La cúpula de Santa María dei FioriLa cúpula de Santa María de las Flores, es sin duda, la más importante de sus obras.Brun...
Esta obra dio origen a la arquitectura renacentista, claramente se distinguía un nuevo modelo de iglesia,dejando atrás la ...
En el friso de la planta baja se encuentran las armas de los Rucellai conformadas por: tres plumas en unanillo, las velas ...
En el siglo IX un pequeño oratorio era dedicado a Santa María de la Viña, sobre esta construcción, sealzó en 1049 la igles...
La Basílica de San PedroFue construida por Donato, es un templo católico que se encuentra en la Ciudad del Vaticano. Escon...
Donato en el centro de la nueva fachada, hundió con un ábside semicircular abierto el reconocidoNicchione, y descubrió uno...
El palacio tuvo un derrumbamiento antes de ser reconstruido por el arquitecto, por problemasestructurales. El mentor Triss...
Lamentablemente Palladio no pudo ver finalizada la obra, ya que murió solo seis meses después dehaber empezado la construc...
la zona. Este personaje tenía un monograma en forma de dos bastones cruzados con una V debajo. Estemonograma lo podemos ve...
Se cree que este acontecimiento pintado por Masaccio significa el nuevo interés del mar en Florencia.Otras de las interpre...
Y así fue, lograron capturar al dragón y lo llevaron hasta la ciudad para que después de que todos hayansido bautizados, s...
La Virgen de la HumildadEsta obra realizada por Fra Angelico la realizo en su periodo de madurez, perteneció a la colecció...
atención al ángel. En el ángulo izquierdo de la pintura podemos observar las manos de Dios y de ellassale un rayo de luz q...
Botticelli imita la postura de una diosa llamada Venus Púdica, y de una antigua estatua romana. Losmitos de Botticelli con...
los debates que se plantean en Florencia en ese entonces. Al igual que Marsilio Ficino y Picco dellaMirandola.Esta obra fu...
A un costado, una lámpara de aceite simboliza, que el entierro del cuerpo está próximo.Óculo fingidoEs también llamado, Cá...
Mantegna vivió en una época en donde las pestes estaban a la orden del día, se creía que estas eranpropagadas a través del...
El cuadro se encuentra en el Museo de Louvre, con altísima seguridad, que costó 6 millones de dólares.Se cree que en vida,...
La Última CenaEsta obra de Leonardo Da Vinci, es un gran elemento representativo de la Biblia cristiana.Fue realizada en 1...
Es una obra clásica del Renacimiento de mayor expresión. Un dato curioso es que el mármol de Carraraes cortado por bloques...
Es una de las esculturas más famosas de todos los tiempos. Está realizada en mármol blanco, entre losaños de 1501 y 1504. ...
Es una obra en la que la composición equilibrada y armoniosa, delata al autor. Posee una acertadaelección cromática y rítm...
Los desposorios de la VirgenLa obra se realizó en 1504 con temple y oleó sobre tabla, fue un encargo de la familia Albizzi...
Esta temática está relacionada íntimamente con la del Festín de los Dioses, dándole Tiziano toquespersonales como los movi...
Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. Norepresenta a una figura de una...
Representa una escena perteneciente a la Biblia, del evangelio de Juan. Donde el autor quiere expresarcon un azul quebrado...
Venus, vulcano y MarteLas representaciones que se caracterizan por una vehemencia de la acción, desconocida hasta entonces...
En la escultura de David se representa una figura que aunque sea de carácter religioso, se aleja de estetema para dar a re...
Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferentesluchas realizadas. En su ros...
Los personajes principales no están idealizados, ya que sus rostros reflejan la edad que debían tener, enel caso de Juan s...
Es una escultura hecha en bronce, realizada entre los años 1473 y 1475. No es de tamaño natural, sinoun poco mas pequeño. ...
La parte principal de la Cantoria hay una serie de relieves separados por doble pilastra con capitel. Estosrelieves son re...
Representaban las artes liberales, es decir, la gramática, la lógica, la música, la astrología, la aritmética yla geometrí...
En la terraza podemos observar elaboradas baldosas en perspectiva de mármol. La profundidad delpaisaje también por el crom...
Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizar en Venecia la escuela rival de losVivarini.Se inspira en Pie...
Al fondo de la composición se encuentra situado un paisaje en perspectiva, dividido por un murete queno impide la visión d...
En la zona de la izquierda, remarcada por colores oscuros que plasman una zona de penumbra, el pintorrepresenta la Sagrada...
Júpiter e IoEs uno de los cuadros más conocidos del pintor Correggio, pues en ella llega a la cúspide de susposibilidades ...
Un cuadro que representa una escena de la mitología griega, Ganimedes era un hermoso príncipe deTroya, hijo del mismo epón...
Es un retrato del autor, también conocido como autorretrato con traje de piel, que lo realizo cuandotenía 27 años de edad,...
Durero encargó un marco muy elaborado para esta pintura y la regalo al municipio de la ciudad deNuremberg, constando la do...
A lado derecho de la cruz se encuentra a los pies de Jesucristo, Magdalena quien parece estarimplorando a Cristo. Viste un...
A la derecha se observa un personaje con un bastón sujetado por su mano izquierda y con la derechaimita una cachetada como...
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Artistas historia del arte

  1. 1. La cúpula de Santa María dei FioriLa cúpula de Santa María de las Flores, es sin duda, la más importante de sus obras.Brunelleschi ganó el concurso que se realizó con el objetivo de encontrar el arquitecto más idóneo pararealizar una cúpula que por sus dimensiones y demás problemas técnicos no se había podido realizar,aunque no hubo un consenso y la construcción quedó en manos de Ghiberti y Brunelleschi, el primerodespués de burlarse de los planos de Filippo, se dio por vencido, viendo que no estaba en capacidadpara realizar la obra, quedando como único arquitecto de la cúpula, Brunelleschi.Filippo hizo trabajos de investigación aprovechando los viajes que hacía, y en uno de ellos, en Roma,encontró la inspiración para construir la cúpula basándose en la cúpula del Panteón de Roma y otrasconstrucciones de época medieval. Usó una estructura de ladrillos con diseño octogonal y de dobleemparedado, por dentro era de forma semicircular y por fuera octogonal, rematada por una linterna,reunió las dos cúpulas en los ángulos utilizando cestillas y cincha la cúpula interior con grandes anillos demadera unidos entre sí con vigas de hierro, a medida que se levantaba, se iba cerrando; convirtiéndoseen la primera cúpula con esta forma, construida sin soportes de madera. Tuvo que inventar máquinaspara levantar las piedras más grandes, se usaron refuerzos horizontales de hierro y piedra, este hechomarcó el principio del hormigón que hoy en día se utiliza.La Iglesia de San LorenzoEmpezó su construcción en 1421 y acabo en 1428, en Florencia.La planta es en forma de cruz latina muy alargada, tres naves y capillas laterales. Presenta cubiertaexterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales. La planta en forma de cruz latinahace referencia a la religión cristiana. La familia de los Médicis, fue la que encargó la construcción aFilippo de la majestuosa iglesia, sobre una antigua iglesia románica, que simboliza el poder cada vezmayor de la familia, la que dará lugar a la dinastía florentina. Su objetivo era la construcción de untemplo para usarlo como Panteón de su familia, para mostrar así, el dominio que tenían en la capital.Brunelleschi se inspiró en las primeras Basílicas paleocristianas y los patrones de la arquitectura clásica.Esta fue construida con piedra, y el mármol fue utilizado para los revestimientos decorativos ymateriales de relleno en las bóvedas, la armonía, regularidad y simetría se hacen presentes en eledificio. Está constituida por arcos de medio punto que se sostienen por columnas corintias, la navecentral está iluminada por óculos. En la Basílica se encuentran amplios espacios sobresalientes de laestructura del templo. Conocidas como “Sacristía Vieja” que fue construida por Brunelleschi, la “SacristíaNueva” la construyo Miguel Ángel.
  2. 2. Esta obra dio origen a la arquitectura renacentista, claramente se distinguía un nuevo modelo de iglesia,dejando atrás la medieval.Capilla PazziLa Capilla Pazzi en Florencia fue realizada bajo proporciones áureas y formulas geométricas desde suplanta y sus fachadas, con lo que consigue una magnifica armonía, esta fue su última obra, no la pudofinalizar ya que murió en 1446; se la encargo Andrea de Pazzi, al igual que la Iglesia de San Lorenzo, suobjetivo era: ser construida como recinto funerario de la familia. Esta familia era una de las máspoderosas en Florencia.Ya se toma al hombre como centro del universo, y no a Dios, sus dimensiones son basadas en elhumanismo. Filippo hubo de adaptarse al espacio reducido.Es un Templo de Planta de cruz griega, en el que resalta la cúpula central y el pórtico exterior en el quese eleva un ático que está decorado con pilastras corintias, dividido por el gran arco del centro,coronado en una cornisa ornamentada. El pórtico construido con cinco tramos entre seis columnas deorden compuesto, los cuatro extremos adintelados y el central en forma de arco de triunfo semicircularmuy alto y de doble anchura, cubierta por una bóveda de cañón. Brunelleschi fusiona el arco adinteladogriego con el arco central de origen romano.La cúpula de la Capilla está inspirada en los modelos romanos, sus proporciones son casi cuadradas,Brunelleschi y los demás arquitectos renacentistas tenían una gran obsesión por las cúpulas.Palacio RucellaiEsta construcción fue para Alberti, el primer encargo arquitectónico que le hicieron en Florencia.Realizado por Giovanni Rucellai, un miembro destacado de una familia muy ilustre, centrada en elnegocio de tintorería de tejidos en la capital.Está basado en el manual De Re Aedificatoria, el Palacio Rucellai se caracteriza por el prestigio de lasproporciones. Alberti se centró en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones másnovedosas. Construida en piedra, está dividida en tres pisos separados por cornisas con un claro sentidohorizontal, no dividen las plantas del palacio, es decir la altura real de las plantas es diferente a la de lascornisas, para armonizar la obra añade pilastras verticales superponiendo en ellas ordenes clásicos,resultando un matiz de luces y sombras.
  3. 3. En el friso de la planta baja se encuentran las armas de los Rucellai conformadas por: tres plumas en unanillo, las velas infladas por el vento y el escudo familia, que se halla también en los blasones encima delas puertas. Este palacio fue considerado por las familias nobles y de mucho poder en ese entonces, un modelo deresidencia señorial. Al morir Alberti, fue construido por Bernardo Rossellino, quien siguió el diseño deLeón Bautista Alberti, aunque no se limito a los planos, sino que incrementó las dimensiones originales.Templo San Francisco o Malatesta de RíminiEl templo de San francisco es conocido también como el Templo Malatestiano porque fue encargado aLeón Bautista Alberti por Segismundo Pandolfo Malatesta, en el año de 1450. Quien ocupaba el cargo dePríncipe de Rímini. Su construcción tenía como objetivo ser un templo para sepultar en esta obraarquitectónica a los hombres ilustres de su pueblo, a su amada y por supuesto su cuerpo. Aunque en losprimeros pilares que se encuentran en los laterales del templo, se hallan dos lapidas con inscripcionesen griego afirman que el Principe de Rimini, dedica esta construcción al dios inmortal y a la ciudad, esdecir, en acción de gracias.En un principio Alberti decidió incorporar a una iglesia medieval gótica dos capillas en el lado sur.Renovando más tarde, todo el diseño del templo, tanto su exterior como interior.Segismundo fue derrocado por la religión y por esta razón se realizaron algunos cambios en el diseño, yaque en el modelo original, no existía ningún tipo de símbolo cristiano, ni cruces ni imágenes sagradas,algo que era inaudito en ese entonces. Pero era imaginado por todos, ya que Segismundo eraconsiderado como una persona con intenciones auto-celebrativas y su inclinación neo-pagana.Alberti quería construir en el templo una cúpula que fuese mayor que la de Santa Maria dei Fiori, ya querepresentaba la más grande de Italia. Pero no pudo conseguirlo, por situaciones económicas.El proyecto quedó inconcluso, planteo la fachada principal a modo de arco de triunfo, y para el ábsidepretendía construir un redondel cubierto por una bóveda hemisférica.Fachada de Santa Maria Novella
  4. 4. En el siglo IX un pequeño oratorio era dedicado a Santa María de la Viña, sobre esta construcción, sealzó en 1049 la iglesia de Santa María Novella. La familia Rucellai encargó a León Battista Alberti quediseñará la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada de la Iglesia. Larealizó en mármol blanco y verde oscuro, que representaba una tradición constructiva toscana.Terminándola en 1470.Alberti logró una armonía, equilibrando los elementos góticos de la iglesia con elementos puramenterenacentistas. Se inspiró en románico florentino, en específico, en la basílica de San Miniato al Monte,para realizar las incrustaciones bicolores.Incluyo también dos volutas que permiten salvar la distancia existente entre la nave central y laslaterales dando proporción y regularidad a la obra, característica principal del renacimiento. La voluta dela derecha fue recubierta de mármol. Las formas geométricas simples que usa Alberti invitan a meditarsobre las verdades de la fe, idea introducida en las corrientes estéticas neoplatónicas de Florencia. En lafachada también se encuentran arcos de medio punto pertenecientes a la arquitectura clásica.Acabada la fachada se puede decir que está construida a modo de telón.Templete de San Pedro in MontorioFue una obra arquitectónica encargada por los Reyes Católicos en Roma, para conmemorar la Toma deGranada, el templo está situado, según la Biblia, justo en el lugar donde Pedro fue ejecutado, la fraseque dice Jesús “Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi iglesia”. Donato Bramante fue el elegidopor Reyes para construir esta obra con gran valor religioso.Decidió diseñar un templo circular, de planta centrada, alzado sobre un podio y cubierto por una cúpulasemiesférica. En el exterior del Templete se encuentra una columnata de balaustrada conformada porun peristilo. Los muros exteriores se hallan hornacinas aveneradas, que se alternan vanos adintelados.Una de sus características es la carencia de elementos decorativos innecesarios y su pureza de líneas porla cual se la considera el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista.Fue construido en granito, mármol, travertino, y sus acabados fueron a base de estuco y revoco. Existen4 puertas para el ingreso al templo. Dentro, se dispone un altar mayor y debajo de este una cripta quesegún la tradición, es donde enterraron al apóstol, y fue clavada una cruz.Esta obra fue la primera del Cinquecento. Por esta obra Donato Bramante fue nombrado arquitecto delVaticano, creando los primeros planos de una nueva construcción, la basílica de San Pedro. La cual fueconcluida por otros arquitectos que realizaron algunas modificaciones en los planos originales.
  5. 5. La Basílica de San PedroFue construida por Donato, es un templo católico que se encuentra en la Ciudad del Vaticano. Esconsiderado el mayor templo cristiano en el mundo, y el más sagrado para la religión católica. Su cúpulahace que sea un elemento dominante en el paisaje de Roma. En este lugar donde fue asentada laconstrucción de la basílica es donde según la tradición católica, fue enterrado el apóstol Pedro. La obraempezó en 1506 y finalizó en 1626.Es el mayor edificio de su época, y la principal iglesia pontificia, pues en ella, debido a su tamaño, y sucercanía con la residencia papal, se celebran la mayoría de eucaristías por el papa.El diseño consistió en un edificio con planta de cruz griega, cubierta por cinco cúpulas, la central era lade mayor tamaño que se apoyaba en cuatro pilares. El arquitecto se inspiró en la Basílica de San Marcosy para realizar la cúpula en Panteón de Agripa.Por la demolición de la antigua Basílica de San Pedro, Bramante fue apodado “el maestro ruinoso”, fuemuy criticado por este acto, no solamente por religiosos, sino también por colegas suyos, como MiguelÁngel.Bramante no pudo ver mucho de su obra construida, pues en 1514 falleció, habiendo quedado edificadosolo los cuatro pilares que mantendrían la cúpula central.Patio de BelvedereO conocido también como: Cortile del Belvedere, o Palazeetto o el Belvedere. Fue una de las másgrandes obras arquitectónicas desarrolladas en el Alto Renacimiento en el Vaticano.Donato lo construyo para el papa Inocencio VIII. El papa Julio II le pidió que uniera el Vaticano conBelvedere, y es así como se construyó esta edificación. Fue uno de los últimos proyectos de jardinesromanos de Bramante.El patio estaba dividido por tres terrazas con dimensiones distintas, que se unían por largos pasillos yarmónicos tramos de escalera. Está cerrado en sus lados por cuerpos de albañilería ritmados porcolumnas estriadas, donde se apoyaban grandes arcos, los cuales guían hasta un pórtico con jardines deforma geométrica.Se inspiró en los palacios imperiales romanos, de donde formo un nuevo concepto espacial. Aunquenunca encontró la perfección tanto como él lo había soñado. Lo que se logró conservar de la idea fue larampa espiralada que está en la torre y la puerta estilo oriental de la parte inferior.
  6. 6. Donato en el centro de la nueva fachada, hundió con un ábside semicircular abierto el reconocidoNicchione, y descubrió uno de los modelos que se tomarían para construir las escaleras de caracol. Larampa helicoidal en la que anchas columnas, dóricas, jónicas y corintias soportan un pavimento enespina de pez son gradas.Villas PalladianasLas Villas Palladinas esta ubicadas en la región de Véneto son 24 en total las conservadas y declaradasPatrimonio de la Humanidad por la UNESCO, aunque muchas de ellas se encuentran en Vicenza. Elarquitecto las construyó para las familias más importantes del lugar, aristócratas y burgueses, las usabanpara el recreo y descanso de sus propietarios. Además de usarlas como pequeños centros deproducción agrícola, para ello estaban rodeadas de campos y viñedos, e incluían almacenes, establos ydepósitos para el trabajo del campo.Suelen tener alas laterales como las barchesse , los que servían como ambientes de trabajo y dividían elárea central con la de los trabajadores para que no interfieran estos, en la vida de los propietarios.Estas construcciones eran más pequeñas que los palacios, que descendían de los castillos, estabanrodeadas por un patio, cerrado por un muro, el cual daba seguridad y protección. En el patio seencontraban la barchesse, palomares, los hornos para el pan, los gallineros, habitaciones para loscampesinos y los servidores domésticos. Eran lugares donde se hacía queso y bodegas para exprimir lauva.Palladio buscó integrar todos los ambientes y elementos de las villas considerando la forma del áreadisponible que en algunas ocasiones se encontraba delimitada por calles o por cursos de agua. Asímismo el arquitecto en uno de sus libros decía que las villas tenían que estar orientadas hacia el sur demanera que la paja no se pudriera ni se fermentara.Algunas de sus villas son: La villa Trissino, Gazzotti Grimani, Almerico Capra, Angarano, Caldogno, etc.Palazzo della Ragione di VicenzaEs conocido en la actualidad como Basilica Palladiana, en la ciudad de Vicenza. Es un edificio de carácterpúblico, uno de los más importantes dentro de los palacios construidos por Andrea Palladio. En él seasentaba el gobierno y sus principales administraciones civiles.
  7. 7. El palacio tuvo un derrumbamiento antes de ser reconstruido por el arquitecto, por problemasestructurales. El mentor Trissino recomendó la obra al que en ese entonces era un arquitecto joven,Andrea Palladio tenía que dedicarse a diseñar las loggias exteriores que muestran uno de los primerosejemplo de lo que vinieron a ser las ventanas Palladinas.En su fachada presenta arcos de medio punto los que están flanqueados por pequeños vanosadintelados que se encuentran coronados por óculos. Este modelo fue inspirado en los arcos de triunforomanos.Andrea Palladio dio a la basilica dos estilos de columnas clásicas. La planta superior está enteramenteocupada de un enorme salón sin soportes intermedios. El revestimiento de la fachado fue realizado conrombos de mármol rosados y amarillos. La Basílica fue un proyecto muy costoso y tomó mucho tiempoconstruirlo.Es de dos pisos de elegantes galerías, dotadas de tres espacios expositivos independientes, sede demuestra de arquitectura y de arte de interés nacional e internacional, y actualmente se encuentracerrado al público por restauración.Teatro OlímpicoAndrea Palladio diseño el Teatro Olímpico que fue la última obra que realizó el arquitecto, quien conesta edificación fue el precursor de los Teatros cerrado, considerándose primer teatro en el mundo.El arquitecto después de haber estado viajando, y estudiando la arquitectura Romana, vino con unavisión más detallada de la arquitectura clásica y sus de los teatros. Se basoo también en el tratado dearquitectura de Vitrubio y en su personal introspección de las ruinas romanas. Fue el fundador de la Academia Olímpica, la que pretendía difundir la literatura de sabor erudito yclásico, por lo que sus miembros promovían representaciones teatrales, en las que su fundador realizóescenografías. Después de varios años obtuvieron los derechos para construir un teatro permanente enuna vieja fortaleza.Construyo un área semicircular que encajaba en el teatro de forma escalona como en los teatrosgrecorromanos, pensando en la visibilidad de las personas que se sentarían en las últimas filas, la cualmejoró mucho, destinada para como área para que se siente el público. La estructura del teatro selevantaría en unos muros construidos con ladrillo revocado, La decoración seria interior de madera,estuco, pintura y yeso, la piedra se emplearía solo en las zonas más sobresalientes.
  8. 8. Lamentablemente Palladio no pudo ver finalizada la obra, ya que murió solo seis meses después dehaber empezado la construcción del teatro. Aunque el teatro se construyo conforme a sus diseños consus ideas y detalles.Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenalEsta obra de Masaccio se basa en la historia de la Biblia en relación con “El Génesis”, donde cuenta queAdán y Eva se dieron cuenta que estaban desnudos y decidieron taparse con un tejido de hojas dehiguera, luego fueron expulsados del paraíso terrenal por los querubines y la llamada espadazigzagueante, quienes custodiaban el árbol de la vida. El arco representado en la obra de Masaccio noconstaba en la Biblia.Este fresco se encuentra en la Capilla Brancacci, con esta obra de arte se pretende representar el pecadooriginal y el distanciamiento entre el hombre y Dios. Es muy conocida por su vivida energía y realismo enla escena llena de dolor y angustia, que viven ambos. Eva con un grito melancólico, intenta taparse consus manos, mientras que Adán, con el vientre contraído, toma aire y sus gestos tristes tapados por susmanos en signo de vergüenza.Masaccio para pintar a Adán en el fresco debió haberse inspirado en los dioses de la Mitología griega, yde algunos crucifijos hechos por Donatello. Eva seguramente, fue creada por alguna referencia delartista a las Venus púdicas romanas o a Giovanni Pisano.Tres siglos después de haber sido pintada Cosme III de Médicis, ordeno tapar las zonas intimas con hojasde higuera, aunque tiempo más tarde se decidió retirar la pintura que se había añadido, dejándola tal ycomo era.El Tríptico de San Juvenal o Retablo de CasciaSegún Luciano Berti, es una de las primeras obras originales de Masaccio. No consta en la biografia delautor, realizada por Giorgio Vasari. La encontraron en un pésimo estado de conservación, por esta razón la tuvieron que someter a unarestauración urgente y obligada. En el borde inferior de una tabla estaba escrita la fecha de ejecución, el23 de abril de 1422. La obra se realizo en Florencia, siendo un encargo para el pintor por VanniCastellani, quien era miembro de una rica y poderosa familia florentina que poseía amplios dominios en
  9. 9. la zona. Este personaje tenía un monograma en forma de dos bastones cruzados con una V debajo. Estemonograma lo podemos ver en el tríptico.El tríptico consta de tres tablas, en la tabla central se encuentra una Virgen con el Nino y dos angeles, enla tabla lateral derecha los santos Antonio Abad y Juvenal, en la parte izquierda están los SantosBartolome y Blas.Los fondos dorados dotan de cierto arcaísmo a la composición, sin embargo Masaccio intenta introducirelementos típicos del Quattrocento como la monumentalidad de las figuras o la perspectiva. Las líneasde fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por lamano derecha de la Virgen.El tríptico se encuentra en la localidad de Cascia, en la iglesia de San Juvenal.El tributo de la MonedaPertenece junto con una serie de obras de arte, al patrimonio pictórico que adorna la capilla de lafamilia Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia. Esta obra se encuentra a la izquierda de unretablo de la iglesia, de estilo gótico.En esta obra el artista describe una escena de la Biblia, del Evangelio de Mateo. Representa un episodiode la vida de Cristo, en Cafarnaum, donde le solicitan a Jesús y a sus discípulos el pago del tributo, delimpuesto de alcabala para el templo. Ordenando Jesús a Pedro que pesque un pez en el que encontrarala moneda para el tributo que les hacía falta.Masaccio representa las tres escenas del milagro en la obra en una sola representación.La primera escena: Jesús esta en el centro del fresco, el cobrador se encuentra de espaldas, extendiendosu mano hacia Jesús. Y él su vez hace el mismo gesto para indicar donde tiene que ir Pedro, repitiendo elmismo gesto el apóstol.La segunda escena: No se ve en el cuadro, Pedro intenta sacar del pez , arrodillado a la orilla de un rio,una moneda para dársela al cobrador.Tercera escena: Pedro da la moneda al cobrador mientras que el cobrador también extiende su manopara recibirla, ante un edificio en perspectiva.
  10. 10. Se cree que este acontecimiento pintado por Masaccio significa el nuevo interés del mar en Florencia.Otras de las interpretaciones dice que Pedro, como jefe de la iglesia, es quien debe tratar con el mundoy sus poderes terrenales.La composición con un fondo de montanas esquemáticas con algunos árboles que se cree que esténinspiradas en las pinturas de Giotto, tiene en su costado derecho un elemento arquitectónico enperspectiva. Este contraste entre la naturaleza y esta edificación hace que la composición se amplíe.La Batalla de San RomanoSe conoce también como la derrota de San Romano, es un tríptico realizado con temple sobre tabla, seconserva dispersas en tres museos: National Gallery de Londres, Galería de los Uffizi de Florencia yLouvre de Paris.Al parecer este cuadro se pinto para colocarse en el palacio de los Medici-Riccardi.La Batalla de San Romano, fue un episodio de Florencia, esta lucha se dio entre los florentinos y lossieneses, quedándose con la victoria los florentinos que se encontraban liderados por Nicolás deTolentino. No resultando ningún muerto durante la batalla.Paolo Ucello representa tres escenas diferentes en el tríptico.Puede parecer una obra medieval, por las armaduras de los caballeros y sus largas y pesadas lanzas. Loscaballos y las personas parecen estar sacadas de un palo de madera, y aunque parezca una función detíteres, se puede descubrir que el pintor, debido a la fascinación con su arte, quiso proyectar lasimágenes como si estas, hubiesen estado talladas y no pintadas. Estaba tan impresionado con laperspectiva, que se pasaba realizando escorzos, como los que plantea en la Batalla de San Romano. Enlas piezas de armadura en el suelo, las patas del caballo y el guerrero que está en tierra en la zonainferior derecha.San Jorge y el dragónEs una escena de una leyenda procedente de Libia, en un pueblo donde se encontraba un dragón queestaba destruyendo el pueblo entero, el dragón vivía en el lago, y lo alimentaban con los sacrificios deovejas que hacían los moradores para aplacar su ira. Pero un día, se acabaron las ovejas , ya casi nohabía gente ahí. La hija del rey se encontró con San Jorge, quien le dijo que él le iba a ayudar a capturaral dragón para que dejen de preocuparse por él.
  11. 11. Y así fue, lograron capturar al dragón y lo llevaron hasta la ciudad para que después de que todos hayansido bautizados, se sacrifique al dragón.Paolo Ucello creó una atmosfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar obras del surrealismo.Que se deja ver en una de las características de Ucello, en este caso en la tormenta que se ve en elfondo del cuadro.En la obra se vuelve a ver la inclinación por realizar figuras escorzadas, y perspectivas irreales.La iglesia católica reconocía a San Jorge como el arma de Dios, y su caballo blanco representaba a laiglesia. La lanza era un instrumento que era otorgado por Dios, para acabar con los pecados del mundo,representada en la obra por el dragón. Se lo puede relacionar con San Miguel, ya que los dos seencuentran matando a un dragón o demonio con una lanza de metal.El CondotieroTambién conocido como Giovanni Acuto, es un fresco que realizó el pintor para la catedral de Florencia,convirtiéndose en su primera obra maestra. Fue su primer encargo monumental que consistía en pintarel retrato ecuestre del capitán inglés John Hawkwood, de aquí viene el nombre de la obra, pues losflorentinos llamaban al capitán Giovanni Acuto.En esta obra, una vez más, pone en práctica sus conocimientos de perspectiva, introduciendo la técnicadel escorzo, que mas gustaban al autor. Lo ejecuta en solo tres meses, y pone su rúbrica en la parteinferior del cuadro.La figura del condotiero es esplendorosa, y de gran tamaño, así como también bien definida. Lo que másgusta de la obra es el escorzo del cofre situado sobre una ménsula. No hay duda de la capacidad dedibujar en perspectiva del pintor, lo que da en sus cuadros un toque de excentricidad y singularoriginalidad, debido a pronunciados efectos de profundidad.Es este uno de los cuadros que nos reafirma que Paolo Ucello consideraba a la perspectiva su amantemás dulce.La obra es monocromática, y se puede observa que el fresco simula ser una escultura, y empleo dosperspectivas diferentes, una para la base de “la escultura” y otra para el caballero y el caballo. Hace usotambién del claro oscuro que se proyecta en el caballo y el caballero.
  12. 12. La Virgen de la HumildadEsta obra realizada por Fra Angelico la realizo en su periodo de madurez, perteneció a la colección delrey Leopoldo I de Bélgica. Esta virgen de grandes proporciones define al pintor. Su sencillez compositivacon la que presenta el tema, no es excusa para que el autor aplique en esta tabla los preceptos másinnovadores vigentes en la pintura florentina del momento.Representa a la Virgen María adorando a su hijo Jesús junto con dos ángeles en la escena. Usa un tapizque decora el fondo de la obra, siendo un elemento común de la Iconografía de la época.Su vestimenta está adornada con geometrizaciones de color dorado, que dan la sensación de ser telastejidas, terciopelos y damascos, considerado un lujo mundano que también era utilizado para realzar unámbito sagrado.El artista usa en esta obra, algunos recursos ya representados en otras obras, como es el paño de honor,los que aumenta la profundidad con sus pliegues. Las flores que usa también están llenas de simbología,pues se conoce a las azucenas como flores de pureza en particular de María. Al igual que las rosasblancas y rojas que nos hablan de la Pasión que tendrá que afrontar su hijo Jesús.Según Fra Angelico sus pinturas eran instrumentos de la Teología. Las figuras del pintor van más allá dela edénica inocencia, la beatitud, la serenidad y la fe en la salvación del alma, sin expresiones de malossentimientos, violencia o gestos forzados y actitudes exageradas.La anunciaciónEs una pintura en temple sobre tabla entre 1430 y 1435, fue encargada para el convento de SantoDomingo de Fiesole en Italia.Esta escena que parece estar pintada en el cielo, según dijo Vasari, representa la anunciación tal comofue narrada en el Nuevo Testamento, En el fondo de la imagen se observan dos siluetas que representana Adán y Eva, quienes fueron causantes de que la Virgen encarnase al niño Dios.Después de haber pasado por varias manos, la obra se encuentra establecida en el Museo del Prado enMadrid. Siendo una de sus obras más relevantes y conocidas.La escena se desarrolla en un pórtico abierto de mármol blanco con arcos de medio punto quedescansan sobre finas columnas blancas. Uno de los elementos que llaman la atención en el pórtico esun medallón de Dios Padre en grisalla. Con la llegada del ángel, deja su libro en su regazo para prestar
  13. 13. atención al ángel. En el ángulo izquierdo de la pintura podemos observar las manos de Dios y de ellassale un rayo de luz que cae sobre la cabeza de la Virgen, que simboliza al espíritu santo.La expresión de María está llena de arrepentimiento y sumisión, es decir, esta escena representa elprincipio y el fin del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María.Esta obra de arte muestra la transición entre el estilo gótico y el renacentista.El beso de JudasEsta obra la realizo en una de las celdas del convento de San Marcos en 1450 en temple sobre tabla,para figurar esta escena de la Biblia del Evangelio de San Juan. En el beso de Judas Iscariote, se centra lacomposición, que aparece con una aureola de color mas oscuro que el resto.A la derecha de Jesus se encuentra los tres apostoles que estuvieron presentes en la traición, Santiago,Pedro y Juan. A la izquierda de Jesus, están los soldados caídos por la presencia de Jesus yacompañados de los sacerdotes. Representa la obra con un fondo naturalista, como en algunas obrasanteriormente realizadas. La gradación de la luz refuerza la sensación de profundidad en el cuadro.El nacimiento de VenusEsta obra fue pintada en 1483 y 1484, es una de las más representativas del artista Boticelli. Estárealizada en temple sobre lienzo. Es un tema tomado de la obra de Las metamorfosis de Ovidio. Se creeque fue encargado por Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, para adornar la campiña florentina. Aunqueluego se determino que fue encargada por otra persona.Según cuenta la historia, La diosa del amor nació de los genitales del dios Urano, que habían sidolanzados al mar, por su hijo Cronos, después de habérselos cortado.La escena representada por el artista es la llegada y nacimiento de la Venus, que se encuentra sobre unaconcha abierta, que contempla su delicada desnudez, la cual fue empujada hasta la orilla con la ayudade los dioses alados, entre una lluvia de flores. Una hora, diosa de las estaciones le ofrece una capa conmotivos florales. La guirnalda que lleva la hora simboliza el amor eterno.Sus cabellos largos y dorados cubren parte de su cuerpo, fue impulsada por dos dioses, el del viento y lade la brisa que simbolizan la unión de la materia y el espíritu.A su alrededor caen flores que según la leyenda se convertirán en seres.
  14. 14. Botticelli imita la postura de una diosa llamada Venus Púdica, y de una antigua estatua romana. Losmitos de Botticelli convierten estos temas en alegorías de carácter religioso, didáctico y moral.PrimaveraUna de las obras maestras de Sandro Botticelli, estaa realizado en temple de huevo sobre tabla.Encargada por Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni.Representa a la Venus que se encuentra adornada con flores, por la llegada de la primavera. Es una obraaltamente ilustrativa de la iconografía y forma clasicista, por su introducción de dioses clásicos casidesnudos y a tamaño natural. Esta obra posee un profundo significado filosófico.Al igual que la obra “El nacimiento de la Venus”, es de cultura humanística y neoplatónica. El ambientedel cuadro intenta representar a una atmosfera de fabula mitológica en la que se celebra una especie derito pagano, que posee elementos sugestivos eróticos que se elevan a una espiritualidad refinada ymelancólica, como Céfiro persiguiendo a Flora. Es aquí donde se rompe con la pintura religiosa cristiana.El artista vota por un formato monumental, con 9 personajes pintados en tamaño normal, hace hincapiéa los detalles con piezas de orfebrería, como el casco y la empuñadura de la espalda de Mercurio o lascadenas y los broches de las Gracias.La primavera es una obra que se ha sido interpretado también en términos musicales. Botticelli poseelos conocimientos de sus predecesores como la perspectiva, anatomía, construcción de la imagenhumana, movimiento. Sin embargo, no los usa como podría, marcando el principio de la crisis de lacultura florentina de finales del siglo XV. Esta crisis de la fe en el hombre y su poder absoluto.Minerva y el CentauroO también conocida como Palas y el Centauro, otra obra de Sandro Botticelli, basada en la mitologíagriega y considerada como una obra pagana y profana, es decir, que no tiene relación con la religióncristiana, sino que son escenas mitológicas. Es un cuadro realizado al temple sobre tela en el año de1482 y 1483. Encargo realizado por Lorenzo di Pierfrancesco de Medici.Empieza a trabajar en varias de sus obras, estando la de Minerva y el Centauro incluida, después definalizar un trabajo en la Capilla Sixtina. Teniendo mucho vinculo con el mecenazgo de los Médicis y susideas neoplatónicas. De esta manera Botticelli se convierte en un humanista más con un gran interés por
  15. 15. los debates que se plantean en Florencia en ese entonces. Al igual que Marsilio Ficino y Picco dellaMirandola.Esta obra fue realizada para la boda de Lorenzo Il Popolano o tal vez para las de su hermano Giovanni,por esta razón, el cuadro tiene un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que domala fogosidad masculina. Las obras de Boticelli no eran tan apreciadas en esos tiempos, muestra de estotenemos la aparición del cuadro en el desván del Palacio Pitti de Florencia.El fondo de la pintura se muestra desnudo, lo que nos permite centrarnos en las figuras principales queson la Minerva y el Centauro.El Centauro ya sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Tiene un aljaba y arco. Estepersonaje mitológico y lujurioso, mitad hombre, mitad caballo, es controlado por una ninfa guardianaarmada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. Estamujer es Palas Atenea, quien es la diosa de los artesanos.Lamentación sobre Cristo muertoEl Cristo muerto es una obra que pertenece a Andrea Mantegna, una de las más reconocidas del autor.Realizada en oleo sobre tela, que se encuentra en la Pinacoteca de Brera de Milán. Se pinto entre losaños 1457 y 1501, debió haber sido en la etapa de madurez del autor.Esta obra muestra una escena de Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol cubierta con unasabana blanca, y en su costado derecho dos mujeres contemplando su muerte.Este es uno de los escorzos, considerado el más difícil, violento, audaz e innovador de la historia de lapintura. Sin embargo, otro de los factores importantes de la obra es el estudio de los pliegues de lamanta que se encuentra sobre el cuerpo de Cristo, que lo cubre parcialmente.La escena tiene un fuerte contraste de luces y sombras, y transmite sentimientos de sufrimiento y ladesolación, estos sentimientos se acentúan con la perspectiva que nos muestra el pintor. Quien nos dala sensación de estar en frente de los pies de Cristo. Por esta razón se distorsionan sus detallesanatómicos, de manera especial el tórax. La tonalidad del cuadro va conjuntamente con el significado dela obra.Otro de los detalles que genera sorpresa es la posición de los genitales de Cristo en el cuadro. Ya queocupan el centro de la obra misma.
  16. 16. A un costado, una lámpara de aceite simboliza, que el entierro del cuerpo está próximo.Óculo fingidoEs también llamado, Cámara de los Esposos, realizado entre 1471 y 1474. Es una de las partes de laCamara de los Esposos más conocida de Mantegna.Con esta obra causo revolución y sorprendimiento de todos quienes pudieron ser testigos de sushazañas pictóricas. La característica del renacimiento, era una de los dominios propios de AndreaMantegna, quien lleva hasta llegar a un punto extremo con sus perspectivas y su nueva concepción demodelado. Tiene una inspiración clasicista, por sus conocimientos y su afición por el coleccionismoarqueológico.Este encargo consistía en decorar la sala de los esposos del Palacio ducal de Mantua. Iba a contar con larealización de esta obra, con un buen salario mensual, la manutención de seis personas, gastos pagadosdel viaje, etc. Representando en la obra todos los miembros de la familia Gonzaga y de su Corte, comoobjetivo político y también para enriquecer su entorno cultural. Es por ello, que Mantegna fuecontratado, ya que era conocido por ser un pintor modernista y dar toques brillantes en sus obras.Con la finalización de la obra, que terminó a la altura del pintor esperada por todos, se convirtió en lahabitación más bonita del mundo y también la familia alcanzaba el más alto prestigio político de laépoca.Se denomina óculo fingido porque en realidad no existe ninguna cúpula en el techo de la sala. De estaforma Mantegna engana a la vista de quienes aprecian la obra, dando una perspectiva ilusoria y realistaa la vez, tomando como referencia el punto central de la sala. Nos muestra también un juego deperspectivas diferentes. En el techo una perspectiva vertical, mientras que en las paredes se ve unaperspectiva horizontal.San SebastiánEs el tema de tres pinturas de Andrea Mantegna, realizadas en diferentes perspectivas que caracterizanal autor. Siendo complemento para su San Jorge. Representa la belleza ideal masculina y la moda de loscaballeros cristianos en todos los momentos del arte cristiano.
  17. 17. Mantegna vivió en una época en donde las pestes estaban a la orden del día, se creía que estas eranpropagadas a través del aire. San Sebastián, herido por flechas, era considerado el protector de la peste.Además de ser vecino de la iglesia de San Sebastián.San Sebastián era el único santo de ese entonces, además de Adán, que podía ser pintado yrepresentado desnudo y es por esta razón que los pintores volcaban sobre él, el canon de belleza física.Se cree que fue realizado después de la peste que adquirió el pintor, como símbolo de agradecimiento alprotector. Aunque probablemente fue encargo del Podestá de la ciudad para celebrar el fin de la peste.Fue concluida antes de que Mantegna dejara la ciudad de Mantua.La escena de San Sebastián de la obra, se refiere al Libro de la Revelación. Un jinete se divisa en una delas nubes en el fondo del cuadro. Es interpretado como Saturno el dios grecorromano, luego fueidentificado con el tiempo, dejaba destrozado todo detrás de sí.Andrea Mantegna logra dejar a un lado los sentimientos lacerantes al igual que sus heridasrepresentadas en San Sebastián, su cuerpo traspasado por fechas, apenas sangra y no provocarepulsión.La GiocondaEs conocido también como La Mona Lisa, es considerado no solamente el cuadro más famoso que tieneel pintor, sino que además, se cree que es el más famoso del mundo. Adquiriendo fama no solo por labelleza del cuadro sino también por las interrogantes que generan curiosidad entre los que la admiran.Fue robado del Museo del Louvre por el pintor italiano Vicenzo Perrugia, apareciendo dos años mastarde, en Italia.Es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Traduciendo su nombre al español como alegre. Existenvarias hipótesis sobre la identidad de la modelo, siendo la más acertada la de la esposa de FrancescoBartolomeo del Giocondo, que era un banquero napolitano, llamada Lisa Gherardini, una damaflorentina.Esta realizado en óleo sobre tabla de álamo, pintado en el año de 1503 y 1519. Ha sido retocado variasveces por el autor. Es uno de los ejemplos en donde se logra de forma perfecta la técnica de Da Vinci, elsfumato.
  18. 18. El cuadro se encuentra en el Museo de Louvre, con altísima seguridad, que costó 6 millones de dólares.Se cree que en vida, el pintor Leonardo se cambiaba siempre de domicilio, llevando en sus hombres elcuadro de La Mona Lisa.Uno de los detalles curiosos del retrato de la dama es su sonrisa, y su mirada. Así como el paisaje enperspectiva que ocupa el fondo de la imagen. Las cejas y las pestanas se han ido eliminando por cadarestauración hecha. Ya que se tiene una referencia de las mismas, realizada por Vasari.El hombre de VitrubioEs uno de los dibujos más famosos de Leonardo Da Vinci, que se encuentra rodeado por notasanatómicas. El dibujo es de una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos ypiernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Representa un estudio de las proporciones del cuerpohumano, ya que Da Vinci estaba muy interesado en el estudio del ser.“El pintor con su dibujo corrige algunas proporciones y añade otras: Cuatro dedos hacen una palma,cuatro palmas hacen un pie, seis palmas hacen un codo, cuatro codos hacen un paso, veinticuatropalmas hacen a un hombre. Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya ¼ yestiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has desaber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que elespacio entre las piernas será un triangulo equilátero. Desde la parte superior del pecho al nacimientodel pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabezaserá la cuarta parte. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte. Desde elcodo a la punta de la mano será la quinta parte. Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la decima parte. El comienzo de los genitales marca la mitad del hombre. El piees la séptima parte. Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte. Desde debajode la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte. La distancia desde la parte inferior de labarbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja,una tercera parte del rostro. La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde elnacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y como la oreja, una tercera parte del rostro.”Fue el autor, junto con otros, del descubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano.Es uno de los grandes logros del Renacimiento.
  19. 19. La Última CenaEsta obra de Leonardo Da Vinci, es un gran elemento representativo de la Biblia cristiana.Fue realizada en 1495 y 1497, se pintó sobre una pared, en el refectorio del convento dominico de SantaMaria delle Grazie en Milán. No es un fresco tradicional, sino más bien es considerado un muralejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso.Se dice, según historiadores del arte, que es una de las mejores obras pictóricas del mundo.Leonardo era consciente de la obra que iba a realizar y por ello decidió hacer diferentes proyectos antesde esta magnífica pintura, que lo absorbió por completo hasta que logró acabarla. Cuentan que sesentaba en los andamios con su pincel en la mano, mirando y analizando su obra, muchas veces dejabade comer y beber para seguir pintando, y otras pocas, subía al andamio y se bajaba sin haber pintadoabsolutamente nada. Tardó más tiempo del que requería una pintura al fresco, por esta razón, decidióusar una técnica diferente, que le permitiese tomarse su tiempo. La obra fue acabada después dealgunos años.El prior llamó al duque para que se comunicara con el pintor, ya que su forma de trabajar no le parecíacorrecta. Aunque él supo responderle al duque que está ultimando detalles y que le falta encontrar lascaras de Salvador y Judas, las que buscaba por la calle.Algo que hacia Leonardo era observar modelos del natural, algo que no se hacía en aquella época, puesse copiaban de algunos anteriores.Piedad del VaticanoEs una escultura de bulto redondo, realizada por el artista Miguel Ángel, esculpida en mármol deCarrara, dejando reflejos de luz en ciertas zonas,es una escena que representa el momento en el que la Virgen, una Virgen joven, bella y piadosa,muestra del renacentismo, que no deja ver sentimientos de dolor, recoge en su regazo el cuerpo de suhijo muerto, quien aparenta ser de mayor edad que la madre, tras el descendimiento de la Cruz.Es una composición triangular, que le da estabilidad a la escultura, con suaves movimientos hacia laderecha como el de los paños, el cuerpo o la mano de Cristo; que es contrapesado por un suavecontraposto de la cabeza de la Virgen y un gran paño que cierra la escultura por la izquierda. Estos sonfactores que aportan con equilibrio y armonía a la obra a la que Vasari se refirió que es una obra que nole falta nada ni le sobra nada. Es perfecta.
  20. 20. Es una obra clásica del Renacimiento de mayor expresión. Un dato curioso es que el mármol de Carraraes cortado por bloques, y de ese bloque el artista sacaba su composición. No es una escultura por piezasque son pegadas entre sí. Factor, que dificulta aún más el trabajo.Juicio FinalEsta obra de Miguel Ángel, la desarrollo en el ábside de la Capilla Sixtina, en el año de 1541. Es un muralrealizado al fresco como decoración. Su tema es extraído de la Biblia de el Libro del Apocalipsis de SanJuan. Lo empezó a pintar después de veinticinco años de haber concluido la bóveda de la capilla, antesde este mural de Miguel Ángel, existían otros murales de Perugino relacionados con Moisés, los tresprimeros Papas, Simón y Pedro. El pintor tuvo que pintar sobre estas obras de arte, acto por el cualrecibió muchas críticas.Esta obra de es considerada como una de las pinturas más representativas de la historia del arte. JuicioFinal constituye uno de los ejemplos muy claros de escultura y pintura de Miguel Ángel, expresiones deterribilidad, de fuerza interior, de carácter, la gran musculatura y los escorzos que caracterizaban alartista, están presentes en todas sus figuras desnudas, lo que produjo gran polémica a nivel de lasautoridades religiosas, el papa decidió pedir a otro artista para que las vistiera.En el centro del mural tenemos como personaje principal a Cristo, con una actitud desafiante y enojada.Quien está dividiendo a los justos de los pecadores. Junto a el María, quien se muestra temerosa, yescondida detrás de Cristo. Varios santos los rodean por todas partes, pintados sin perspectiva, los hayinquietos, asustados y temerosos, visten los complementos que los caracterizan o los objetos con lo quefueron mártires.Se representó un ángel menos que en la Biblia, 7 ángeles con trompetas, libro de la vida y el de lamuerte, otros en cambio llevan la cruz, la corona de espinas y los clavos, además de la columna donde loflagelaron.Un dato curioso que podemos observar en el mural es a San Bartolomé con su pellejo en la mano, elrostro del pellejo es el autorretrato de Miguel Ángel.David de Miguel Ángel
  21. 21. Es una de las esculturas más famosas de todos los tiempos. Está realizada en mármol blanco, entre losaños de 1501 y 1504. Encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa Maria dei Fiori deFlorencia. Tiene un estilo renacentista de Cinquencento.Varios escultores fueron tomados en cuenta para hacer la escultura, ya que anteriormente la Catedralde Florencia planteó junto con otras personas, la construcción de varios personajes del AntiguoTestamento. Solo dos de estas esculturas habían sido construidas por Donatello y Agostino di Duccio,quien intentó hacer una escultura del mismo tamaño que la de Miguel Ángel, de David, pero estropeó elbloque de mármol de Carrara, otro que tampoco tuvo existo fue Antonio Rossellino, estos artistasabandonaron la obra, con muchas fracturas y a medio realizar. De esta forma emprendieron unabúsqueda para realizar el David, uno de lo artistas que encontraron fue Miguel Ángel a quien leentregaron la obra 25 años después de que la abandonara su ultimo escultor. La terminó en dos años apartir de su entrega, y la instalaron en la Piazza della Signoria, dándole un valor más civil que religioso.El rey David está representado como atleta, en su madurez y plenitud de su vida; momentos antes de labatalla con Golliat de manera que dista de diferentes representaciones de David, en la que su cabeza seencuentra posada sobre sus pies. Por esta razón, su cuerpo denota tensión, y su mirada es la típica deun luchador antes de su enfrentamiento.El artista aumenta a la escultura el contraposto, añadiendo a algunas partes del cuerpo masa muscular,lo que simboliza la fortaleza del mismo.El Triunfo de GalateaEs una de sus principales obras referentes a la Mitología griega, una de las características principales delrenacimiento. Fresco pintado entre los años de 1510 y 1511 en Roma.La ninfa Galatea es uno de los principales personajes, de la que hay varias historias, una de ellas y la másconocida es cuando es objeto de amor por parte del ciclope Polifemo. En la obra de Rafael podemosobservar una mujer semidesnuda que ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amorplatónico frente al amor carnal, Galatea se encuentra protegida por delfines con los que cabalga por elmar. Otras criaturas marinas como tritones y nereidas se encuentran formando parte de una escena enla que los cupidos celestes disparan a las criaturas y estas se ven arrebatadas resultando un movimientodinámico y contrapuesto.Galatea se muestra con una pose serpentinata y destaca su cabellera rubia ondeando al viento y sumanto rojo pompeyano. Su mirada serena hacia uno de los cupidos que guarda sus flechas de amor parala mejor ocasión.
  22. 22. Es una obra en la que la composición equilibrada y armoniosa, delata al autor. Posee una acertadaelección cromática y rítmica que va acorde con la escena que quiere representar.Detrás de Galatea se observan varios centauros que surcan las ondas, llevan las compañeras de Galateay otras están tocando trompetas y caracolas.La Resurrección de CristoEs también conocida como Resurrección Kinnaird, ya que fue parte de la colección privada de LordArthur Fitzgerald. Esta realizada en óleo sobre tabla entre los años de 1499 y 1502. Se cree que puedaser una de las primeras obras de Rafael Zancio, ya que existen dos dibujos muy relacionadas con la obrapertenecientes al autor, del que se han valido varios críticos para considerar que es autentica y de suautoría.La obra en la actualidad se encuentra dispersa en varios museos, tras los dannos que sufrió por unterremoto.Podemos observar que en ella existen referencias de Pinturicchio y muy enlazada con el estiloperuginesco. Hace uso de la perspectiva en el paisaje dibujado en el fondo, así como la marcadacomposición y geometrizacion de los elementos de la escena, con una peculiar animación rítmica. Sepercibe así mismo, una familiaridad de estilos de Bernardino di Betto y Melozzo da Forli. El dramatismoestilístico y compositivo del autor se han presentes en esta pintura.Está basada en una escena de la Biblia, el Nuevo Testamento, donde se da la Resurrección de Jesús, quees un acontecimiento clave de la doctrina cristiana.Las figuras son hieráticas, es decir, son majestuosas y con bastante rigidez, también carecen deproximidad y sentimientos de cercanía, siendo la que más sobresale, la figura de Cristo.Escenifica a Cristo sosteniendo el estandarte de la resurrección al mismo tiempo alzándose sobre elsarcófago en el que se encontraba enterrado, 4 soldados son testigos de este hecho insólito, por el quemuchos se encuentran desmayados, inconscientes o espantados.Después de algún tiempo le encargaron que pinte la resurrección por la noche, pero debido a su muertepronta, no pudo realizar la obra, lo único que se obtuvo de este encargo son los estudios previosplasmados en dibujos que realizó el autor.
  23. 23. Los desposorios de la VirgenLa obra se realizó en 1504 con temple y oleó sobre tabla, fue un encargo de la familia Albizzini para laIglesia de San Francisco en la Ciudad de Castello. Se ve el manifiesto de los principios de arterenacentistas del autor donde se muestra la transición entre el Prerrenacimiento y el Alto Renacimiento.Esta obra recoge todos los avances del Quattrocento para realizar una pintura con una belleza yperfeccion extraña. Posee un gran estilo peruginiano, dicen que la obra se basoo en la celebrada Cristoentregando a San Pedro las llaves, de su maestro Perugino.El elemento que más destaca del cuadro, es el templo circular al fondo de la escena, lo que demuestrasu dominio de la perspectiva. Se muestra una composición circular bien desarrollada, lo que diferencia aRafael de Perugino quien realizaba composiciones horizontales.Posee varias características clasistas que lo llevan al renacimiento como son las plantas centrales, lasiglesias de Leonardo Da Vinci, los arcos de medio punto, proporciones basadas en el humanismo,accesibilidad e iluminación natural, etc.El artista juega con la explanada en donde se hallan las figuras, dibujando baldosas que permitenenfocar una proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central, el que se encuentraen la puerta del templo, ayudando a realizar el paisaje del fondo.Los personajes de la obra se encuentran simétricamente distribuidos, separa los hombres de lasmujeres, asi como también podemos observar algunos personajes que se encuentra entre el templo ylos del primer plano.La bacanal de los andriosEsta obra fue realizada en óleo sobre lienzo entre los años de 1523 y 1526 por Tiziano, encargada porAlfonso d’Este, como decoración del Camerino de Alabastro del Castillo Ducal. Son dos más las queforman el conjunto de tres pinturas de Rafael: La ofrenda a Venus y Baco y Ariadna, añadiendo tambiénobras de otros autores como El festín de los dioses de Giovanni Bellini, obra que fue terminada porTiziano debido a la muerte de Giovanni.Un tema mitológico de la obra de Filostrato y la de Catulo gobierna el cuadro. Una bacanal, fiesta ycelebración del dios de vino, Baco que se encuentra en las islas de Andros. Cuenta la historia que labebida brotaba de un arroyo por gracia del dios Baco.
  24. 24. Esta temática está relacionada íntimamente con la del Festín de los Dioses, dándole Tiziano toquespersonales como los movimientos, que dinamizan la escena, y la línea ascendente diagonal que vasubiendo desde la esquina inferior izquierda hasta llegar al personaje anciano que duerme en la partesuperior de la derecha.Una ninfa aparece desnuda en primer plano, y al fondo se puede observar a Sileno, el acompañante deldios.Esta obra, escandalizó a la iglesia Católica, pero no a la aristocracia ilustrada, quienes preferían decorarsus salas con temas de la mitología griega, eran amantes de las fiestas paganas. Gustaban de los temasde la Antigüedad Clásica. El autor en esta obra intenta mostrar la sensualidad y la belleza del desnudofemenino en primer plano, dando una actitud erótica.Venus de UrbinoEs una de las obras más espectaculares que ha podido realizar Tiziano durante la estancia en la Corte deUrbino. Está realizada en óleo sobre lienzo en el año de 1538. Fue encargada por Guidobaldo II dellaRovere, hijo del duque de Urbino. Existen dos hipótesis sobre la protagonista del cuadro, se dice que esun regalo nupcial que le hace la esposa al dejar su pubertad. Otra es que se cree que es una cortesanade la ciudad. Pero no se sabe exactamente quién es el personaje principal.Esta obra es muy curiosa ya que la Venus no se encuentra fuera en la naturaleza, sino que está posandodesnuda en el interior de una sala de un palacete veneciano, semitendida sobre un diván tapizado enrojo cubierto con una sábana blanca.La Venus en primer plano muestra una mirada al espectador con cierta provocación y sensualidad. En sumano derecha tiene sujetas unas flores, y con su otra mano se cubre su pubis.En el fondo se observa una ventana por donde entran reflejos de luz y leves rasgos de un árbol y unalaguna. A lado de la ventana se encuentra dos criadas, una de pie y otra de rodillas, arreglando ycolocando ropa en un cassone o arcón que parece simbolizar la caja de Pandora, leyenda que provienede la Mitología griega.A los pies de la Venus, se halla un perrito, que hace referencia a la alegoría de la fidelidad, recostadosobre las sabanas blancas, probablemente dormido.Tiziano se inspiró en la Venus dormida del Giorginone, alejándose del idealismo característico delRenacimiento italiano.
  25. 25. Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. Norepresenta a una figura de una diosa sino de una mujer de carne y hueso.FloraEs una obra de Tiziano, en la que quiere resaltar el ideal de la belleza renacentista. La realizó en 1515, enóleo sobre lienzo.Una prospera mujer, bella y sensual, ocupa el primer plano de la composición del cuadro. Este es uno delas obras que destacan entre muchos de los retratos que hizo el autor a hombres y mujeres. Flora ocupaen su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto color carmesí.La túnica blanca con gran escote, cae dejando entrever parte de sus encantos, la blanca piel del pechoizquierdo. Sus largos cabellos ondulados aumentan su sensualidad.Esta actitud de la protagonista, genera desconcierto entre los especialistas, pues no se sabe si es unaprostituta que está ofreciendo sus servicios o si es una alegoría matrimonial. Al aludir a la mezcla devoluptas, y puditica que caracteriza a la ideología renacentista.El excelente dibujo realizado por el autor destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores,elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje seguido con Bellini.La sensualidad de la belleza femenina, la grande cualidad pictórica y el perfecto equilibrio de lacomposición son elementos determinantes para ser considerado el cuadro, uno de los mejores retratosjuveniles de Tiziano. Su fama era tanta, que el gobierno negó a los jóvenes artistas de ese entonces laautorización a copiarlo.Esta obra actualmente se encuentra en la colección de pintura conservada en la Galleria degli Uffizi.El LavatorioEsta obra es considerada una de las más importantes del pintor Tintoretto. Se realizó entre los años de1548 y 1549, con una técnica de óleo sobre lienzo. Fue encargada por La Scuola del SantisimoSacramento para los laterales de la capilla mayor de la Iglesia de San Marcuola de Venecia. Fueron doscuadros, la ultima cena y el lavatorio.
  26. 26. Representa una escena perteneciente a la Biblia, del evangelio de Juan. Donde el autor quiere expresarcon un azul quebrado, un ambiente en el que se avecina una muerte, convirtiendo el espacio en un lugarextraño e inquietante.Narra la última cena que tuvo Jesús con sus discípulos, se puso una toalla en su cintura y les empezó alavar los pies. La situación que se refleja es relativamente tranquila pero en el fondo se vislumbra elsufrimiento, la agonía y la muerte próxima.Nos muestra un ritual purificador, donde Jesús simboliza la humildad en persona dejándonos saber queellos son los elegidos y que San Pedro es el primer Padre de la Iglesia. Junto con Jesucristo y San Juanocupan un primer plano, pero llaman la atención directa de los espectadores, ya que se encuentran enel costado derecho del cuadro, con un espacio pequeño comparándolo con las dimensiones de toda lacomposición.Al otro costado tenemos a otro apóstol, a quien le merma importancia el autor. Por otra parte variosdiscípulos se encuentran dispuestos a lo largo de la obra, con los que podemos ver la capacidad delpintor para realizar estupendos escorzos.Un detalla en la composición es la mesa central, que se encuentra girada en sentido de Jesucristo.La Última CenaEs para el autor, su última obra realizada entre los años de 1592 y 1594 en óleo sobre lienzo. Fueencargada por La Iglesia y el monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Seencuentra en un muro del presbiterio.Se diferencia de sus obras por la composición y la iluminación. Trabaja una perspectiva oblicua muyoriginal.Este tema ya había sido escogido anteriormente por el autor, por ser un clásico en la pintura religiosacatólica.Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar enuna taberna sombría y popular y con muy poca luz, de la que Tintoretto logra sacar rayos de luz de lasaureolas que iluminan el sitio de una manera extraña que subraya detalles incongruentes.Es una obra oscura, en la que sobresale precisamente el tratamiento que hace de la luz. Hay dos puntosde luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo. Adquiriendo un tonobarroco.
  27. 27. Venus, vulcano y MarteLas representaciones que se caracterizan por una vehemencia de la acción, desconocida hasta entoncesen la pintura veneciana y conseguida mediante violentos escorzos y movimientos exagerados.Esta obra se realizo en 1555 en Munich, en óleo sobre lienzo.La mitología griega se hace presente en esta pintura de Tintoretto, Venus y Marte ya habían sido antesobjeto de tratamiento por autores renacentistas. Pero lo que Boticelli pintó, que era idealismoneoplatónico, se convirtió en esta obra una representación de una escena domestica de caráctererótico.Venus esta reclinada con una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona centraldel borde inferior, se tiene que decir también que su contextura parece un poco masculina. Ella seencuentra prácticamente desnuda, con un pañuelo de tela blanca tapando su pubis, la que su viejoesposo está descubriendo, su espalda se refleja en un espejo en el fondo de la habitación. Su vigorosomoldeado demuestra la influencia de Miguel Ángel. En una cuna detrás, Cupido duerme. Y bajo la camase oculta el amante de Venus, Marte.Se cree que colocaba figurillas de cera a modo de prueba e iluminaba el conjunto.Podemos observar una gran asimetría en este cuadro de Tintoretto. El pintor lleva la mirada hacia elfondo, a la derecha, haciendo un magnifico uso de la perspectiva del piso que se encuentra decoradocon baldosas.Se apunta a que Tintoretto pudo tomar como modelo la Andrómeda de Tiziano.El DavidEs una obra de Donatello que realizo entre los años de 1440 aunque algunos Historiadores dicen que serealizó en 1430.Es una escultura de bronce. Que realizó por encargo de Cosme de Medici, quien quería situarlo en supalacio de Florencia. Es una obra que debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana es característicaindispensable del clasicismo. Nos muestra una figura como si proviniese del mundo griego. Constituye elprimer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano.
  28. 28. En la escultura de David se representa una figura que aunque sea de carácter religioso, se aleja de estetema para dar a relucir una actitud heroica en el personaje.David era un humilde pastor que se enfrentó a Golliat, un gigante que medía más de dos metros.El gigante al ver a David, un joven desprotegido de una armadura se río de el. Pero David usó unaspiedras para pegarle en la cabeza al gigante, cayendo al suelo, el joven aprovechó este hecho paraquitarle la espada a Golliat y cortarle la cabeza.La escultura posee un equilibrio entre sus partes totalmente armónico y real. El modelado muscular esprácticamente femenino, por su suavidad con los rasgos. El cuerpo de David no marca tensión, pues laescena se reproduce después de que derrotara a Golliat, adquiriendo una posición relajada, sin tensión,dibujando un claro ovalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.La obra simbólicamente representa una actitud relacionada con las victorias de Cosme de Medici deFlorencia contra Milán.Es un monumento naturalista realizado al condottiero de gattamelata. Representa una escena en dondeGattamelata cabalga pausadamente sobre su caballo, mostrando una actitud serena pero al mismotiempo Posee una mira desafiante y energica hacia al frente. Aunque las facciones del ginete no estánrepresentadas de manera real.Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferente luchasrealizadas. En su rostro se dibuja una expresión abstracta, que deja ver el peso de las misiones que tieneque enfrentar.Condottiero de GattamelataTambién conocida como La estatua ecuestre, es una de las primeras y más importantes estatuasecuestres de todo el Renacimiento. Así mismo es la primera estatua en honor a un guerrero de todo elmundo moderno.Es una escultura de bulto redondo, es decir se ve de diferentes ángulos. Realizada en bronce y apoyadasobre un zócalo de piedra.Es un monumento naturalista realizado al condottiero de gattamelata. Representa una escena en dondeGattamelata cabalga pausadamente sobre su caballo, mostrando una actitud serena pero al mismotiempo Posee una mira desafiante y enérgica hacia al frente. Aunque las facciones del jinete no estánrepresentadas de manera real.
  29. 29. Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferentesluchas realizadas. En su rostro se dibuja una expresión abstracta, que deja ver el peso de las misionesque tiene que enfrentar.Es considerado más que un monumento para glorificar al héroe como un monumento funerario.Se cree que Donatello se inspiró en la obra de Marco Aurelio de Roma. Es decir, está relacionada con laescultura romana.La escultura de tema ecuestre no se realizaba en sentido monumental desde la antigüedad clásica. Estaescultura es una de las más influyentes en otras posteriores realizadas por diversos artistas.El pequeño ProfetaEs una obra realizada en 1407 en mármol blanco.En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiori, se encuentra esta obra del artista conjuntamentecon una obra de Nanni di Banco.Al realizar una comparación con el profeta de Nanni di Banco se puede diferenciar el estilismo del quecarece que se cree que fue por la inexperiencia de Donatello.El profeta de la izquierda es la obra realizada por el artista. Aunque existen diferentes hipótesis. Una deellas nos dice que puede ser que la obra de los dos profetas haya sido realizada por Donatello a cambiode unos pagos. Pero se tiene que decir también que en ese momento los dos artistas formaban unaasociación, encargados para realizar la decoración de la puerta de Mandorla.El bautismo de CristoEs el primer trabajo importante de Leonardo Da Vinci como aprendiz de Verrocchio. Por esta razónalgunas partes del cuadro se le atribuyen a Da Vinci como el angel que se encuentra en la parteizquierda del cuadro donde se puede evidenciar la delicadeza de Leonardo, igualmente contó con lacolaboración de Boticelli. Es una pintura realizada en óleo y temple entre los años de 1475 y 1478.Encargada posiblemente por la Iglesia de San Salvi de Florencia.Se dice que Verrocchio al ver la parte realizada por su aprendiz, sufrió una gran decepción ya quesobrepasó su arte. Una anécdota contada por Vitrubio dice que al ver que Leonardo realizó un mejortrabajo, dijo que no iba a volver a pintar nunca más, y rompió sus pinceles.
  30. 30. Los personajes principales no están idealizados, ya que sus rostros reflejan la edad que debían tener, enel caso de Juan se observa un avejentamiento. Las proporciones son clásicas, cierta esbeltez.En esta obra Verrocchio hace un estudio del cuerpo, anatómico. En el fondo de la obra podemos ver unpaisaje natural, dando lugar al Bautismo de Cristo, que se hizo en el rio Jordán. Pero simboliza también,una revalorización de la naturaleza que los artistas toman de los humanistas. Con un mensaje de unión ycentro del mundo entre la naturaleza y el hombre. Sin embargo la palmera, le da dramatismo ysolemnidad a la escena.Cristo y Santo Tomás, OrsanmicheleTambién conocido como la duda de Santo Tomas, representa una de las más importantes obras deVerrocchio, realizada entre los años de 1476 y 1483, en bronce.En primer lugar esculpió la figura de Cristo y luego la de Santo Tomás. El lugar donde se encontraban lasobras fue un nicho en el que inicialmente se iban a exponer obras de Donatello y Michelozzo.Por lo que se debía tener también en cuenta la arquitectura y el estilo del nicho sin romper con lasimetría. Ya que el conjunto de esculturas se encuentra hueca en la parte de la espalda.El trabajo de los pliegues de los mantos es perfecto, lo que realza la movilidad al conjunto y la expresiónse hace presente mediante los pliegues. Podemos observar que el manto de Tomás aparece másagitado, mostrando un estado anímico muy diferente que al de Jesús. El de él, en cambio muestra unCristo tranquilo, con sus pliegues ordenados, equilibrando mejor los pliegues.Estas esculturas inspiran de manera única a su alumno Leonardo, ya que se puede observar que el rostroque pinta en su obra La Ultima Cena, de Jesús, es muy parecido y semejante al de Verrocchio.En esta obra está representada la figura de Cristo que reposa sobre un pequeño pódium, mostrando aTomas, la llaga del costado, e inquietándolo a introducir los dedos en la misma. Al mismo tiempo sepuede observar el brazo derecho sobre la cabeza de Tomás, símbolo de bendición hacia el mismo. Muysemejante a la escena donde Juan el Bautista derrama el agua sobre la cabeza de Cristo.David
  31. 31. Es una escultura hecha en bronce, realizada entre los años 1473 y 1475. No es de tamaño natural, sinoun poco mas pequeño. Fue encargada por la familia Medici que después lo vendió a un municipio,siendo colocado el Palacio Vecchio junto con la obra de Donatello.Las representaciones de David, el rey israelita, son muy diferentes entre ellas. Verrocchio realiza, adiferencia de los demás, un David con vestimenta guerrera, armado con una espada y con la cabeza delgigante al que acaba de decapitar a sus pies.Con una actitud de victoria, a pesar de ser todavía un niño, con su mano izquierda a su cadera, marcando la curva praxiteliana, y mirando de frente al espectador con sonrisa triunfante. Su rostro reflejauna sobriedad madura para la edad que parece tener la figura.El traje tiene partes transparentes, lo que deja al autor trabajar parte de la cintura de Davidanatómicamente. La escultura esta diseñada para ser observada desde todos los puntos de vista. Alcompararla con la de dónatelo, nos muestra una escultura menos complicada que la de Donatello.Verrocchio trabaja muy bien la cabeza de Golliat, dando una sensación de sufrimiento y tristezadibujados en el rostro del gigante. Trabaja muy bien la barba y su cabello, así como también los gestos.Tribuna de los CantoresEs una obra esculpida por Luca della Robbia entre el año de 1431 y el 1438. Fue un encargo de laCatedral de Santa Maria del Fiore de Florencia. Hoy en día se conserva en el Museo de la Opera delDuomo. Delante de la otra cantoría realizada por Donatello, a quien le pidieron que realice una cantoríasimilar en la sacristía antigua de la catedral de Florencia. Al mismo tiempo que se la pedían a Luca dellaRobbia.Es considerada uno de los mejores trabajos realizados en el primer Renacimiento florentino.Las inscripciones que se observar alrededor de la escultura, son parte del salmo 150, en el que se diceque realizaban alabanzas, danzas y cantos que debían hacerse para el Señor. Simbolizando la relaciónentre la cantoría y el significado de los relieves.La cantoría original se encuentra montada en una sala del museo all’altezza. Los paneles que loacompañaba son una copia.
  32. 32. La parte principal de la Cantoria hay una serie de relieves separados por doble pilastra con capitel. Estosrelieves son representaciones que narran las danzas, cantos y alabanzas al señor de una serie de niños.En la parte de arriba hay dos zonas de cantoría. La zona superior esta diseñada como un sarcófagoromano, sustentado por ménsulas. Las cuales están decoradas con hojas de acanto y motivos estiloclásico sustentan la parte superior.Los casetones de estilo romano decoran la parte inferior del gran modulo superior.Cúpula Interna de la Capilla PazziEsta obra fue realizada en la Capilla Pazzi, obra de Brunelleschi Filipo.Se le encargo a Luca della Robbia, diseñar la decoración de la cúpula interna de la iglesia Pazzi.Seleccionó una cerámica esmaltada para estructurar la cúpula interior, con unas elipses repetidas,aumentando y disminuyendo su tamaño según se acercaban al centro y a lo alto de la cúpula.La finura del diseño y la frescura hace de este interior uno de los más hermosos del mundo.Los colores que usó son el blanco y el azul, lo que le daba vitalidad a la obra, que se aumentaba con elcolorido esmalte de la cerámica.Sus obras son sobrias, dando una claridad en los planos y los ritmos, la serenidad que representa con lasformas y el color, sensibiliza a quien puede mirarla, dándole luz a la composición.Moldaduras del Campanile de la Catedral de FlorenciaLas moldaduras están hechas en mármol, realizadas en el año de 1437. Se encuentran en el Museodell’opera del Duomo, en Florencia. Andrea Pisano fue quien dejo las obras sin concluir, entonces fueLuca della Robbia quien tuvo que terminar las moldaduras. El artista tuvo que seguir el modelo de lasmoldaduras, las que tenían un estilo gótico característico de Andrea Pisano. Aunque se tiene que decirque fue influenciado por los artistas de su época como Jacopo della Quercia, Ghiberti, Donatello yMichelozzo.Se realizaron cinco paneles hexagonales, se colocaban en la cara norte del Campanile.
  33. 33. Representaban las artes liberales, es decir, la gramática, la lógica, la música, la astrología, la aritmética yla geometría.En una de las molduras se plasman la aritmética y geometría, en un representación que muestra aEuclides y Pitágoras conversando. Sus figuras muestran la influencia de Jacopo della Quercia.Otra de las molduras representan la lógica, que según Vasari, el escultor realiza una interpretación deuna conversación entre Platón y Aristóteles. Es en esta moldura que se muestra la influencia deDonatello.El arte liberal de la gramática se encuentra en una moldura que muestra un entorno arquitectónico en elfondo, evidenciando la influencia de Michelozzo. Observamos a Prisciano en una posición de maestrofrente a dos pupilos que leen unos libros.La música representa a Orfeo tocando mientras que es escuchado por un grupo de animales. Se dice queOrfeo tenia tal relación y vinculación con la naturaleza, en especial con las rocas y las piedras que sumúsica las movilizaba. Interpretando este hecho como la aparición milagrosa de la ciudad de Florencia,como efecto de la acción de los dioses y la divina providencia.La astrología, está ilustrada por la figura de Ptolomeo, es el creador de la teoría Geocentrista, que sebasaba en que la Tierra no tenia movimientos, que era totalmente inmóvil y era el centro del Universo.Fue quien creó el horóscopo tal como lo conocemos hoy en día.Alegoría CristianaTambién conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obras realizadas en el periodo de madurez delartista. Realizada al temple sobre tabla en el año de 1490.Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia. Es posible que el cuadro haya sidoencargado por Isabel de Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio, inspirado en elpoema Le Pelerinage de L’Ame, del poeta Guillaume de Deguileville.Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos: la misericordia, la verdad, la justicia yfinalmente la paz.Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser una meditación sobre la Redención.La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un colorido paisaje de fondo. Existen varias figurasde santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro.
  34. 34. En la terraza podemos observar elaboradas baldosas en perspectiva de mármol. La profundidad delpaisaje también por el cromatismo del cuadro.Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realista de los personajes en un balcón celestiales todo un misterio.El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puede ser una representación a la inocenciaanterior al pecado original. A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en un trono sobre elque cuelgan uvas de la Eucaristia.Presentación en el TemploUna pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna, es por esta razón que hay unainfluencia entre los dos artistas. Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niñoapoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo y caduco sacerdote que se adelanta acoger al niño mientras que José, en segundo plano y medio oculto, mira la escena frontalmente. En larepresentación de Bellini hay dos más, incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, comouna pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitio a un alfeizar mas ágil, que aísla menoslas figuras respecto al espectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentan con mayordulzura y naturalismo en las carnaciones y demás superficies. El fondo es absolutamente negro,resaltando las figuras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la que el reflejo de la luzilumina su rostro. Este tipo de iluminación es típicamente veneciana, acentuando el color.Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de los volúmenes y de la perspectiva creada con lasucesión de figuras en diferentes planos y colocando en primer término una amplia barandilla donde seapoya la Virgen y el Niño. Se interesa mucho por los pliegues de la tela, que los resuelve de manerasimple.El Retablo de PésaroEs una de las obras famosas del pintor renacentista Giovanni Bellini, realizada en 1471 y 1474 en óleosobre tabla.Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar la familia de los Pésaro para la Iglesia deSan Francisco de Pésaro.
  35. 35. Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizar en Venecia la escuela rival de losVivarini.Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se va alejando poco a poco del estilo paterno ysupera resabios del gótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en el suelo adornado conbaldosas de diferentes colores. Asi mismo el paisaje le da un toque de profundidad a la pintura.En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma y unifica en un mismo espacio los objetos ydemás seres figurados. Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en un acto decoronación, acompañada de santos y santas en las calles laterales. El autor muestra varias escenas consantos en la predela.Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo se encuentra el personaje principal de la obra,María junto a Cristo en el acto de coronación.Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte de querubines en el cielo junto con unapaloma blanca que simboliza el espíritu santo.Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidad empapada de volumen.JudithEs una de las pinturas de Giorgine, realizada en óleo sobre tabla, en 1503.Uno de los maestras de la composición, en su obra Judith ubica los elementos de la composición enplanos sucesivos y que ayudan a la correcta interpretación de la perspectiva, inserta de manera muycorrecta la figura en el paisaje.Giorgione pinta a Judith, una heroína bíblica, en primer plano pisando la cabeza de Holofernes. Sucabeza se encuentra contemplándola, su rostro presenta un semblante de confidencia y serenidad.Recibe un fuerte impacto lumínico que resalta las tonalidades de su vestido.La protagonista viste un vestido rosado con un corte en la pierna izquierda, la que se muestra sobre lacabeza de Holofernes, su cabella está recogido, en su mano derecha sujeta una espada que se ocultadetrás de su esbelto vestido.Detrás de Judith se encuentra un muro con grietas, dando la sensación de un muro viejo. Colocando subrazo izquierdo en la parte más alta del mismo.
  36. 36. Al fondo de la composición se encuentra situado un paisaje en perspectiva, dividido por un murete queno impide la visión de una ciudad envuelta en tinieblas que es interpretada por el artista, cuyos coloressiguen la misma línea cromática que la escena. Pinta el cuadro con colores suaves entre los que seincluyen: marrón, amarillo y salmón.La viejaLa obra del retrato de la vieja fue una muy reconocida por el autor, fue realizada en 1505. Pocos añosantes de la muerte del pintor. Encargo privado posiblemente de gente adinerada de aquel entonces.Es una colección de Vendramin, esta citada en los inventarios de 1567-69 y 1601. Existen varias hipótesissobre la simbología de esta obra, una de ellas es una alegoría. La anciana porta un billete en su manoderecho, el que tiene una leyenda “Con el tiempo”. Otra de las hipótesis apunta que se trata de unsensacional retrato.La pintura refleja ideas que se adjudican a Leonardo, por la fusión entre el fondo y la figura en sí, asícomo también la pose de la mano sobre el antepecho. En sintonía con la disposición del apóstol Felipeen la Ultima Cena de Milán.Giorgione poseía un estilo naturalista, del que rodeaba a sus cuadros. La protagonista es una mujermayor, con el cabello cano, arrugas propias de la edad, vestimenta antigua y un poco sucia y descuidada,tal vez, para mostrar el paso del tiempo. Por estos factores, podemos decir que el cuadro nos muestrasensaciones.Se dice que Giorgione se pudo haber inspirado en un cuadro de Alberto Durero llamado “La Avaricia” otambién conocido como “Anciana con monedero”.Adoración de los MagosEste cuadro de Giorgione fue realizado en 1504, en óleo sobre tabla. Se debe decir que el artista fue unode los discípulos de de Leonardo, adoptando varias referencias de Da Vinci, como el sfumatoleonardesco y los perfiles suaves.Hace uso de un elemento arquitectónico, un muro de ladrillos, que lo crea gracias a la iluminaciónempleada que manifiesta una sensación atmosférica.
  37. 37. En la zona de la izquierda, remarcada por colores oscuros que plasman una zona de penumbra, el pintorrepresenta la Sagrada Familia, con sus miembros: San José, que se encuentra en una posición dedesproporción respecto a la Virgen. La zona de la derecha está iluminada por un potente foco, el cualresalta luminosas y brillantes tonalidades de los ropajes, tanto de los magos como de los pajes.Este es uno de los cuadros del autor en el que la disposición de los caballos en el fondo, impiden que sedesarrollo profundidad en la obra, reduciendo el espacio pictórico, pues dispone las figuras en un primerplano, que al estar cerca del espectador, cierra el espacio. Mostrando al autor un poco primitivo en esteaspecto.Muestra una escena bíblica, donde representa a María cargando en sus brazos al niño Jesús y a su ladose encuentra José, frente a ellos el pintor muestra a los reyes magos arrodillados ante el rey,ofreciéndole regalos. Una muchedumbre se representa detrás de ellos, y dos caballos orientados haciael Salvador.La asunción de la VirgenEs un fresco pintado en la cúpula, por el pintor Correggio entre los años de 1526 y 1530, realizado parala Catedral de Parma en Italia.A diferencia del clasicismo, no se basa en una composición con un eje central. Esta obra estadescentrada, desestructurada, haciendo hincapié en el estilo barroco.La obra representa la Asunción de la Virgen María, quien se encuentra representada con un vestidocolor rojo y azul, los ángeles la levantan para subirla al cielo en cuerpo y alma. Alrededor de laprotagonista, varios ángeles giran concéntricamente, algunos de ellos con instrumentos musicales, aligual que otros personajes, por ejemplo Adán y Eva, Judith con la cabeza de Holofernes. En los cuatrotriángulos curvados que forman las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de laciudad: San Hilario que viste un manto amarillo, San Juan Bautista junto a un cordero, Santo Tomas, conel que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo quien fija su mirada haciaarriba.Las figuras del fresco están iluminadas por una luz ideal, simbólica y que dan la sensación de atravesar elespacio material y de ser aspiradas por el espacio divino. El autor se metió tanto en el tema, que utilizoabsolutamente todo para dar la sensación de que las figuras estaban subiendo junto con María al cielo.Tiene gran influencia en lo que respecta a perspectiva adquirida por Melozzo.
  38. 38. Júpiter e IoEs uno de los cuadros más conocidos del pintor Correggio, pues en ella llega a la cúspide de susposibilidades artísticas.Realizado en óleo sobre lienzo entre los años de 1531 y 1532. Encargada por Federico II Gonzaga paradecorar la Sala de Ovidio en el Palazzo de Te de Mantua.Esta obra conformaba una pieza de El rapto de Ganimedes y Dánae otra de sus obras.Representa una escena de la Mitología griega que se encuentra narrada en Las Metamorfosis de Ovidio,Io era una doncella de Argos, hija de Inaco y sacerdotisa de Hera, hija del rey Yaso, a la que Zeus quienera el dios griego del que es equivalente según los romanos a Júpiter, visito en forma de una enormeneblina para quitarle la virginidad.Esta manifestación representa el momento de la unión carnal entre Io y Zeus, arropándola en forma denube, de la cual se puede observar ciertas facciones de hombre, que hacen el amor a la protagonista.Destacando en la obra el erotismo que nace del cuerpo de Io, mientras La nube, Zeus, la acaricia.El ciervo representado en el cuadro, bebiendo agua, en la esquina inferior derecha del cuadro, noaparece en la historia de Ovidio, fue un elemento añadido por Correggio. Que se cree que puede hacerreferencia a la interpretación del pintor, el padre de Io era Inaco, una oceánida o dios fluvial.Los colores en la obra están basados en el contraste entre el cielo, dibujado con densas nubes oscuras, yla blanca figura de Io, en una postura retorcida típicamente manierista. El cuerpo está colocado enforma serpentinata, es decir en S, típica del autor, a la que cogieron como referencia tiempos despuéslos pintores barrocos.El rapto de GanimedesEs una de las obras más importantes del autor, ya que con ella alcanza la máxima representación de supintura y sus posibilidades artísticas.Esta realizado en óleo sobre lienzo entres los años de 1531 y 1532.Fue pintada para conformar un conjunto de obras del autor, una de ellas fue Jupiter e Io y la otra fueDanae, forman parte de 4 telas, para decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo Te de Mantua, aunqueluego, fueron un reglao para el emperador Carlos V, y, en consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera deItalia.
  39. 39. Un cuadro que representa una escena de la mitología griega, Ganimedes era un hermoso príncipe deTroya, hijo del mismo epónimo Tros. Ganimedes vivía en el Monte Ida de Frigia, y Zeus lo raptoadoptando la forma de un águila. En el Olimpo, Zeus hizo a Ganimedes su amante, y también su coperoen sustitución de Hebe.Se puede observar el momento del ascenso del bello joven Ganimedes, cogido por el águila. En la parteinferior, hay un perro mirándolos, mientras que Ganimedes fija la mirada en el espectador. Tanto esteperro como las rocas que están formadas por numerosas líneas verticales subrayan la idea demovimiento ascendente. El formato del cuadro, estrecho y alto, es idóneo para representar estasimágenes de ascensión.Fiesta del RosarioConocido en alemán, como Rosenkranzaltar, o también conocido como La Virgen de la fiesta del Rosario,es un cuadro realizado en 1506, en óleo sobre madera de álamo. Es la obra más importante de sucarrera, ya que se dice que incluso en su época tuvo gran éxito, a tal punto, que se acercaba a verloincluso el patriarca, el dux y muchos más. Es una síntesis de su obra anterior.Fue un encargo del banquero Jacob Fugger, quien era el intermediador entre el emperador Maximilianoy el papa Julio II con respecto a la coronación de aquel. Es por esta razón que participan en la obra deAlberto Durero.El artista realizo el cuadro siguiendo sus conocimientos de anatomía, geometría y matemáticas, lo quecaracteriza al humanismo renacentista. En sus viajes que realizaba a Venecia, pudo resolver y mejorarsus técnicas, como el arte del matiz y el uso de la perspectiva matemática, influenciado por GiovanniBellini.En esta obra, a diferencia de otras podemos observar que el autor se centra muchísimo en los detalles,para acercarse más al realismo; utilizando sombras por ejemplo.La organización es más pronunciada en torno a un rígido triangulo o pirámide central en donde se situanlos personajes principales, llegando a ser Maria quien se muestra en la cúspide de la pirámide, estandoestructurado en la base el emperador y el papa. El niño Jesus queda ligeramente descentrado conrelación al eje del cuadro.Autorretrato de Durero
  40. 40. Es un retrato del autor, también conocido como autorretrato con traje de piel, que lo realizo cuandotenía 27 años de edad, realizado en 1498 en óleo sobre tabla, aunque su aspecto en el cuadro parece deun hombre mucho mayor que de 27 años.Se ve frontalmente el abrigo de pelliza, Durero tiene una expresión seria, pero al mismo tiempo serena.Su larga melena que le llega a los hombros marca muy definidamente su cabello rizado de color rubiodorado; da la apariencia de una figura muy parecida a la de Cristo. Dando un tratamiento minucioso desu cabello, del cual se dice que estaba obsesionado.El artista logro en su autorretrato dibujar un rostro con una mirada profunda y al mismo tiempocautivadora. Sus ojos color verdes en conjunto con su mirada fija hacia el espectador, demuestran a unDurero sincero, sereno, noble y honesto. Pocos son los autores que han logrado realizar un trabajo desensaciones y expresiones como lo hizo Alberto Durero en su propio rostro, recordando a la iconografíade Jesucristo.El fondo oscuro resalta la figura de Durero, dando un efecto de silencio, mostrando un espacio en el quetodo parece estar tan tranquilo, lleno de quietud; su cara, su cabello, sus manos, su vestimenta, todoestá dentro de una atmosfera de tranquilidad. Su cara sobresale dramáticamente por su cromática y losefectos que maneja.Su vestimenta es simple, destacando su color marrón y el terciopelo de la bata con el cuello de lana quese deja ver una parte del traje que Durero porta en el autorretrato de 1493. Su mano derecha acaricialevemente su bata, lo que nos devuelve a las representaciones de Cristo, donde tenia una posturasemejante, tocando el pecho.La luz que representa el autor en el cuadro es muy pobre, proviene del lado izquierdo del cuadro y es elúnico foco que alumbra la escena.Los cuatro apóstolesEs una obra realizada a modo de díptico, acabada en 1526, es una pintura al oleo sobre madera de tilo.El autor después de haber viajado muchísimo por los países bajos, al volver a Nuremberg decidió realizareste díptico como una obra monumental y una especie de testamento espiritual, pues estas figurasrepresentan su presencia espiritual, la encarnación, los pilares y las garantías de una fe y una moralnuevas y del estado espiritual, universal y natural.
  41. 41. Durero encargó un marco muy elaborado para esta pintura y la regalo al municipio de la ciudad deNuremberg, constando la donación en un documento de 1526 que decía que espera que acepten esahumilde obra que les ofrece, habiéndola escogido entre las pocas obras que le quedaban. Aunqueestaba pintada con mucho cuidado.Es una obra realizada en la madurez del pintor, donde se observa la influencia veneciana que tuvo, porsus viajes a esta ciudad, no dejando de ser una obra nórdica por la expresividad de los rostros y losminuciosos detalles; por su intenso cromatismo y por la concepción estatuaria y escultórica de lospersonajes. Contrasta las tonalidades cálidas e intensas como el rojo, el azul y el dorado; con lastonalidades frías representadas por el blanco y el gris azulado.Una vez más se inspira en su colega Giovanni Bellini, tomando como referencia modelos inmediatos delpintor, para la iglesia de Frari en Venecia.En uno de los dípticos se encuentran las figuras de San Juan y San Pedro, a los que se puede reconocerpor la llave, leen la Biblia en el propio evangelio de Juan. En el panel de la derecha aparecen San Marcosy San Pablo, quienes portan un Bilbia en la mano.Los personajes representarían el hombre, sus edades, los cuatro temperamentos clásicos.CrucifixionEs una obra realizada por Grunewald ente los annos de 1512 y 1516. Esta realizado al temple en oleoo,sobre el panel de madera de tilo.La Crucifixion es una escena representada en los dos paneles centrales del Retablo de Isemheim. Larepresentación refleja una dramática expresividad por parte de las figuras.En el centro de la composición se encuentra la cruz, que ha sido tallada a partir de un árbolgroseramente, que soporta la figura principal, Jesucristo, quien está ligeramente descentrado con unatonalidad que da la impresión que el cuerpo esta putrefacto con heridas purulentas y crispado. Semuestra un hombre cuya posición y heridas están acabando poco a poco con su vida, fue retratado enlos últimos espasmos que precede a la muerte. Por esta razón se ve sus brazos contorsionándose demanera impresionante, desarticulados. La cabeza se muestra inclinada debido a la falta de fuerza quetiene para mantenerla hacia arriba, su boca parece haber exhalado su último suspiro.
  42. 42. A lado derecho de la cruz se encuentra a los pies de Jesucristo, Magdalena quien parece estarimplorando a Cristo. Viste un amplio manto color rosa, se retuerce de lamento y levanta sus manoshacia la cruz.A un costado derecho de la cruz vemos a María sostenida por San Juan, quien viste un velo y blancohabito monacal. Con un rostro que por su palidez y agotamiento muestra una belleza diferente. Suposición angustiada, por encontrar el cuerpo de su hijo crucificado. Se retuerce las manos hasta hacersedaño.San Juan es quien está mostrando apoyo a María, y dándole fuerzas, viste un manto rojo, su cabello esdorado y parece un joven estudiante alemán.A la derecha esta Juan Bautista y a sus pies el Cordero de Dios símbolo de aquel Jesús que él habautizado.Virgen de StuppachEs un cuadro del pintor alemán Matthias Grunewald. Realizado en la segunda mitad de los años 1510 entemple, pintado sobre una madera resinosa de la mejor calidad, es decir es una obra de técnica mixta.Es la parte central del retablo Ashaffenburger, considerada la obra maestra de Grunewald. Se desarrolloal mismo tiempo que el retablo de Isemheim, por esta razón se puede observar que La Virgen tiene gransimilitud con la del retablo de Isemheim. Fue un encargo realizado por el canónigo Kaspar Schantz en elaño de 1514.Se representa a María con el Nino siendo un cuadro de ideología religiosa, esta obra fue realizada comouna pintura devocional para la nueva capilla.El Escarnio de CristoEs un cuadro del pintor Grunewald. Se realizo en año de 1503, es la obra mas antigua, cuya autoria no escontrovertida. Pintada al temple y oleoo sobre panel de madera.Jesus de Nazaret es representado con una benda en los ojos, sentado. Sus brazos y las manos seencuentran atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante deel, tira de la cuerda; otro detrás, alza el puno para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo.
  43. 43. A la derecha se observa un personaje con un bastón sujetado por su mano izquierda y con la derechaimita una cachetada como ademan. En el hombro de este verdugo se apoya otro hombre, mucho másviejo con el que habla.En el fondo de la pintura se observan tres hombres: Uno de ellos toca la flauta al tiempo que golpea eltambor, otro, el más joven, parece estar al margen de todo lo que ocurre, aunque se ven atisbos dealegría en él, el tercero, al que solo se le ve la cabeza, muestra una expresión de desconsuelo y lamento.Este cuadro está repleto de sensaciones y expresiones por la misma representación que se realiza aligual que su tema. Los verdugos casi parecen caricaturas, y expresan brutalidad y falta de piedad. Llenode dramatismo, el que en ese entonces era inédito.La ninfa de la fuenteEs una obra realizada por Lucas Cranach, el viejo, conocido así porque su hijo, pintor igual que él, sellamaba igual.Se realizo entre los años de 1530 y 1534.Optó por la mitología griega y por ende la sensualidad del desnudo femenino.Esta tabla representa a la ninfa de la fuente Castalia, de cuya agua bebían filosofos y poetas, quien lesbrindaba inspiración. Se muestra tumbada sobre un tupido césped, en una posición antinatural, con lacabeza apoyada sobre el brazo derecho. Se encuentra levemente girada hacia el espectador, con supierna izquierda levantada para entrecruzarse con la derecha.Detrás de la ninfa se halla un tronco de árbol, y destras de este podemos observar los diferentes planosque usa el autor para dar un sentido de profundidad en la pintura, conseguidas con la perspectiva.Se puede asimiliar esta ninfa, según el criterio de su postura, a la Venus de Giorgione de laGemaldegalerie De Dresde y a las de Tiziano por la cartela del angulo superior izquierdo, el texto de lamisma corresponde a un poema latino. El carcaj con flechas y el arco apoyados en el árbol se cree quesegún las hipótesis realizadas pueden hacer referencia a Diana cazadora o bien a Cupido, quienacompañaba a Venus.Venus desnudaEsta pintura tiene como protagonista a Venus, salida de la mitología griega.

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