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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 13 "ARTE DEL SIGLO XVIII (II)" NEOCLASICISMO

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NEOCLASICISMO

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 13 "ARTE DEL SIGLO XVIII (II)" NEOCLASICISMO

  1. 1.                                               FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  13.  ARTE  DEL  SIGLO  XVIII  (II):  EL   NEOCLASICISMO
  2. 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  13.  ARTE  DEL  SIGLO  XVIII  (II):  EL  NEOCLASICISMO     1.Introducción  al  arte  neoclásico.  2.  La  arquitectura  neoclásica.  3.  La  escultura  neoclásica.  4.  La  pintura  neoclásica.  5.   Mobiliario,  indumentaria  y  artes  decorativas  neoclásicas.     1.INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  NEOCLÁSICO       Denominamos  Neoclasicismo  al  movimiento  cultural  que  surgió  en  el  siglo  XVIII  y  se  extendió  también  a  lo  largo   del  siglo  XIX  por  toda  Europa  con  la  finalidad  de  hacer  frente  a  los  excesos  decorativos  del  Rococó.  Supuso  una   vuelta  a  los  ideales  estéticos  del  mundo  clásico  y  del  Renacimiento.     El  término  Neoclasicismo  surgió  en  pleno  siglo  XIX  con  carácter  peyorativo.   Ideológicamente,  va  vinculado  a  los  principios  intelectuales  de  la  Ilustración,  con  una  voluntad  de  progreso,  la   supremacía  de  la  razón  y  el  deseo  de  culturizar  a  la  sociedad  de  la  época.     Madame  Récamier,  David     En  el  campo  de  las  artes  el  Neoclasicismo  llevó  a  cabo  un  proceso  de   moralización,   rechazando   el   estilo   rococó   como   frívolo   y   decadente.   Apareció  ligado  a  una  pujante  burguesía,  aunque  muchos  aristócratas   no   son   ajenos   al   gusto   por   este   estilo,   y   de   hecho,   aristócratas   y   burgueses  fueron  sus  principales  mecenas,  coleccionistas  y  comitentes.       El   neoclasicismo   no   fue   un   movimiento   homogéneo   pero   hay   varias   notas  distintivas  muy  evidentes:   *La  reacción  frente  a  la  exuberancia  ornamental  barroca  y  rococó.   *El   interés   por   recuperar   la   antigüedad   clásica   como   modelo   o   paradigma  cultural  a  seguir.   *El  arte  se  convierte  en  un  instrumento  educativo  para  reflejar  las  virtudes  cívicas  dejando  de  lado  el  hedonismo   y  frivolidad  del  rococó.  El  sentido  didáctico  de  las  artes  propició  el  nacimiento  de  exposiciones  y  museos  que   mostraban  al  público  en  general,  y  no  sólo  a  un  grupo  de  eruditos,  las  diferentes  etapas  de  la  historia  del  arte.  En   París  se  abrieron  en  1750  algunas  salas  del  Palacio  de  Luxemburgo  para  que  se  pudieran  admirar  las  pinturas,   pero  fue  el  British  Museum  de  Londres  (1753)  el  primer  museo  que  se  creó  ex  profeso  para  tal  fin  dando  paso  a   instituciones  similares  en  toda  Europa.  Por  eso  no  es  extraño  que  relevantes  museos  europeos  surgidos  en  el   siglo  XVIII  o  inicios  del  XIX  sean  instituciones  ilustradas  y  arquitectónicamente  neoclásicas:  Museo  Británico  de   Londres,  Museo  del  Prado  de  Madrid,  museos  de  Berlín,  Múnich  (Los  Propileos,  la  Gliptoteca)  etc.   *El  lenguaje  formal  del  Neoclasicismo  es  severo  y  solemne.  Es  un  arte  normativo,  un  dogma  academicista,  frío  y   equilibrado.     La  pasión  por  las  ruinas  artísticas  se  refleja  en  la  pintura  neoclásica     Para  el  surgimiento  del  Neoclasicismo  fue  esencial  el  descubrimiento   en   1719   de   las   ruinas   de   Herculano   y   en   1748   de   Pompeya1  –-­‐   que   provocarían   un   cambio   de   gusto   evidente   hacia   la   valoración   de   formas   clásicas.   A   partir   de   entonces,   la   grandeza,   la   sencillez   y   la   severidad   se   convirtieron   en   premisas   fundamentales   de   cualquier   manifestación  artística  y  las  Academias  de  Bellas  Artes2 ,  que  se  habían   1  Fueron  dos  míticas  ciudades  de  la  antigua  civilización  romana  sepultadas  por  la  erupción  del  volcán  Vesubio  en  el  año  79  d  de  C   2  En   la   segunda   mitad   del   siglo   XVIII   se   establecieron   academias   de   bellas   artes   en   toda   Europa   que   daban   una   formación   clásica   a   sus   alumnos   y   les   concedían  becas  para  estudiar  en  Roma  el  arte  de  la  antigüedad.    
  3. 3. 3 3 extendido   desde   Francia   por   toda   Europa,   se   convirtieron   en   los   paladines   del   nuevo   estilo   y   detractores   furibundos   de   lo   anteriores.   Las   academias   establecieron   una   férrea   dictadura   artística   al   marcar   de   forma   normativa   el   ideal   estético   imperante   en   la   época.   Todo   artista   que   se   preciara   y   que   quisiera   triunfar   debía   acatar  sus  normas.  Así  fue  hasta  buena  parte  del  XIX.     Muchos  artistas  se  formaban  en  Italia  y  los  nobles  más  cultos  realizaban  el  “Grand  Tour”,  es  decir,  un  aventurero   viaje  por  Europa,  sobre  todo  por  el  país  transalpino  donde  disfrutaban  del  arte  de  la  Antigüedad.    Así  se  produjo   el  espectacular  desarrollo  del  coleccionismo  artístico,  del  que  se  nutrirán  muchos  museos  como  el  Británico  de   Londres,  mientras  surgía  la  Historia  del  Arte  como  rama  del  saber,  desarrollándose  además,  la  crítica  artística3 .         El   Neoclasicismo   impregnó   todas   las   Bellas   Artes   de   la   época   (pintura,   escultura,   arquitectura)   y   las   artes   decorativas  ya  que  fue  un  arte  total  o  gesamtkunstwerk.     2.  LA  ARQUITECTURA  NEOCLÁSICA   Museo  Británico,  Londres   El   Neoclasicismo   encontró   en   la   arquitectura   un   vehículo   para   transformar  la  sociedad  y  por  ello  proliferaron  construcciones  de   hospitales,   bibliotecas,   museos,   teatros,   observatorios   astronómicos,   etc.   Al   mismo   tiempo,   se   implementaron   criterios   urbanísticos  racionales  para  mejorar  las  comunicaciones,  dotando   a   las   ciudades   de   espacios   verdes,   mejorando   las   condiciones   higiénicas  etc.   Grecia,   más   que   Roma,   es   el   origen   del   Neoclasicismo,   pero   también  se  tenía  en  cuenta  a  Vitrubio  (arquitecto  y  tratadista  romano)  y  al  renacentista  Palladio.  Se  volverán  a   utilizar  los  órdenes  clásicos,  especialmente  el  orden  dórico  y  se  abandonan  las  columnas  salomónicas,  el  orden   gigante,  etc.   Se  toman  como  modelo  los  templos  clásicos,  incluso  para  edificios  que  no  son  de  carácter  religioso.  Así  lo  vemos   en  ejemplos  de  museos  de  toda  Europa:  en  Londres,  Berlín,  Madrid,  etc.   La   columna   recobra   su   antigua   importancia   y   vuelven   también   los   frontones,   los   cuales   se   decoran   con   esculturas  en  sus  tímpanos.     Predominan  los  edificios  monumentales,  las  líneas  rectas  y  las  formas  geométricas  sobrias.  Se  pretende  realizar   una  arquitectura  basada  en  la  razón.     3  Un  ejemplo  fue  la  obra  del  admirador  de  la  cultura  griega  y  detractor  del  rococó  francés,  Joachim  Winckelmann,  Historia  del  Arte  en  la  Antigüedad  (1764).  
  4. 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4 Por   lo   que   se   refiere   a   las   cubiertas,   abundan   las   cúpulas   y   en   cuanto   a   la   ornamentación,   es   sencilla   y   de   inspiración  clásica.     El  neoclasicismo  tuvo  su  epicentro  en  Francia.  Este  país,  por  obra  de  sus  literatos,  políticos  y  artistas,  atrae  la   atención  del  mundo.  Al  rococó  de  Luis  XV  sucede  el  estilo  Luis  XVI  cuya  decoración  está  compuesta  de  temas   clásicos  y  renacentistas  tratados  con  gran  sobriedad.   Con  el  ascenso  al  trono  imperial  de  Napoleón  Bonaparte  se  establecerá  el  Estilo  Imperio,  una  corriente  ecléctica   que  aúna  la  influencia  neoclásica  con  la  etrusca  y  egipcia  como  se  puede  observar  en  los  motivos  ornamentales   características   de   esta   tendencia   estética:   lotos,   esfinges   y   pirámides   egipcias,   elementos   pompeyanos   y   los   propios  de  su  imperio  (el  águila).   Ejemplos:  la  iglesia  de  la  Madeleine  en  París.  Se  trata  de  un  templo  corintio  y  octástilo,  ordenado  construir  por   Napoleón  como  homenaje  al  gran  ejército  francés  y  terminado  en  1842.  Desaparece  con  este  edificio  el  modelo   de   iglesia   creado   en   la   Edad   Media,   dotada   de   fachada   vertical   con   dos   torres.   Otro   relevante   ejemplo   es   el   Panteón  de  Hombres  ilustres  de  París  realizado  por  Jacques-­‐Germain  Soufflot  (mediados  del  XVIII).     En  Francia  también  encontramos  una  serie  de  arquitectos  llamados  utópicos,  revolucionarios  o  visionarios  que   plantearon  edificios  basados  en  las  formas  geométricas,  aunque  muchos  de  ellos  no  se  llegaron  a  realizar,  fue   básicamente  una  arquitectura  innovadora  “de  papel”  de  una  modernidad  pasmosa.  Son  Étiènne  Louis  Boullée  y   Claude-­‐Nicolas  Ledoux  principalmente.  No  despreciaron  la  herencia  del  pasado  clásico  y,  aunque  respetaron  las   normas  de  simetría  y  la  monumentalidad,  sus  edificios  son  a  veces  el  resultado  de  la  combinación  caprichosa  de   las   formas   geométricas.   Entre   la   gran   cantidad   de   proyectos   no   construidos   merece   la   pena   mencionar   el   Cenotafio  de  Newton  concebido  por  Boullée  como  una  esfera,  representación  del  modelo  ideal,  levantada  sobre   una  base  circular  que  había  de  cobijar  el  sarcófago  del  científico.                                   En  Inglaterra  el  estilo  neoclásico  se  basa  mucho  en  el  arquitecto  italiano  manierista  Andrea  Palladio,  de  hecho  se   le   llama   también   estilo   neopalladiano.   Curiosamente   en   ocasiones   el   diseño   es   clásico   pero   los   motivos   ornamentales  son  barrocos.  Y  en  Edimburgo  (Escocia)  es  tal  su  desarrollo  que  a  esta  ciudad  se  la  ha  denominado   como  la  “Atenas  del  Norte”.     Los  hermanos  Robert  y  James  ADAM  son  los  principales  propagandistas  del  neoclasicismo  en  Gran  Bretaña,  no   sólo  resucitando  los  temas  decorativos  de  la  Antigüedad,  sino  creando  tipos  arquitectónicos  de  gran  sencillez.   También  John  SOANE  es  autor  de  numerosos  proyectos  de  edificios  como  casas  de  campo  neoclásicas.  Su  obra   principal  es  el  Banco  de  Inglaterra  de  Londres  donde  emplea  majestuosamente  el  orden  corintio  en  una  planta   semicircular,  a  semejanza  de  los  templos  romanos  redondos.       Solicitados  por  los  príncipes  alemanes,  numerosos  artistas  extranjeros  neoclásicos  fueron  a  trabajar  a  Alemania.     El  arquitecto  del  neoclasicismo  alemán  más  destacado  fue  K.F.  SCHINKEL  quien  soñó  en  el  siglo  XIX  con  diseñar   Berlin  como  la  Atenas  de  la  antigüedad.  Entre  todas  sus  obras  destaca  el  Teatro  Real  de  Berlin.    Precisamente  en   la   capital   alemana   se   encuentra   la   puerta   de   Brandemburgo,   relevante   monumento   neoclásico   y   símbolo   de  
  5. 5. 5 5 Alemania.   Múnich   también   es   una   ciudad   con   numerosos   ejemplos   de   arte   neoclásico,   comenzando   por   su   urbanismo,  con  enormes  perspectivas  rectas  y  edificios  públicos  agrupados  en  plazas  rectangulares.  Abundan  en   ella  puertas  y  arcos  de  triunfo.  Descuella  especialmente  la  neoclásica  plaza  real  con  los  Propileos,  la  Gliptoteca  y   el   Museo   de     las   Colecciones   Antiguas.   Múnich   se   convirtió   en   la   ciudad   más   peculiarmente   neoclásica   de   Alemania.           Fuente  de  la  imagen  y  texto:  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html     La   emancipación   de   los   Estados   Unidos   coincidió   con   el   auge   del   neoclasicismo.   En   la   capital,   Washington,   surgida  en  el  siglo  XVIII,  el  oclasicismo  arquitectónico  de  corte  palladiano  fue  un  símbolo  de  la  unión  de  Estados   Unidos  tras  su  independencia  de  Inglaterra  en  1776.    Se  fundaron  ciudades  conforme  al  plano  en  damero,  que   por  su  carácter  lógico  se  adaptaba  a  la  perfección  a  la  mentalidad  pragmática  norteamericana.  Pero  en  el  plano   de  Washington,  diseñado  por  un  ingeniero  francés,  se  añadió  el  trazado  radial  a  la  manera  de  Roma  y  Londres.     Si  en  Europa  los  símbolos  de  las  ciudades  históricas  son  las  catedrales,  dos  edificios  políticos  señalan  el  perfil  de   Washington:  la  Casa  Blanca  (residencia  del  presidente  de  la  nación)  y  el  Capitolio  (el  Senado).     El  neopalladianismo  perduró  en  Estados  Unidos  durante  buena  parte  del  siglo  XIX.                                             En  España  el  arte  neoclásico  tuvo  que  vencer  a  un  barroco  muy  enraizado  y  por  eso  las  mejores  muestras  del   nuevo   arte   no   se   darían   hasta   el   último   cuarto   de   siglo   XVIII.   Fue   el   rey   ilustrado   Carlos   III   quien   mandó   al   arquitecto  italiano  Sabatini   construir  la  Puerta  de  Alcalá  en  1778.  Este  estilo  siguió  vigente  durante  la  primera   mitad  del  siglo  XIX  conviviendo  con  los  edificios  neogóticos,  todo  ello  englobado  en  la  arquitectura  historicista.     Entre  los  principales  ejemplos  de  la  arquitectura  neoclásica  destacamos  como  principal  arquitecto  al  gran  Juan   de   VILLANUEVA,   el   autor,   entre   otras   muchas   obras   del   Museo   del   Prado   de   Madrid   y   de   las   Casitas   de   los   Príncipes  de  San  Lorenzo  de  El  Escorial.  También  fue  uno  de  los  máximos  exponentes  de  este  estilo,    VENTURA  
  6. 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 RODRÍGUEZ,  autor,  entre  otras,  del  Palacio  de  Liria  de  Madrid.  Bibliotecas,  arcos  de  triunfo,  panteones,  e  incluso   fachadas  de  catedrales  como  la  de  Las  Palmas  de  Gran  Canaria  se  realizan  en  estilo  neoclásico.     Al  igual  que  en  España,  el  neoclasicismo  en  Hispanoamérica  también  estuvo  dirigido  por  las  Academias  y  cuentan   con  representativos  ejemplos  en  Chile,  México,  Colombia…     3.  LA  ESCULTURA  NEOCLÁSICA       Lo  mismo  que  en  arquitectura,  los  modelos  de  la  escultura  neoclásica  se  encuentran  en  Grecia,  más  incluso  que   en   Roma.   Los   escultores   de   este   estilo   consideraban   que   escultura   griega   era   insuperable   y   se   afanaban   en   copiarla  hasta  la  extenuación,  por  eso,  lo  que  encontramos  es  fundamentalmente  imitación  de  la  antigüedad:       *Preferencia   por   temas   mitológicos   y   de   “moral”   cívica   virtuosa   (patriotismo,   generosidad,   etc.).   Decae   la   temática  religiosa.   *Materiales:  predominan  el  mármol  y  bronce,  sin  policromar.   *Buscan  la  armonía  y  la  belleza  idealizada  (mímesis),  en  anatomías  perfectas  de  canon  griego.  Domina  el  ethos   sobre  el  pathos.  Abunda  el  desnudo  pero  evitando  el  erotismo.  Las  figuras  tienden  a  ser  frías  e  inexpresivas,   desprovistas  de  pasiones  y  sentimientos,  es  el  “erotismo  refrigerado”  propio  del  escultor  Canova.     *Abundan  los  retratos  (de  héroes,  personajes  ilustres,  etc.),  las  esculturas  yacentes  y  los  sepulcros  (esculturas   funerarias).  También  las  estatuas  ecuestres,  como  la  de  Carlos  III  en  Nápoles:  fue  una  forma  de  rendir  tributo  de   agradecimiento  al  rey  que  introdujo  en  este  reino  el  espíritu  de  la  Ilustración.     *Entre  los  escultores  neoclásicos  descuellan  el  italiano  Antonio  CANOVA  y  el  danés  Bertel  THORVALDSEN.     El  mejor  escultor  del  Neoclasicismo  fue  el  veneciano  Antonio  CANOVA  (1757-­‐1822).  Dotado  de  un  gran  talento,   dominaba  absolutamente  la  técnica  escultórica.  Tomó  como  modelo  las  obras  griegas  conservadas  en  Italia  y   solo   tardíamente   pudo   contemplar   los   mármoles   griegos,   las   esculturas   del   Partenón   que   instaló   en   Londres   Lord  Elgin.  Entonces  cayó  en  la  cuenta  de  su  gran  error:  Grecia  surgía  ante  su  vista  como  una  realidad  llena  de   vida  y  rica  policromía.  Gozó  en  vida  de  muchísima  fama  y  todos  los  grandes  de  la  época  le  estimaron:  papas,   reyes,  políticos,  intelectuales.  Fue  bastante  modesto  y  no  abusó  de  su  celebridad,  tampoco  conoció  el  rencor.  A   pesar  de  vivir  en  una  época  convulsa  (guerras,  miserias...)  no  reflejó  en  su  producción  escultórica  la  realidad  de   su  tiempo.               Tres  obras  maestras  de  Canova:  Eros  y  Psyque.  En  esta  obra  se  muestra  el  momento  en  que  Eros  revive  a  Psyche  con  un  beso,  después  de   que  ella  hubiera  tomado  una  pócima  que  la  había  arrojado  al  sueño  eterno;  Paulina  Bonaparte;  Las  tres  Gracias.     Sus  personajes  son  siempre  jóvenes  y  bellos.  Trabajó  el  mármol  sin  policromía  por  eso  resultan  algunas  de  sus   obras  nos  pueden  parecer  algo  frías.  Admiraba  a  Napoleón,  en  el  que  descubrió  a  un  nuevo  Alejandro  Magno.  
  7. 7. 7 7 Los   temas   que   abundan   en   su   producción   son   los   mitológicos   como   las   impresionantes   esculturas   de   Eros   y   Psique   y   las   Tres   Gracias   (de   las   que   hizo   varias   versiones),   etc.   Entre   sus   retratos   sobresale   el   de   Paulina   Bonaparte,  hermana  de  Napoleón,  a  la  que  representa  como  Venus  Victoriosa,  medio  desnuda,  tendida  sobre  una   chaise  longue  de  estilo  Imperio  con  una  manzana  en  la  mano  –recordando  la  victoria  de  Afrodita  en  el  Juicio  de   Paris-­‐.  Fue  un  encargo  de  su  marido,  un  Borghese,  a  Canova.  Ella  insistió  en  ser  representada  como  la  diosa  de  la   belleza.     De   Napoleón   realizó   una   estatua   que   se   conserva   en   el   Museo   Brera   de   Milán,   en   la   que   aparece   desnudo   y   heroizado,  enarbolando  el  centro  en  una  mano  y  una  victoria  en  la  otra.  También  retrató  a  George  Washington.   Como  Miguel  Ángel  o  Bernini,  sus  principales  comitentes  fueron  los  papas,  realizando  las  tumbas  monumentales   de  varios  de  ellos  (Clemente  XIII  y  Clemente  XIV),  imponiendo  un  nuevo  modelo  de  sepultura  majestuosa.     El   danés   BERTEL   THORVALDSEN   (1770-­‐1844)   es   el   otro   genio   del   neoclasicismo   escultórico,   rival   de   Canova.   Nacido   en   Copenhague,   su   principal   maestro   fue   el   pintor   Carstens   que   le   inculcó   el   amor     por   la   estatuaria   helénica.   Realizó   el   “Grand   Tour”   por   Italia,   viviendo   en   Roma,   Palermo,   Nápoles   y   también   en   Malta.   Le   interesaba  además  de  la  estatuaria  griega  y  romana,  las  piezas  etruscas  de  cerámica.  Restauró  los  mármoles  de   Egina.  Su  obra  es  muy  copiosa,  la  mayor  parte  la  esculpió  en  Italia  donde  vivió  treinta  y  nueva  años.  Buena  parte   de  su  producción  escultórica  se  conserva  en  el  museo  que  lleva  su  nombre  en  Copenhague.  Entre  sus  esculturas   más  célebres  destacan  Jasón  –inspirado  en  el  Doríforo  de  Policleto-­‐;  Ganimedes  y  el  águila,  tema  de  la  escultura   griega  del  siglo  IV  que  interpreta  con  bastante  libertad  y  su  célebre  Jesucristo,  de  la  iglesia  de  Nuestra  Señora  de   Copenhague,  lleno  de  serenidad  y  clasicismo.  Tuvo  una  gran  fama  en  su  época.                       Thorvaldsen   o   el   neoclasicismo   en   estado   puro:   Jason   y   el   Vellocino   de   oro;   Ganimedes   y   el   águila;   Perseo;   Museo   Thorvaldsen   en   Copenhague,  Dinamarca     4.  LA  PINTURA  NEOCLÁSICA     Es  Francia  el  país  que  marca  la  pauta  en  el  neoclasicismo  pictórico  y  contará  con  extraordinarios  pintores  ligados   a  este  estilo  como  Jacques-­‐Louis  DAVID  o  INGRES.   La  pintura  neoclásica  se  caracteriza  por:     *   Viene   marcada   por   las   directrices   fijadas   por   las   Academias   de   Bellas   Artes   que   imponían   un   arte   normativo,  basado  en  la  antigüedad  clásica,  y  la  búsqueda  de  la  belleza,  armonía  y  proporción.       *Estudian  el  desnudo  y  la  anatomía  humana  obsesivamente.  De  hecho  un  dibujo  de  un  desnudo  humano   se  denomina  “academia”.    
  8. 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8   *El  ideal  del  pintor  era  el  dibujo  inspirado  en  la  escultura  grecorromana4 .  A  este  arte  se  aplicaba  luego   color,  pero  en  lo  fundamental,  los  pintores  neoclásicos  fueron  extraordinarios  dibujantes.  En  definitiva,  es  una   pintura  en  la  que  prima  el   dibujo  sobre  el  color.  Para  Ingres,  el  dibujo  eran  tres  cuartas  partes  y  media  de  la   pintura.       *Las  composiciones  son  equilibradas,  serenas  y  simétricas.  Se  abandona  el  tenebrismo,  la  luz  es  suave  y   tamizada.     *El  neoclasicismo  impone  la  vuelta  a  los  temas  clásicos,  históricos  (Roma)  y  mitológicos.  En  ocasiones  los   pintores  se  dejan  arrastrar  por  el  sentimentalismo  y  el  deseo  de  pintar  temas  moralizantes  de  valores  cívicos   (patriotismo,   heroísmo,   etc.)   Es   pues,   una   pintura   en   la   antítesis   del   arte   rococó.   No   faltan   referencias   al   orientalismo  (tocados,  odaliscas,  etc.).     *Abundan  los  retratos  idealizados,  tanto  masculinos  como  femeninos  en  ambientaciones  estilo  Imperio   (mobiliario,  indumentaria).     *Se  fomenta  la  formación  artística  en  Italia  mediante  “pensiones”  y  galardones  como  el  Gran  Premio  de   Roma.  Surge  la  institución  pública  del  “Salón”  donde  los  artistas  exponían  sus  obras  en  París,  después  de  contar   con  la  aprobación  de  un  exigente  jurado.     *La  pintura  propiamente  neoclásica  arranca  de  la  Revolución  Francesa  y  tiene  en  el  historiador  del  arte   alemán  Winckelmann  (1717-­‐1768)  a  su  principal  teórico.       La  pintura  neoclásica  en  Francia     Las   características   generales   de   la   pintura   neoclásica   se   condensan   en   la   obra   del   extraordinario   pintor   Jacques-­‐Louis  DAVID  (1748-­‐1825).  Recordemos  que  las  doctrinas  de  Winckelmann  hallaron  eco  en  este  artista,   verdadero   promotor   del   neoclasicismo   en   Francia.   Pero   la   vuelta   al   clasicismo   de   la   pintura   ofrecía   el   inconveniente  de  la  falta  de  modelos  grecorromanos.  Por  eso  se  inspiró  en  los  relieves,  de  los  cuales  toma  la   simetría,  la  falta  de  profundidad  y  la  ordenación  de  las  figuras  en  filas  paralelas.     Buscaba  el  heroísmo  de  las  historias  legendarias  de  la  antigüedad,  como  encontramos  en  el  Juramento  de  los   Horacios,  una  de  sus  obras  más  paradigmáticas.  En  ella  quiere  resaltar  el  protagonismo  heroico  y  el  patriotismo  – virtudes   cívicas   adoradas   por   los   neoclásicos-­‐   de   tres   hermanos   que   se   entregaron   sin   reservas   a   la   patria,   muriendo  dos  de  ellos  en  combate.  También  quiere  poner  en  valor  la  ternura  y  abnegación  de  las  mujeres.  Los   cuerpos  aparecen  bien  modelados,  tratados  como  esculturas.  Esta  pintura,  pintada  en  Roma,  fue  un  encargo  de   la  monarquía  1784.     Paulatinamente,   la   pintura   de   David   se   hizo   más   política   y   revolucionaria   presentando   sus   cuadros   una   clara   intencionalidad  política  y  propagandística  de  Napoleón  Bonaparte  al  que  no  duda  en  representar  de  una  forma   idealizada,  ya  claramente  romántica,  en  el  impresionante  retrato  del  general  corso  a  caballo  cruzando  los  Alpes   (1801).  Bonaparte  le  correspondió  concediéndole  la  dirección  de  las  artes  bajo  su  gobierno,  por  eso  a  la  caída  de   Napoleón,  David  tuvo  que  exiliarse  a  Bruselas.   Impresionante  es  también,  La  muerte  de  Marat,  donde  retrata  al  político  jacobino  como  un  cristo  pagano,  mártir   de  la  revolución.  Aquí  la  emoción  domina  la  escena  y  no  la  contención,  característica  del  espíritu  clásico.   Por   lo   demás,   entre   sus   mejores   obras   descuellan   los   retratos   como   el   que   hizo   a   la   bella   Madame   Récamier   (1800),   cuya   silueta   se   recorta   sobre   un   diván   de   estilo   Imperio.   Este   cuadro   es   epítome   del   neoclasicismo   pictórico  elegante  y  refinado.   En  conclusión,  David  fue  un  genio  de  la  pintura  neoclásica  pero  en  buena  parte  de  su  obra  ya  es  palpable  el   espíritu   del   romanticismo   que   triunfará   en   el   siglo   XIX.   Y   es   que   el   romanticismo   será   la   otra   cara   del   neoclasicismo.   4  La  vuelta  al  clasicismo  en  la  pintura  ofrecía  el  inconveniente  de  que  apenas  eran  conocidas  obras  de  pintura  de    la  antigüedad,  que  tardaron  en  ser   estudiadas  y  divulgadas.  
  9. 9. 9 9                     El   pintor   francés   Jean   Auguste   Dominique   INGRES   (1780-­‐1867),   como   Jacques-­‐Louis   DAVID,   es   plenamente   neoclásico   pero   en   sus   obras   anticipa   el   romanticismo.   Sentía   adoración   por   la   obra   del   renacentista   italiano   RAFAEL,  cuya  pintura  La  Fornarina,  fue  su  fuente  de  inspiración  para  la  célebre  La  gran  odalisca.  Le  fascinaba  el   estudio  de  la  anatomía  humana,  especialmente  la  femenina,  en  ambientes  exóticos  y  orientales,  rasgo  ya  muy   del  romanticismo.  Su  dibujo  era  tan  perfecto  que  dibujar  “a  lo  Ingres”  quedó  como  una  frase  hecha,  sinónimo  de   perfección  técnica.                                                                         Su  pintura  La  Fuente  muestra  un  desnudo  femenino  que  nos  remite  al  arte  griego.  Trata  la  anatomía  como  si   fuera  una  escultura  de  mármol,  utilizando  una  luz  suave  y  tamizada  que  modela  la  figura.   Realizó  también  impresionantes  retratos  y  su  trascendencia  en  la  historia  del  arte  ha  sido  profunda,  incluso  en  el   arte  de  vanguardia,  del  cubismo  al  Art  Déco.   Otros  pintores  neoclásicos  franceses  fueron  François  Gérard,  Antoine-­‐Jean  Gros,  etc.     La  pintura  neoclásica  en  España  
  10. 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10   En   España   el   pintor   bohemio   Antón   Rafael   MENGS   (1728-­‐1779),   fue   el   auténtico   dictador   artístico   del   Neoclasicismo  en  España,  ya  que  su  valoración  podía  significar  el  éxito  o  el  fracaso  de  un  artista.  Su  huella  en  el   panorama  artístico  español  fue  profunda.  Su  técnica  minuciosa  y  perfeccionista  fue  el  referente  para  toda  una   generación   de   pintores,   entre   los   que   se   encuentran   BAYEU   y   su   yerno,   Francisco   de   GOYA,   al   que   ayudó   a   conseguir   un   primer   empleo   en   la   corte.   Goya   también   presenta   algunas   de   sus   obras   bajo   el   influjo   del   neoclasicismo,  en  los  que  se  hace  patente  la  influencia  de  los  retratistas  ingleses.  Este  autor  se  estudia  en  detalle   en  Fundamentos  del  Arte  II.                                                                                                            Goya  neoclásico:  retrato  de  la  Condesa  de  Chinchón;  la  marquesa  de  Santa  Cruz.     La  pintura  neoclásica  en  Gran  Bretaña     En  la  época  neoclásica  es  cuando  propiamente  se  constituye  la  escuela  pictórica  inglesa.  Se  caracteriza  por  su   amor  apasionado  hacia  la  naturaleza  y  el  dominio  del  tema  del  retrato,  logrado  con  captación  psicológica  y  gran   elegancia.     La  generación  de  1725  constituye  la  espina  dorsal  de  la  pintura  inglesa  del  siglo  XVIII.  A  ella  pertenecen  sir  Joshua   REYNOLDS  (1723-­‐1792),  el  pintor  que  más  ha  influido  en  el  rumbo  de  la  pintura  británica.  Era  un  apasionado  de  la   pintura  italiana  –realizó  el  Grand  Tour-­‐  y  la  española,  en  especial  de  Murillo.  Miguel  Ángel,  la  pintura  veneciana  del   renacimiento,  Rubens  y  Rembrandt  se  cuentan  entre  sus  influencias.   Tuvo  en  Londres  un  magnífico  taller,  con  galería  de  exposición  abierta  para  el  público.  Era  el  prototipo  del  artista   erudito.  Fundó  con  otros  pintores  la  Real  Academia  de  Artes  en  1768  y  fue  su  primer  presidente,  logrando  hacer   de  esta  institución  el  referente  del  arte  inglés.     Reynolds  innovó  en  el  arte  del  retrato,  de  técnica  depurada  y  armonía  cromática  y  tono  amable.  Valiéndose  del   retrato,   pintó   paisajes   y   temas   mitológicos.   Son   imágenes   idealizadas   en   los   que   evita   la   imperfección   o   la   fealdad.  Entre  sus  obras  destacan  los  retratos  de  Coussmaker,    Lord  Heatfield,  Lady  Bamfylde,  el  Doctor  Johnson  y   los  retratos  de  niños  Miss  Bowles,  los  Brummel,  el  niño  Hare,  etc.   Su  principal  rival  fue  otro  gran  pintor,  Thomas  GAINSBOROUGH  (1727-­‐1788).  
  11. 11. 11 11                                                           Thomas  LAWRENCE  (1769-­‐1830)  fue  el  sucesor  de  Reynolds,  ya  que  fue  miembro  de  la  Real  Academia  de  Artes  y   director  de  esta  institución  desde  1820  hasta  su  muerte  en  1830.  Fue  un  retratista  muy  cotizado  y  uno  de  los   principales  pintores  del  monarca  Jorge  III.  Su  pintura  oscila  entre  el  neoclasicismo  y  el  romanticismo.  Entre  sus   maravillosos  retratos  descuellan  el  de  Elisabeth  Farren  y  el  de  Arthur  Atherle.     Un   fondo   romántico   se   descubre   asimismo   en   George   ROMNEY   (1734-­‐1802),   reflejado   incluso   en   la   vida   del   artista.   Se   negó   a   pertenecer   a   la   Real   Academia   de   Artes   pero   si   ingresó   en   la   Royal   Society   of   Arts   que   aglutinaba  no  solo  a  pintores  sino  también  políticos  como  Benjamin  Franklin  o  escritores  como  Charles  Dickens.   Fue  un  excelente  y  muy  célebre  retratista.     Retrató   en   numerosas   ocasiones   a   su   musa   Lady   Hamilton,   la   amante   del   vicealmirante   de   la   Marina   Real   Británica,  Lord  Horacio  Nelson,  de  la  que  estaba  apasionadamente  enamorado.  La  representó  de  muy  diversas   maneras   de   acuerdo   con   el   gusto   dieciochesco   por   el   disfraz.   En   total   la   pintó   en   más   de   60   arrebatadores   retratos   en   diferentes   poses,   como   ella   misma   o   interpretada   en   clave   mitológica   o   de   personaje   de   la   Antigüedad  clásica.       EMMA  HAMILTON  (1765-­‐1815)  fue  toda  una  celebridad  en  su  época.     Tuvo  una  vida  de  novela  o  folletín  romántico.  Nació  en  el  seno  de  una  familia  humilde.  Su  verdadero  nombre  era   Emma  Lyon.  Con  15  años  se  quedó  embarazada  de  un  aristócrata.  Pasó  de  amante  en  amante  en  Londres  y  en   Nápoles  se  casó  con  el  embajador  inglés,  William  Hamilton,  del  que  tomó  el  apellido.      
  12. 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12                                                                                           En  la  imagen,  la  novela  El  amante  del  volcán  de  Susan  Sontag;  Nelson  pintado  por  Lemuel  Francis  Abbott  ya  manco  de  su  brazo  derecho  al   ser  herido  por  las  tropas  canarias  en  su  ataque  a  Santa  Cruz  de  Tenerife  (1797);  cartel  de  la  película  Lady  Hamilton  del  director  Alexander   Korda  (1941).     En  Italia,  Emma  Hamilton  se  convirtió  en  una  excelente  anfitriona  de  divertidas  veladas  artísticas  que  ella  llamaba   attitudes:  eran  juegos  o  fiestas  de  disfraces  en  los  que  los  asistentes  debían  adivinar  quién  se  escondía  tras  el   disfraz.  Fueron  todo  un  éxito  entre  artistas,  aristócratas  y  diplomáticos.  A  ella  acudieron  personajes  relevantes   de   todo   tipo,   entre   ellos   la   pintora   Marie-­‐Louise-­‐Élisabeth   Vigée-­‐Lebrun,   el   escultor   Bertel   Thorvaldsen   o   el   escritor   alemán   Goethe.   Estas   fiestas   propiciaron   el   surgimiento   de   la   moda   neoclásica.   De   hecho,   la   moda   femenina   del   llamado   Estilo   Imperio,   es   muy   deudora   de   los   modelos   inspirados   en   la   indumentaria   grecorromana  que  Emma  Hamilton  desarrollaba  en  sus  fiestas  napolitanas  y  londinenses.     Como  curiosidad,  podemos  mencionar  que  uno  de  los  amantes  más  famosos  de  Emma  Hamilton  fue  el  almirante   Horacio  Nelson,  con  el  que  vivió  una  relación  muy  abierta  que  prácticamente  consistió  en  un  ménage  à  trois  entre   ambos  amantes  y  sir  William  Hamilton,  para  escándalo  de  la  sociedad  de  la  época.5  En  la  espléndida  novela  de   Susan  Sontag,  El  amante  del  volcán  (2008)  se  da  buena  cuenta  de  esta  historia.   Los  últimos  días  de  la  vida  de  Emma  Hamilton  fueron  muy  desgraciados,  ya  que  en  un  breve  lapso  de  tiempo  -­‐dos   años-­‐  murieron  su  marido,  una  hija  engendrada  por  Nelson  y  el  propio  almirante.  Acuciada  por  las  deudas,  pasó   incluso  un  año  en  prisión  y  se  estableció  en  Francia  huyendo  de  sus  acreedores,  donde  murió  alcoholizada,  en   Calais.     5.  MOBILIARIO,  INDUMENTARIA  Y  ARTES  DECORATIVAS  NEOCLÁSICAS     Mobiliario.  El  ESTILO  LUIS  XVI     Del  mismo  modo  que  el  rococó  va  ligado  al  rey  Luis  XV,  el  neoclasicismo  aparece  vinculado   al  monarca  Luis  XVI  (reinado  1774-­‐1789).  Cronológicamente  se  desarrolla  entre  1775-­‐1800.     El   estilo   Luis   XVI   es   una   de   las   etapas   de   mayor   perfección   técnica   en   la   historia   del   mobiliario  europeo.     En  Gran  Bretaña  su  equivalente  será  el  neoclasicismo  de  Robert  y  James  Adam  (arquitectos   y  diseñadores  de  muebles  de  origen  escocés).     La  decoración  de  interiores  y  el  mobiliario  Luis  XVI  implica  un  retorno  a  la  sobriedad  y  la   formulación   de   unos   conceptos   ornamentales   “a   la   griega”.   Valoran   asimismo   la   comodidad,  la  belleza  y  la  elegancia  de  los  diseños.   5  Por  cierto,  Nelson    fue  herido  en  Tenerife  –se  quedó  manco-­‐  luchando  en  la  guerra  angloespañola  que  enfrentaba  entre  1796-­‐1802  a  las  tropas  españoles   comandadas  por  Antonio  Gutiérrez  de  Otero  frente  a  las  británicas  de  Nelson  que  pretendía  hacerse  con  el  poder  de  las  islas  Canarias.  
  13. 13. 13 13 Predomina  un  gusto  por  la  sencillez  y  las  formas  depuradas  que  devuelve  a  la  línea  recta  su  papel  dominante,   restringen   el   uso   de   la   curva   –aunque   no   la   eliminan-­‐   y   restablecen   el   dominio   de   la   simetría.   Las   formas   geométricas  predominan  en  el  diseño  del  mobiliario  Luis  XVI:  óvalos,  rectángulos,  cuadrados..   La  influencia  de  Inglaterra,  ahora  ya  gran  potencia  en  la  construcción  de  muebles,  difundió  en  Francia  el  uso  de  la   madera  de  caoba.     En  cuanto  a  los  motivos  ornamentales,  abundan  los  de  inspiración  griega  (grecas,  meandros,  esvásticas,  etc.)    y   romana   (grutescos,   decoración   a   candelieri,   esfinges,   motivos   geométricos,   guirnaldas...)   Los   muebles   solían   aparecer  adornados  con  aplicaciones  decorativas  de  bronces  dorados.     Entre  los  ebanistas  descuellan  Riesener,  Martin  Carlin,  Georges  Jacob,  etc.   En  cuanto  a  la  policromía,  predominan  los  tonos  blancos,  grises,  dorados,  plateados,  etc.                                               Dos  ejemplos  de  decoración  de  interiores  Luis  XVI:  la  habitación  de  la  reina  María  Antonieta  en  el  palacio  de  Fontainebleau  (Francia)  con   grutescos  y  decoración  a  candelieri,  con  mesa  diseño  de  Riesener  y  sillones  de  Georges  Jacob;  Detalle  del  Petit  Trianon  de  Versalles  donde   aparecen  guirnaldas  y  grutescos  sobre  fondo  blanco.  Fuente  de  las  imágenes:  Blog  de  Pablo  Pena  http://historiadelmueble.blogspot.com.     El  mueble  Luis  XVI  se  parece  mucho  al  mueble  Luis  XV  pero  ya  no  con  las  patas  en  cabriole  (forma  de  S)  sino  de   forma  recta  y  acanalada  (con  estrías).                                                                                                                                                                              Fuente  de  las  imágenes:  Blog  de  Pablo  Pena  http://historiadelmueble.blogspot.com.     La  tapicería  sigue  desempeñando  un  papel  de  primer  orden,  predominando  la  seda,  el  terciopelo  y  los  damascos.    
  14. 14. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       14 El  mueble  favorito  es  la  Chaise  Longue,  asiento  amplio,  con  respaldo  a  un  lado,  que  le  da  aspecto  de  cama.  Está   inspirado   en   el   clasicismo,   ya   que   en   Grecia   y   Roma   era   la   forma   habitual   de   sentarse   en   los   banquetes,   recostándose  de  lado.   Otro   mueble   muy   usado   esa   el   espejo   de   doble   cara,   de   forma   ovalada   o   rectangular   denominado   Psyqué,   Aparece  montado  sobre  soporte,  con  armazón  de  bronce  dorado,  madera  pintada  o  dorada.  Existía  también  en   versión  portátil,  mucho  más  pequeño.   Los  muebles  de  asiento  más  destacados  seguirán    siendo  el  sillón  o  fauteuil  (con  las  patas  rectilíneas,  el  frontal   del  asiento  curvo  y  el  respaldo  de  forma  oval).6     Se  siguieron  construyendo  cómodas  pero  ya  sin  la  característica  rocalla  del  rococó,  sino  de  formas  más  sencillas  y   elegantes.  Muy  característicos  de  esta  etapa  son  los  escritorios  o    secretaires  de  cilindro,  también  llamados  de   persiana,  aunque  el  escritorio  femenino  por  excelencia  será  el  bonheur  du  jour.                                                                                                                                              Fuente   de   las   imágenes:   J.V.   Patiño   http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐ del.html     El  Estilo  Directorio  y  el  Estilo  Imperio     El   estilo   Directorio   y   el   estilo   Imperio   derivan   del   neoclasicismo  y  del  estilo  Luis  XVI.  Los  dos  primeros   son   prácticamente   sinónimos   dadas   las   escasas   diferencias   entre   ellos.   El   equivalente   en   el   caso   español  sería  “estilo  fernandino”,  relativo  al  reinado   de  Fernando  VII  y  en  Inglaterra  “estilo  Regencia”.   El  Estilo  DIRECTORIO  se  extiende  desde  los  inicios  de   la   Revolución   Francesa   con   la   Toma   de   la   Bastilla   (1789)  hasta  el  fin  del  Consulado  (1804),  y  es  un  estilo   de   transición   hacia   el   Estilo   Imperio.   A   los   motivos   ornamentales   característicos   del   estilo   Luis   XVI   (de   inspiración   griega   y   romana)   se   le   añaden,   con   un   cierto   eclecticismo,   ornamentaciones   de   inspiración   egipcia   (tras   la   campaña   napoleónica   que   desató   la   egiptomanía)  y  los  relativos  al  Sansculottismo7  de  la   6  Hay  una  versión  más  cómoda,  que  imita  las  formas  del  fauteuil  y  se  llama  bergère.   7  Los  sansculottes  eran  el  ala  extrema  de  los  jacobinos.  Se  denomina  Sansculottismo  a  la  moda  patriótica  y  revolucionaria  que  se  extendió  como  la  pólvora   en  tiempos  de  la  Revolución  Francesa  y  que  abarcaba  la  indumentaria,  la  música,  la  forma  de  hablar,  el  humor,  la  decoración...  por  oposición  a  los  realistas   (partidarios  de  la  monarquía  y  antirrevolucionarios).  
  15. 15. 15 15 Revolución  Francesa  (gorros  frigios,  etc.)  o  a  Napoleón.  También  se  incorporaron  emblemas,  trofeos  militares...     El  Estilo  IMPERIO  se  desarrolla  en  Francia  como  evolución  del  Estilo  Directorio  y  coincide  con  la  ascensión  de   Napoleón  al  trono  imperial  (1804-­‐1814).  Implantó  un  estilo  oficial  clasicista,  solemne  y    fastuoso.   Los  muebles  del  estilo  Imperio  son  de  formas  sólidas  y  simétricas.  No  son  muebles  cómodos  ni  lo  pretenden.   Privilegian  los  valores  simbólicos  y  propagandísticos,  a  mayor  gloria  del  emperador.   Entre   los   motivos   ornamentales   más   arquetípicos   de   este   estilo   descuellan   las   composiciones   de   inspiración   ecléctica  (pompeyana,  egipcia,  etrusca,  griega,  etc.)  que  se  concentran  en  los  techos,  parte  superior  de  muros  y   puertas,  realizados  con  estuco  o  pintados:  trofeos  guerreros,  águilas  con  las  alas  extendidas,  esfinges,  coronas   de  laurel,  guirnaldas,  cisnes  o  abejas...  Se  usarán  también  motivos  alegóricos  y  heráldicos  de  los  Bonaparte,  como   la  “N”  inicial  de  Napoleón,  todo  con  un  espíritu  grandilocuente  propio  de  este  emperador.   Son  habituales  en  los  muebles  estilo  Imperio  las  aplicaciones  doradas  de  bronce,  especialmente  en  los  tiradores:   como  las  cabezas  de  león  mordiendo  una  argolla.     Las  tipologías  de  mobiliario  más  importantes  de  esta  corriente  estética  son  las  camas,  las  mesas,  los  muebles  de   asiento8 ,  etc.                                                                       Fuente  de  las  imágenes:  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html     La  difusión  del  estilo  Imperio  fue  tan  grande  por  Europa  que  sobrevivió  al  mismo  Napoleón  una  década  después   de  la  desaparición  de  Bonaparte.     Hay  que  recordar  que  el  siglo  XVIII  fue  el  de  mayor  auge  y  esplendor  del  mobiliario  inglés.  Una  aristocracia  rica,   independiente,  culta  e  ilustrada  decoró  suntuosamente  y  con  refinamiento  sus  grandes  casas  de  campo:  es  la   época  de  fastuosas  villas  palladianas,  con  sus  frontones  clásicas,  blancas  cúpulas  y  largas  columnatas,  rodeadas   por  enormes  parques.  La  figura  del  gentleman  aristocrático  y  culto  será  el  principal  cliente  de  los  mueblistas  del   siglo  XVIII.  Pero  a  fines  del  XVIII  ese  aristócrata  da  paso  al  burgués,  con  nuevos  ideales  de  decoro  y  moralidad,   sustituirá  la  búsqueda  de  lo  “bello”  por  la  del  comfort,  la  intimidad.  Los  interiores  dieciochescos,  refinados  y   elegantes,  nutridos  de  cultura  ilustrada  y  de  conocimiento  de  la  antigüedad,  cederán  el  puesto  al  calor  de  los   hogares,  acolchados  y  protegidos,  del  nuevo  siglo.  Se  introduce  la  madera  de  caoba  cuya  ductilidad,  finura  y   belleza  la  hacen  maravillosa.  Grandes  ebanistas  británicos  marcan  estilo:  Chippendale9 ,  Sheraton,  Hepplewite.  Y   el  arquitecto  Robert  Adam.10     8  Véase  el  espléndido  blog  de  Pablo  Pena  http://historiadelmueble.blogspot.com.es/search/label/19.%20Neoclasicismo%3A%20estilo%20Imperio.   9  Thomas   Chippendale   (1718-­‐1779)   es   un   punto   y   aparte   en   la   historia   del   mueble.   Hasta   que   él   llegara,   los   estilos   habían   tomado   el   nombre   de   sus   monarcas;  en  cambio  desde  ahora  se  les  conocerá  por  los  artistas  creadores.  Su  influencia  llegaría  a  toda  Europa.  Su  nombre  llegó  a  ser,  aún  hoy  en  día,  el   más   popular   en   toda   la   historia   del   mueble,   incluso   en   América.   No   sólo   construyó   muebles   sino   que   creó   modelos   y   tipos   (sillas…)   y   escribió   libros   ilustrados.  En  Chippendale  se  hace  evidente  el  eclecticismo,  ya  presente  en  el  siglo  XVIII  y  en  el  XIX  (chinerías,  rococó,  neogótico,  neoclásico).  Será  muy  
  16. 16. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       16                                                                                                 Fuente  de  las  imágenes:  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html     La  indumentaria  NEOCLÁSICA     La  indumentaria  neoclásica  se  puede  observar  en  la  pintura  y  escultura  de  la  época  como  por  ejemplo  en  los   cuadros  de  los  pintores  franceses  Gérard  o  David  o  en  las  obras  de  Canova.   La   moda   tiende   a   ser   mucho   más   sencilla   y   cómoda   que   en   la   etapa   barroca   y   rococó.   Esa   simplificación   se   observa  especialmente  en  la  moda  femenina.                           La  indumentaria  masculina  no  experimenta  grandes  transformaciones  con  la  difusión  del  neoclasicismo.  No  se   basa  en  la  vestimenta  grecorromana  como  si  ocurrirá  en  la  moda  femenina.  Una  vez  más,  hay  que  señalar  que   Francia  y  Gran  Bretaña  marcaban  la  pauta  en  la  indumentaria  masculina.  Como  es  lógico,  las  vestimentas  más   lujosas  se  reservaban  para  las  grandes  ceremonias  cortesanas  en  que  aparecen  los  adornos  de  brillantes,  perlas  y   bordados  suntuosos,  como  los  que  se  lucieron  en  la  coronación  de  Luis  XVI,  diseñados  por  el  sastre  real,  Louis   René   Boquet.   El   traje   de   diario   solían   ser   realizado   en   lana,   ya   que   tienden   a   desaparecer   las   sedas   y   los   copiado,   en   resumen,   un   árbitro   del   buen   gusto.   Creó   muebles   muy   ingeniosos,   confortables,   innovadores,   elegantes.   Fue   famoso   por   sus   sillas   y   sus   mesitas  velador.  Son  mesas  son  muy  prácticas  que  caben  en  cualquier  rincón.     10  Robert  Adam,  fue  arquitecto  real  (1728-­‐1792).  De  origen  escocés,  daba  una  gran  importancia  a  la  decoración  de  interiores  de  los  edificios  que  hacía.  De   hecho,  diseñó  muebles,  telas  y  metalistería.  Creó  el  llamado  “estilo  Adam”  que  fue  una  versión  del  neoclasicismo  más  sencilla,  precisa  y  delicada  que  la  del   rico   estilo   palladiano,   anteriormente   de   moda—.   El   estilo   Adam   es   de   dibujo   y   proporciones   armoniosas,   y   procura   una   sensación   de   luminosidad   y   espaciosidad.  Utiliza  motivos  clásicos,  como  festones,  guirnaldas  y  urnas.  El  mobiliario  Adam  tiene  características  muy  similares.  Thomas  Sheraton  fue  otro   gran  importante  diseñador  de  muebles.  Destaca  en  las  últimas  décadas  del  siglo  XVIII.  Realizó    escritorios  de  tapa  cilíndrica,  mesas  y  sillas.    Fue  un  teórico   muy  importante.    A  Sheraton  le  corresponde  el  mérito  de  haber  continuado  esta  tradición  durante  las  primeras  décadas  del  siglo  XIX.  Se  cree  que  fue  el   creador  de  las  Twin  beds  (dos  camitas  juntas).  Y  George  Hepplewite  fue  el  máximo  intérprete  del  estilo  Adam  y  uno  de  los  mejores  ebanistas  de  la  segunda   mitad   del   siglo   XVIII.   Su   nombre   se   utiliza   para   designar   el   estilo   que   se   difundió   en   los   últimos   años   del   siglo   XVIII.   Creó   “escuela”   cuya   producción   podemos  definir  como  para  “clases  burguesas”.  Realizó  destacadas  sillas  con  respaldos  calados  con  curvas  ovaladas  que  se  recortan  formando  un  corazón   o  formando  escudos.  
  17. 17. 17 17 bordados.   Los   hombres   utilizan   ya   pantalones   largos   y   abrigos.   A   ellos   no   les   afectan   los   modelos   clásicos.   Tienden  cada  vez  más  a  prescindir  de  los  modelos  empolvados  –síntoma  de  “realismo”  o  afición  monárquica-­‐  y   llevan  el  caballo  más  corto.  Por  lo  que  se  refiere  a  los  peinados  masculinos,  son  mucho  más  sencillos  que  en  la   etapa  anterior.  Se  siguen  utilizando  pelucas,  aunque  mucho  menos  que  en  la  etapa  rococó.  El  típico  peinado   consiste  en  una  serie  de  rizos  y  ondas  hacia  la  mitad  de  la  cabeza,  dejando  libre  la  frente  y  recogiéndose  en  la   nuca  dentro  de  una  redecilla  de  seda  negra  atada  con  un  cinta  del  mismo  color.  Suelen  llevar  cola  de  caballo.  Hay   que  señalar  que  en  nuestros  días,  los  magistrados  británicos  todavía  portan  las  pelucas  blancas  inspiradas  en  el   siglo   XVIII.   Los   sombreros   más   habituales   eran   los   bicornios   en   vez   de   tricornios.   Las   prendas   esenciales   masculinas   eran   las   casacas,   las  chupas   (especie   de   chaleco   hasta  la  cintura)  y   los   pantalones   largos   ceñidos   llamados  culottes:  por  eso  los  revolucionarios  franceses,  de  las  clases  populares,  eran  los  sans-­‐culottes.                     La  indumentaria  femenina  neoclásica  se  basa  en  el  arte  de  la  antigua  Grecia  y  Roma,  buscando  la  sencillez  y  la   elegancia   inspirada   en   esas   civilizaciones.   Emma   Hamilton   puso   de   moda   una   versión   de   la   indumentaria   femenina   pretendidamente   clasicista   que   en   realidad   se   inspiraba   más   en   la   sencilla   ropa   de   las   campesinas   napolitanas  que  le  confeccionaban  los  trajes  para  sus  performances  que  en  el  rigor  arqueológico.   Por  lo  que  se  refiere  a  los  materiales,  predominan  el  lino,  batista  o  muselina.  La  seda  será  el  tejido  estrella  y   también  se  usaron  con  profusión  otros  tejidos  livianos  como  el  algodón.     Frente   al   rococó   con   sus   rígidos   corsés,   el   neoclasicismo   trae   consigo   –momentáneamente-­‐   la   liberación   del   cuerpo  femenino  porque  se  difundirán  vestidos-­‐túnicas  vaporosos  de  gran  sencillez  y  elegancia.  Los  vestidos,  de   tonos  pastel,  casi  transparentes  y  ligeros  se  difunden  para  gran  escándalo  de  los  sectores  más  conservadores  de   la  sociedad.  La  silueta  femenina  Estilo  Imperio  presentaba  escote,  bastante  pronunciado,  podía  ser  cuadrado,   redondo  o  en  pico  y  talle  alto  de  forma  que  recordaba  vagamente  a  una  columna  clásica.  A  estos  vestidos  se  les   llamaba  también  Vestidos  Camisa.  La  falda  del  vestido  era  tubular  talar  (hasta  los  talones)  aunque  en  ocasiones   eran  extremadamente  largos.  Los  vestidos  podían  ser  sin  mangas  o  de  mangas  cortas  o  largas.  Esta  vestimenta   se  acompañaba  con  guantes  largos.  Como  complemento  del  vestido  solía  usarse  un  chal  o  una  chaqueta  corta   llamada  Spencer,  que  cubría  solo  el  busto,  y  si  se  usaba  sombrero,  solía  ceñirse  con  una  cinta  bajo  el  mentón.  Los   motivos  ornamentales  podían  ser  de  inspiración  romano  o  incluso  etrusca.     Madame  Tallien  ,  es  decir,  la  española  Teresa  Cabarrús11  (1773-­‐1835)  fue  una  de  las  primeras  en  rechazar  el  corsé  y   apostar   por   la   vestimenta   de   influencia   grecorromana.   La   esposa   de   Napoleón,   Josefina   Bonaparte,   también   popularizó  este  vestido,  con  amplio  escote  recto.     Estos  vestidos  se  complementaban  con  tocados  o  sombreros  ya  que  seguían  siendo  accesorios  importantísimos   en   la   indumentaria   de   la   época.   Los   tocados   aparecen   adornados   con   plumas.   Se   difundieron   muchísimo   los   turbantes.     11  Sobre  Teresa  Cabarrús  Carmen  Posadas  escribió  una  excelente  novela  de  Carmen  Posadas  llamada  “La  cinta  roja”.  
  18. 18. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       18     La  indumentaria  neoclásica  pronto  tendría  detractores  y  acérrimos  seguidores.  Lo  cierto  es  que  los  trajes  femeninos  a  la  griega  y  a  la  romana  pronto   triunfarían  en  toda  Europa  como  epítome  de  la  elegancia  neoclásica.  Sus  defensores  más  extravagantes,  los  fashionistas  de  la  época,  fueron  denominados   los  incroyables  y  ellas,  las  merveilleuses.  Los  incroyables  fueron  el  precedente  de  los  dandis  del  siglo  XIX.     Los     zapatos   fueron   ganando   en   comodidad   hasta   casi   perder   el   tacón.   Se   impusieron   las   sandalias   (tipo   romanas).                                                              El  neoclasicismo  en  moda  coincide  con  el  llamado  Estilo  Imperio  presente  en  el  arte  y  las  artes  decorativas  hasta  circa  1820.                                                                             La  moda  en  la  Revolución  Francesa:  los  sans-­‐culottes;  El  gorro  frigio,  símbolo  de  libertad;  La  indumentaria  tricolor  se  basa  en  los  colores  azul,  blanco  y  rojo   eran  los  símbolos  de  la  República  francesa.  En  la  Rev.  Francesa  fueron  prohibidos:  los  corsés,  los  encajes,  las  pelucas,  los  vestidos  habituales  del  Ancien   Régime  so  pena  de  ser  acusado  de  realista,  las  joyas,  etc.  Estas  prohibiciones  fueron  hasta  que  tomó  Napoleón  Bonaparte  el  poder  y  empezó  el  Imperio   francés  (1804)  y  en  consecuencia,  la  moda  neoclásica  Imperio.  Este  Primer  Imperio  francés  estuvo  en  vigor  hasta  1815.     Las  Artes  Decorativas  Neoclásicas     Las  artes  decorativas  alcanzaron  un  gran  auge  en  el  Neoclasicismo  (cerámica,  artes  textiles,  joyería…).  Todas  las   manufacturas  reales  que  comenzaron  su  producción  de  artes  decorativas  en  estilo  rococó  fueron  evolucionando   hacia  formas  neoclásicas  más  sobrias  y  depuradas  conforme  fue  pasando  el  siglo.    
  19. 19. 19 19 Las  joyas  siguen  las  mismas  tipologías  del  rococó  pero  con  motivos  decorativos  neoclásicos,  muchos  de  ellos   inspirados  en  Herculano  y  Pompeya.  Abundan  los  camafeos.                                                                                                                                                                                                           Porcelana,  relojes  y  cerámica  neoclásica:  las  referencias  a  Grecia  y  Roma  son  constantes  y  también  a  otras  civilizaciones  como  la  egipcia,   oriental,   etc.;   La   Revolución   Francesa   como   tema   está   muy   presente   en   la   cerámica   francesa   neoclásica,   en   este   ejemplo   de   Nevers   aparece  entronizada  la  alegoría  de  la  Libertad;  Joyería  neoclásica  con  camafeos  y  motivos  inspirados  en  el  mundo  clásico.  la  reina  Luisa  de   Prusia,  vestida  con  indumentaria  y  joyas  neoclásicas:  diadema,  brazalete  y  broche  en  el  hombro.      

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