja el momento del paso del
caballo, levantando una de sus
patas delanteras.
• Retrato realista, pero idealizado,
sereno, con cierta distancia,
reflejando la autoridad del militar,
al estilo romano.
• Inspiración en la naturaleza, con
perfecto estudio anatómico, tanto
del personaje como del caballo.

• Se convertirá en un modelo de estatuas ecuestres de personajes poderosos posteriores,
símbolo de ostentación de poder.
Pietro Tacca: Felipe IV, Madrid, 1634-40
Etienne-Maurice Falconet: Pedro I de Rusia,
San Petersburgo, 1766-82

San Jorge (1415-17): retrato idealizado del caballero
cristiano, que aun manteniendo el espíritu medieval,
incorpora la belleza idealizada y serenidad renacentistas.
En el pie de la escultura, Donatello es el primero en
recuperar el relieve schiacciato. Realizada en mármol.
Profeta Habacuc (1425): naturalismo en el
tratamiento del cuerpo humano maduro,
al estilo del retrato republicano romano.
Gran expresividad y profundidad
psicológica.

• Relieves de San Antonio de Padua
(1447-50): Empleo del relieve
pictórico, schiacciato, perspectiva
lineal, empleo de arquitecturas
clásicas….
• Cantoría de la catedral de Florencia
(1433-39): trata de recuperar la
expresión y el movimiento.
• Magdalena penitente (1455):
desgarro, expresionismo, patetismo…

Verrochio: broncista, pintor
y maestro de Leonardo, que
acentúa la expresividad y
dinamismo de Donatello.
• David: al estilo de
Donatello, con cuerpo
joven y estilizado, pero
vestido.
• Condottiero Colleoni:
Escultura ecuestre en
que emplea el giro del
cuerpo y del rostro y la
potencia para expresar
el ímpetu y el poder del
retratado. Trata de
captar la fuerza interior
del personaje y reflejarlo
en su gesto poderoso. Va
vestido no al modo
romano, sino con
armadura de la época.
Verrocchio:
David, 1473-75
Verrocchio:
Monumento al
Condottiero
Colleoni,
Venecia, 1480-
88

Luca della Robbia:
• Terracotas
policromadas,
de aspecto
clásico y gusto
sereno.
Jacopo della
Quercia:
• Sepulcro de
Hilaria del
Carretto,
ejemplo del
sepulcro exento
que incorpora
putti en su base.
Inspirará a
Miguel Ángel
por su poderoso
volumen.
Jacopo Della Quercia: Seepulcro de Hilaria del Carretto, 1406
Luca della Robbia: Madonna
y Ángeles, 1475

CINQUECENTO
• Formado en el taller del pintor
Ghindarlaio, entra en contacto con la
corte de los Medici, donde se
empapa de la filosofía neoplatónica,
conciliando el pasado clásico con el
cristianismo.
• Búsqueda de la máxima belleza ideal, clasicismo pleno y de gran
monumentalidad. Está dominado por la gran personalidad de
Miguel Ángel Buonarrotti, que destacará sobre todos los
escultores de su época.
Miguel Ángel
Miguel Ángel: Virgen de la escalera, 1491

• Se considera ante todo escultor,
lo que trasladará también a su
actividad como arquitecto y como
pintor y dedicándose a estas artes
por la presión de sus mecenas.
• Trabaja exclusivamente el
mármol, con la técnica del
tallado, tratando de extraer de la
propia materia el espíritu de la
obra (vinculado con su inclinación
neoplatónica):
• “Por escultura entiendo aquello
que se hace a fuerza de quitar,
pues lo que se hace a fuerza de
añadir se asemeja más a la
pintura.”
• El alma eterna e inmortal se
encuentra atrapada en un cuerpo
material y limitado, como la obra
de arte, atrapada en la propia
materia, una cuestión que le
impulsará y le atormentará.
Miguel Ángel: Esclavo, 1536

• Será ejemplo del nuevo
modelo de artista
renacentista, reconocido
por su genio en vida y
mantendrá grandes
discusiones con sus propios
mecenas.
• Se interesará tanto por
reflejar el cuerpo humano
de modo naturalista, como
en reflejar su carácter a
través de la posición de los
miembros, la expresión de
los rostros y de reflejar el
movimiento en potencia.
• Se caracterizará por un
cuidadosísimo estudio
anatómico, anatomías
poderosas, tensas y por un
dominio increíble de la
perfección técnica.
Miguel Ángel: Centauromaquia, 1492-3
• Gran genio creativo, de carácter apasionado y atormentado, lleno de fuerza y
consciente de su genio individual, que trasladará a sus obras.

• Gran fuerza expresiva,
tensión interior que se
plasma en la fuerza de
los rostros, en la
tensión de los
miembros (terribilitá),
que llegarán incluso a
retorcerse en
posiciones complicadas
(Tumbas de los
Medici) ruptura con
los ideales de serenidad
e idealismo clásicos y
abriendo las puertas al
manierismo.
• A lo largo de su larga
vida, con sus obras
culminará el clasicismo
y la perfección y abrirá
las puertas al
manierismo.
Miguel Ángel: Virgen de Brujas, 1503 Miguel Ángel: Moisés, 1513-15

La Piedad del Vaticano:
• Obra de juventud.
• Tema de origen
medieval, pero sin el
dramatismo medieval,
y abordado de un
modo clásico
Ejemplo de belleza y
serenidad clásica, de
carácter neoplatónico.
• Tratado con el ideal
de belleza clásica,
suavidad en los
rostros y cuerpo de
Cristo.
• Contrasta la juventud
del rostro de la Virgen
(casi adolescente) con
el cuerpo adulto de
Cristo.
Miguel Ángel: Piedad del Vaticano, 1498-99

• Perfecto despiece
anatómico de Cristo,
contrastando su cuerpo
inerte, suave pero
poderoso, con los
abultados paños de la
Virgen y que generan
claroscuro.
• Cuerpo de Cristo en
forma diagonal, en
escorzo.
• Composición piramidal
perfecta, de carácter
cerrado.
• Exageraciones
expresivas conscientes:
alargamiento del
cuerpo de Cristo,
volumen y tamaño
desproporcionado de
las piernas de la Virgen,
para albergar el cuerpo
inerte de su hijo. Miguel Ángel: Piedad del Vaticano, 1498-99

• Impresionantes
calidades
táctiles entre el
cuerpo de
Cristo y los
paños.
• Es un ejemplo
de perfección
técnica y de
acabado muy
pulido, así
como de
composición
perfecta y
serena,
llevando a la
plenitud los
ideales
renacentistas. Miguel Ángel: Piedad del Vaticano, 1498-99
• Serenidad en los rostros, expresividad muy contenida de la Virgen, conteniendo su
dolor: se percibe su dolor interior más que el externo.

David:
• Escultura monumental de 4 metros
de altura, encargada por la ciudad de
Florencia con carácter político, como
en el caso de Donattello.
• Recupera la belleza del cuerpo
desnudo adulto, al estilo del
Doríforo David parece un héroe
clásico (Apolo, Hércules…).
• Desnudo totalmente clásico de
enorme monumentalidad.
• Contrapposto y análisis de miembros
corporales en tensión y en reposo.
• Su pose parece relajada, pero
expresa una enorme fuerza y tensión
interior.
• Cabeza ladeada para romper la
frontalidad y poder ver su expresión:
la escultura se va abriendo a más
puntos de vista.
Miguel
Ángel: David,
1501-4

• Representa el
momento de
concentración de
David antes de
lanzar la piedra a
Goliat,
expresando un
poderoso pathos,
una emoción
interna poderosa,
aunque
contenida: rostro
reconcentrado,
ceño fruncido,
pupilas
rehundidas,
cabello
alborotado,
expresión de su
fuerza interior,
tensión en la
mano, que se
aprecia hasta en
las venas.
• Impresionante tratamiento anatómico, desde los músculos,
venas, tendones…
Miguel Ángel: David, 1501-4

Moisés:
• Obra inacabada para el mausoleo
del papa Julio II, al estilo de las
antiguas tumbas monumentales
exentas de los emperadores
romanos, de forma piramidal.
• La escultura del papa la
culminaría, como homenaje a la
memoria y poder de Giulio della
Rovere. Estaría ubicada bajo la
cúpula de la nueva iglesia de San
Pedro, sobresaliendo sobre
esclavos, victorias aladas y
personajes del Antiguo y Nuevo
Testamento.
• Pasó numerosos años en esta obra,
que debía dejar para atender otros
proyectos encargados por los
Medici y los papas.
• Enorme conjunto: albergaba más
de cuarenta figuras, de las que solo
se terminó el Moisés, Raquel y Lía
(vida activa y contemplativa) y una
serie de esclavos inacabados.
Primer
proyecto de
la tumba de
Julio II,
1505

• Se aprecia en ella y en la escultura
posterior el descubrimiento del
Laooconte (en el que participó
Miguel Ángel) y del Torso Belvedere,
con su enorme fuerza, dramatismo y
monumentalidad.
• Enorme y poderosa musculatura,
llena de tensión y monumentalidad
en un cuerpo maduro.
Miguel Ángel: Moisés, 1505
Grabado de
Marco Dente,
mostrando el
Laooconte tal y
como fue
encontrado, 1520

• Poderoso contrapposto en actitud
sedente.
• Parece que está a punto de levantarse
con enorme fuerza e ira.
• Su cuerpo se gira poderosamente
fruto de su enorme tensión interior,
de una violencia interior contenida, a
punto de desatarse
• Moisés ha regresado de recibir las
tablas de la Ley del monte Sinaí y
contempla al pueblo judío adorando
al becerro de oro, lo que le produce
enorme indignación, que le llevará a
romper las tablas de la Ley.
• Miembros, rostro y cuerpo se
contraponen en posiciones y sentidos
diferentes, expresando esa enorme
fuerza interior.
• Con esa compleja composición rompe
con la frontalidad de la escultura
clasicista anterior.

• Trata de acentuar la sensación de
movimiento de carácter contenido,
que le dota de gran fuerza interior:
• Contrapposto general de la figura,
marcada por el giro de la cabeza.
• La simétrica contraposición entre:
el brazo izquierdo hacia arriba, que
se corresponde con la pierna
derecha hacia adentro; el brazo
derecho hacia abajo y la pierna
izquierda hacia afuera.
• La barba forma una línea curva que
se prolonga hacia el codo de la
mano levantada.
• Otra curva estaría formada por el
brazo en reposo y se continuaría por
el pie de delante.
• Un gran eje vertical va de la cabeza,
pasando por parte de la barba y
continúa por el manto que acaba en
el suelo.

• Gran tensión en los músculos y
en el rostro, incluso en la barba
poderosa
• Ejemplo de Terribilitá, furia,
fuerza interior y dinamismo.
• Apenas queda nada de la
serenidad clasicista en esta
escultura.
Miguel Ángel: Moisés,, 1505

• Los esclavos, muchos de ellos inacabados, de la base de
la tumba parecen querer liberarse de la materia que les
oprime, expresando ese enorme esfuerzo.
 Pueden considerarse como una representación
neoplatónica del alma encarcelada en la materia,
en el cuerpo y que necesita liberarse.
 Pueden representar también las victorias militares
del propio papa.
• Anatomías poderosas que adoptan posturas inestables,
torsionadas, serpentinatas, que influirán
notablememente en los artistas manieristas.
Miguel Ángel: Esclavos (2º proyecto), hacia 1530
Miguel Ángel:
Esclavo
moribundo,
1513

Sepulcro de los Médici:
• Obra que integra arquitectura, escultura y pintura como un conjunto integral, de carácter
funerario, realizado por Miguel Ángel en una capilla en la iglesia de San Lorenzo de Florencia.
• Arquitectónicamente recuerda a la Sacristía Vieja, realizada por Brunelleschi, y que se ubica
al otro lado del presbiterio. Sin embargo, Miguel Ángel emplea un lenguaje mucho más
expresivo, con mayor volumen y de carácter manierista (elementos tectónicos de soporte sin
función, ventanas ciegas o nichos huecos).
Brunelleschi: Sacristía Vieja de San Lorenzo, Florencia, 1418-28
Miguel Ángel: Sacristía Nueva, 1521-34

• El conjunto pretendía incluir las tumbas de cuatro Médici (Lorenzo el Magnífico; su hermano
Giuliano, también Magnifici; y los dos llamados Capitani, Lorenzo, duque de Urbino, y
Giuliano, duque de Nemours).
• Finalmente el conjunto se redujo a dos: a los dos capitani, cuyas miradas y figuras se
dirigen hacia el altar, presidido por una representación de la Virgen con el niño, flanqueada
por los santos patrones de los Médici, Cosme y Damián, según modelos de Miguel Ángel.
Miguel Ángel: Sacristía Nueva y tumbas de los Medici, 1521-34

• Miguel Ángel propone una iconografía de clara raigambre neoplatónica, en la que se
represente el paso del tiempo y su fluir constante, en paralelo al transcurso de los años que van
completando nuestra vida.
• Una reflexión sobre la contradicción entre el continuum eterno del paso del tiempo y
el infinitum de nuestro vivir, que no es otra cosa en realidad que la contradicción neoplatónica
entre el eterno del mundo de las Ideas y el finito del mundo material en la tierra.
Miguel Ángel: Tumba de Giuliano
de Medici, 1521-34http://artecreha.com/la-tumba-de-los-medici/

• Pero además, a este
componente se añade
también el del carácter y la
personalidad de cada uno de
los retratados, que a su vez
se resume en dos
manifestaciones genéricas de
la personalidad humana:
 El carácter
reflexivo, pensieroso de
Lorenzo.
 El más decidido, el ser
activo, de Giuliano.
• Miguel Ángel así eleva la
personalidad terrenal de
cada uno (su carácter) a
valores y cualidades
universales, con lo que de
nuevo está traduciendo en la
escultura los contenidos de la
filosofía neoplatónica.
http://artecreha.com/la-tumba-de-los-medici/
Miguel Ángel:
Tumba de Lorenzo
de Medici, 1521-34
Miguel Ángel:
Tumba de Giuliano
de Medici, 1521-34

• Las figuras de los duques no son retratos sino esculturas idealizadas, que se
convierten en paradigmas de carácter neoplatónico de dos estilos de vida: el activo y
el contemplativo, una vez trascendida la muerte y liberada el alma de su cárcel
corporal.
• Se les representa idealizados, vestidos con armaduras romanas.
• Sus posturas recuerdan la fuerza interior del Moisés o de esculturas clásicas, como el
llamado Ares Ludovisi, en potentes contrappostos entre sus miembros.

• Al pie de sus representaciones se
encuentran los sarcófagos, coronados
por dos volutas sobre las que se
encuentran las personificaciones del
paso del tiempo
• La memoria de los Medici difuntos ha
sobrevivido al paso del tiempo a
través de sus obras, convirtiéndose
en modelos e ideales de vida, tras la
muerte, que llega a todo ser humano.
• Cada uno de los conjuntos se
organiza de modo piramidal, estando
los retratos sedentes de los duques
constreñidos al estrecho nicho en
que se enmarcan (mediante dobles
pilastras muy remarcadas en
volumen) y rodeados por otros dos
nichos rectangulares ciegos y
coronados por frontones curvos, a
modo de calles.
• Por encima, un friso ornamentado
con guirnaldas clásicas. Parece una
especie de fachada fingida.
Miguel Ángel: Tumba de Lorenzo de
Medici, 1521-34

• Para relacionar tanto el
paso del tiempo como el
carácter de los
protagonistas, bajo cada
imagen aparecen dos
figuras alegóricas situadas
a sus pies.
• Así, el retrato de Lorenzo,
el hombre tranquilo,
cuenta con las
representaciones de la
Aurora y del Crepúsculo,
es decir de los dos ciclos
temporales de la
contemplación:
 La Aurora, como una
mujer que se
despereza.
 El Crepúsculo, como
un hombre maduro,
inclinado y
meditabundo. Miguel Ángel: Tumba de Lorenzo de
Medici, 1521-34

• Enfrente, la
representación activa
de Giuliano conlleva a
sus pies las
representaciones
alegóricas
de la Noche y el Día,
representaciones
ambas de las fases
temporales más
dinámicas y enérgicas:
 La Noche, como
una mujer
sensual.
 El Día como un
hombre fornido y
musculoso en
cuyo rostro
semioculto
parecen incidir los
rayos del sol.
Miguel Ángel: Tumba de Lorenzo de
Medici, 1521-34
Miguel Ángel: Tumba de Giuliano de
Medici, 1521-34

Lorenzo, duque de Urbino, conocido como Il
Pensieroso, por su actitud meditabunda, entre
personificaciones de la aurora y el crepúsculo
(momentos del día más indeterminados, de
transición), símbolo de la vida contemplativa.
Giuliano, duque de Nemours, representado
en actitud atenta y vigilante, entre alegorías
del día y la noche (contrastando dos
momentos claramente opuestos), como
símbolo de la vida activa.
Miguel Ángel: Tumba de Giuliano
de Medici, 1521-34
Miguel Ángel: Tumba de Lorenzo
de Medici, 1521-34

Miguel Ángel expresa en un
poema:
«El Día y la Noche hablan y
dicen: con nuestro curso
veloz hemos llevado al
duque Giuliano a la muerte.
Es justo que tome venganza
sobre nosotros, como lo
hace.
Y la venganza es ésta: que
habiéndole nosotros
matado a él, él, muerto, nos
ha quitado la luz; con sus
ojos cerrados ha cerrado los
nuestros, que no brillan ya
sobre la tierra.
¿Qué habría hecho pues con
nosotros en vida?» Miguel Ángel: Tumba de Giuliano de
Medici, 1521-34

• Las figuras alegóricas del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo son las más expresivas del
conjunto y un ejemplo de las soluciones manieristas que emplea Miguel Ángel.

• Se torsionan y retuercen en posiciones inverosímiles, de aspecto helicoidal.
• Muestran poderosos escorzos y se encuentran en posturas desequilibradas.
• Incluso parecen desbordarse del marco en que se apoyan.
Miguel Ángel: Tumba de Lorenzo de Medici, el
Crepúsculo y la Aurora, 1521-34
El Crepúsculo, como un hombre viejo,
con un cuerpo fláccido, que se aproxima
a la vejez y la muerte.
La Aurora, como una mujer joven,
cubierta con un velo, que se despereza
del sueño.

• Se representan con anatomías poderosísimas (incluso las femeninas), sin respeto a las
proporciones clásicas.
La Noche
El Día
Crepúsculo Aurora

• Algunas partes se encuentran
inacabas, contrastando la
rugosidad de algunas de sus
partes con el pulido de otras
(non finitto, de gran
expresividad), que son
ejemplos y anticipo del
manierismo.
• Estas figuras, que se retuercen
en posiciones muy
contorsionadas, parecen salir
del propio material en el que
han sido talladas, como el
alma aprisionada por la
propia materia.
El Día
El Crepúsculo

 Rompe totalmente con los
ideales de belleza ideal,
armonía y serenidad clásicas
de modo deliberado.
 Acentúa la fuerza expresiva y
la tensión interior, el
patetismo.
 Retorcimiento de posturas,
posiciones inestables,
miembros que se entrelazan
expresivamente, formas y
posiciones distorsionadas;
muchas de estas esculturas
están inacabadas.
 Desproporciones y
alargamiento de los cánones.
 Composiciones inestables y
de tendencia vertical.
• Sus últimas obras, como las Piedades de la Catedral de Florencia o Rondanini son muestra
de su evolución hacia el manierismo, acentuando el dramatismo y la expresividad y un
espíritu desgarrado y atormentado.
Miguel Ángel: Piedad de Florencia, 1547-53 Miguel Ángel: Piedad Rondanini, 1552-64

MANIERISMO
• Miguel Ángel lleva a su plenitud
el clasicismo renacentista, a la
vez que –a partir del Moisés y
con sus últimas obras- rompe con
sus principios de serenidad y
belleza ideal, abriendo nuevas
posibilidades expresivas en las
artes plásticas, que desembocará
en el manierismo.
• Se desarrolla un estilo no
unificado, que rompe con las
formas clásicas, muy variado y
personal, que desarrollarán de
manera personal determinados
artistas y que será un arte muy
intelectual y elitista, dirigido
sobre todo a las clases altas,
intelectuales y más pudientes de
la época.
Giambologna: Mercurio, 1564

• Esta desconfianza de los ideales
de serenidad, armonía y equilibrio
será muy acorde con los cambios
que se experimentan en los dos
últimos tercios del siglo XVI:
 Ruptura de la cristiandad con la
Reforma protestante.
 Saqueo de Roma por el
emperador Carlos V.
 Inicio de la Contrarreforma.
 Guerras de religión.
 Enfrentamientos entre las
monarquías europeas.
 Amenaza del Imperio turco…
• Todos los ideales optimistas y de
confianza del humanismo
renacentista parecen haberse
esfumado y sustituirse por lo
individual, lo artificioso, lo
variado, lo inestable… dando lugar
a este periodo conocido como
manierismo y que desembocará en
el barroco.
Representaciones del saqueo de Roma por las tropas de Carlos V, 1527

• Se cuestionarán los
valores de confianza en
la razón, del
individualismo
humanista, del orden y
equilibrio como reflejo
del orden universal y se
manifestará un cierto
desasosiego del ser
humano ante un mundo
que creía ordenado y
ahora ve como se
desmorona.
• Se tratará de buscar lo
complejo, lo inestable,
el desequilibrio, la
tensión, el
refinamiento, las
soluciones artísticas y
expresivas personales,
variadas, refinadas y
virtuosas, más allá de
soluciones universales.
Giambologna:
Sansón matando a un
filisteo, 1562

• En escultura se buscarán
las posturas artificiosas,
las composiciones
abiertas, inestables, la
complejidad compositiva,
el artificio, las líneas
sinuosas, las formas
ondulantes ascendentes,
de tendencia helicoidal
(línea serpentinata), el
alargamiento de las
formas…
• Se desarrollarán además
de esculturas individuales
de bulto redondo,
grandes grupos
escultóricos integrados
por diferentes figuras, en
ocasiones entrelazadas
en composiciones
complejas, destacando la
tensión y el dinamismo.
Giambologna: El rapto
de las sabinas,
1474-82

• Serán muy frecuentes las
esculturas monumentales tanto
en plazas urbanas como en
jardines de villas urbanas y
suburbanas, con efectos
sorprendentes, que integrarán la
escultura, la arquitectura, la
naturaleza, el agua.
Giambologna: El coloso del Apenino. Villa Medici en Pratolino, 1580
Bartolomeo Ammannati:
Fuente de Neptuno,
Florencia, 1563-65
Pirro Ligorio: El Orco, Jardines de Bomarzo, Italia, 1552-80

• Estudia las obras de Miguel Ángel.
• Se admira por su poderoso estudio
anatómico y por sus cuerpos distorsionados
y con posiciones retorcidas.
• Realiza grandes estudios anatómicos de
cuerpos de todas las edades, buscando el
movimiento, la inestabilidad…
Juan de Bolonia
Giambologna: El rapto
de las sabinas,
1474-82
Giambologna: Hércules
y el centauro Neso, 1499

• Se caracterizará
también por el empleo
de la línea
serpentinata como
elemento compositivo.
• Genera un impulso
ascensional en espiral
ascendente, que dota
a sus composiciones
de una vista circular,
con múltiples puntos
de vista.
• El espectador debe
rodear la escultura
para contemplarla en
su totalidad, a partir
del giro compositivo
que realizan sus
personajes, en
composiciones llenas
de curvas y
contracurvas.
Giambologna: El rapto de las sabinas, 1474-82

• Emplea composiciones de
carácter abierto,
rompiendo con las
composiciones cerradas y
equilibradas del clasicismo,
buscando incluso el
artificio y la inestabilidad
compositiva, acentuando
la sensación de
dinamismo.
• Gusto por las
composiciones tendentes
a la ascensionalidad, a la
verticalidad.
• Gran virtuosismo en su
técnica y en los acabados
de los materiales.
• Búsqueda de la expresión
y el dinamismo, que
desembocará en el
barroco.

• Gran orfebre, que lleva su
técnica virtuosista a su
escultura monumental.
• Líneas sinuosas, ondulantes,
elegancia, refinamiento,
cuerpos poderosos pero
alargados…
Bemvenuto Cellini: Perseo y la
Medusa, 1445-54
Benvenutto Cellini:
Bemvenuto Cellini: Salero de Francisco I de Francia, 1539-43

• Su obra más conocida: Perseo
decapitando a la Gorgona
Medusa, en la que a la perfección
técnica, se une el detallismo de
aspecto pictórico, casi morboso,
de la sangre colgando de su
cabeza, así como la necesaria
visión circular para contemplar el
cuerpo de Medusa y su pedestal,
decorado con diversas escenas.
Bemvenuto Cellini: Perseo y la Medusa, 1445-54

Especifica las características de la escultura renacentista italiana y explica su evolución, desde el Quattrocento al Manierismo

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