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Apuntes FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 11. "ARTE DEL SIGLO XVII: EL BARROCO"

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ARTE BARROCO

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Apuntes FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 11. "ARTE DEL SIGLO XVII: EL BARROCO"

  1. 1.                                                     FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  11.  ARTE  DEL  SIGLO  XVII:  EL  BARROCO
  2. 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  11.  ARTE  DEL  SIGLO  XVII:  EL  BARROCO       1.Introducción   al   arte   barroco.   Contexto   histórico-­‐cultural.   2.   La   arquitectura   barroca   3.   La   escultura   barroca.   4   La   pintura   barroca.  5.  La  música  barroca.  El  nacimiento  de  la  ópera.  6.  Mobiliario,  indumentaria  y  artes  decorativas  barrocas.     1.INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  BARROCO.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL     Denominamos   Barroco   al   complejo   movimiento   cultural   que   surge   en   Italia   (concretamente   en   Roma)   y   se   desarrolla  en  Europa  en  el  siglo  XVII.  El  término  barroco  todavía  suscita  controversias.  Para  algunos,  deriva  del   idioma  portugués  y  hace  referencia  a  “perlas  irregulares”  y  para  otros  procede  de  un  pintor  italiano  del  siglo  XVII   llamado  Barocci.  En  resumen,  es  un  vocablo  ambiguo  y  equívoco.     En  rigor,  el  arte  barroco  es  el  arte  del  siglo  XVII.  Su  etapa  final,  a  inicios  del  XVIII  se  denomina  Tardobarroco  o   Barroco  tardío.  Sea  como  fuere,  y  aunque  su  fortuna  crítica,  es  decir,  la  valoración  que  ha  existido  sobre  este   movimiento  cultural  ha  sido  bastante  negativa,  por  lo  menos  hasta  su  reivindicación  en  el  siglo  XX,  el  Barroco   supuso  un  esplendor  incomparable  en  todas  las  artes  (Bellas  Artes,  artes  decorativas,  música,  literatura…).  De   hecho,  se  le  ha  llegado  a  considerar  como  un  “segundo  Renacimiento”  y  como  un  “arte  total”.   El  Barroco  aparece  ligado  a  un  determinado  contexto  histórico-­‐cultural:  la  Europa  de  las  monarquías  absolutas   (como  Luis  XIV,  el  Rey  Sol  francés)  y  de  la  ofensiva  católica  contra  la  Reforma  Protestante  (la  Contrarreforma).  Es   la  etapa  del  Antiguo  Régimen,  Ancien  Régime.  Por  lo  tanto,  va  ligado  al  poder  real  y  al  poder  de  la  Iglesia,  aunque   también  encontramos  un  importante  desarrollo  del  arte  barroco  en  países  mayoritariamente  protestantes  como   Holanda1 .     En  general,  el  siglo  XVII  es  un  siglo  de  crisis  (demográfica,  económica  –catástrofes  climáticas,  malas  cosechas,   peste-­‐).  En  esta  etapa  hubo  varias  guerras  como  la  Guerra  de  los  30  años  (1618-­‐48)  que  empezó  como  conflicto   religioso  y  terminó  siendo  una  lucha  por  la  hegemonía  europea  (tensiones  entre  naciones  católicas-­‐protestantes).   Se   lo   denomina   como   “el   Siglo   de   Hierro”.   España,   hasta   entonces,   la   más   poderosa   nación,   ve   declinar   su   imperio,   mientras   que   Francia   experimenta   un   gran   esplendor   (l´Âge   Classique)   como   Holanda,   por   aquel   entonces,  la  primera  potencia  comercial  del  mundo.             Culturalmente,   es   una   época   apasionante.   Las   letras   y   artes   españolas   alcanzaron   en   esta   etapa   uno   de   los   momentos  más  sobresalientes  de  su  historia.  Es  el  Siglo  de  Oro  español,  a  caballo  entre  el  siglo  XVI  y  XVII.   A  lo  largo  de  esta  centuria  reinaron  en  España  los  tres  últimos  monarcas  de  la  Casa  de  Austria  en  una  etapa  de   una  tremenda  crisis  económica  y  política:  Felipe  III  (1598-­‐1621),  Felipe  IV  (1621-­‐1665)  y  Carlos  II  (1665-­‐1700.Todos   ellos  entendieron  como  deber  prioritario  de  sus  respectivos  mandatos  la  defensa  del  Catolicismo.     Los  principales  mecenas  y  comitentes  de  esta  etapa  fueron  el  poder  político  –los  Reyes  y  aristócratas-­‐  y  el  poder   religioso,  la  Iglesia  católica,  concretamente  el  papado  y  algunas  órdenes  religiosas.  En  los  países  protestantes   también  serán  los  comitentes  una  pujante  burguesía.     1  Frente  a  este  término,  barroco,  vamos  a  encontrar  otros  como  “barroquismo”  o  “barroquizante”  que  hacen  referencia  a  constantes  históricas  que  se   repiten  habitualmente  en  las  etapas  finales  de  todos  o  casi  todos  los  estilos  o  ciclos  artísticos  y  que  aluden  al  recargamiento  ornamental  extremo  de  las   últimas  etapas  de  los  estilos  (ej.  arte  helenístico,  gótico  final,  etc.).  Es  “lo  barroco”  como  categoría  estética.    
  3. 3. 3 3       Para  el  surgimiento  del  estilo  barroco  fue  esencial  el  llamado  Concilio  de  Trento.  Fue  un  concilio  de  la  Iglesia   católica   desarrollado   en   periodos   discontinuos  durante   veinticinco   sesiones   entre   el   año   1545   y   el   1563.   Tuvo   lugar  en  Trento,  en  el  norte  de  Italia.  Dió  lugar  a  lo  que  se  llama  la  Contrarreforma:  fue  la  respuesta  de  la  Iglesia   de  Roma  a  la  reforma  protestante  de  Martín  Lutero.  Sus  objetivos  fueron  renovar  la  Iglesia  y  evitar  el  avance  de   las   doctrinas  protestantes.   Durante   este   Concilio   se   analizó   la   importancia   del   arte   como   vehículo   para   la   transmisión   de   la   religiosidad   católica,   es   decir,   como   propaganda   religiosa.   De   él,   emanaron,   por   lo   tanto,   indicaciones   sobre   cómo   debían   ser   las   obras   de   arte,   su   iconografía,   mensaje…   siempre   sobre   la   base   de   despertar   en   el   espectador   la   religiosidad.   De   ahí   que   la   Europa   católica   se   llene   de   iglesias,   y   sus   pinturas   y   esculturas  de  santos  y  temáticas  alusivas  a  los  signos  específicos  de  la  religión  católica  como  el  sacramento  de  la   Eucaristía.   Es   decir,   a   través   del   arte   se   intentaba   subrayar   lo   católico   frente   a   lo   protestante.   Y   es   que   los   protestantes  no  eran  partidarios  de  las  imágenes  en  sus  iglesias  tanto  si  son  esculturas  como  pinturas.   El  arte  barroco  surge  en  Italia  y  se  difunde  por  todo  Europa  llegando  también  hasta  Hispanoamérica.                                                                                                                 2.  LA  ARQUITECTURA  BARROCA       La  ciudad  es  el  marco  de  la  cultura  barroca2 .  El  barroco  es  la  Europa  de  las  capitales.  El  urbanismo  barroco  da   muestras  de  gran  teatralidad  a  mayor  gloria  siempre  de  la  monarquía  absoluta  o  la  Iglesia.  Buscan  el  esplendor   fastuoso,  lo  teatral  y  escenográfico,  el  sorprender  al  espectador,  creando  grandes  perspectivas  deslumbrantes.   Se   levantan   templos,   palacios,   se   organizan   fiestas   en   las   calles   con   arquitecturas   efímeras,   y   se   montan   deslumbrantes  fuegos  de  artificio,  se  construyen  arcos  de  triunfo,  cortejos  espectaculares,  se  engalanaban  los   balcones…   Roma  es  sobre  todo  la  “ciudad  espectáculo”  típica  del  Barroco.  Cabeza  del  mundo  católico,  emerge  con  enorme   vitalidad   ya   a   finales   del   siglo   XVI,   durante   el   papado   de   Sixto   V.   El   Papa   Sixto   V   y   su   arquitecto   Doménico   Fontana  sientan  las  bases  de  la  Roma  barroca:  las  siete  grandes  basílicas  recorridas  por  los  peregrinos  fueron   unidas   por   largas   y   anchas   avenidas   y   ante   ellos   se   levantan   plazas   con   obeliscos   egipcios,   a   modo   de   gran   escenario  con  la  fachada  de  la  iglesia  como  telón.  Se  difunde  y  mejora  la  ingeniería  e   higiene  (canales…)  Se   embellece  además  la  ciudad  con  diversas  fuentes  monumentales.  En  este  contexto  se  abordó  la  realización  de   *la  plaza  de  San  Pedro  del  Vaticano  y  la  finalización  de  su  basílica.     Las  plazas  se  convierten  en  centros  de  referencia  urbano,  dominadas  por  un  edificio  principal  (una  iglesia,  un   palacio).   Serán   decoradas   con   fuentes,   obeliscos,   estatuas   y   planificadas   urbanísticamente   para   crear   perspectivas  impresionantes.  Entre  las  plazas  barrocas  de  Roma  destacan,  la  *Piazza  del  Popolo,  y  la  bellísima   *Piazza  Navona,  un  antiguo  circo  romano  de  la  época  de  Domiciano  (86  d  de  C).  Adquirió  durante  el  Barroco  su   fisonomía  actual.  Es  un  espacio  muy  apto  para  el  paseo  y  las  fiestas  públicas  (torneos,  máscaras…).   Por  lo  que  se  refiere  a  las  características  generales  de  la  arquitectura  podemos  destacar  que  vamos  a  encontrar   un  gran  desarrollo  de  la  arquitectura  religiosa  y  civil  (iglesias    y  palacios  fundamentalmente).   2  Ciudades  europeas  que  conservan  ejemplos  de  urbanismo  barrio  barroco  son:  Praga,  Roma,  Paris,  Roma,  Madrid,…  
  4. 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4               Y  es  que  los  mecenas  y  comitentes  de  la  arquitectura  barroca  van  a  ser  fundamentalmente  las  órdenes  religiosas   y  el  papado  así  como  la  nobleza  (los  Borghese,  Ludovisi,  Barberini,  Pamphili,  Chigi,  Rospigliosi,  Alteri,  Odescalchi   y  otros  más  que  siguen  la  estela  de  los  Medici,  los  Borgia,  etc.)    y  los  monarcas  absolutos  del  siglo  XVII.     El   punto   de   partida   de   la   arquitectura   barroca   es   la   ruptura   del   equilibrio   clásico,   ya   perceptible   en   el   Manierismo.   La   arquitectura   barroca   fue   concebida   para   generar   un   ilusionismo   sensorial   que   cautive   y   emocione.  El  sentido  rítmico  de  las  fachadas  y  muros,  con  efectos  dinámicos,  se  logran  por  medio  de  curvas  y   contracurvas,  frontones  que  se  parten,  entablamentos  que  se  incurvan,  gusto  por  el  juego  entre  lo  cóncavo  y  lo   convexo,  los  juegos  de  luces  y  sombras…  En  cuanto  a  los  materiales  dan  gran  importancia  al  color  y  la  textura   con   la   finalidad   de   producir   una   impresión   de   riqueza     y   ostentación.   Son   habituales   los   mármoles,   piedra,   ladrillo…    todo  bellamente  decorado  para  dar  mayor  sensación  de  lujo,  calidad,  ostentación.     Utilizan  el  orden  gigante,  las  columnas  salomónicas  y  los  entablamentos  curvos.  La  arquitectura  se  funde  con  el   resto  de  las  artes  (pintura,  escultura…)  como  un  todo  perfecto.  Es  la  búsqueda  del  arte  total.     En  las  iglesias  destacamos  las  jesuíticas,  son  fachadas  de  dos  cuerpos    con  aletones  –inspiradas  en  Sta.  María   Novella  de  Alberti-­‐  y    una  nave  con  capillas  laterales.  La  cubierta  predominante  en  el  barroco  será  la  cúpula.  La   cúpula,  uno  de  los  máximos  logros  renacentistas  seguirá  utilizándose  en  su  apariencia  externa,  pero  su  interior   se   utilizará   como   espacio   para   disponer   un   torbellino   de   figuras   que   pintadas   sobre   ella   parecen   ascender   al   infinito.    La  pintura  al  fresco,  junto  con  toda  suerte  de  estucos  y  dorados  que  crearán  una  ilusión  espacial  nueva   cobran  un  nuevo  empuje.  En  las  pinturas  de  las  cúpulas  destaca  el  empleo  de  trampantojos  (trompe  l´oeil).  Los   muros   pierden   el   sentido   plano   y   se   curvan   dejando   de   cruzarse   en   ángulo   recto,   buscando   todo   tipo   de   perspectivas   y   efectos   luminosos.   En   la   arquitectura   barroca   abunda   la   columna   tanto   como   elemento   sustentante   como   ornamental.   En   líneas   generales   los   elementos   constructivos   están   subordinados   a   los   ornamentales.   Los   arcos   son   muy   variados   y   predominan   los   de   medio   punto.   Hay   abundancia   de   nichos   y   hornacinas  y  muchos  vanos  presentan  forma  ovoide  (oculi)  enmarcados.     Las   plantas   en   las   iglesias   son   muy   variadas.   Aunque   se   mantiene   la   tradicional   planta   rectangular   (planta   jesuítica),  aparecen  las    plantas  elípticas,  circulares  y  mixtas.     El  afán  efectista  acabó  provocando  que  se  diera  la  misma  importancia  al  exterior  de  un  edificio  y  a  sus  entornos   inmediatos  que  a  su  interior.  Italia  se  pondrá  a  la  cabeza  de  las  manifestaciones  arquitectónicas,  Francia  será  la   creadora  del  palacio  barroco  y  su  interés  por  los  espacios  lúdicos  se  plasmará  en  maravillosos  jardines  poblados   de  fuentes  y  estatuas  y  España,  a  pesar  de  la  pobreza  de  materiales  empleados,  destacará  por  su  exuberancia   decorativa.       Italia:  Gian  Lorenzo  Bernini  y  Borromini     Entre  todos  los  grandes  arquitectos  italianos  del  barroco  destacan  Gian  Lorenzo  Bernini  y  Francesco  Castelli,   llamado  Borromini.  El  gran  arquitecto  GIAN  LORENZO  BERNINI  era  también  escultor,  arquitecto,  escenógrafo,   pintor  y  dramaturgo.  Fue  muy  admirado,  un  artista  de  éxito.  Nacido  en  Nápoles  (1598-­‐1680),  era  hijo  del  también   escultor  Pietro  Bernini.  Educado  por  los  jesuitas,  fue  un  devoto  católico.  La  mayor  parte  de  su  vida  transcurrió  en   Roma.  En  la  “ciudad  eterna”  encontraría  a  sus  principales  mecenas,  el  cardenal  Scipione  Borghese,  y  también  el  
  5. 5. 5 5 papado  (Urbano  VIII  de  la  poderosa  familia  Barberini,  el  Papa  Alejandro  VII  Chigi,  etc.)  Su  obra  refleja  el  espíritu   barroco  de  la  Contrarreforma.  Fue  nombrado  arquitecto  de  San  Pedro.  La  Basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  aún   no  había  concluido  en  el  siglo  XVII,  convocándose  en  1607  un  concurso  para  su  finalización.   Maderno  será  el   elegido,   viéndose   obligado   a   retomar   el   esquema   basilical.   Con   el   máximo   respeto   a   la   obra   de   Buonarroti,   añadió  la  nave  longitudinal  a  la  planta  de  cruz  griega  planteada  por  Miguel  Ángel.  Maderno  levantó  una  fachada   de  desarrollo  horizontal  con  orden  gigante,  manteniendo  la  baja  altura  para  poder  contemplar  la  cúpula.           Sin  duda  alguna,  LA  PLAZA  DE  SAN  PEDRO  DEL  VATICANO  es  la  obra  maestra  de  Bernini.  Fue  un  encargo  del   Papa  Alejandro  VII  en  1656.  Toma  como  eje  el  centro  de  la  basílica.  Esta  explanada  es  un  inmenso  espacio  abierto   compuesto  de  dos  plazas  contiguas,  la  primera  trapezoidal  y  la  segunda  oval.  Así,  logra  una  perfecta  simbiosis   entre  la  plaza  recta  y  la  elíptica.  El  espacio  elíptico  está  delimitado  por  una  columnata  de  dos  brazos  que  no  llega   a  cerrarse  en  el  extremo  opuesto  a  la  fachada  de  la  basílica.  Bernini  consigue  crear  un  gran  espacio  para  albergar   a  los  files  para  que  desde  cualquier  ángulo  puedan  ver  al  Papa.  Simbólicamente  representa  un  gran  abrazo  para   recibir  a  los  peregrinos.  La  columnata  toscana  que  delimita  la  plaza  oval  consta  de  cuatro  hileras  de  columnas   gigantes.                                 Fuente  de  la  imagen  y  texto:  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html    
  6. 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 Casi  300  columnas  que  sostienen  el  entablamento  sobre  el  que  corre  una  balaustrada  y  en  el  que  descansan   estatuas  de  santos,  obra  de  los  discípulos  de  Bernini.  En  el  centro  de  la  plaza  oval  se  colocó  un  obelisco  egipcio   procedente  de  la  spina  del  circo  de  Nerón,  que  dificulta  la  visión  frontal  de  la  fachada  basilical,  en  un  juego  muy   propio  del  barroco  como  es  el  obligar  al  espectador  a  buscar  distintos  puntos  de  vista.  El  obelisco,  a  su  vez,  es  el   centro  del  eje  transversal  de  la  plaza  oval.  Es  una  plaza  dotada  de  un  sentido  muy  escenográfica  y  teatral.  El  uso   de   columnas   con   balaustradas   y   estatuas   nos   recuerda   a   Palladio   en   el   Teatro   Olímpico   de   Vicenza     (Italia).   Bernini   intervino   también   en   otras   empresas   arquitectónicas   y   urbanísticas   de   Roma   como   *la   fuente   de   los   Cuatro  Ríos    en  la  Piazza  Navona  (c.  1650)  o  la  *Iglesia  de  San  Andrés  del  Quirinal  también  en  la  ciudad  eterna,  así   como  la  famosa  *fuente  del  Tritón.       Francesco  Borromini     FRANCESCO   BORROMINI   (Bissone   1599-­‐Roma,   1667)   es   el   contrapunto   a   Bernini.   Su   verdadero   apellido   era   Castelli   pero   en   Roma   decidió   utilizar   el   de   Borromini,   por   su   parentesco   con   la   poderosa   familia   Borromeo.   Escultor  y  arquitecto  atormentado,  obsesionado  con  la  perfección,  su  carácter  melancólico  y  libre  marcó  su  vida   y  su  obra.3  Contó  con  el  mecenazgo  de  órdenes  religiosas  que  no  eran  muy  boyantes  económicamente.  También   tuvo  el  apoyo  de  algunos  comitentes  cultos  y  abiertos  de  miras  como  el  cardenal  Spada.  Fue  cantero  en  las  obras   de  la  catedral  de  Milán,  antes  de  trasladarse  a  Roma  en  1619,  donde    trabajó  en  el  taller  de  su  pariente  Carlo   Maderno,   quien   lo   introdujo   en   el   mundo   de   la   arquitectura   romana   al   tomarlo   como   colaborador   para   la   realización   de   diversas   obras.   En   Roma   llegó   a   trabajar   como   asistente   de   Bernini   con   quien   mantendrá   una   enemistad  que  duraría  toda  su  vida.  Borromini  dejó  a  la  posteridad  su  obra  teórica  Opus  Arquitectonicum,  pero   buena  parte  de  sus  escritos  fueron  destruidos  por  él  mismo  antes  de  su  muerte.  Daba  especial  relevancia  a  la   plena  libertad  de  diseño,  negándose  a  "copiar"  características  u  elementos  estilísticos  en  sus  proyectos.  Su  obra   arquitectónica  –marcada  por  su  profunda  religiosidad-­‐  resulta  sumamente  original,  sin  precedentes  claros,  salvo   la   influencia   parcial   de   Miguel   Angel,   a   quien   el   arquitecto   admiraba.   Dominaba   la   técnica   y   se   mantuvo   constante   en   su   deseo   de   aprender.4  Propuso   soluciones   más   insólitas   que   Bernini,   dentro   de   una   manifiesta   ruptura  con  la  tradición,  donde  domina  la  fantasía  y  el  uso  de  elementos  simbólicos.  Realizó  iglesias  de  pequeñas   dimensiones   y   materiales   modestos   pero   de   gran   belleza.   Su   fantasía   creativa   e   innovadora   le   lleva   a   crear   elementos  nuevos  como  capiteles  con  las  volutas  al  revés,  a  ondular  con  continuas  curvas  y  contracurvas,  con   elementos   cóncavos   y   convexos   las   fachadas   y   los   interiores.     Transgrede   totalmente   el   clasicismo,   creando   nuevas  proporciones  y  motivos  ornamentales  pero  eso  no  impidió  que  a  lo  largo  de  su  carrera    las  referencias   clásicas  sean  constantes,  así  como  las  medievales  (góticas  sobre  todo)  y  renacentistas.                                                   Cuando   Bernini   triunfaba   ya   como   arquitecto   y   empezaban   a   desplegarse   las   formas   del   Barroco,   Borromini   recibió   su   primer   encargo   en   solitario:   el   conjunto   de   SAN   CARLOS   DE   LAS   CUATRO   FUENTES   (1638-­‐1667),   llamada   también   San   Carlino   (Roma).   Consta   de   monasterio,   claustro   (1635-­‐37)   e   iglesia   (1638-­‐41).   Fueron   3  Se  cree  que  se  suicidó  con  una  espada.   4  A  su  muerte,  poseía  más  de  mil  libros  de  diversas  disciplinas.
  7. 7. 7 7 ubicados   en   un   reducido   espacio   irregular.   Fue   un   encargo   de   los   monjes   trinitarios   descalzos   españoles   dedicado   al   santo   italiano   San   Carlos   Borromeo.   Está   iglesia   está   hecha   de   piedra,   ladrillo   y   estuco.   Presenta   planta   centralizada,   elíptica   –en   forma   de   cruz   griega   alargada,   adquiriendo   una   forma   romboidal   -­‐y   capillas   radiales.   Los   muros   se   curvan   al   interior   y   al   exterior   con   elementos   cóncavo-­‐convexos.   Incluso   los   entablamentos   y   las   cornisas   se   curvan.   No   encontramos   líneas   rectas   en   todo   el   edificio;   plasticidad   y   movimiento   impregnan   toda   la   obra.   La   cubierta   es   una   cúpula   oval   con   pechinas,   decorada   con   casetones   octogonales.   Por   lo   que   se   refiere   a   la   fachada   está   estructurada   en   dos   pisos   de   columnas   con   sus   entablamentos  pero  utilizando  el  orden  gigante.  El  conjunto  está  dividido  por  tres  vanos:  en  el  piso  bajo,  uno   central   convexo   y   dos   extremos   cóncavos,   unidos   por   un   entablamento   interrumpido.   En   la   parte   superior   aparecen  tres  vanos  cóncavos  y  un  medallón  ovalado  que  sostienen  ángeles.  Los  frontones  son  curvos,  y  toda  la   fachada  se  ondula,  incluidos  los  entablamentos  y  las  cornisas.  Los  muros  rompen  la  línea  recta  e  inventa  formas   nuevas  para  los  capiteles  y  los  ornamentos  en  torres  y  cornisas.  Todo  ello  le  da  una  apariencia  elástica  al  edificio   rompiendo  el  lenguaje  clásico.  Esta  plasticidad  en  la  fachada  produce  la  sensación  de  movimiento  y  la  luz  incide   en  ella  produciendo  efectos  de  claroscuro.    El  edificio  está  diseñado  dentro  de  un  espacio  urbano  teniendo  en   cuenta  los  diferentes  puntos  de  vista  desde  los  cuales  puede  ser  visto.  El  efecto  se  remata  con  la  incorporación   de  fuentes  en  las  cuatro  esquinas  del  edificio.  El  interior  de  esta  iglesia  es  uno  de  los  más  bellos  y  originales  de   todo  el  Barroco.  Hay  una  coherencia  total  entre  planta,  alzado  y  cubierta  demuestran  la  continuidad  orgánica  de   la   obra   borrominesca.   En   conclusión,   en   esta   obra   se   aprecia   su   alto   dominio   de   la   técnica,   su   desbordante   fantasía   formal   y   su   visión   trágica   de   la   vida.   Con   su   ingeniosa   solución   creó   uno   de   los   mayores   hitos   de   la   arquitectura  barroca.   Otras  obras  de  Borromini:  la  iglesia  de  *San  Ivo  della  Sapienza  (1642-­‐1660).  Presenta  una  linterna  con  forma  en   espiral  que  está  rematada  por  una  llama.  La  fachada  tiene  forma    de  curva  cóncava.  Borromini  también  realizó  el   *Oratorio  de  los  Filipenses  (1637),  la  *iglesia  de  Santa  Inés  (1653-­‐1661),  realizó  la  decoración  interior  de  la  basílica   de  San  Juan  de  Letrán  (1646)  y  el  *colegio  Propaganda  Fidei  (1647-­‐1664).  Entre  sus  obras  civiles    son  dignas  de   mención  la  *Columnata  del  Palacio  Spada  (1632)  y  la  fachada  posterior  y  la  rampa  del  *Palacio  Barberini.                                                                                                                Santa  Inés       Palacio  Spada                        San  Ivo  de  la  Sabiduría     Otros  arquitectos  italianos  del  siglo  XVII  en  Roma,  Pietro  de  Cortona  (Sta.  María  della  Pace);  en  Venecia  (Sta.   María  de  la  Salud)  de  Baldassare  Longhena;  y  en  Turín  el  arquitecto  Guarino  Guarini.     Francia:  el  palacio  de  Versalles     El  arte  barroco  del  siglo  XVII  en  Francia  prefiere  ser  llamado  por  los  propios  franceses  como  arte  clasicista.  En   este  tipo  de  arquitectura  predomina  la  claridad,  el  orden  y  la  serenidad  frente  a  lo  recargado  y  lo  retórico.  En  esta   etapa  la  arquitectura  está  al  servicio  del  Absolutismo  monárquico.  Se  construyen  numerosas  iglesias  y  palacios.  El   palacio  se  convierte  en  el  edificio  más  representativo  del  barroco  francés,    edificios  de  grandes  dimensiones,  con   una  marcada  horizontalidad,  con  plantas  en  forma  de  “U”    hacia  el  jardín.       Junto  a  Louis  le  Vau  y  Le  Notre,  Mansart  proyectó  el  conjunto  palaciego  de  Versalles  (Versailles)  para  el  rey  Luis   XIV.  Este  palacio  se  convertirá  en  el  epítome  de  palacio  barroco  por  excelencia  y  será  fuente  de  inspiración  para   palacios  europeos  durante  siglos  (en  Austria,  Alemania,  Rusia…)  influyendo  en  España  en  el  palacio  de  la  Granja   de  San  Ildefonso  en  Segovia  (rey  Felipe  V,  nieto  de  Luis  XIV,  dinastía  Borbón,  siglo  XVIII).  
  8. 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8                     El  conjunto  del  Palacio  de  Versalles  se  edificó  aprovechando  un  antiguo  palacete  de  caza  previo  construido  por   orden  de  Luis  XIII,  aunque  será  Luis  XIV,  el  rey  Sol  quien  lo  construya  como  una  pequeña  ciudad  alejada  de  los   problemas  de  la  cercana  París.  Se  construyó  en  varias  etapas  durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XVII.  Se  basa   absolutamente  en  el  palacio  de  Vaux-­‐le-­‐Vicomte  cuyo  dueño  fue  el  poderoso  ministro  de  finanzas  Fouquet.  La   decoración  de  interiores  oscila  entre  el  barroco,  Rococó  y  Neoclasicismo  –ya  en  el  siglo  XVIII-­‐.     La  estancia  más  emblemática  es  la  Galería  de  los  espejos,  un  inmenso  corredor  que  ocupaba  toda  un  ala  lateral   del  Palacio  y  que  unía  las  dependencias  del  rey  y  la  reina,  de  73  metros  de  longitud  y  totalmente  recubierta  de   dorados,  espejos,  hornacinas  con    esculturas,  bóvedas  con  pinturas,  lámparas  de  araña,  etc.  Una  vez  acabada  la   obra  se  convirtió  en  salón  de  recepciones.  El  palacio  es  un  retrato  simbólico  del  monarca  Luis  XIV.  Es  una  obra   propagandística  a  mayor  gloria  de  este  rey  que  se  parangona  o  compara  con  el  dios  Apolo,  dios  de  la  belleza  y  el   arte.  De  ahí  que  el  símbolo  solar  alusivo  al  Rey  y  a  este  dios  se  encuentre  en  todo  el  palacio,  así  como  un  sinfín  de   referencias  mitológicas  de  origen  grecorromano.  Los  jardines  de  Versalles  son  espectaculares,  son  un  elemento   esencial  del  palacio  y  responden  al  esquema  prototípico  de  jardín  francés:  muy  geométricos.  En  él  se  integran  un   sinfín  de  fuentes  y  esculturas  que  se  señalan  unas  a  otras  y  que  invitan  a  seguir  un  itinerario.  Según  nos  alejamos   del  Palacio,  se  va  asilvestrando,  dando  al  paseante  la  idea  de  que  la  monarquía  ejerce  un  efecto  racionalizador  y   ordenador.             España     Al   igual   que   ocurre   en   el   resto   de   las   artes,   el   Barroco   arquitectónico   tendrá   en   España   un   carácter   fundamentalmente  religioso  y  monárquico.  También  la  Contrarreforma  va  a  dictar  el  estilo  en  la  construcción  de   edificios.   En   consecuencia,   la   arquitectura   barroca   española   va   a   ser   fundamentalmente   religiosa,   reflejo   del  
  9. 9. 9 9 poder   de   la   Iglesia   en   esta   etapa.   Se   van   a   construir   numerosas   iglesias   y   conventos   –a   Madrid   se   la   llegó   a   denominar  “ciudad  conventual”5 .   La  arquitectura  civil  tuvo  un  desarrollo  bastante  menor  que  la  eclesiástica.  La  falta  de  recursos  y  el  descenso  de   población   en   muchas   ciudades,   abandonadas   también   por   las   familias   nobles   que   emigraban   a   la   corte,   motivaron   que   este   tipo   de   actividad   fuera   muy   poco   relevante   o   casi   inexistente   en   amplias   zonas   de   la   geografía   española.   Sólo   Madrid   escapó   a   esta   situación   por   su   condición   de   capital,   y   además   reciente.   El   aumento   de   población,   el   asentamiento   de   la   nobleza,   las   necesidades   generadas   por   la   corte   y   el   deseo   de   dotarla  de  una  imagen  representativa  por  parte  de  la  monarquía  favorecieron  el  auge  de  las  construcciones  de   carácter  civil.  Arquitectura  doméstica,  edificios  públicos  y  residencias  palaciegas  fueron  realizados  en  número   importante  a  lo  largo  del  siglo.  La  construcción  del  palacio  del  Buen  Retiro  es  uno  de  los  principales  ejemplos  de   las  obras  emprendidas  por  los  reyes  en  este  período.  En  general,  los  exteriores  eran  monumentales,  pero  muy   sencillos,  en  contraste  con  la  riqueza  de  obras  de  arte  que  ornaba  los  interiores.  La  arquitectura  barroca  va  a   tener  una  gran  difusión  en  España.  Son  relevantes  del  barroco  español  son,  entre  otros  muchos:  la  fachada  del   Obradoiro   de   la   Catedral   de   Santiago   de   Compostela   (Galicia);   las   plazas   mayores   de   Madrid   y   Salamanca;   la   catedral  de  Murcia,  etc.     La  catedral  de  Murcia     En  el  levante  español,  en  la  ciudad  de  Murcia  se  levanta  una  catedral  sobre  la  antigua  mezquita  de  la  época  de  Al-­‐ Ándalus.  Los  orígenes  de  esta  iglesia  son  góticos  de  los  siglos  XIV  y  XV.  La  construcción  de  esta  iglesia  abarca   varias  centurias  por  lo  que  en  ella  podemos  encontrar  diversos  estilos  artísticos    como  añadidos  platerescos  –la   puerta  de  las  cadenas-­‐  del  siglo  XVI  y  barrocos  de  los  siglos  XVII  y  XVIII.  En  especial  destaca  la  capilla  gótica  de  los   Vélez,  rica  en  motivos  ornamentales  (heráldicos,  etc.)  y  con  una  bellísima  bóveda  de  crucería  estrellada.     La  catedral  presenta  planta  de  cruz  latina,  tres  naves  y  girola,  con  capillas  alojadas  entre  los  contrafuertes.           El  templo  se  ha  visto  afectado  en  numerosas  ocasiones  por  las  crecidas  del  cercano  río  Segura,  especialmente  la   sufrida  en  1733  cuando  el  agua  perjudicó  de  tal  manera  los  cimientos  de  la  fachada  que  tuvo  que  levantarse  la   actual,  obra  de  Jaime  Bort.  La  fachada  de  la  catedral  de  Murcia,  de  58  metros  de  altura,  es  una  de  las  mejores   creaciones  del  barroco  español.  Se  terminó  en  1754.  La  fachada  sustituye  a  una  renacentista.  La  actual,  barroca,   fue   diseñada   por   Bort,   destacando   la   magnificencia   del   conjunto,   presidido   por   una   monumental   estatua   del   apóstol  Santiago  que  hubo  de  sustituirse  por  un  terremoto.  La  fachada  presenta  dos  cuerpos  articulados  por   columnas   corintias,   marcando   un   acentuado   dinamismo   ascensional   el   segundo   gracias   a   su   perfil.   La   parte   central   presenta   forma   cóncava.   Los   espacios   de   las   portadas   laterales   quedan   rehundidos,   creando   un   sensacional   juego   de   planos   en   profundidad   con   lo   que   se   consigue   un   magnífico   efecto   de   dinamismo.   La   ligereza   y   elegancia   de   la   decoración   que   enmarca   ventanales,   hornacinas   y   vanos   de   acceso   es   otro   de   los   5 La  precaria  situación  económica  se  dejó  sentir  en  la  arquitectura,  la  más  necesitada  entre  las  tres  grandes  artes  de  recursos  monetarios  para  financiar  la   actividad   constructiva.   La   actividad   constructiva   se   vio,   en   general,   afectada   por   la   falta   de   recursos:   materiales   pobres,   lentitud   en   los   trabajos,   interrupciones  y  demoras...
  10. 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10 elementos  claves  en  la  suntuosidad  del  conjunto.  Esta  espectacular  fachada  nos  recuerda  las  de  Borromini,  como   su  iglesia  de  Santa  Inés  de  Roma.  La  Torre  es  otro  de  los  elementos  más  significativos  de  la  catedral.     La  arquitectura  barroca  en  Canarias     La   arquitectura   barroca   en   Canarias   presenta   ecos   mudéjares   (en   los   artesonados)   e   influencias   andaluzas.   Guarda  un  estrecho  paralelismo  con  el  arte  portugués  e  hispanoamericano  de  esta  etapa.  Particular  interés  tiene   el  retablo  barroco,  presente  en  numerosísimas  iglesias  canarias.     Entre   todos   los   ejemplos   de   la   arquitectura   barroca   canaria   destaca   LA   IGLESIA   DE   LA   CONCEPCIÓN   DE   LA   OROTAVA  (TENERIFE).  Se  encuentra  en  el  casco  histórico  de  la  Orotava  que  presenta  un  gran  interés  artístico   cultural.   La   fachada   presenta   dos   torres   campanarios,   de   24   metros   de   altura.   La   iglesia   presenta   cimborrio   sobre  el  que  se  eleva  una  imponente  cúpula  sobre  tambor  que  se  erige  como  símbolo  iconográfico  del  templo   con  una  linterna  de  estilo  neoclásico.  En  el  interior,  las  tres  amplias  naves  están  determinadas  por  columnas  de   base  jónica,  coronadas  por  capiteles  de  estructura  corintia,  todos  diferentes  en  ornamentación.     Otros  ejemplos  del  barroco  en  Canarias,  concretamente  en  Las   Palmas   de   Gran   Canaria  son  la  iglesia  de  San   Francisco  de  Borja  (Jesuitas),  la  iglesia  de  San  Francisco  de  Asís,  la  ermita  de  San  Telmo,  etc.                   El  barroco  en  Hispanoamérica     El   Barroco   se   extendió   por   toda   Hispanoamérica   llenando   las   nuevas   capitales   coloniales   de   edificios   como   ermitas,   iglesias,   ayuntamientos   y   catedrales   a   imagen   y   semejanza   de   los   construidos   en   las     metrópolis.   Se   planificaron  ciudades  siguiendo  el  esquema  en  damero  –de  influencia  grecorromana-­‐.  Disponían  en  el  centro  en   la  plaza  mayor,  llamada  plaza  de  armas,  los  edificios  más  emblemáticos  de  la  ciudad,  como  la  catedral  o  el  palacio   virreinal.  Un  ejemplo  de  esta  planificación  perfecta,  en  cuadricula,  es  la  ciudad  de  Antigua  en  Guatemala.   Entre  las  plazas  de  armas  más  impresionantes  destacan  la  Plaza  Mayor  de  Lima,  la  de  Bolívar  de  Bogotá,  o  la   Plaza  de  la  Constitución  (El  Zócalo)  de  Ciudad  de  México,  con  su  espectacular  catedral  y  su  Puerta  del  Sagrario,   puramente  barrocas.  Por  lo  general,  el  Barroco  en  América  se  caracterizará  por  su  tendencia  hacia  la  exuberancia   decorativa,  con  total  horror  vacui.     3.  LA  ESCULTURA  BARROCA       La  escultura  barroca  en  Italia     La  escultura  italiana  del  siglo  XVII  presenta  las  siguientes  características:     *Una   gran   diversidad   tipológica:   hay   una   escultura   ornamental,   alegórica   o   mitológica,   con   destino   a   espacios   abiertos  o  cerrados,  retratos,  imágenes  religiosas,  con  fines  devocionales  o  decorativos,  en  las  iglesias,  o  conjuntos   funerarios.  Los  santos  son  muy  representados:  en  éxtasis,  yacentes,  etc.  
  11. 11. 11 11 *El  material  más  utilizado  es  el  mármol,  del  que  se  aprovechan  sus  posibilidades  cromáticas  y  de  textura,  y  también   el   bronce,   con   frecuencia   combinado   con   aquél,   con   los   que   los   escultores   buscan   alterar   los   valores   táctiles,   creando  una  ficción  ilusionista.   *Formalmente   es   un   arte   naturalista,   les   interesa   plasmar   la   realidad   pero   sin   idealización.   Se   interesan   por   el   estudio  anatómico.   *Buscan  el  movimiento  y  dinamismo,  en  contraste  con  el  equilibrio  y  reposo  del  Renacimiento.  La  escultura  barroca   se   proyecta   dinámicamente   hacia   fuera.   Las   figuras   adoptan   posiciones   teatrales.   Buscan   expresar   emociones.   Aparecen  complejas  composiciones  (en  aspa,  serpentinatas,  etc.),  y  las  telas  y  cortinajes  acrecientan  el  dramatismo   de  las  escenas.  Son  obras  muy  expresivas  y  dinámicas.   *La  luz  resbala  sobre  las  superficies  lisas  y  descubre  la  calidad  de  la  carne  o  la  transparencia  de  las  telas.  En  muchas   ocasiones  se  buscará  la  policromía:  en  Italia  usando  mármoles  de  diversos  colores  y  en  España  y  Alemania  con  la   madera  pintada.   *Las  esculturas  están  realizadas  para  ser  contempladas  desde  diversos  puntos  de  vista.     Entre  los  escultores  de  la  Italia  barroca  descuella  uno  entre  todos  los  demás:  GIAN  LORENZO  BERNINI.  Además  de   arquitecto,  Bernini  es  uno  de  los  más  geniales  escultores  de  todos  los  tiempos.  Su  padre  fue  también  escultor.                                                                                                                                                                                                            BERNINI   y   tres   de   sus   conjuntos   escultóricos   más   impresionantes:   Apolo   y   Dafne;   David;   el   rapto   de   Proserpina.   Se   conservan  en  el  Museo  Galería  Borghese  de  Roma     De  la  consumada  habilidad  del  padre  aprendió  a  tallar  el  mármol  directamente,  sin  plan  previo.  Sus  influencias   fueron,  por  un  lado,  Miguel  Ángel  y  por  otro,  las  colecciones  de  escultura  helenística  del  Vaticano  (Laocoonte,   Torso  del  Belvedere).  También  se  basó  en  la  escultura  manierista  e  incluso  la  pintura  renacentista  (Rafael)  y  la   barroca  (Carracci  y  Caravaggio).  Para  su  mecenas  el  cardenal  Borghese  realizó  varias  esculturas,  por  ello,  no  es   extraño  que  gran  parte  de  esas  obras  se  conserven  actualmente  en  el  museo  Galería  Borghese  de  Roma.  Su  labor   como  escultor  no  es  inseparable  de  su  trabajo  como  arquitecto  que  aúna  además  elementos  escenográficos.  
  12. 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 Como  se  observa  por  ejemplo  en  las  esculturas  que  realizó  para  San  Pedro  del  Vaticano.  Las  esculturas  de  Bernini   se   caracterizan   por   la   búsqueda   del   naturalismo,   el   movimiento   exaltado,   sorprendido   en   plena   acción,   y   la   violencia  expresiva.  Es  capaz  de  convertir  el  mármol  en  carne,  telas  o  vegetales,  demostrando  un  virtuosismo   extraordinario.   Entre   su   producción   mitológica   encontramos   la   espectacular   obra   APOLO   Y   DAFNE   (1621-­‐1622)   que   se   basa   en   el   relato   de   Ovidio   de   su   obra   Metamorfosis:   Dafne   empieza   a   trasformase   en   laurel   al   ser   alcanzada   por   Apolo,   metáfora   de   las   aspiraciones   de   la   existencia,   que   cuando   creemos   alcanzarlas,   se   desvanecen  como  consecuencia  de  un  mundo  en  permanente  cambio.  Con  esta  obra  Bernini  sienta  las  bases  de   la  escultura  barroca.    Capta  el  instante  fugaz,  dinámico  de  la  naturaleza  real.    La  compleja  composición  se  crea  a   base  de  diagonales.       EL  DAVID  (1623-­‐1624)  de  Bernini  es  una  figura  de  bulto  redondo  que  representa  a  esta    figura  mítica  del  Antiguo   Testamento.  Iconográficamente  el  David  de  Bernini  es  innovador:  lo    representa  en  el  momento  exacto  en  el  que   se  está  preparando  para  lanzar  la  honda  contra  su  enemigo,    con  el  ceño  fruncido,  el  rostro  contraído  por  la   fuerza,   los   labios   mordidos   y   los   ojos   hundidos.   Claramente   se   inspira   en   el   David   de   Miguel   Ángel,   pero   su   concepción,   como   vemos,   es   radicalmente   distinta.   Del   movimiento   en   potencia   de   Miguel   Ángel   se   pasa   al   movimiento  en  acto  de  Bernini.  El  material  es  el  mismo  (mármol  de  Carrara)  y  la  escala  es  diferente,  mucho  más   pequeña  la  de  Bernini,  pero  diferente  en  la  concepción  de  la  obra.  Es  una  obra  que  muestra  el  naturalismo  del   Barroco:   destacamos   el   estudio   anatómico   (aparece   prácticamente   desnudo)   pero   rompe   con   el   clasicismo   renacentista   del   siglo   XVI.;   el   tratamiento   de   las   calidades   de   la   tela,   la   piel,   el   pelo,   etc.;   la   captación   psicológica…Es  una  figura  hecha  para  ser  contemplada  desde  distintos  puntos  de  vista.  La  estructura  en  espiral   de  su  composición,  provoca  que  el  cuerpo  se  retuerza  en  un  giro  mediante  un  escorzo  que  refleja  toda  la  fuerza   del  lanzamiento.                                                               El  Éxtasis  de  Santa  Teresa  es  otra  de  sus  obras  más  conocidas:  El  grupo  escultórico  del  éxtasis  de  Santa  Teresa  fue   realizado  ex  profeso  para  la  CAPILLA  CORNARO  de  la  Iglesia  de  Santa  María  de  la  Victoria  de  Roma.  Es  una  iglesia   barroca  carmelita  de  una  sola  nave  de  planta  de  cruz  latina.    La  labor  de  Bernini  en  este  proyecto  fue  de  arquitecto,   escultor  y  decorador.  CRONOLÓGICAMENTE  este  conjunto  cabe  fecharlo  entre  los  años  1647-­‐1651  y    estilísticamente   es  plenamente  barroco.  Por  lo  que  se  refiere  al  COMITENTE  de  este  proyecto  artístico,  fue  un  poderoso  cardenal  de   la   época,   el   veneciano   de   noble   abolengo  Federico   Cornaro.   Cornaro   deseaba   que   Bernini   reformase   el   brazo   izquierdo  del  transepto  de  la  iglesia  –ya  existente-­‐  para  instalar  en  ella  una  capilla  funeraria  destinada  a  su  familia.  El   MATERIAL  utilizado  en  este  grupo  escultórico  de  bulto  redondo  es  mármol  de  Carrara  y  bronce  dorado.     El  TEMA  que  muestra  esta  escultura  es  de  carácter  religioso:  es  la  experiencia  mística  llamada    éxtasis  de  Santa   Teresa   de   Jesús.   El   éxtasis   es   un   “estado   del   alma   caracterizado   por   cierta   unión   mística   con   Dios   mediante   la   contemplación  y  el  amor,  y  por  la  suspensión  del  ejercicio  de  los  sentidos”(RAE).    Otros  santos  como  San  Agustín,   Santa  Catalina  o  Santa  Cecilia  experimentaron  hechos  similares.  Cuando  esta  experiencia  mística  va  acompañada  de   una  flecha  que  atraviesa  el  corazón  se  le  denomina  transverberación  como  en  la  obra  que  analizamos.  
  13. 13. 13 13 Santa  Teresa  de  Cepeda  y  Ahumada  (1515-­‐1582),  más  conocida  como  Teresa  de  Jesús  o  de  Ávila,  es  la  protagonista   de  esta  escena.  Figura  clave  de  la  Contrarreforma,  nacida  en  Ávila,  era  de  origen  judío  converso  y  fue  la  fundadora   de  la  orden  de  carmelitas  descalzas.  Tenía  frecuentes  visiones  de  Dios,  la  Virgen,  los  santos  y  los  ángeles.  Es  una  de   las   más   relevantes   escritoras   españolas   de   todos   los   tiempos.   En   su   autobiografía   el   “libro   de   su   Vida”   hace   referencia  a  su  éxtasis  místico  y  este  texto  será  la  fuente  documental  que  utilizará  Bernini  para  realizar  su  obra.  El   escultor  traducirá  plásticamente,  las  palabras  de  la  santa.  Los  ANTECEDENTES  de  esta  obra,  en  cuanto  al  tema  del   éxtasis   en   escultura,   son   inexistentes.   La   representación   de   este   hecho   sobrenatural   encuentra   en   Bernini   a   su   primer  formulador.  Cuestión  diferente  es  la  representación  de  la  santa,  de  la  que  se  conservan  ejemplos  anteriores   o  coetáneos  tanto  en  escultura  como  en  pintura.  Iconográficamente,  se  la  suele  representar  de  pie  o  de  rodillas,   con  un  libro  en  una  mano  y  con  una  pluma  en  la  otra  en  actitud  de  escribir.  Paulatinamente  irán  surgiendo  a  la  largo   de   los   siglos   XVII   y   XVIII   ejemplos   de   la   trasverberación   de   la   Teresa   de   Ávila,   en   general,   de   carácter   más   contenido  que  el  de  la  obra  de  Bernini.  Desde  el  punto  de  vista  formal  y  artístico,  los  antecedentes  de  esta  obra  se   encuentran  en  la  escultura  grecorromana,  en  concreto  de  la  helenística,  que  estudió  Bernini  con  fruición,  así  como   en   la   de   Miguel   Ángel.   En   cierto   sentido,   la   terribilità   miguelangelesca   se   hace   presenta   en   las   esculturas   fuertemente  expresivas,  dinámicas  y  teatrales  del  maestro  napolitano.  También  muestra  influencias  de  su  padre  y   maestro  Pietro  Bernini.-­‐Este  conjunto  escultórico  sintetiza  a  la  perfección  las  características  del  arte  barroco.  Aúna   en  sí  misma  todas  las  bellas  artes:  escultura,  arquitectura  y  pintura.  Es  la  búsqueda  del  arte  total  puesto  que  este   grupo   escultórico   aparece   situado   en   un   marco   arquitectónico   netamente   barroco   entre   columnas   corintias,   decoraciones  de  estuco,  y  pinturas  de  trampantojo  en  la  cubierta.  La  obra  está  realizada  con  un  virtuosismo  técnico   impresionante.  La  escena  –puesto  que  parece  una  representación  teatral-­‐  que  eligió  Bernini  es  el  momento  en  el   que  la  santa  vive  su  arrebato  místico  ligado  a  la  trasverberación.  No  elige  el  instante  en  el  que  el  ángel  le  atraviesa  el   corazón  con  un  dardo  de  oro  sino  cuando  el  serafín  saca  la  flecha  del  pecho,  provocando  en  ella  sentimientos  entre   el  dolor  y  el  placer.  El  carácter  escenográfico  de  esta  obra,  de  fuerte  lirismo  y  dramatismo,  es  contemplada  desde   dos  palcos  realizados  en  relieve,  por  las  esculturas  de  los  personajes  de  la  familia  Cornaro  que  asisten  encantados  a   semejante  milagro  ¿artístico?   Por  otro  lado,  nosotros,  el  público,  espectadores  activos,  somos  pieza  clave  de  esta  obra.  A  pesar  de  ser  de  bulto   redondo,  el  punto  de  vista  es  único  y  frontal  como  si  fuera  un  cuadro.  La  sencilla  y  humildísima  celda  conventual   donde  vivía  la  santa  es  transformada  en  un  barroco    rompimiento  de  gloria.  El  grupo  escultórico  del  ángel  y  la  santa   parece  suspendido  en  el  aire.  Y  no  es  para  menos  puesto  que  la  escena  transcurre  sobre  un  trono  de  vaporosas   nubes  horizontales.  Bernini  consigue  mostrar  con  gran  expresividad,  la  psicología  de  los  personajes.  El  ángel,  de   rostro   bello   y   pícaro   y   pelo   ensortijado,   nos   recuerda   a   los   efebos   de   pinturas   y   esculturas   de   Verrocchio   (Quattrocento).  Aparece  medio  desnudo,  y  presenta  como  símbolo  parlante  las  alas  y  la  flecha.  Mira  con  dulzura  a  la   santa.   Santa   Teresa   aparece  con  pesados  ropajes  con  múltiples  pliegues   –el  hábito  carmelitano-­‐  en  una  postura   imposible,  con  el  cuerpo  en  tensión,  y  levitando  sobre  la  nube.  Los  ojos  entornados  y  la  boca  entreabierta,  dejan   translucir   el   arrebato   místico   lleno   de   dramatismo   no   exento   de   sensualidad:   “un   martirio   sabroso”   como   Sta.   Teresa   llegó   a   definir   sus   éxtasis.   La   composición   de   esta   obra   naturalista   pero   idealizada   a   un   tiempo,   no   es   equilibrada  sino  muy  dinámica,  con  gran  tensión  dramática.  Es  un  juego  en  zigzag  de  diagonales  y  líneas  cruzadas  en   línea  ascendente,  como  la  mayoría  de  sus  obras  –así  ocurre  por  ejemplo  en  Apolo  y  Dafne  o  en  el  rapto  de  Proserpina.   Consigue  un  gran  verismo  en  las  texturas:  las  diferentes  telas,  la  piel  –de  los  rostros  y  del  sensual  pie  de  la  santa-­‐  y  la   gran  riqueza  cromática  entre  los  diversos  mármoles  polícromos  de  la  capilla  Cornaro.  La  luz  adquiere  en  este  grupo   escultórico  una  gran  importancia.  Busca  contrastes  entre  luces  y  sombras  que  acentúan  el  efectismo,  muy  teatral,   de  la  escena.  La  luz  natural  procede  de  la  ventana  que  se  encuentra  detrás  de  la  escultura,  en  la  parte  superior.   Podemos  considerar  que  la  FUNCIÓN   o   FINALIDAD   de  esta  obra  es  triple.  En  primer  lugar,  presenta  un  carácter   religioso  ya  que  es  una  obra  propagandística  de  la  fe  católica.  Vista  en  el  contexto  de  la  época,  aparece  ligada  a  la   Contrarreforma  y  al  culto  a  los  santos  que  ésta  fomenta.  Recordemos  que  se  pretendía  en  aquella  época  propiciar  la   devoción  mística  apelando  a  los  sentidos  y  al  sentimiento.  De  ahí  que  no  se  rehúse  expresar  con  gran  expresividad  la   verdad  religiosa  y  sus  misterios.  En  este  caso,  se  pretende  promover  el  culto  a  Santa  Teresa  de  Jesús,  que  por  lo   demás,  había  sido  canonizada  en  1622,  unos  años  antes  de  realizarse  el  grupo  escultórico  de  Bernini.  En  segundo   lugar,  es  una  obra  hecha  a  mayor  gloria  de  la  poderosa  familia  Cornaro,  los  comitentes,  no  sólo  del  éxtasis  de  Santa   Teresa  sino  de  toda  la  capilla.  Y  en  tercer  lugar,  pero  no  menos  importante,  es  una  obra  en  la  que  Bernini  pretende   sorprender  y  maravillar  al  mundo  con  su  talento  artístico  en  un  momento  en  el  que  no  recibía  tantos  encargos  por   parte  del  papado.  Hay  que  señalar  que  tras  el  ascenso  como  pontífice  de  Inocencio  X,  era  su  rival  Alejandro  Algardi  
  14. 14. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       14 quien   acaparaba   los   proyectos   escultóricos   del   mecenazgo   papal.   Con   esta   obra   Bernini   pretende   recuperar   la   preeminencia  perdida  realizando  una  escultura  deslumbrante.  Por  lo  que  se  refiere  a  los  CONSECUENTES  de  esta   obra,   hemos   de   ponerla   en   relación   con   otras   esculturas   de   Bernini.   La   morbidez   y   sensualidad,   la   expresividad   dramática   un   tanto   miguelangelesca   y   el   virtuosismo   técnico   se   aprecian   en   todas   sus   obras.   En   especial,   la   escultura   que   comentamos   guarda   muchas   concomitancias   con   la   impresionante   Beata   Ludovico   Albertoni,   también  en  éxtasis  como  Santa  Teresa  y  también  conservada  en  una  iglesia  romana.  Fue  una  de  sus  últimas  obras.   Siendo  Bernini  el  padre  indiscutible  de  la  escultura  barroca  tuvo  muchísimo  discípulos  y  colaboradores,  prolongando   su  estilo  hasta  bien  entrado  en  siglo  XVIII.  Su  influencia  fue  decisiva  en  toda  Europa,  especialmente  en  la  escultura   funeraria   y   conmemorativa.     Aunque   influyó   en   escultores   barrocos   afincados   en   Roma   como   el   flamenco   Duquesnoy  o  el  italiano  Algardi,  estos  dos  artistas  pertenecían  a  la  corriente  clasicista,  la  menos  “barroca”  del  arte   barroco.  En  Francia,  el  influjo  de  Bernini  se  deja  sentir  en  Pierre  Puget,  con  sus  obras  tensas  y  dramáticas,  mucho   más  que  en  Girardon  o  Coysevox  que  tienden  hacia  un  clasicismo  admirador  de  Bernini  pero  deudor  de  Algardi.  En   España   la   influencia   de   Bernini   no   será   mucha   en   el   siglo   XVII   pero   sí   en   el   XVIII   de   la   mano   del   gran   escultor   murciano  de  origen  napolitano,  Francisco  Salzillo.     La  SIGNIFICACIÓN  HISTÓRICA  de  esta  obra  viene  dada  porque  el  súmmum  de  la  estatuaria  barroca  europea  del  siglo   XVII.  Ha  suscitado  el  interés  de  todo  tipo  de  artistas  como  Salvador  Dalí.  Desde  el  barroco  hasta  la  actualidad  ha   sido   inspirador   también   para   músicos   –como   Pietro   Mascagni   o   Peter   Hammill   que   le   han   dedicado   sendas   composiciones-­‐,  filósofos,  científicos  y  psicoanalistas  que  han  escrito  sesudos  análisis  sobre  esta  obra  como  Roland   Barthes,  Georges  Bataille  o  Lacan;  escritores  de  la  talla  del  marqués  de  Sade,  Stendhal  o  la  feminista  Simone  de   Beauvoir  y  ya  en  nuestra  época,  aparece  en  las  novelas  del  popular  autor  Dan  Brown  o  de  Abraham  Verghese.6   En   CONCLUSIÓN,   el   éxtasis   de   Santa   Teresa   es   una   de   las   obras   maestras   de   todos   los   tiempos.   Otras   obras   absolutamente  geniales  de  Bernini  que  reflejan  como  en  su  labor  como  escultor  es  más  barroco  incluso  que  en  su   trabajo  como  arquitecto  son:  El  rapto  de  Proserpina,  la  fuente  del  Tritón,  el  busto  de  Luis  XIV…   Sobre  Bernini,  véase  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2012/03/el-­‐extasis-­‐de-­‐santa-­‐teresa-­‐de-­‐bernini.html   Otros  escultores  italianos  destacados  del  Barroco  son  Stefano  Maderno  –autor  de  Santa  Cecilia-­‐,    Francesco  Mochi,  y   Pietro  Tacca.                                               La  imaginería  española       La  escultura  barroca  española  es  una  de  las  más  genuinas  expresiones  del  carácter  católico  contrarreformista  de  la   España   de   los   siglos   XVII   y   XVIII   que   se   expresa   a   través   de   los   retablos   y   la   imaginería   (imágenes   o   esculturas   religiosas).  En  conclusión,  la  temática  es  predominantemente  religiosa.   Los  retablos  serán  idénticos  en  concepción  a  los  renacentistas,  aunque  ahora  tanto  la  pintura  como  la  escultura   tendrán  un  carácter  netamente  barroco,  predominando  cada  vez  más  las  pinturas  de  gran  formato.  Sin  embargo,   donde   más   se   desarrollará   la   escultura   será   en   las   imágenes   devocionales:   santos,   santas,   cristos   crucificados,   6  Sobre  el  ESTADO  DE  CONSERVACIÓN  hay  que  señalar  que  se  conserva  en  buen  estado  ya  que  la  totalidad  de  la  capilla  Cornaro  fue  restaurada  en  1996  gracias   a  la  iniciativa  y  patrocinio  de  la  Fundación  BNC  y  de  la  actual  familia  Cornaro.    
  15. 15. 15 15 Inmaculadas,  etc.  Estas  imágenes  estarán  concebidas  para  exhibirse  en  los  altares  y  hornacinas  de  los  templos  de  la   España   contrarreformista     y,     también,     con     mucha     frecuencia,   para   protagonizar   procesiones   en   los   llamados   pasos  de  Semana  Santa.   Estas  imágenes  tienen  como  características  en  común  su  gran  naturalismo,  misticismo  y  dramatismo,  la  recreación   de  los  rasgos  del  sufrimiento  en  Cristo,  como  las  llagas,  las  lágrimas,  la  profusión  de  sangre,  etc.,  destinado  a  mover   al  fiel  a  la  religiosidad.  Suelen  estar  hechas  generalmente  en  madera,  aunque  a  veces  se  haga  también  en  yeso  o   escayola.  Siempre  se  trata  de  escultura  policromada,  puede  ir  también  estofada,  es  decir,  con  aplicaciones  de  panes   de  oro.  Buscan  representar  con  todo  detalle  las   carnaciones,  buscando  conseguir  el  verismo  extremo.  Se  utiliza   todo  tipo  de  recursos  técnicos  y  escenográficos,  desde  la  disposición  estratégica  de  los  personajes  que  componen   el  paso,  al  uso  recurrente  de  óleo  para  pintar  la  sangre,  pintura  de  color  muy  realista  para  las  carnaciones,  añadidos   postizos  (como  el  añadido  de  pelo  o  vidrio  para  las  lágrimas,  dientes  y  uñas  de  asta  de  toro,  etc.).  En  algunos  casos   (las  llamadas  imágenes  de  vestir)  se  trata  sólo  de  una  especie  de  maniquíes  con  ropajes  auténticos  de  los  que  sólo  se   esculpen  las  partes  visibles,  como  la  cabeza  o  las  manos.   El  tratamiento  escultórico  tiene  mucha  influencia  de  la  escultura  de  Bernini  u  otros  artistas  como  Pietro  Torrigiano,   aunque  el  uso  de  la  talla  en  madera  producirá  figuras  mucho  más  expresivas.  Se  pueden  distinguir  varios  focos  o   escuelas:             *La  escuela  castellana.  En  Castilla  la  tendencia  de  la  escultura  barroca  es  hacia  el  naturalismo  extremo  no  exento  de   gran   dramatismo   que   se   aprecia   hasta   en   los   menores   detalles   (representación   de   sangre,   lágrimas,   etc.)   Todas   estas   características   están   presentes   en   la   obra   del   gran   escultor   Gregorio   Fernández   (1576-­‐   1636).   Sus   figuras   presentan  pliegues  angulosos.  Sus  creaciones  fueron  muy  repetidas,  incluso  hasta  la  actualidad,  como  su  Ecce  Homo   o  el  Cristo  yacente,  del  que  hizo  varias  versiones.  Los  pasos  procesionales  más  emotivos  de  la  famosa  Semana  Santa   de  Valladolid  fueron  temas  predilectos  de  este  artista,  que  en  ellos  vivificó  los  episodios  de  la  Pasión.  El  maestro   Gregorio  mantuvo  un  taller  que  absorbió  los  contratos  no  sólo  de  Valladolid,  León  y  Madrid,  sino  también  los  del   País  Vasco  y  Extremadura.  Tenía  su  casa  como  si  se  tratase  de  un  hospital  por  la  continua  asistencia  a  desvalidos,   pobres   y   hambrientos   a   quienes   socorría   a   diario.   Rodeado   de   fama   y   veneración,   este   escultor   adquirió   la   consideración  de  hombre  tan  virtuoso  que  a  las  gentes  les  parecía  poseedor  de  claros  signos  de  santidad.  Como   Bernini  o  Martínez  Montañés,  fue  un  artista  para  quien  esculpir  una  sagrada  imagen  era  un  compromiso  con  la  fe.   Es  esencial  recordar  que  la  religiosidad  del  siglo  XVII  se  define  ante  todo  como  mística:  era  la  época  de  los  santos   visionarios.  De  su  larga  producción  destaca    el  Cristo  Yacente  (1614)  de  el  Pardo,  tipo  iconográfico  creado  por  él  y   que  repitió  en  otras  ocasiones.  El  modelado  del  cuerpo  de  Cristo  es  perfecto,  el  realismo  patético,  con  abundancia   de  sangre.  Otras  representaciones  de  Cristo,  son  el  Cristo  a  la  columna  -­‐donde  la  expresión  del  dolor  alcanza  niveles   muy  altos-­‐,  los  crucificados  con  tres  clavos,  el  Cristo  muerto,  etc.         *La  escuela  andaluza.  Andalucía  durante  el  siglo  XVII  era  la  zona  más  enriquecida  de  España  gracias  al   comercio  de  América.  Allí  existía  una  gran  tradición  en  la  realización  de  imágenes  religiosas.    La  escuela  andaluza   se  centra  en  Sevilla  y  Granada.  Participa  del  espíritu  contrarreformista  que  encontramos  en  la  castellana,  si  bien   tienden   a   formas   más   idealizadas,   más   amables   y   menos   dramáticas.   Buscan   una   belleza   espiritual   llena   de  
  16. 16. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       16 serenidad  y  sosiego.  Realizaron  obras  la  extraordinaria  calidad  técnica  y  de  profundidad  religiosa,  acordes  con  el   ambiente  de  su  época.  Utilizaron  la  madera  como  material  habitual  en  sus  obras,  que  además  policromaban.  En   ocasiones  colaboraban  con  pintores  para  policromar  sus  obras.7 .  Destacan:   *Juan   Martínez   Montañés8  (1568-­‐1649),   autor   de   excelentes   relieves,   como   los   del   Retablo   de   Santiponce,   o   bellas   Inmaculadas,   flotando,   de   manera   característica,   sobre   angelotes.   Descuellan   El   Cristo  de  la  Clemencia  (1603)  en  el  que  crea  el  tipo  de  Cristo  “andaluz”,  muy  humanizado,  casi  sin  notas   sangrientas,  y  su  Inmaculada  (1628-­‐31)  de  la  Catedral  de  Sevilla,    llamada  La  Cieguecita,  que  representa  a    la   Virgen  como  una  joven  ingenua,  serena    y  melancólica,  plena  de  dulzura  y  belleza.           *Pedro  de  Mena  (1628-­‐1688),  autor  de  expresivas  Dolorosas  muy  imitadas  en  toda  España  y  que   se  convirtieron  en  modelo  a  seguir  para  todos  los  imagineros.   *El  granadino  Alonso  Cano  (1601-­‐1667),  autor  de  preciosistas  y  amables    tallas  marianas  de  belleza   sublime,  como  en  su  famosa  Inmaculada  de  la  Catedral  de  Granada.   *La  escuela  murciana.  Esencialmente  del  siglo  XVIII,  destaca  sobre  todo  el  trabajo  del  escultor  de  origen   italiano  Francisco  Salzillo  (1707-­‐1783).  Sus  tallas  tienen  un  carácter  preciosista  y  dulce  del  gusto  ya  casi  rococó.   Destacan  sus  pasos  procesionales,  como  El  prendimiento  o  La  oración  en  el  Huerto,  y  las  figuras  para  belenes.   Todas  estas  obras  se  pueden  contemplar  en  el  Museo  Salzillo  de  Murcia.         Fuente  de  esta  imagen  y  texto:  Fuente  de  la  imagen:  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐ del.html     La  escultora  Luisa  Roldán  “la  Roldana”     Una  de  las  imagineras  más  interesantes  del  barroco  español,  tanto  por  su  obra  como  por  lo  apasionante  de  su   vida,  fue  Luisa  Ignacia  Roldán  (1652-­‐1706),  conocida  como  La  Roldana,  excelente  escultora,  autora  de  dulcísimas   Dolorosas,  conmovedores  Cristos  y  tallas  exquisitas  de  santos,  como  san  Servando.  Luisa  fue  desde  siempre  audaz   e   independiente.   Se   casó   sin   el   consentimiento   de   su   padre,   el   prestigioso   imaginero   Pedro   Roldán,   con   un   aprendiz  de  escultor  bastante  mediocre  (Luis  Antonio  de  los  Arcos)  pero  al  que  amaba  y  con  quien,  después  de   todo,  tuvo  siete  hijos.   7  El  proceso  que  debía  seguirse  para  policromar  una  obra  de  madera  era  lento  y  complejo,  requiriendo  del  que  lo  hiciera  una  gran  pericia  técnica;  una  vez   alisada  la  madera,  era  necesario  rellenar  las  grietas  y  huecos,  procediéndose  luego  a  cubrir  las  superficies  con  varias  capas  de  yeso;  el  paso  siguiente   consistía  en  aplicar  una  capa  de  arcilla  rojiza  muy  untuosa,  conocida  como  bol  arménico,  que  servía  de  base  a  la  pintura  propiamente  dicha;  en  ésta  se   distinguen  dos  procedimientos:  el  encarnado  y  el  estofado.  El  primero  se  empleaba  para  dar  color  a  las  partes  del  cuerpo  que  no  iban  cubiertas  con  las   vestiduras;  el  segundo  era  el  destinado  a  decorar  los  ropajes.  Para  ello  se  cubrían  las  superficies  con  láminas  de  pan  de  oro  sobre  las  cuales  se  aplicaba  el   color,  de  acuerdo  a  dos  modalidades:  una  a  punta  de  pincel  para  las  partes  decoradas  de  los  vestidos,  y  otra,  más  efectista,  consistente  en  rascar  con  un   instrumento  apropiado  la  superficie  pintada  para  dejar  al  descubierto  el  oro,  siguiendo  un  dibujo  previamente  establecido.  En  ocasiones  se  logra  el  máximo   esplendor  del  vestuario  con  aplicaciones  geométricas  en  relieve  imitando  labores  de  recamado,  enriquecidas  con  pedrería.   8 Martínez  Montañés  tuvo  taller  propio  y  recibió  muchos  encargos.  Murió  de  peste  en  Sevilla.  Afortunadamente  han  llegado  hasta  hoy  varios  retratos,  uno   de  ellos  el  que  Velázquez  le  hiciera  en  Madrid,  que  nos  permite  conocer  cómo  era  el  aspecto  físico  del  maestro.  Por  lo  que  se  refiere  a  su  personalidad,   sabemos  que  fue  hombre  de  carácter  difícil,  seguro  de  su  valía  profesional,  ciertamente  reconocida  entre  sus  contemporáneos,  irascible,  con  frecuentes   pleitos  con  los  clientes,  motivados  probablemente  por  un  acusado  sentido  de  superioridad  con  respecto  a  sus  contemporáneos,  que  se  detecta  fácilmente   en  la  documentación  conservada.    
  17. 17. 17 17 De  su  primera  etapa  en  Sevilla  no  se  conservan  obras  de  clara  autoría,  pero  se  cree  que  son  suyas  algunas  tan   emblemáticas  como  la  imagen  de  la  Virgen  de  la  Macarena.9  Vivió  en  Cádiz  y  en  ocasiones  trabajó  con  su  padre  el   escultor  Pedro  Roldán  y  con  su  marido  quien  presumiblemente  doraba  y  estofaba  sus  obras.             Viajó  a  Madrid  en  busca  de  fama  y  encargos,  dando  allí  un  giro  copernicano  a  su  estilo  como  muestra  su  grupo   escultórico  de  terracota  de  la  Sagrada  Familia.  El  reconocimiento  oficial  y  la  cumbre  de  su  carrera  llegó  en  1692,   cuando  Luisa  Roldán  fue  nombrada  por  el  rey  Carlos  II  Escultora  de  Cámara.  También  lo  sería  con  el  rey  Felipe  V  a   inicios  del  siglo  XVIII.  A  pesar  de  su  fama  y  reconocimiento  en  la  corte,  pasó  muchas  penurias  económicas  en  su   vida,  muriendo  pobre  en  1706.  Una  de  sus  obras  más  relevantes  es  el  Arcángel  San  Miguel  con  el  diablo  a  sus  pies,   que  se  encuentra  en  El  Escorial.     JOSÉ   LUJÁN   PÉREZ   (1756-­‐1815)   nacido   en   Guía   (Gran   Canaria)   es   el   máximo   exponente   de   la   escultura   tardobarroca   en   Canarias.   Fue   también   arquitecto.   Trabajó   para   todas   las   islas,   pero   sus   obras   maestras   se   encuentran  dispuestas  en  la  Catedral  de  Santa  Ana:  el  Cristo  de  la  Sala  Capitular  y  la  Dolorosa.  Dominaba  la  talla   de  madera.  Sus  esculturas  muestran  una  fuerte  expresividad  y  dramatismo.    Realizó  fundamentalmente  Pasos   Procesionales  y  esculturas  de  santos.  Sentía  gran  predilección  por  las  "Dolorosas"  y  Los  Crucificados.  Dejó  Luján   bastantes  discípulos  y  se  puede  decir  que  aún  la  tradición  imaginera  de  las  islas  se  alimenta  de  ella.     ESCUELA  CASTELLANA     ESCUELA  ANDALUZA     Gran  realismo     Cierta  idealización   Dramatismo  exagerado,  gran  expresividad   Serenidad  y  dulzura   Búsqueda  de  dinamismo   Búsqueda  de  belleza  y  equilibrio   Fuerte  modelado     Modelado  suave   Centros:  Valladolid  y  Madrid   Centros:  Sevilla,  Granada,  Málaga   Destaca:  Gregorio  Fernández   Destaca:  Alonso  Cano    Manuel  Pereira   Juan  Martínez  Montañés,  Pedro  de  Mena     4.  LA  PINTURA  BARROCA     La  pintura  barroca  italiana  es  uno  de  los  grandes  capítulos  de  la  historia  del  Arte  de  todos  los  tiempos.  Buscan  crear   un  arte  total  que  aúne  todas  las  artes  bajo  un  mismo  estilo  homogéneo:  el  Barroco.  Encontramos  dos  tendencias   9  Estas  dudas  en  la  atribución  de  autoría  dimanan  precisamente  del  hecho  de  que  las  obras  que  hacía  las  firmaba  y  negociaba  su  marido  a  su  nombre,  no  por   quitarle   protagonismo,   sino   porque   una   sociedad   tan   machista   como   la   de   la   época   minusvaloraba   el   trabajo   realizado   por   una   mujer,   aunque   fuera   excelente.  

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