1. La cúpula de Santa María dei Fiori
La cúpula de Santa María de las Flores, es sin duda, la más importante de sus obras.
Brunelleschi ganó el concurso que se realizó con el objetivo de encontrar el arquitecto más idóneo para
realizar una cúpula que por sus dimensiones y demás problemas técnicos no se había podido realizar,
aunque no hubo un consenso y la construcción quedó en manos de Ghiberti y Brunelleschi, el primero
después de burlarse de los planos de Filippo, se dio por vencido, viendo que no estaba en capacidad
para realizar la obra, quedando como único arquitecto de la cúpula, Brunelleschi.
Filippo hizo trabajos de investigación aprovechando los viajes que hacía, y en uno de ellos, en Roma,
encontró la inspiración para construir la cúpula basándose en la cúpula del Panteón de Roma y otras
construcciones de época medieval. Usó una estructura de ladrillos con diseño octogonal y de doble
emparedado, por dentro era de forma semicircular y por fuera octogonal, rematada por una linterna,
reunió las dos cúpulas en los ángulos utilizando cestillas y cincha la cúpula interior con grandes anillos de
madera unidos entre sí con vigas de hierro, a medida que se levantaba, se iba cerrando; convirtiéndose
en la primera cúpula con esta forma, construida sin soportes de madera. Tuvo que inventar máquinas
para levantar las piedras más grandes, se usaron refuerzos horizontales de hierro y piedra, este hecho
marcó el principio del hormigón que hoy en día se utiliza.
La Iglesia de San Lorenzo
Empezó su construcción en 1421 y acabo en 1428, en Florencia.
La planta es en forma de cruz latina muy alargada, tres naves y capillas laterales. Presenta cubierta
exterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales. La planta en forma de cruz latina
hace referencia a la religión cristiana. La familia de los Médicis, fue la que encargó la construcción a
Filippo de la majestuosa iglesia, sobre una antigua iglesia románica, que simboliza el poder cada vez
mayor de la familia, la que dará lugar a la dinastía florentina. Su objetivo era la construcción de un
templo para usarlo como Panteón de su familia, para mostrar así, el dominio que tenían en la capital.
Brunelleschi se inspiró en las primeras Basílicas paleocristianas y los patrones de la arquitectura clásica.
Esta fue construida con piedra, y el mármol fue utilizado para los revestimientos decorativos y
materiales de relleno en las bóvedas, la armonía, regularidad y simetría se hacen presentes en el
edificio. Está constituida por arcos de medio punto que se sostienen por columnas corintias, la nave
central está iluminada por óculos. En la Basílica se encuentran amplios espacios sobresalientes de la
estructura del templo. Conocidas como “Sacristía Vieja” que fue construida por Brunelleschi, la “Sacristía
Nueva” la construyo Miguel Ángel.

2. Esta obra dio origen a la arquitectura renacentista, claramente se distinguía un nuevo modelo de iglesia,
dejando atrás la medieval.
Capilla Pazzi
La Capilla Pazzi en Florencia fue realizada bajo proporciones áureas y formulas geométricas desde su
planta y sus fachadas, con lo que consigue una magnifica armonía, esta fue su última obra, no la pudo
finalizar ya que murió en 1446; se la encargo Andrea de Pazzi, al igual que la Iglesia de San Lorenzo, su
objetivo era: ser construida como recinto funerario de la familia. Esta familia era una de las más
poderosas en Florencia.
Ya se toma al hombre como centro del universo, y no a Dios, sus dimensiones son basadas en el
humanismo. Filippo hubo de adaptarse al espacio reducido.
Es un Templo de Planta de cruz griega, en el que resalta la cúpula central y el pórtico exterior en el que
se eleva un ático que está decorado con pilastras corintias, dividido por el gran arco del centro,
coronado en una cornisa ornamentada. El pórtico construido con cinco tramos entre seis columnas de
orden compuesto, los cuatro extremos adintelados y el central en forma de arco de triunfo semicircular
muy alto y de doble anchura, cubierta por una bóveda de cañón. Brunelleschi fusiona el arco adintelado
griego con el arco central de origen romano.
La cúpula de la Capilla está inspirada en los modelos romanos, sus proporciones son casi cuadradas,
Brunelleschi y los demás arquitectos renacentistas tenían una gran obsesión por las cúpulas.
Palacio Rucellai
Esta construcción fue para Alberti, el primer encargo arquitectónico que le hicieron en Florencia.
Realizado por Giovanni Rucellai, un miembro destacado de una familia muy ilustre, centrada en el
negocio de tintorería de tejidos en la capital.
Está basado en el manual De Re Aedificatoria, el Palacio Rucellai se caracteriza por el prestigio de las
proporciones. Alberti se centró en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más
novedosas. Construida en piedra, está dividida en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido
horizontal, no dividen las plantas del palacio, es decir la altura real de las plantas es diferente a la de las
cornisas, para armonizar la obra añade pilastras verticales superponiendo en ellas ordenes clásicos,
resultando un matiz de luces y sombras.

3. En el friso de la planta baja se encuentran las armas de los Rucellai conformadas por: tres plumas en un
anillo, las velas infladas por el vento y el escudo familia, que se halla también en los blasones encima de
las puertas.
Este palacio fue considerado por las familias nobles y de mucho poder en ese entonces, un modelo de
residencia señorial. Al morir Alberti, fue construido por Bernardo Rossellino, quien siguió el diseño de
León Bautista Alberti, aunque no se limito a los planos, sino que incrementó las dimensiones originales.
Templo San Francisco o Malatesta de Rímini
El templo de San francisco es conocido también como el Templo Malatestiano porque fue encargado a
León Bautista Alberti por Segismundo Pandolfo Malatesta, en el año de 1450. Quien ocupaba el cargo de
Príncipe de Rímini. Su construcción tenía como objetivo ser un templo para sepultar en esta obra
arquitectónica a los hombres ilustres de su pueblo, a su amada y por supuesto su cuerpo. Aunque en los
primeros pilares que se encuentran en los laterales del templo, se hallan dos lapidas con inscripciones
en griego afirman que el Principe de Rimini, dedica esta construcción al dios inmortal y a la ciudad, es
decir, en acción de gracias.
En un principio Alberti decidió incorporar a una iglesia medieval gótica dos capillas en el lado sur.
Renovando más tarde, todo el diseño del templo, tanto su exterior como interior.
Segismundo fue derrocado por la religión y por esta razón se realizaron algunos cambios en el diseño, ya
que en el modelo original, no existía ningún tipo de símbolo cristiano, ni cruces ni imágenes sagradas,
algo que era inaudito en ese entonces. Pero era imaginado por todos, ya que Segismundo era
considerado como una persona con intenciones auto-celebrativas y su inclinación neo-pagana.
Alberti quería construir en el templo una cúpula que fuese mayor que la de Santa Maria dei Fiori, ya que
representaba la más grande de Italia. Pero no pudo conseguirlo, por situaciones económicas.
El proyecto quedó inconcluso, planteo la fachada principal a modo de arco de triunfo, y para el ábside
pretendía construir un redondel cubierto por una bóveda hemisférica.
Fachada de Santa Maria Novella

4. En el siglo IX un pequeño oratorio era dedicado a Santa María de la Viña, sobre esta construcción, se
alzó en 1049 la iglesia de Santa María Novella. La familia Rucellai encargó a León Battista Alberti que
diseñará la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada de la Iglesia. La
realizó en mármol blanco y verde oscuro, que representaba una tradición constructiva toscana.
Terminándola en 1470.
Alberti logró una armonía, equilibrando los elementos góticos de la iglesia con elementos puramente
renacentistas. Se inspiró en románico florentino, en específico, en la basílica de San Miniato al Monte,
para realizar las incrustaciones bicolores.
Incluyo también dos volutas que permiten salvar la distancia existente entre la nave central y las
laterales dando proporción y regularidad a la obra, característica principal del renacimiento. La voluta de
la derecha fue recubierta de mármol. Las formas geométricas simples que usa Alberti invitan a meditar
sobre las verdades de la fe, idea introducida en las corrientes estéticas neoplatónicas de Florencia. En la
fachada también se encuentran arcos de medio punto pertenecientes a la arquitectura clásica.
Acabada la fachada se puede decir que está construida a modo de telón.
Templete de San Pedro in Montorio
Fue una obra arquitectónica encargada por los Reyes Católicos en Roma, para conmemorar la Toma de
Granada, el templo está situado, según la Biblia, justo en el lugar donde Pedro fue ejecutado, la frase
que dice Jesús “Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi iglesia”. Donato Bramante fue el elegido
por Reyes para construir esta obra con gran valor religioso.
Decidió diseñar un templo circular, de planta centrada, alzado sobre un podio y cubierto por una cúpula
semiesférica. En el exterior del Templete se encuentra una columnata de balaustrada conformada por
un peristilo. Los muros exteriores se hallan hornacinas aveneradas, que se alternan vanos adintelados.
Una de sus características es la carencia de elementos decorativos innecesarios y su pureza de líneas por
la cual se la considera el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista.
Fue construido en granito, mármol, travertino, y sus acabados fueron a base de estuco y revoco. Existen
4 puertas para el ingreso al templo. Dentro, se dispone un altar mayor y debajo de este una cripta que
según la tradición, es donde enterraron al apóstol, y fue clavada una cruz.
Esta obra fue la primera del Cinquecento. Por esta obra Donato Bramante fue nombrado arquitecto del
Vaticano, creando los primeros planos de una nueva construcción, la basílica de San Pedro. La cual fue
concluida por otros arquitectos que realizaron algunas modificaciones en los planos originales.

5. La Basílica de San Pedro
Fue construida por Donato, es un templo católico que se encuentra en la Ciudad del Vaticano. Es
considerado el mayor templo cristiano en el mundo, y el más sagrado para la religión católica. Su cúpula
hace que sea un elemento dominante en el paisaje de Roma. En este lugar donde fue asentada la
construcción de la basílica es donde según la tradición católica, fue enterrado el apóstol Pedro. La obra
empezó en 1506 y finalizó en 1626.
Es el mayor edificio de su época, y la principal iglesia pontificia, pues en ella, debido a su tamaño, y su
cercanía con la residencia papal, se celebran la mayoría de eucaristías por el papa.
El diseño consistió en un edificio con planta de cruz griega, cubierta por cinco cúpulas, la central era la
de mayor tamaño que se apoyaba en cuatro pilares. El arquitecto se inspiró en la Basílica de San Marcos
y para realizar la cúpula en Panteón de Agripa.
Por la demolición de la antigua Basílica de San Pedro, Bramante fue apodado “el maestro ruinoso”, fue
muy criticado por este acto, no solamente por religiosos, sino también por colegas suyos, como Miguel
Ángel.
Bramante no pudo ver mucho de su obra construida, pues en 1514 falleció, habiendo quedado edificado
solo los cuatro pilares que mantendrían la cúpula central.
Patio de Belvedere
O conocido también como: Cortile del Belvedere, o Palazeetto o el Belvedere. Fue una de las más
grandes obras arquitectónicas desarrolladas en el Alto Renacimiento en el Vaticano.
Donato lo construyo para el papa Inocencio VIII. El papa Julio II le pidió que uniera el Vaticano con
Belvedere, y es así como se construyó esta edificación. Fue uno de los últimos proyectos de jardines
romanos de Bramante.
El patio estaba dividido por tres terrazas con dimensiones distintas, que se unían por largos pasillos y
armónicos tramos de escalera. Está cerrado en sus lados por cuerpos de albañilería ritmados por
columnas estriadas, donde se apoyaban grandes arcos, los cuales guían hasta un pórtico con jardines de
forma geométrica.
Se inspiró en los palacios imperiales romanos, de donde formo un nuevo concepto espacial. Aunque
nunca encontró la perfección tanto como él lo había soñado. Lo que se logró conservar de la idea fue la
rampa espiralada que está en la torre y la puerta estilo oriental de la parte inferior.

6. Donato en el centro de la nueva fachada, hundió con un ábside semicircular abierto el reconocido
Nicchione, y descubrió uno de los modelos que se tomarían para construir las escaleras de caracol. La
rampa helicoidal en la que anchas columnas, dóricas, jónicas y corintias soportan un pavimento en
espina de pez son gradas.
Villas Palladianas
Las Villas Palladinas esta ubicadas en la región de Véneto son 24 en total las conservadas y declaradas
Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, aunque muchas de ellas se encuentran en Vicenza. El
arquitecto las construyó para las familias más importantes del lugar, aristócratas y burgueses, las usaban
para el recreo y descanso de sus propietarios. Además de usarlas como pequeños centros de
producción agrícola, para ello estaban rodeadas de campos y viñedos, e incluían almacenes, establos y
depósitos para el trabajo del campo.
Suelen tener alas laterales como las barchesse , los que servían como ambientes de trabajo y dividían el
área central con la de los trabajadores para que no interfieran estos, en la vida de los propietarios.
Estas construcciones eran más pequeñas que los palacios, que descendían de los castillos, estaban
rodeadas por un patio, cerrado por un muro, el cual daba seguridad y protección. En el patio se
encontraban la barchesse, palomares, los hornos para el pan, los gallineros, habitaciones para los
campesinos y los servidores domésticos. Eran lugares donde se hacía queso y bodegas para exprimir la
uva.
Palladio buscó integrar todos los ambientes y elementos de las villas considerando la forma del área
disponible que en algunas ocasiones se encontraba delimitada por calles o por cursos de agua. Así
mismo el arquitecto en uno de sus libros decía que las villas tenían que estar orientadas hacia el sur de
manera que la paja no se pudriera ni se fermentara.
Algunas de sus villas son: La villa Trissino, Gazzotti Grimani, Almerico Capra, Angarano, Caldogno, etc.
Palazzo della Ragione di Vicenza
Es conocido en la actualidad como Basilica Palladiana, en la ciudad de Vicenza. Es un edificio de carácter
público, uno de los más importantes dentro de los palacios construidos por Andrea Palladio. En él se
asentaba el gobierno y sus principales administraciones civiles.

7. El palacio tuvo un derrumbamiento antes de ser reconstruido por el arquitecto, por problemas
estructurales. El mentor Trissino recomendó la obra al que en ese entonces era un arquitecto joven,
Andrea Palladio tenía que dedicarse a diseñar las loggias exteriores que muestran uno de los primeros
ejemplo de lo que vinieron a ser las ventanas Palladinas.
En su fachada presenta arcos de medio punto los que están flanqueados por pequeños vanos
adintelados que se encuentran coronados por óculos. Este modelo fue inspirado en los arcos de triunfo
romanos.
Andrea Palladio dio a la basilica dos estilos de columnas clásicas. La planta superior está enteramente
ocupada de un enorme salón sin soportes intermedios. El revestimiento de la fachado fue realizado con
rombos de mármol rosados y amarillos. La Basílica fue un proyecto muy costoso y tomó mucho tiempo
construirlo.
Es de dos pisos de elegantes galerías, dotadas de tres espacios expositivos independientes, sede de
muestra de arquitectura y de arte de interés nacional e internacional, y actualmente se encuentra
cerrado al público por restauración.
Teatro Olímpico
Andrea Palladio diseño el Teatro Olímpico que fue la última obra que realizó el arquitecto, quien con
esta edificación fue el precursor de los Teatros cerrado, considerándose primer teatro en el mundo.
El arquitecto después de haber estado viajando, y estudiando la arquitectura Romana, vino con una
visión más detallada de la arquitectura clásica y sus de los teatros. Se basoo también en el tratado de
arquitectura de Vitrubio y en su personal introspección de las ruinas romanas.
Fue el fundador de la Academia Olímpica, la que pretendía difundir la literatura de sabor erudito y
clásico, por lo que sus miembros promovían representaciones teatrales, en las que su fundador realizó
escenografías. Después de varios años obtuvieron los derechos para construir un teatro permanente en
una vieja fortaleza.
Construyo un área semicircular que encajaba en el teatro de forma escalona como en los teatros
grecorromanos, pensando en la visibilidad de las personas que se sentarían en las últimas filas, la cual
mejoró mucho, destinada para como área para que se siente el público. La estructura del teatro se
levantaría en unos muros construidos con ladrillo revocado, La decoración seria interior de madera,
estuco, pintura y yeso, la piedra se emplearía solo en las zonas más sobresalientes.

8. Lamentablemente Palladio no pudo ver finalizada la obra, ya que murió solo seis meses después de
haber empezado la construcción del teatro. Aunque el teatro se construyo conforme a sus diseños con
sus ideas y detalles.
Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal
Esta obra de Masaccio se basa en la historia de la Biblia en relación con “El Génesis”, donde cuenta que
Adán y Eva se dieron cuenta que estaban desnudos y decidieron taparse con un tejido de hojas de
higuera, luego fueron expulsados del paraíso terrenal por los querubines y la llamada espada
zigzagueante, quienes custodiaban el árbol de la vida. El arco representado en la obra de Masaccio no
constaba en la Biblia.
Este fresco se encuentra en la Capilla Brancacci, con esta obra de arte se pretende representar el pecado
original y el distanciamiento entre el hombre y Dios. Es muy conocida por su vivida energía y realismo en
la escena llena de dolor y angustia, que viven ambos. Eva con un grito melancólico, intenta taparse con
sus manos, mientras que Adán, con el vientre contraído, toma aire y sus gestos tristes tapados por sus
manos en signo de vergüenza.
Masaccio para pintar a Adán en el fresco debió haberse inspirado en los dioses de la Mitología griega, y
de algunos crucifijos hechos por Donatello. Eva seguramente, fue creada por alguna referencia del
artista a las Venus púdicas romanas o a Giovanni Pisano.
Tres siglos después de haber sido pintada Cosme III de Médicis, ordeno tapar las zonas intimas con hojas
de higuera, aunque tiempo más tarde se decidió retirar la pintura que se había añadido, dejándola tal y
como era.
El Tríptico de San Juvenal o Retablo de Cascia
Según Luciano Berti, es una de las primeras obras originales de Masaccio. No consta en la biografia del
autor, realizada por Giorgio Vasari.
La encontraron en un pésimo estado de conservación, por esta razón la tuvieron que someter a una
restauración urgente y obligada. En el borde inferior de una tabla estaba escrita la fecha de ejecución, el
23 de abril de 1422. La obra se realizo en Florencia, siendo un encargo para el pintor por Vanni
Castellani, quien era miembro de una rica y poderosa familia florentina que poseía amplios dominios en

9. la zona. Este personaje tenía un monograma en forma de dos bastones cruzados con una V debajo. Este
monograma lo podemos ver en el tríptico.
El tríptico consta de tres tablas, en la tabla central se encuentra una Virgen con el Nino y dos angeles, en
la tabla lateral derecha los santos Antonio Abad y Juvenal, en la parte izquierda están los Santos
Bartolome y Blas.
Los fondos dorados dotan de cierto arcaísmo a la composición, sin embargo Masaccio intenta introducir
elementos típicos del Quattrocento como la monumentalidad de las figuras o la perspectiva. Las líneas
de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la
mano derecha de la Virgen.
El tríptico se encuentra en la localidad de Cascia, en la iglesia de San Juvenal.
El tributo de la Moneda
Pertenece junto con una serie de obras de arte, al patrimonio pictórico que adorna la capilla de la
familia Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia. Esta obra se encuentra a la izquierda de un
retablo de la iglesia, de estilo gótico.
En esta obra el artista describe una escena de la Biblia, del Evangelio de Mateo. Representa un episodio
de la vida de Cristo, en Cafarnaum, donde le solicitan a Jesús y a sus discípulos el pago del tributo, del
impuesto de alcabala para el templo. Ordenando Jesús a Pedro que pesque un pez en el que encontrara
la moneda para el tributo que les hacía falta.
Masaccio representa las tres escenas del milagro en la obra en una sola representación.
La primera escena: Jesús esta en el centro del fresco, el cobrador se encuentra de espaldas, extendiendo
su mano hacia Jesús. Y él su vez hace el mismo gesto para indicar donde tiene que ir Pedro, repitiendo el
mismo gesto el apóstol.
La segunda escena: No se ve en el cuadro, Pedro intenta sacar del pez , arrodillado a la orilla de un rio,
una moneda para dársela al cobrador.
Tercera escena: Pedro da la moneda al cobrador mientras que el cobrador también extiende su mano
para recibirla, ante un edificio en perspectiva.

10. Se cree que este acontecimiento pintado por Masaccio significa el nuevo interés del mar en Florencia.
Otras de las interpretaciones dice que Pedro, como jefe de la iglesia, es quien debe tratar con el mundo
y sus poderes terrenales.
La composición con un fondo de montanas esquemáticas con algunos árboles que se cree que estén
inspiradas en las pinturas de Giotto, tiene en su costado derecho un elemento arquitectónico en
perspectiva. Este contraste entre la naturaleza y esta edificación hace que la composición se amplíe.
La Batalla de San Romano
Se conoce también como la derrota de San Romano, es un tríptico realizado con temple sobre tabla, se
conserva dispersas en tres museos: National Gallery de Londres, Galería de los Uffizi de Florencia y
Louvre de Paris.
Al parecer este cuadro se pinto para colocarse en el palacio de los Medici-Riccardi.
La Batalla de San Romano, fue un episodio de Florencia, esta lucha se dio entre los florentinos y los
sieneses, quedándose con la victoria los florentinos que se encontraban liderados por Nicolás de
Tolentino. No resultando ningún muerto durante la batalla.
Paolo Ucello representa tres escenas diferentes en el tríptico.
Puede parecer una obra medieval, por las armaduras de los caballeros y sus largas y pesadas lanzas. Los
caballos y las personas parecen estar sacadas de un palo de madera, y aunque parezca una función de
títeres, se puede descubrir que el pintor, debido a la fascinación con su arte, quiso proyectar las
imágenes como si estas, hubiesen estado talladas y no pintadas. Estaba tan impresionado con la
perspectiva, que se pasaba realizando escorzos, como los que plantea en la Batalla de San Romano. En
las piezas de armadura en el suelo, las patas del caballo y el guerrero que está en tierra en la zona
inferior derecha.
San Jorge y el dragón
Es una escena de una leyenda procedente de Libia, en un pueblo donde se encontraba un dragón que
estaba destruyendo el pueblo entero, el dragón vivía en el lago, y lo alimentaban con los sacrificios de
ovejas que hacían los moradores para aplacar su ira. Pero un día, se acabaron las ovejas , ya casi no
había gente ahí. La hija del rey se encontró con San Jorge, quien le dijo que él le iba a ayudar a capturar
al dragón para que dejen de preocuparse por él.

11. Y así fue, lograron capturar al dragón y lo llevaron hasta la ciudad para que después de que todos hayan
sido bautizados, se sacrifique al dragón.
Paolo Ucello creó una atmosfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar obras del surrealismo.
Que se deja ver en una de las características de Ucello, en este caso en la tormenta que se ve en el
fondo del cuadro.
En la obra se vuelve a ver la inclinación por realizar figuras escorzadas, y perspectivas irreales.
La iglesia católica reconocía a San Jorge como el arma de Dios, y su caballo blanco representaba a la
iglesia. La lanza era un instrumento que era otorgado por Dios, para acabar con los pecados del mundo,
representada en la obra por el dragón. Se lo puede relacionar con San Miguel, ya que los dos se
encuentran matando a un dragón o demonio con una lanza de metal.
El Condotiero
También conocido como Giovanni Acuto, es un fresco que realizó el pintor para la catedral de Florencia,
convirtiéndose en su primera obra maestra. Fue su primer encargo monumental que consistía en pintar
el retrato ecuestre del capitán inglés John Hawkwood, de aquí viene el nombre de la obra, pues los
florentinos llamaban al capitán Giovanni Acuto.
En esta obra, una vez más, pone en práctica sus conocimientos de perspectiva, introduciendo la técnica
del escorzo, que mas gustaban al autor. Lo ejecuta en solo tres meses, y pone su rúbrica en la parte
inferior del cuadro.
La figura del condotiero es esplendorosa, y de gran tamaño, así como también bien definida. Lo que más
gusta de la obra es el escorzo del cofre situado sobre una ménsula. No hay duda de la capacidad de
dibujar en perspectiva del pintor, lo que da en sus cuadros un toque de excentricidad y singular
originalidad, debido a pronunciados efectos de profundidad.
Es este uno de los cuadros que nos reafirma que Paolo Ucello consideraba a la perspectiva su amante
más dulce.
La obra es monocromática, y se puede observa que el fresco simula ser una escultura, y empleo dos
perspectivas diferentes, una para la base de “la escultura” y otra para el caballero y el caballo. Hace uso
también del claro oscuro que se proyecta en el caballo y el caballero.

12. La Virgen de la Humildad
Esta obra realizada por Fra Angelico la realizo en su periodo de madurez, perteneció a la colección del
rey Leopoldo I de Bélgica. Esta virgen de grandes proporciones define al pintor. Su sencillez compositiva
con la que presenta el tema, no es excusa para que el autor aplique en esta tabla los preceptos más
innovadores vigentes en la pintura florentina del momento.
Representa a la Virgen María adorando a su hijo Jesús junto con dos ángeles en la escena. Usa un tapiz
que decora el fondo de la obra, siendo un elemento común de la Iconografía de la época.
Su vestimenta está adornada con geometrizaciones de color dorado, que dan la sensación de ser telas
tejidas, terciopelos y damascos, considerado un lujo mundano que también era utilizado para realzar un
ámbito sagrado.
El artista usa en esta obra, algunos recursos ya representados en otras obras, como es el paño de honor,
los que aumenta la profundidad con sus pliegues. Las flores que usa también están llenas de simbología,
pues se conoce a las azucenas como flores de pureza en particular de María. Al igual que las rosas
blancas y rojas que nos hablan de la Pasión que tendrá que afrontar su hijo Jesús.
Según Fra Angelico sus pinturas eran instrumentos de la Teología. Las figuras del pintor van más allá de
la edénica inocencia, la beatitud, la serenidad y la fe en la salvación del alma, sin expresiones de malos
sentimientos, violencia o gestos forzados y actitudes exageradas.
La anunciación
Es una pintura en temple sobre tabla entre 1430 y 1435, fue encargada para el convento de Santo
Domingo de Fiesole en Italia.
Esta escena que parece estar pintada en el cielo, según dijo Vasari, representa la anunciación tal como
fue narrada en el Nuevo Testamento, En el fondo de la imagen se observan dos siluetas que representan
a Adán y Eva, quienes fueron causantes de que la Virgen encarnase al niño Dios.
Después de haber pasado por varias manos, la obra se encuentra establecida en el Museo del Prado en
Madrid. Siendo una de sus obras más relevantes y conocidas.
La escena se desarrolla en un pórtico abierto de mármol blanco con arcos de medio punto que
descansan sobre finas columnas blancas. Uno de los elementos que llaman la atención en el pórtico es
un medallón de Dios Padre en grisalla. Con la llegada del ángel, deja su libro en su regazo para prestar

13. atención al ángel. En el ángulo izquierdo de la pintura podemos observar las manos de Dios y de ellas
sale un rayo de luz que cae sobre la cabeza de la Virgen, que simboliza al espíritu santo.
La expresión de María está llena de arrepentimiento y sumisión, es decir, esta escena representa el
principio y el fin del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María.
Esta obra de arte muestra la transición entre el estilo gótico y el renacentista.
El beso de Judas
Esta obra la realizo en una de las celdas del convento de San Marcos en 1450 en temple sobre tabla,
para figurar esta escena de la Biblia del Evangelio de San Juan. En el beso de Judas Iscariote, se centra la
composición, que aparece con una aureola de color mas oscuro que el resto.
A la derecha de Jesus se encuentra los tres apostoles que estuvieron presentes en la traición, Santiago,
Pedro y Juan. A la izquierda de Jesus, están los soldados caídos por la presencia de Jesus y
acompañados de los sacerdotes. Representa la obra con un fondo naturalista, como en algunas obras
anteriormente realizadas. La gradación de la luz refuerza la sensación de profundidad en el cuadro.
El nacimiento de Venus
Esta obra fue pintada en 1483 y 1484, es una de las más representativas del artista Boticelli. Está
realizada en temple sobre lienzo. Es un tema tomado de la obra de Las metamorfosis de Ovidio. Se cree
que fue encargado por Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, para adornar la campiña florentina. Aunque
luego se determino que fue encargada por otra persona.
Según cuenta la historia, La diosa del amor nació de los genitales del dios Urano, que habían sido
lanzados al mar, por su hijo Cronos, después de habérselos cortado.
La escena representada por el artista es la llegada y nacimiento de la Venus, que se encuentra sobre una
concha abierta, que contempla su delicada desnudez, la cual fue empujada hasta la orilla con la ayuda
de los dioses alados, entre una lluvia de flores. Una hora, diosa de las estaciones le ofrece una capa con
motivos florales. La guirnalda que lleva la hora simboliza el amor eterno.
Sus cabellos largos y dorados cubren parte de su cuerpo, fue impulsada por dos dioses, el del viento y la
de la brisa que simbolizan la unión de la materia y el espíritu.
A su alrededor caen flores que según la leyenda se convertirán en seres.

14. Botticelli imita la postura de una diosa llamada Venus Púdica, y de una antigua estatua romana. Los
mitos de Botticelli convierten estos temas en alegorías de carácter religioso, didáctico y moral.
Primavera
Una de las obras maestras de Sandro Botticelli, estaa realizado en temple de huevo sobre tabla.
Encargada por Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni.
Representa a la Venus que se encuentra adornada con flores, por la llegada de la primavera. Es una obra
altamente ilustrativa de la iconografía y forma clasicista, por su introducción de dioses clásicos casi
desnudos y a tamaño natural. Esta obra posee un profundo significado filosófico.
Al igual que la obra “El nacimiento de la Venus”, es de cultura humanística y neoplatónica. El ambiente
del cuadro intenta representar a una atmosfera de fabula mitológica en la que se celebra una especie de
rito pagano, que posee elementos sugestivos eróticos que se elevan a una espiritualidad refinada y
melancólica, como Céfiro persiguiendo a Flora. Es aquí donde se rompe con la pintura religiosa cristiana.
El artista vota por un formato monumental, con 9 personajes pintados en tamaño normal, hace hincapié
a los detalles con piezas de orfebrería, como el casco y la empuñadura de la espalda de Mercurio o las
cadenas y los broches de las Gracias.
La primavera es una obra que se ha sido interpretado también en términos musicales. Botticelli posee
los conocimientos de sus predecesores como la perspectiva, anatomía, construcción de la imagen
humana, movimiento. Sin embargo, no los usa como podría, marcando el principio de la crisis de la
cultura florentina de finales del siglo XV. Esta crisis de la fe en el hombre y su poder absoluto.
Minerva y el Centauro
O también conocida como Palas y el Centauro, otra obra de Sandro Botticelli, basada en la mitología
griega y considerada como una obra pagana y profana, es decir, que no tiene relación con la religión
cristiana, sino que son escenas mitológicas. Es un cuadro realizado al temple sobre tela en el año de
1482 y 1483. Encargo realizado por Lorenzo di Pierfrancesco de Medici.
Empieza a trabajar en varias de sus obras, estando la de Minerva y el Centauro incluida, después de
finalizar un trabajo en la Capilla Sixtina. Teniendo mucho vinculo con el mecenazgo de los Médicis y sus
ideas neoplatónicas. De esta manera Botticelli se convierte en un humanista más con un gran interés por

15. los debates que se plantean en Florencia en ese entonces. Al igual que Marsilio Ficino y Picco della
Mirandola.
Esta obra fue realizada para la boda de Lorenzo Il Popolano o tal vez para las de su hermano Giovanni,
por esta razón, el cuadro tiene un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma
la fogosidad masculina. Las obras de Boticelli no eran tan apreciadas en esos tiempos, muestra de esto
tenemos la aparición del cuadro en el desván del Palacio Pitti de Florencia.
El fondo de la pintura se muestra desnudo, lo que nos permite centrarnos en las figuras principales que
son la Minerva y el Centauro.
El Centauro ya sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Tiene un aljaba y arco. Este
personaje mitológico y lujurioso, mitad hombre, mitad caballo, es controlado por una ninfa guardiana
armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. Esta
mujer es Palas Atenea, quien es la diosa de los artesanos.
Lamentación sobre Cristo muerto
El Cristo muerto es una obra que pertenece a Andrea Mantegna, una de las más reconocidas del autor.
Realizada en oleo sobre tela, que se encuentra en la Pinacoteca de Brera de Milán. Se pinto entre los
años 1457 y 1501, debió haber sido en la etapa de madurez del autor.
Esta obra muestra una escena de Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol cubierta con una
sabana blanca, y en su costado derecho dos mujeres contemplando su muerte.
Este es uno de los escorzos, considerado el más difícil, violento, audaz e innovador de la historia de la
pintura. Sin embargo, otro de los factores importantes de la obra es el estudio de los pliegues de la
manta que se encuentra sobre el cuerpo de Cristo, que lo cubre parcialmente.
La escena tiene un fuerte contraste de luces y sombras, y transmite sentimientos de sufrimiento y la
desolación, estos sentimientos se acentúan con la perspectiva que nos muestra el pintor. Quien nos da
la sensación de estar en frente de los pies de Cristo. Por esta razón se distorsionan sus detalles
anatómicos, de manera especial el tórax. La tonalidad del cuadro va conjuntamente con el significado de
la obra.
Otro de los detalles que genera sorpresa es la posición de los genitales de Cristo en el cuadro. Ya que
ocupan el centro de la obra misma.

16. A un costado, una lámpara de aceite simboliza, que el entierro del cuerpo está próximo.
Óculo fingido
Es también llamado, Cámara de los Esposos, realizado entre 1471 y 1474. Es una de las partes de la
Camara de los Esposos más conocida de Mantegna.
Con esta obra causo revolución y sorprendimiento de todos quienes pudieron ser testigos de sus
hazañas pictóricas. La característica del renacimiento, era una de los dominios propios de Andrea
Mantegna, quien lleva hasta llegar a un punto extremo con sus perspectivas y su nueva concepción de
modelado. Tiene una inspiración clasicista, por sus conocimientos y su afición por el coleccionismo
arqueológico.
Este encargo consistía en decorar la sala de los esposos del Palacio ducal de Mantua. Iba a contar con la
realización de esta obra, con un buen salario mensual, la manutención de seis personas, gastos pagados
del viaje, etc. Representando en la obra todos los miembros de la familia Gonzaga y de su Corte, como
objetivo político y también para enriquecer su entorno cultural. Es por ello, que Mantegna fue
contratado, ya que era conocido por ser un pintor modernista y dar toques brillantes en sus obras.
Con la finalización de la obra, que terminó a la altura del pintor esperada por todos, se convirtió en la
habitación más bonita del mundo y también la familia alcanzaba el más alto prestigio político de la
época.
Se denomina óculo fingido porque en realidad no existe ninguna cúpula en el techo de la sala. De esta
forma Mantegna engana a la vista de quienes aprecian la obra, dando una perspectiva ilusoria y realista
a la vez, tomando como referencia el punto central de la sala. Nos muestra también un juego de
perspectivas diferentes. En el techo una perspectiva vertical, mientras que en las paredes se ve una
perspectiva horizontal.
San Sebastián
Es el tema de tres pinturas de Andrea Mantegna, realizadas en diferentes perspectivas que caracterizan
al autor. Siendo complemento para su San Jorge. Representa la belleza ideal masculina y la moda de los
caballeros cristianos en todos los momentos del arte cristiano.

17. Mantegna vivió en una época en donde las pestes estaban a la orden del día, se creía que estas eran
propagadas a través del aire. San Sebastián, herido por flechas, era considerado el protector de la peste.
Además de ser vecino de la iglesia de San Sebastián.
San Sebastián era el único santo de ese entonces, además de Adán, que podía ser pintado y
representado desnudo y es por esta razón que los pintores volcaban sobre él, el canon de belleza física.
Se cree que fue realizado después de la peste que adquirió el pintor, como símbolo de agradecimiento al
protector. Aunque probablemente fue encargo del Podestá de la ciudad para celebrar el fin de la peste.
Fue concluida antes de que Mantegna dejara la ciudad de Mantua.
La escena de San Sebastián de la obra, se refiere al Libro de la Revelación. Un jinete se divisa en una de
las nubes en el fondo del cuadro. Es interpretado como Saturno el dios grecorromano, luego fue
identificado con el tiempo, dejaba destrozado todo detrás de sí.
Andrea Mantegna logra dejar a un lado los sentimientos lacerantes al igual que sus heridas
representadas en San Sebastián, su cuerpo traspasado por fechas, apenas sangra y no provoca
repulsión.
La Gioconda
Es conocido también como La Mona Lisa, es considerado no solamente el cuadro más famoso que tiene
el pintor, sino que además, se cree que es el más famoso del mundo. Adquiriendo fama no solo por la
belleza del cuadro sino también por las interrogantes que generan curiosidad entre los que la admiran.
Fue robado del Museo del Louvre por el pintor italiano Vicenzo Perrugia, apareciendo dos años mas
tarde, en Italia.
Es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Traduciendo su nombre al español como alegre. Existen
varias hipótesis sobre la identidad de la modelo, siendo la más acertada la de la esposa de Francesco
Bartolomeo del Giocondo, que era un banquero napolitano, llamada Lisa Gherardini, una dama
florentina.
Esta realizado en óleo sobre tabla de álamo, pintado en el año de 1503 y 1519. Ha sido retocado varias
veces por el autor. Es uno de los ejemplos en donde se logra de forma perfecta la técnica de Da Vinci, el
sfumato.

18. El cuadro se encuentra en el Museo de Louvre, con altísima seguridad, que costó 6 millones de dólares.
Se cree que en vida, el pintor Leonardo se cambiaba siempre de domicilio, llevando en sus hombres el
cuadro de La Mona Lisa.
Uno de los detalles curiosos del retrato de la dama es su sonrisa, y su mirada. Así como el paisaje en
perspectiva que ocupa el fondo de la imagen. Las cejas y las pestanas se han ido eliminando por cada
restauración hecha. Ya que se tiene una referencia de las mismas, realizada por Vasari.
El hombre de Vitrubio
Es uno de los dibujos más famosos de Leonardo Da Vinci, que se encuentra rodeado por notas
anatómicas. El dibujo es de una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y
piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Representa un estudio de las proporciones del cuerpo
humano, ya que Da Vinci estaba muy interesado en el estudio del ser.
“El pintor con su dibujo corrige algunas proporciones y añade otras: Cuatro dedos hacen una palma,
cuatro palmas hacen un pie, seis palmas hacen un codo, cuatro codos hacen un paso, veinticuatro
palmas hacen a un hombre. Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya ¼ y
estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de
saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el
espacio entre las piernas será un triangulo equilátero. Desde la parte superior del pecho al nacimiento
del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza
será la cuarta parte. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte. Desde el
codo a la punta de la mano será la quinta parte. Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.
La mano completa será la decima parte. El comienzo de los genitales marca la mitad del hombre. El pie
es la séptima parte. Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte. Desde debajo
de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte. La distancia desde la parte inferior de la
barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja,
una tercera parte del rostro. La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el
nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y como la oreja, una tercera parte del rostro.”
Fue el autor, junto con otros, del descubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano.
Es uno de los grandes logros del Renacimiento.

19. La Última Cena
Esta obra de Leonardo Da Vinci, es un gran elemento representativo de la Biblia cristiana.
Fue realizada en 1495 y 1497, se pintó sobre una pared, en el refectorio del convento dominico de Santa
Maria delle Grazie en Milán. No es un fresco tradicional, sino más bien es considerado un mural
ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso.
Se dice, según historiadores del arte, que es una de las mejores obras pictóricas del mundo.
Leonardo era consciente de la obra que iba a realizar y por ello decidió hacer diferentes proyectos antes
de esta magnífica pintura, que lo absorbió por completo hasta que logró acabarla. Cuentan que se
sentaba en los andamios con su pincel en la mano, mirando y analizando su obra, muchas veces dejaba
de comer y beber para seguir pintando, y otras pocas, subía al andamio y se bajaba sin haber pintado
absolutamente nada. Tardó más tiempo del que requería una pintura al fresco, por esta razón, decidió
usar una técnica diferente, que le permitiese tomarse su tiempo. La obra fue acabada después de
algunos años.
El prior llamó al duque para que se comunicara con el pintor, ya que su forma de trabajar no le parecía
correcta. Aunque él supo responderle al duque que está ultimando detalles y que le falta encontrar las
caras de Salvador y Judas, las que buscaba por la calle.
Algo que hacia Leonardo era observar modelos del natural, algo que no se hacía en aquella época, pues
se copiaban de algunos anteriores.
Piedad del Vaticano
Es una escultura de bulto redondo, realizada por el artista Miguel Ángel, esculpida en mármol de
Carrara, dejando reflejos de luz en ciertas zonas,
es una escena que representa el momento en el que la Virgen, una Virgen joven, bella y piadosa,
muestra del renacentismo, que no deja ver sentimientos de dolor, recoge en su regazo el cuerpo de su
hijo muerto, quien aparenta ser de mayor edad que la madre, tras el descendimiento de la Cruz.
Es una composición triangular, que le da estabilidad a la escultura, con suaves movimientos hacia la
derecha como el de los paños, el cuerpo o la mano de Cristo; que es contrapesado por un suave
contraposto de la cabeza de la Virgen y un gran paño que cierra la escultura por la izquierda. Estos son
factores que aportan con equilibrio y armonía a la obra a la que Vasari se refirió que es una obra que no
le falta nada ni le sobra nada. Es perfecta.

20. Es una obra clásica del Renacimiento de mayor expresión. Un dato curioso es que el mármol de Carrara
es cortado por bloques, y de ese bloque el artista sacaba su composición. No es una escultura por piezas
que son pegadas entre sí. Factor, que dificulta aún más el trabajo.
Juicio Final
Esta obra de Miguel Ángel, la desarrollo en el ábside de la Capilla Sixtina, en el año de 1541. Es un mural
realizado al fresco como decoración. Su tema es extraído de la Biblia de el Libro del Apocalipsis de San
Juan. Lo empezó a pintar después de veinticinco años de haber concluido la bóveda de la capilla, antes
de este mural de Miguel Ángel, existían otros murales de Perugino relacionados con Moisés, los tres
primeros Papas, Simón y Pedro. El pintor tuvo que pintar sobre estas obras de arte, acto por el cual
recibió muchas críticas.
Esta obra de es considerada como una de las pinturas más representativas de la historia del arte. Juicio
Final constituye uno de los ejemplos muy claros de escultura y pintura de Miguel Ángel, expresiones de
terribilidad, de fuerza interior, de carácter, la gran musculatura y los escorzos que caracterizaban al
artista, están presentes en todas sus figuras desnudas, lo que produjo gran polémica a nivel de las
autoridades religiosas, el papa decidió pedir a otro artista para que las vistiera.
En el centro del mural tenemos como personaje principal a Cristo, con una actitud desafiante y enojada.
Quien está dividiendo a los justos de los pecadores. Junto a el María, quien se muestra temerosa, y
escondida detrás de Cristo. Varios santos los rodean por todas partes, pintados sin perspectiva, los hay
inquietos, asustados y temerosos, visten los complementos que los caracterizan o los objetos con lo que
fueron mártires.
Se representó un ángel menos que en la Biblia, 7 ángeles con trompetas, libro de la vida y el de la
muerte, otros en cambio llevan la cruz, la corona de espinas y los clavos, además de la columna donde lo
flagelaron.
Un dato curioso que podemos observar en el mural es a San Bartolomé con su pellejo en la mano, el
rostro del pellejo es el autorretrato de Miguel Ángel.
David de Miguel Ángel

21. Es una de las esculturas más famosas de todos los tiempos. Está realizada en mármol blanco, entre los
años de 1501 y 1504. Encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa Maria dei Fiori de
Florencia. Tiene un estilo renacentista de Cinquencento.
Varios escultores fueron tomados en cuenta para hacer la escultura, ya que anteriormente la Catedral
de Florencia planteó junto con otras personas, la construcción de varios personajes del Antiguo
Testamento. Solo dos de estas esculturas habían sido construidas por Donatello y Agostino di Duccio,
quien intentó hacer una escultura del mismo tamaño que la de Miguel Ángel, de David, pero estropeó el
bloque de mármol de Carrara, otro que tampoco tuvo existo fue Antonio Rossellino, estos artistas
abandonaron la obra, con muchas fracturas y a medio realizar. De esta forma emprendieron una
búsqueda para realizar el David, uno de lo artistas que encontraron fue Miguel Ángel a quien le
entregaron la obra 25 años después de que la abandonara su ultimo escultor. La terminó en dos años a
partir de su entrega, y la instalaron en la Piazza della Signoria, dándole un valor más civil que religioso.
El rey David está representado como atleta, en su madurez y plenitud de su vida; momentos antes de la
batalla con Golliat de manera que dista de diferentes representaciones de David, en la que su cabeza se
encuentra posada sobre sus pies. Por esta razón, su cuerpo denota tensión, y su mirada es la típica de
un luchador antes de su enfrentamiento.
El artista aumenta a la escultura el contraposto, añadiendo a algunas partes del cuerpo masa muscular,
lo que simboliza la fortaleza del mismo.
El Triunfo de Galatea
Es una de sus principales obras referentes a la Mitología griega, una de las características principales del
renacimiento. Fresco pintado entre los años de 1510 y 1511 en Roma.
La ninfa Galatea es uno de los principales personajes, de la que hay varias historias, una de ellas y la más
conocida es cuando es objeto de amor por parte del ciclope Polifemo. En la obra de Rafael podemos
observar una mujer semidesnuda que ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amor
platónico frente al amor carnal, Galatea se encuentra protegida por delfines con los que cabalga por el
mar. Otras criaturas marinas como tritones y nereidas se encuentran formando parte de una escena en
la que los cupidos celestes disparan a las criaturas y estas se ven arrebatadas resultando un movimiento
dinámico y contrapuesto.
Galatea se muestra con una pose serpentinata y destaca su cabellera rubia ondeando al viento y su
manto rojo pompeyano. Su mirada serena hacia uno de los cupidos que guarda sus flechas de amor para
la mejor ocasión.

22. Es una obra en la que la composición equilibrada y armoniosa, delata al autor. Posee una acertada
elección cromática y rítmica que va acorde con la escena que quiere representar.
Detrás de Galatea se observan varios centauros que surcan las ondas, llevan las compañeras de Galatea
y otras están tocando trompetas y caracolas.
La Resurrección de Cristo
Es también conocida como Resurrección Kinnaird, ya que fue parte de la colección privada de Lord
Arthur Fitzgerald. Esta realizada en óleo sobre tabla entre los años de 1499 y 1502. Se cree que pueda
ser una de las primeras obras de Rafael Zancio, ya que existen dos dibujos muy relacionadas con la obra
pertenecientes al autor, del que se han valido varios críticos para considerar que es autentica y de su
autoría.
La obra en la actualidad se encuentra dispersa en varios museos, tras los dannos que sufrió por un
terremoto.
Podemos observar que en ella existen referencias de Pinturicchio y muy enlazada con el estilo
peruginesco. Hace uso de la perspectiva en el paisaje dibujado en el fondo, así como la marcada
composición y geometrizacion de los elementos de la escena, con una peculiar animación rítmica. Se
percibe así mismo, una familiaridad de estilos de Bernardino di Betto y Melozzo da Forli. El dramatismo
estilístico y compositivo del autor se han presentes en esta pintura.
Está basada en una escena de la Biblia, el Nuevo Testamento, donde se da la Resurrección de Jesús, que
es un acontecimiento clave de la doctrina cristiana.
Las figuras son hieráticas, es decir, son majestuosas y con bastante rigidez, también carecen de
proximidad y sentimientos de cercanía, siendo la que más sobresale, la figura de Cristo.
Escenifica a Cristo sosteniendo el estandarte de la resurrección al mismo tiempo alzándose sobre el
sarcófago en el que se encontraba enterrado, 4 soldados son testigos de este hecho insólito, por el que
muchos se encuentran desmayados, inconscientes o espantados.
Después de algún tiempo le encargaron que pinte la resurrección por la noche, pero debido a su muerte
pronta, no pudo realizar la obra, lo único que se obtuvo de este encargo son los estudios previos
plasmados en dibujos que realizó el autor.

23. Los desposorios de la Virgen
La obra se realizó en 1504 con temple y oleó sobre tabla, fue un encargo de la familia Albizzini para la
Iglesia de San Francisco en la Ciudad de Castello. Se ve el manifiesto de los principios de arte
renacentistas del autor donde se muestra la transición entre el Prerrenacimiento y el Alto Renacimiento.
Esta obra recoge todos los avances del Quattrocento para realizar una pintura con una belleza y
perfeccion extraña. Posee un gran estilo peruginiano, dicen que la obra se basoo en la celebrada Cristo
entregando a San Pedro las llaves, de su maestro Perugino.
El elemento que más destaca del cuadro, es el templo circular al fondo de la escena, lo que demuestra
su dominio de la perspectiva. Se muestra una composición circular bien desarrollada, lo que diferencia a
Rafael de Perugino quien realizaba composiciones horizontales.
Posee varias características clasistas que lo llevan al renacimiento como son las plantas centrales, las
iglesias de Leonardo Da Vinci, los arcos de medio punto, proporciones basadas en el humanismo,
accesibilidad e iluminación natural, etc.
El artista juega con la explanada en donde se hallan las figuras, dibujando baldosas que permiten
enfocar una proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central, el que se encuentra
en la puerta del templo, ayudando a realizar el paisaje del fondo.
Los personajes de la obra se encuentran simétricamente distribuidos, separa los hombres de las
mujeres, asi como también podemos observar algunos personajes que se encuentra entre el templo y
los del primer plano.
La bacanal de los andrios
Esta obra fue realizada en óleo sobre lienzo entre los años de 1523 y 1526 por Tiziano, encargada por
Alfonso d’Este, como decoración del Camerino de Alabastro del Castillo Ducal. Son dos más las que
forman el conjunto de tres pinturas de Rafael: La ofrenda a Venus y Baco y Ariadna, añadiendo también
obras de otros autores como El festín de los dioses de Giovanni Bellini, obra que fue terminada por
Tiziano debido a la muerte de Giovanni.
Un tema mitológico de la obra de Filostrato y la de Catulo gobierna el cuadro. Una bacanal, fiesta y
celebración del dios de vino, Baco que se encuentra en las islas de Andros. Cuenta la historia que la
bebida brotaba de un arroyo por gracia del dios Baco.

24. Esta temática está relacionada íntimamente con la del Festín de los Dioses, dándole Tiziano toques
personales como los movimientos, que dinamizan la escena, y la línea ascendente diagonal que va
subiendo desde la esquina inferior izquierda hasta llegar al personaje anciano que duerme en la parte
superior de la derecha.
Una ninfa aparece desnuda en primer plano, y al fondo se puede observar a Sileno, el acompañante del
dios.
Esta obra, escandalizó a la iglesia Católica, pero no a la aristocracia ilustrada, quienes preferían decorar
sus salas con temas de la mitología griega, eran amantes de las fiestas paganas. Gustaban de los temas
de la Antigüedad Clásica. El autor en esta obra intenta mostrar la sensualidad y la belleza del desnudo
femenino en primer plano, dando una actitud erótica.
Venus de Urbino
Es una de las obras más espectaculares que ha podido realizar Tiziano durante la estancia en la Corte de
Urbino. Está realizada en óleo sobre lienzo en el año de 1538. Fue encargada por Guidobaldo II della
Rovere, hijo del duque de Urbino. Existen dos hipótesis sobre la protagonista del cuadro, se dice que es
un regalo nupcial que le hace la esposa al dejar su pubertad. Otra es que se cree que es una cortesana
de la ciudad. Pero no se sabe exactamente quién es el personaje principal.
Esta obra es muy curiosa ya que la Venus no se encuentra fuera en la naturaleza, sino que está posando
desnuda en el interior de una sala de un palacete veneciano, semitendida sobre un diván tapizado en
rojo cubierto con una sábana blanca.
La Venus en primer plano muestra una mirada al espectador con cierta provocación y sensualidad. En su
mano derecha tiene sujetas unas flores, y con su otra mano se cubre su pubis.
En el fondo se observa una ventana por donde entran reflejos de luz y leves rasgos de un árbol y una
laguna. A lado de la ventana se encuentra dos criadas, una de pie y otra de rodillas, arreglando y
colocando ropa en un cassone o arcón que parece simbolizar la caja de Pandora, leyenda que proviene
de la Mitología griega.
A los pies de la Venus, se halla un perrito, que hace referencia a la alegoría de la fidelidad, recostado
sobre las sabanas blancas, probablemente dormido.
Tiziano se inspiró en la Venus dormida del Giorginone, alejándose del idealismo característico del
Renacimiento italiano.

25. Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. No
representa a una figura de una diosa sino de una mujer de carne y hueso.
Flora
Es una obra de Tiziano, en la que quiere resaltar el ideal de la belleza renacentista. La realizó en 1515, en
óleo sobre lienzo.
Una prospera mujer, bella y sensual, ocupa el primer plano de la composición del cuadro. Este es uno de
las obras que destacan entre muchos de los retratos que hizo el autor a hombres y mujeres. Flora ocupa
en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto color carmesí.
La túnica blanca con gran escote, cae dejando entrever parte de sus encantos, la blanca piel del pecho
izquierdo. Sus largos cabellos ondulados aumentan su sensualidad.
Esta actitud de la protagonista, genera desconcierto entre los especialistas, pues no se sabe si es una
prostituta que está ofreciendo sus servicios o si es una alegoría matrimonial. Al aludir a la mezcla de
voluptas, y puditica que caracteriza a la ideología renacentista.
El excelente dibujo realizado por el autor destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores,
elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje seguido con Bellini.
La sensualidad de la belleza femenina, la grande cualidad pictórica y el perfecto equilibrio de la
composición son elementos determinantes para ser considerado el cuadro, uno de los mejores retratos
juveniles de Tiziano. Su fama era tanta, que el gobierno negó a los jóvenes artistas de ese entonces la
autorización a copiarlo.
Esta obra actualmente se encuentra en la colección de pintura conservada en la Galleria degli Uffizi.
El Lavatorio
Esta obra es considerada una de las más importantes del pintor Tintoretto. Se realizó entre los años de
1548 y 1549, con una técnica de óleo sobre lienzo. Fue encargada por La Scuola del Santisimo
Sacramento para los laterales de la capilla mayor de la Iglesia de San Marcuola de Venecia. Fueron dos
cuadros, la ultima cena y el lavatorio.

26. Representa una escena perteneciente a la Biblia, del evangelio de Juan. Donde el autor quiere expresar
con un azul quebrado, un ambiente en el que se avecina una muerte, convirtiendo el espacio en un lugar
extraño e inquietante.
Narra la última cena que tuvo Jesús con sus discípulos, se puso una toalla en su cintura y les empezó a
lavar los pies. La situación que se refleja es relativamente tranquila pero en el fondo se vislumbra el
sufrimiento, la agonía y la muerte próxima.
Nos muestra un ritual purificador, donde Jesús simboliza la humildad en persona dejándonos saber que
ellos son los elegidos y que San Pedro es el primer Padre de la Iglesia. Junto con Jesucristo y San Juan
ocupan un primer plano, pero llaman la atención directa de los espectadores, ya que se encuentran en
el costado derecho del cuadro, con un espacio pequeño comparándolo con las dimensiones de toda la
composición.
Al otro costado tenemos a otro apóstol, a quien le merma importancia el autor. Por otra parte varios
discípulos se encuentran dispuestos a lo largo de la obra, con los que podemos ver la capacidad del
pintor para realizar estupendos escorzos.
Un detalla en la composición es la mesa central, que se encuentra girada en sentido de Jesucristo.
La Última Cena
Es para el autor, su última obra realizada entre los años de 1592 y 1594 en óleo sobre lienzo. Fue
encargada por La Iglesia y el monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se
encuentra en un muro del presbiterio.
Se diferencia de sus obras por la composición y la iluminación. Trabaja una perspectiva oblicua muy
original.
Este tema ya había sido escogido anteriormente por el autor, por ser un clásico en la pintura religiosa
católica.
Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en
una taberna sombría y popular y con muy poca luz, de la que Tintoretto logra sacar rayos de luz de las
aureolas que iluminan el sitio de una manera extraña que subraya detalles incongruentes.
Es una obra oscura, en la que sobresale precisamente el tratamiento que hace de la luz. Hay dos puntos
de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo. Adquiriendo un tono
barroco.

27. Venus, vulcano y Marte
Las representaciones que se caracterizan por una vehemencia de la acción, desconocida hasta entonces
en la pintura veneciana y conseguida mediante violentos escorzos y movimientos exagerados.
Esta obra se realizo en 1555 en Munich, en óleo sobre lienzo.
La mitología griega se hace presente en esta pintura de Tintoretto, Venus y Marte ya habían sido antes
objeto de tratamiento por autores renacentistas. Pero lo que Boticelli pintó, que era idealismo
neoplatónico, se convirtió en esta obra una representación de una escena domestica de carácter
erótico.
Venus esta reclinada con una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona central
del borde inferior, se tiene que decir también que su contextura parece un poco masculina. Ella se
encuentra prácticamente desnuda, con un pañuelo de tela blanca tapando su pubis, la que su viejo
esposo está descubriendo, su espalda se refleja en un espejo en el fondo de la habitación. Su vigoroso
moldeado demuestra la influencia de Miguel Ángel. En una cuna detrás, Cupido duerme. Y bajo la cama
se oculta el amante de Venus, Marte.
Se cree que colocaba figurillas de cera a modo de prueba e iluminaba el conjunto.
Podemos observar una gran asimetría en este cuadro de Tintoretto. El pintor lleva la mirada hacia el
fondo, a la derecha, haciendo un magnifico uso de la perspectiva del piso que se encuentra decorado
con baldosas.
Se apunta a que Tintoretto pudo tomar como modelo la Andrómeda de Tiziano.
El David
Es una obra de Donatello que realizo entre los años de 1440 aunque algunos Historiadores dicen que se
realizó en 1430.
Es una escultura de bronce. Que realizó por encargo de Cosme de Medici, quien quería situarlo en su
palacio de Florencia.
Es una obra que debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana es característica
indispensable del clasicismo. Nos muestra una figura como si proviniese del mundo griego. Constituye el
primer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano.

28. En la escultura de David se representa una figura que aunque sea de carácter religioso, se aleja de este
tema para dar a relucir una actitud heroica en el personaje.
David era un humilde pastor que se enfrentó a Golliat, un gigante que medía más de dos metros.
El gigante al ver a David, un joven desprotegido de una armadura se río de el. Pero David usó unas
piedras para pegarle en la cabeza al gigante, cayendo al suelo, el joven aprovechó este hecho para
quitarle la espada a Golliat y cortarle la cabeza.
La escultura posee un equilibrio entre sus partes totalmente armónico y real. El modelado muscular es
prácticamente femenino, por su suavidad con los rasgos. El cuerpo de David no marca tensión, pues la
escena se reproduce después de que derrotara a Golliat, adquiriendo una posición relajada, sin tensión,
dibujando un claro ovalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.
La obra simbólicamente representa una actitud relacionada con las victorias de Cosme de Medici de
Florencia contra Milán.
Es un monumento naturalista realizado al condottiero de gattamelata. Representa una escena en donde
Gattamelata cabalga pausadamente sobre su caballo, mostrando una actitud serena pero al mismo
tiempo Posee una mira desafiante y energica hacia al frente. Aunque las facciones del ginete no están
representadas de manera real.
Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferente luchas
realizadas. En su rostro se dibuja una expresión abstracta, que deja ver el peso de las misiones que tiene
que enfrentar.
Condottiero de Gattamelata
También conocida como La estatua ecuestre, es una de las primeras y más importantes estatuas
ecuestres de todo el Renacimiento. Así mismo es la primera estatua en honor a un guerrero de todo el
mundo moderno.
Es una escultura de bulto redondo, es decir se ve de diferentes ángulos. Realizada en bronce y apoyada
sobre un zócalo de piedra.
Es un monumento naturalista realizado al condottiero de gattamelata. Representa una escena en donde
Gattamelata cabalga pausadamente sobre su caballo, mostrando una actitud serena pero al mismo
tiempo Posee una mira desafiante y enérgica hacia al frente. Aunque las facciones del jinete no están
representadas de manera real.

29. Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferentes
luchas realizadas. En su rostro se dibuja una expresión abstracta, que deja ver el peso de las misiones
que tiene que enfrentar.
Es considerado más que un monumento para glorificar al héroe como un monumento funerario.
Se cree que Donatello se inspiró en la obra de Marco Aurelio de Roma. Es decir, está relacionada con la
escultura romana.
La escultura de tema ecuestre no se realizaba en sentido monumental desde la antigüedad clásica. Esta
escultura es una de las más influyentes en otras posteriores realizadas por diversos artistas.
El pequeño Profeta
Es una obra realizada en 1407 en mármol blanco.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiori, se encuentra esta obra del artista conjuntamente
con una obra de Nanni di Banco.
Al realizar una comparación con el profeta de Nanni di Banco se puede diferenciar el estilismo del que
carece que se cree que fue por la inexperiencia de Donatello.
El profeta de la izquierda es la obra realizada por el artista. Aunque existen diferentes hipótesis. Una de
ellas nos dice que puede ser que la obra de los dos profetas haya sido realizada por Donatello a cambio
de unos pagos. Pero se tiene que decir también que en ese momento los dos artistas formaban una
asociación, encargados para realizar la decoración de la puerta de Mandorla.
El bautismo de Cristo
Es el primer trabajo importante de Leonardo Da Vinci como aprendiz de Verrocchio. Por esta razón
algunas partes del cuadro se le atribuyen a Da Vinci como el angel que se encuentra en la parte
izquierda del cuadro donde se puede evidenciar la delicadeza de Leonardo, igualmente contó con la
colaboración de Boticelli. Es una pintura realizada en óleo y temple entre los años de 1475 y 1478.
Encargada posiblemente por la Iglesia de San Salvi de Florencia.
Se dice que Verrocchio al ver la parte realizada por su aprendiz, sufrió una gran decepción ya que
sobrepasó su arte. Una anécdota contada por Vitrubio dice que al ver que Leonardo realizó un mejor
trabajo, dijo que no iba a volver a pintar nunca más, y rompió sus pinceles.

30. Los personajes principales no están idealizados, ya que sus rostros reflejan la edad que debían tener, en
el caso de Juan se observa un avejentamiento. Las proporciones son clásicas, cierta esbeltez.
En esta obra Verrocchio hace un estudio del cuerpo, anatómico. En el fondo de la obra podemos ver un
paisaje natural, dando lugar al Bautismo de Cristo, que se hizo en el rio Jordán. Pero simboliza también,
una revalorización de la naturaleza que los artistas toman de los humanistas. Con un mensaje de unión y
centro del mundo entre la naturaleza y el hombre. Sin embargo la palmera, le da dramatismo y
solemnidad a la escena.
Cristo y Santo Tomás, Orsanmichele
También conocido como la duda de Santo Tomas, representa una de las más importantes obras de
Verrocchio, realizada entre los años de 1476 y 1483, en bronce.
En primer lugar esculpió la figura de Cristo y luego la de Santo Tomás. El lugar donde se encontraban las
obras fue un nicho en el que inicialmente se iban a exponer obras de Donatello y Michelozzo.
Por lo que se debía tener también en cuenta la arquitectura y el estilo del nicho sin romper con la
simetría. Ya que el conjunto de esculturas se encuentra hueca en la parte de la espalda.
El trabajo de los pliegues de los mantos es perfecto, lo que realza la movilidad al conjunto y la expresión
se hace presente mediante los pliegues. Podemos observar que el manto de Tomás aparece más
agitado, mostrando un estado anímico muy diferente que al de Jesús. El de él, en cambio muestra un
Cristo tranquilo, con sus pliegues ordenados, equilibrando mejor los pliegues.
Estas esculturas inspiran de manera única a su alumno Leonardo, ya que se puede observar que el rostro
que pinta en su obra La Ultima Cena, de Jesús, es muy parecido y semejante al de Verrocchio.
En esta obra está representada la figura de Cristo que reposa sobre un pequeño pódium, mostrando a
Tomas, la llaga del costado, e inquietándolo a introducir los dedos en la misma. Al mismo tiempo se
puede observar el brazo derecho sobre la cabeza de Tomás, símbolo de bendición hacia el mismo. Muy
semejante a la escena donde Juan el Bautista derrama el agua sobre la cabeza de Cristo.
David

31. Es una escultura hecha en bronce, realizada entre los años 1473 y 1475. No es de tamaño natural, sino
un poco mas pequeño. Fue encargada por la familia Medici que después lo vendió a un municipio,
siendo colocado el Palacio Vecchio junto con la obra de Donatello.
Las representaciones de David, el rey israelita, son muy diferentes entre ellas. Verrocchio realiza, a
diferencia de los demás, un David con vestimenta guerrera, armado con una espada y con la cabeza del
gigante al que acaba de decapitar a sus pies.
Con una actitud de victoria, a pesar de ser todavía un niño, con su mano izquierda a su cadera, marc
ando la curva praxiteliana, y mirando de frente al espectador con sonrisa triunfante. Su rostro refleja
una sobriedad madura para la edad que parece tener la figura.
El traje tiene partes transparentes, lo que deja al autor trabajar parte de la cintura de David
anatómicamente. La escultura esta diseñada para ser observada desde todos los puntos de vista. Al
compararla con la de dónatelo, nos muestra una escultura menos complicada que la de Donatello.
Verrocchio trabaja muy bien la cabeza de Golliat, dando una sensación de sufrimiento y tristeza
dibujados en el rostro del gigante. Trabaja muy bien la barba y su cabello, así como también los gestos.
Tribuna de los Cantores
Es una obra esculpida por Luca della Robbia entre el año de 1431 y el 1438. Fue un encargo de la
Catedral de Santa Maria del Fiore de Florencia. Hoy en día se conserva en el Museo de la Opera del
Duomo. Delante de la otra cantoría realizada por Donatello, a quien le pidieron que realice una cantoría
similar en la sacristía antigua de la catedral de Florencia. Al mismo tiempo que se la pedían a Luca della
Robbia.
Es considerada uno de los mejores trabajos realizados en el primer Renacimiento florentino.
Las inscripciones que se observar alrededor de la escultura, son parte del salmo 150, en el que se dice
que realizaban alabanzas, danzas y cantos que debían hacerse para el Señor. Simbolizando la relación
entre la cantoría y el significado de los relieves.
La cantoría original se encuentra montada en una sala del museo all’altezza. Los paneles que lo
acompañaba son una copia.

32. La parte principal de la Cantoria hay una serie de relieves separados por doble pilastra con capitel. Estos
relieves son representaciones que narran las danzas, cantos y alabanzas al señor de una serie de niños.
En la parte de arriba hay dos zonas de cantoría. La zona superior esta diseñada como un sarcófago
romano, sustentado por ménsulas. Las cuales están decoradas con hojas de acanto y motivos estilo
clásico sustentan la parte superior.
Los casetones de estilo romano decoran la parte inferior del gran modulo superior.
Cúpula Interna de la Capilla Pazzi
Esta obra fue realizada en la Capilla Pazzi, obra de Brunelleschi Filipo.
Se le encargo a Luca della Robbia, diseñar la decoración de la cúpula interna de la iglesia Pazzi.
Seleccionó una cerámica esmaltada para estructurar la cúpula interior, con unas elipses repetidas,
aumentando y disminuyendo su tamaño según se acercaban al centro y a lo alto de la cúpula.
La finura del diseño y la frescura hace de este interior uno de los más hermosos del mundo.
Los colores que usó son el blanco y el azul, lo que le daba vitalidad a la obra, que se aumentaba con el
colorido esmalte de la cerámica.
Sus obras son sobrias, dando una claridad en los planos y los ritmos, la serenidad que representa con las
formas y el color, sensibiliza a quien puede mirarla, dándole luz a la composición.
Moldaduras del Campanile de la Catedral de Florencia
Las moldaduras están hechas en mármol, realizadas en el año de 1437. Se encuentran en el Museo
dell’opera del Duomo, en Florencia. Andrea Pisano fue quien dejo las obras sin concluir, entonces fue
Luca della Robbia quien tuvo que terminar las moldaduras. El artista tuvo que seguir el modelo de las
moldaduras, las que tenían un estilo gótico característico de Andrea Pisano. Aunque se tiene que decir
que fue influenciado por los artistas de su época como Jacopo della Quercia, Ghiberti, Donatello y
Michelozzo.
Se realizaron cinco paneles hexagonales, se colocaban en la cara norte del Campanile.

33. Representaban las artes liberales, es decir, la gramática, la lógica, la música, la astrología, la aritmética y
la geometría.
En una de las molduras se plasman la aritmética y geometría, en un representación que muestra a
Euclides y Pitágoras conversando. Sus figuras muestran la influencia de Jacopo della Quercia.
Otra de las molduras representan la lógica, que según Vasari, el escultor realiza una interpretación de
una conversación entre Platón y Aristóteles. Es en esta moldura que se muestra la influencia de
Donatello.
El arte liberal de la gramática se encuentra en una moldura que muestra un entorno arquitectónico en el
fondo, evidenciando la influencia de Michelozzo. Observamos a Prisciano en una posición de maestro
frente a dos pupilos que leen unos libros.
La música representa a Orfeo tocando mientras que es escuchado por un grupo de animales. Se dice que
Orfeo tenia tal relación y vinculación con la naturaleza, en especial con las rocas y las piedras que su
música las movilizaba. Interpretando este hecho como la aparición milagrosa de la ciudad de Florencia,
como efecto de la acción de los dioses y la divina providencia.
La astrología, está ilustrada por la figura de Ptolomeo, es el creador de la teoría Geocentrista, que se
basaba en que la Tierra no tenia movimientos, que era totalmente inmóvil y era el centro del Universo.
Fue quien creó el horóscopo tal como lo conocemos hoy en día.
Alegoría Cristiana
También conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obras realizadas en el periodo de madurez del
artista. Realizada al temple sobre tabla en el año de 1490.
Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia. Es posible que el cuadro haya sido
encargado por Isabel de Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio, inspirado en el
poema Le Pelerinage de L’Ame, del poeta Guillaume de Deguileville.
Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos: la misericordia, la verdad, la justicia y
finalmente la paz.
Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser una meditación sobre la Redención.
La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un colorido paisaje de fondo. Existen varias figuras
de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro.

34. En la terraza podemos observar elaboradas baldosas en perspectiva de mármol. La profundidad del
paisaje también por el cromatismo del cuadro.
Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realista de los personajes en un balcón celestial
es todo un misterio.
El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puede ser una representación a la inocencia
anterior al pecado original. A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en un trono sobre el
que cuelgan uvas de la Eucaristia.
Presentación en el Templo
Una pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.
La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna, es por esta razón que hay una
influencia entre los dos artistas. Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niño
apoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo y caduco sacerdote que se adelanta a
coger al niño mientras que José, en segundo plano y medio oculto, mira la escena frontalmente. En la
representación de Bellini hay dos más, incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, como
una pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitio a un alfeizar mas ágil, que aísla menos
las figuras respecto al espectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentan con mayor
dulzura y naturalismo en las carnaciones y demás superficies. El fondo es absolutamente negro,
resaltando las figuras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la que el reflejo de la luz
ilumina su rostro. Este tipo de iluminación es típicamente veneciana, acentuando el color.
Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de los volúmenes y de la perspectiva creada con la
sucesión de figuras en diferentes planos y colocando en primer término una amplia barandilla donde se
apoya la Virgen y el Niño. Se interesa mucho por los pliegues de la tela, que los resuelve de manera
simple.
El Retablo de Pésaro
Es una de las obras famosas del pintor renacentista Giovanni Bellini, realizada en 1471 y 1474 en óleo
sobre tabla.
Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar la familia de los Pésaro para la Iglesia de
San Francisco de Pésaro.

35. Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizar en Venecia la escuela rival de los
Vivarini.
Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se va alejando poco a poco del estilo paterno y
supera resabios del gótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en el suelo adornado con
baldosas de diferentes colores. Asi mismo el paisaje le da un toque de profundidad a la pintura.
En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma y unifica en un mismo espacio los objetos y
demás seres figurados. Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en un acto de
coronación, acompañada de santos y santas en las calles laterales. El autor muestra varias escenas con
santos en la predela.
Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo se encuentra el personaje principal de la obra,
María junto a Cristo en el acto de coronación.
Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte de querubines en el cielo junto con una
paloma blanca que simboliza el espíritu santo.
Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidad empapada de volumen.
Judith
Es una de las pinturas de Giorgine, realizada en óleo sobre tabla, en 1503.
Uno de los maestras de la composición, en su obra Judith ubica los elementos de la composición en
planos sucesivos y que ayudan a la correcta interpretación de la perspectiva, inserta de manera muy
correcta la figura en el paisaje.
Giorgione pinta a Judith, una heroína bíblica, en primer plano pisando la cabeza de Holofernes. Su
cabeza se encuentra contemplándola, su rostro presenta un semblante de confidencia y serenidad.
Recibe un fuerte impacto lumínico que resalta las tonalidades de su vestido.
La protagonista viste un vestido rosado con un corte en la pierna izquierda, la que se muestra sobre la
cabeza de Holofernes, su cabella está recogido, en su mano derecha sujeta una espada que se oculta
detrás de su esbelto vestido.
Detrás de Judith se encuentra un muro con grietas, dando la sensación de un muro viejo. Colocando su
brazo izquierdo en la parte más alta del mismo.

36. Al fondo de la composición se encuentra situado un paisaje en perspectiva, dividido por un murete que
no impide la visión de una ciudad envuelta en tinieblas que es interpretada por el artista, cuyos colores
siguen la misma línea cromática que la escena. Pinta el cuadro con colores suaves entre los que se
incluyen: marrón, amarillo y salmón.
La vieja
La obra del retrato de la vieja fue una muy reconocida por el autor, fue realizada en 1505. Pocos años
antes de la muerte del pintor. Encargo privado posiblemente de gente adinerada de aquel entonces.
Es una colección de Vendramin, esta citada en los inventarios de 1567-69 y 1601. Existen varias hipótesis
sobre la simbología de esta obra, una de ellas es una alegoría. La anciana porta un billete en su mano
derecho, el que tiene una leyenda “Con el tiempo”. Otra de las hipótesis apunta que se trata de un
sensacional retrato.
La pintura refleja ideas que se adjudican a Leonardo, por la fusión entre el fondo y la figura en sí, así
como también la pose de la mano sobre el antepecho. En sintonía con la disposición del apóstol Felipe
en la Ultima Cena de Milán.
Giorgione poseía un estilo naturalista, del que rodeaba a sus cuadros. La protagonista es una mujer
mayor, con el cabello cano, arrugas propias de la edad, vestimenta antigua y un poco sucia y descuidada,
tal vez, para mostrar el paso del tiempo. Por estos factores, podemos decir que el cuadro nos muestra
sensaciones.
Se dice que Giorgione se pudo haber inspirado en un cuadro de Alberto Durero llamado “La Avaricia” o
también conocido como “Anciana con monedero”.
Adoración de los Magos
Este cuadro de Giorgione fue realizado en 1504, en óleo sobre tabla. Se debe decir que el artista fue uno
de los discípulos de de Leonardo, adoptando varias referencias de Da Vinci, como el sfumato
leonardesco y los perfiles suaves.
Hace uso de un elemento arquitectónico, un muro de ladrillos, que lo crea gracias a la iluminación
empleada que manifiesta una sensación atmosférica.

37. En la zona de la izquierda, remarcada por colores oscuros que plasman una zona de penumbra, el pintor
representa la Sagrada Familia, con sus miembros: San José, que se encuentra en una posición de
desproporción respecto a la Virgen. La zona de la derecha está iluminada por un potente foco, el cual
resalta luminosas y brillantes tonalidades de los ropajes, tanto de los magos como de los pajes.
Este es uno de los cuadros del autor en el que la disposición de los caballos en el fondo, impiden que se
desarrollo profundidad en la obra, reduciendo el espacio pictórico, pues dispone las figuras en un primer
plano, que al estar cerca del espectador, cierra el espacio. Mostrando al autor un poco primitivo en este
aspecto.
Muestra una escena bíblica, donde representa a María cargando en sus brazos al niño Jesús y a su lado
se encuentra José, frente a ellos el pintor muestra a los reyes magos arrodillados ante el rey,
ofreciéndole regalos. Una muchedumbre se representa detrás de ellos, y dos caballos orientados hacia
el Salvador.
La asunción de la Virgen
Es un fresco pintado en la cúpula, por el pintor Correggio entre los años de 1526 y 1530, realizado para
la Catedral de Parma en Italia.
A diferencia del clasicismo, no se basa en una composición con un eje central. Esta obra esta
descentrada, desestructurada, haciendo hincapié en el estilo barroco.
La obra representa la Asunción de la Virgen María, quien se encuentra representada con un vestido
color rojo y azul, los ángeles la levantan para subirla al cielo en cuerpo y alma. Alrededor de la
protagonista, varios ángeles giran concéntricamente, algunos de ellos con instrumentos musicales, al
igual que otros personajes, por ejemplo Adán y Eva, Judith con la cabeza de Holofernes. En los cuatro
triángulos curvados que forman las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la
ciudad: San Hilario que viste un manto amarillo, San Juan Bautista junto a un cordero, Santo Tomas, con
el que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo quien fija su mirada hacia
arriba.
Las figuras del fresco están iluminadas por una luz ideal, simbólica y que dan la sensación de atravesar el
espacio material y de ser aspiradas por el espacio divino. El autor se metió tanto en el tema, que utilizo
absolutamente todo para dar la sensación de que las figuras estaban subiendo junto con María al cielo.
Tiene gran influencia en lo que respecta a perspectiva adquirida por Melozzo.

38. Júpiter e Io
Es uno de los cuadros más conocidos del pintor Correggio, pues en ella llega a la cúspide de sus
posibilidades artísticas.
Realizado en óleo sobre lienzo entre los años de 1531 y 1532. Encargada por Federico II Gonzaga para
decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo de Te de Mantua.
Esta obra conformaba una pieza de El rapto de Ganimedes y Dánae otra de sus obras.
Representa una escena de la Mitología griega que se encuentra narrada en Las Metamorfosis de Ovidio,
Io era una doncella de Argos, hija de Inaco y sacerdotisa de Hera, hija del rey Yaso, a la que Zeus quien
era el dios griego del que es equivalente según los romanos a Júpiter, visito en forma de una enorme
neblina para quitarle la virginidad.
Esta manifestación representa el momento de la unión carnal entre Io y Zeus, arropándola en forma de
nube, de la cual se puede observar ciertas facciones de hombre, que hacen el amor a la protagonista.
Destacando en la obra el erotismo que nace del cuerpo de Io, mientras La nube, Zeus, la acaricia.
El ciervo representado en el cuadro, bebiendo agua, en la esquina inferior derecha del cuadro, no
aparece en la historia de Ovidio, fue un elemento añadido por Correggio. Que se cree que puede hacer
referencia a la interpretación del pintor, el padre de Io era Inaco, una oceánida o dios fluvial.
Los colores en la obra están basados en el contraste entre el cielo, dibujado con densas nubes oscuras, y
la blanca figura de Io, en una postura retorcida típicamente manierista. El cuerpo está colocado en
forma serpentinata, es decir en S, típica del autor, a la que cogieron como referencia tiempos después
los pintores barrocos.
El rapto de Ganimedes
Es una de las obras más importantes del autor, ya que con ella alcanza la máxima representación de su
pintura y sus posibilidades artísticas.
Esta realizado en óleo sobre lienzo entres los años de 1531 y 1532.
Fue pintada para conformar un conjunto de obras del autor, una de ellas fue Jupiter e Io y la otra fue
Danae, forman parte de 4 telas, para decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo Te de Mantua, aunque
luego, fueron un reglao para el emperador Carlos V, y, en consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera de
Italia.

39. Un cuadro que representa una escena de la mitología griega, Ganimedes era un hermoso príncipe de
Troya, hijo del mismo epónimo Tros. Ganimedes vivía en el Monte Ida de Frigia, y Zeus lo rapto
adoptando la forma de un águila. En el Olimpo, Zeus hizo a Ganimedes su amante, y también su copero
en sustitución de Hebe.
Se puede observar el momento del ascenso del bello joven Ganimedes, cogido por el águila. En la parte
inferior, hay un perro mirándolos, mientras que Ganimedes fija la mirada en el espectador. Tanto este
perro como las rocas que están formadas por numerosas líneas verticales subrayan la idea de
movimiento ascendente. El formato del cuadro, estrecho y alto, es idóneo para representar estas
imágenes de ascensión.
Fiesta del Rosario
Conocido en alemán, como Rosenkranzaltar, o también conocido como La Virgen de la fiesta del Rosario,
es un cuadro realizado en 1506, en óleo sobre madera de álamo. Es la obra más importante de su
carrera, ya que se dice que incluso en su época tuvo gran éxito, a tal punto, que se acercaba a verlo
incluso el patriarca, el dux y muchos más. Es una síntesis de su obra anterior.
Fue un encargo del banquero Jacob Fugger, quien era el intermediador entre el emperador Maximiliano
y el papa Julio II con respecto a la coronación de aquel. Es por esta razón que participan en la obra de
Alberto Durero.
El artista realizo el cuadro siguiendo sus conocimientos de anatomía, geometría y matemáticas, lo que
caracteriza al humanismo renacentista. En sus viajes que realizaba a Venecia, pudo resolver y mejorar
sus técnicas, como el arte del matiz y el uso de la perspectiva matemática, influenciado por Giovanni
Bellini.
En esta obra, a diferencia de otras podemos observar que el autor se centra muchísimo en los detalles,
para acercarse más al realismo; utilizando sombras por ejemplo.
La organización es más pronunciada en torno a un rígido triangulo o pirámide central en donde se situan
los personajes principales, llegando a ser Maria quien se muestra en la cúspide de la pirámide, estando
estructurado en la base el emperador y el papa. El niño Jesus queda ligeramente descentrado con
relación al eje del cuadro.
Autorretrato de Durero

40. Es un retrato del autor, también conocido como autorretrato con traje de piel, que lo realizo cuando
tenía 27 años de edad, realizado en 1498 en óleo sobre tabla, aunque su aspecto en el cuadro parece de
un hombre mucho mayor que de 27 años.
Se ve frontalmente el abrigo de pelliza, Durero tiene una expresión seria, pero al mismo tiempo serena.
Su larga melena que le llega a los hombros marca muy definidamente su cabello rizado de color rubio
dorado; da la apariencia de una figura muy parecida a la de Cristo. Dando un tratamiento minucioso de
su cabello, del cual se dice que estaba obsesionado.
El artista logro en su autorretrato dibujar un rostro con una mirada profunda y al mismo tiempo
cautivadora. Sus ojos color verdes en conjunto con su mirada fija hacia el espectador, demuestran a un
Durero sincero, sereno, noble y honesto. Pocos son los autores que han logrado realizar un trabajo de
sensaciones y expresiones como lo hizo Alberto Durero en su propio rostro, recordando a la iconografía
de Jesucristo.
El fondo oscuro resalta la figura de Durero, dando un efecto de silencio, mostrando un espacio en el que
todo parece estar tan tranquilo, lleno de quietud; su cara, su cabello, sus manos, su vestimenta, todo
está dentro de una atmosfera de tranquilidad. Su cara sobresale dramáticamente por su cromática y los
efectos que maneja.
Su vestimenta es simple, destacando su color marrón y el terciopelo de la bata con el cuello de lana que
se deja ver una parte del traje que Durero porta en el autorretrato de 1493. Su mano derecha acaricia
levemente su bata, lo que nos devuelve a las representaciones de Cristo, donde tenia una postura
semejante, tocando el pecho.
La luz que representa el autor en el cuadro es muy pobre, proviene del lado izquierdo del cuadro y es el
único foco que alumbra la escena.
Los cuatro apóstoles
Es una obra realizada a modo de díptico, acabada en 1526, es una pintura al oleo sobre madera de tilo.
El autor después de haber viajado muchísimo por los países bajos, al volver a Nuremberg decidió realizar
este díptico como una obra monumental y una especie de testamento espiritual, pues estas figuras
representan su presencia espiritual, la encarnación, los pilares y las garantías de una fe y una moral
nuevas y del estado espiritual, universal y natural.

41. Durero encargó un marco muy elaborado para esta pintura y la regalo al municipio de la ciudad de
Nuremberg, constando la donación en un documento de 1526 que decía que espera que acepten esa
humilde obra que les ofrece, habiéndola escogido entre las pocas obras que le quedaban. Aunque
estaba pintada con mucho cuidado.
Es una obra realizada en la madurez del pintor, donde se observa la influencia veneciana que tuvo, por
sus viajes a esta ciudad, no dejando de ser una obra nórdica por la expresividad de los rostros y los
minuciosos detalles; por su intenso cromatismo y por la concepción estatuaria y escultórica de los
personajes. Contrasta las tonalidades cálidas e intensas como el rojo, el azul y el dorado; con las
tonalidades frías representadas por el blanco y el gris azulado.
Una vez más se inspira en su colega Giovanni Bellini, tomando como referencia modelos inmediatos del
pintor, para la iglesia de Frari en Venecia.
En uno de los dípticos se encuentran las figuras de San Juan y San Pedro, a los que se puede reconocer
por la llave, leen la Biblia en el propio evangelio de Juan. En el panel de la derecha aparecen San Marcos
y San Pablo, quienes portan un Bilbia en la mano.
Los personajes representarían el hombre, sus edades, los cuatro temperamentos clásicos.
Crucifixion
Es una obra realizada por Grunewald ente los annos de 1512 y 1516. Esta realizado al temple en oleoo,
sobre el panel de madera de tilo.
La Crucifixion es una escena representada en los dos paneles centrales del Retablo de Isemheim. La
representación refleja una dramática expresividad por parte de las figuras.
En el centro de la composición se encuentra la cruz, que ha sido tallada a partir de un árbol
groseramente, que soporta la figura principal, Jesucristo, quien está ligeramente descentrado con una
tonalidad que da la impresión que el cuerpo esta putrefacto con heridas purulentas y crispado. Se
muestra un hombre cuya posición y heridas están acabando poco a poco con su vida, fue retratado en
los últimos espasmos que precede a la muerte. Por esta razón se ve sus brazos contorsionándose de
manera impresionante, desarticulados. La cabeza se muestra inclinada debido a la falta de fuerza que
tiene para mantenerla hacia arriba, su boca parece haber exhalado su último suspiro.

42. A lado derecho de la cruz se encuentra a los pies de Jesucristo, Magdalena quien parece estar
implorando a Cristo. Viste un amplio manto color rosa, se retuerce de lamento y levanta sus manos
hacia la cruz.
A un costado derecho de la cruz vemos a María sostenida por San Juan, quien viste un velo y blanco
habito monacal. Con un rostro que por su palidez y agotamiento muestra una belleza diferente. Su
posición angustiada, por encontrar el cuerpo de su hijo crucificado. Se retuerce las manos hasta hacerse
daño.
San Juan es quien está mostrando apoyo a María, y dándole fuerzas, viste un manto rojo, su cabello es
dorado y parece un joven estudiante alemán.
A la derecha esta Juan Bautista y a sus pies el Cordero de Dios símbolo de aquel Jesús que él ha
bautizado.
Virgen de Stuppach
Es un cuadro del pintor alemán Matthias Grunewald. Realizado en la segunda mitad de los años 1510 en
temple, pintado sobre una madera resinosa de la mejor calidad, es decir es una obra de técnica mixta.
Es la parte central del retablo Ashaffenburger, considerada la obra maestra de Grunewald. Se desarrollo
al mismo tiempo que el retablo de Isemheim, por esta razón se puede observar que La Virgen tiene gran
similitud con la del retablo de Isemheim. Fue un encargo realizado por el canónigo Kaspar Schantz en el
año de 1514.
Se representa a María con el Nino siendo un cuadro de ideología religiosa, esta obra fue realizada como
una pintura devocional para la nueva capilla.
El Escarnio de Cristo
Es un cuadro del pintor Grunewald. Se realizo en año de 1503, es la obra mas antigua, cuya autoria no es
controvertida. Pintada al temple y oleoo sobre panel de madera.
Jesus de Nazaret es representado con una benda en los ojos, sentado. Sus brazos y las manos se
encuentran atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo, delante de
el, tira de la cuerda; otro detrás, alza el puno para pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo.

43. A la derecha se observa un personaje con un bastón sujetado por su mano izquierda y con la derecha
imita una cachetada como ademan. En el hombro de este verdugo se apoya otro hombre, mucho más
viejo con el que habla.
En el fondo de la pintura se observan tres hombres: Uno de ellos toca la flauta al tiempo que golpea el
tambor, otro, el más joven, parece estar al margen de todo lo que ocurre, aunque se ven atisbos de
alegría en él, el tercero, al que solo se le ve la cabeza, muestra una expresión de desconsuelo y lamento.
Este cuadro está repleto de sensaciones y expresiones por la misma representación que se realiza al
igual que su tema. Los verdugos casi parecen caricaturas, y expresan brutalidad y falta de piedad. Lleno
de dramatismo, el que en ese entonces era inédito.
La ninfa de la fuente
Es una obra realizada por Lucas Cranach, el viejo, conocido así porque su hijo, pintor igual que él, se
llamaba igual.
Se realizo entre los años de 1530 y 1534.
Optó por la mitología griega y por ende la sensualidad del desnudo femenino.
Esta tabla representa a la ninfa de la fuente Castalia, de cuya agua bebían filosofos y poetas, quien les
brindaba inspiración. Se muestra tumbada sobre un tupido césped, en una posición antinatural, con la
cabeza apoyada sobre el brazo derecho. Se encuentra levemente girada hacia el espectador, con su
pierna izquierda levantada para entrecruzarse con la derecha.
Detrás de la ninfa se halla un tronco de árbol, y destras de este podemos observar los diferentes planos
que usa el autor para dar un sentido de profundidad en la pintura, conseguidas con la perspectiva.
Se puede asimiliar esta ninfa, según el criterio de su postura, a la Venus de Giorgione de la
Gemaldegalerie De Dresde y a las de Tiziano por la cartela del angulo superior izquierdo, el texto de la
misma corresponde a un poema latino. El carcaj con flechas y el arco apoyados en el árbol se cree que
según las hipótesis realizadas pueden hacer referencia a Diana cazadora o bien a Cupido, quien
acompañaba a Venus.
Venus desnuda
Esta pintura tiene como protagonista a Venus, salida de la mitología griega.