La estética en la filosofía.

1. Sara González
Silvia Diez

2. 
 La estética es la disciplina filosófica que explica los procesos que generan
la experiencia de lo bello y del arte, y analiza los conceptos que intervienen
en estos dos campos.
 El término estética procede etimológicamente de la palabra griega aisthesis
–sensación- y se refiere a la reflexión sobre el arte y la belleza. Este origen
confirma que la estética tiene que ver con las apariencias de los objetos, con
las cosas que se pueden experimentar mediante los sentidos.
 La disciplina filosófica denominada estética tiene en cuenta también esta
acepción, pues estudia los afectos de belleza o de fealdad que se
experimentan ante los objetos, pero la experiencia estética no se reduce a lo
que los sentidos perciben.
 La estética ha tenido dos ámbitos de estudio:
• La naturaleza, calificada como bella o como sublime
• El arte, objeto fundamental de la estética
Definición de estética

3. 
Alexander Gottlieb Baumgarten
El filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten (1714-1762) usó por primera
vez el término estética, entendiéndola como ciencia de la sensibilidad. La
disciplina de la estética es, por tanto, relativamente moderna, ya que no existía
como tal antes de este filósofo.

4. 
 Todo el mundo tiene una idea de lo que es el arte o, al menos, de cuándo y
dónde hay arte, ya que en las ciudades existen lugares reservados para
realizar actividades artísticas o para conservar las obras de arte. La
definición se debe poder aplicar a actividades tan dispares como son la
música, la literatura, el cine, el teatro, la pintura, la escultura, etc.
 La obra de arte es la creación de un artista, que, por medio de la fantasía y
la inteligencia, crea una ficción simbólica que genera en el espectador unas
reacciones denominadas experiencias estéticas. Las obras de arte
constituyen una manifestación cultural, ya que hablan de las inquietudes
de las diferentes épocas de la humanidad.
 En resumen, la definición de arte es triangular, ya que está compuesta por
el artista, la obra de arte y su recepción individual y social.
¿Qué es el arte?

5. 
 Para definir el arte se deben establecer sus diferencias con la naturaleza y
con los objetos técnicos o tecnológicos. Las diferencias entre arte y
naturaleza son:
1. Las obras de arte son creaciones humanas; la naturaleza no lo es.
2. Arte y naturaleza pueden generar sentimientos bellos. En la naturaleza se
producen gratuitamente, en el arte existe una predeterminación por parte
del artista.
3. Las obras de arte se transforman al mismo tiempo que la sociedad; la
naturaleza se repite y se reproduce constantemente.
 Tampoco se debe confundir obra de arte con los instrumentos técnicos o
tecnológicos. Las diferencias son:
1. En el utensilio se tiene más en cuenta la función que el instrumento en sí
mismo; en la obra de arte prevalece la contemplación sobre la función
2. Si se estropea un útil, puede ser repuesto con otro. En cambio la
destrucción de una obra de arte causa un sentimiento de pérdida
irreparable, al ser considerada como algo único, irrepetible.
La obra de arte es una
creación humana

6.  El artista es la persona que realiza las obras de arte; es el creador de unos
objetos que no forman parte de la naturaleza ni tampoco del mundo de los
instrumentos técnicos o tecnológicos. La consideración social que ha tenido el
artista ha variado según las épocas y las sociedades. En unos momentos
históricos, la obra de arte no estaba ligada a ningún nombre, mientras que, en
otros, el artista era idolatrado y comparado con los dioses, y el mismo nombre
de artista podía tener un significado despectivo o de admiración,
independientemente del valor de sus obras.
¿Es el artista un artesano?
El artesano elabora objetos en los que ni la fantasía ni la inspiración desempeñan un
papel determinante. Posee una habilidad que ha aprendido y realiza su obra. En
Grecia, hasta el siglo IV a. C., se consideró el trabajo de los pintores y escultores
como una actividad artesanal que solo un esclavo podía llevar a cabo.
El artista

7.  En la antigua Grecia, el poeta era considerado como un mensajero
divino. El poeta, por tanto, era tenido por un simple portavoz, ya que,
sin la inspiración divina, no habría pronunciado su verso. Su creación
no nace de la enseñanza, sino de la inspiración, que es el resultado de
la posesión divina.
 Según Platón, el poeta era poseído por potencias superiores a él
mismo, y se convierte en un mediador inconsciente entre la divinidad
y unos oyentes a los que logra transmitir el entusiasmo.
El artista como mensajero divino
William Shakespeare (1564-1616) fue
considerado un artista genial por
muchos autores románticos, y también
por Immanuel Kant, que lo tomó como
modelo para su concepción de genio.

8.  A partir del Renacimiento hasta el siglo XVIII, el artista fue considerado, en
general, como un genio, y fue Immanuel Kant quien caracterizó esta figura con
mayor exactitud.
 Se mantiene la idea de la inspiración divina como origen de la creación del artista,
pero ya no se recurre a la posesión por parte de la divinidad; se entiende que el
artista ha sido dotado naturalmente, tiene una disposición natural, por medio de la
cual es capaz de maravillar. Se valora también mucho más la técnica y la habilidad
aprendidas, y se advierte que el buen artista ha de dominar las técnicas y las reglas
del arte.
 Según Kant, en toda obra artística existe un componente racional; por ello, en el
genio se distingue una habilidad que puede ser aprendida y que le equipara al
artesano.
 Según la definición de Kant, el genio es:
 Original, porque crea reglas nuevas al arte.
 Ejemplar, porque sirve de ejemplo para otros artistas.
 Ignorante de las reglas que el mismo ha aplicado.
El artista como genio

9.  A partir del siglo XIX, para explicar la creatividad del artista se le consideró un ser
enfermizo. Este cambio se basó en la preferencia por las causas materiales, antes
que divinas, para entender los sucesos humanos. De esta manera, se impone la
imagen del artista como un solitario que encuentra en el dolor su fuente de
inspiración.
 La psicología analítica moderna ha intentado eliminar por medio de
investigaciones todos los componentes míticos e irracionales que se atribuyen al
artista. El resultado de estos estudios ha confirmado que el genio no suele ser una
persona introvertida, al contrario, los artistas tienen, con frecuencia, un mayor
coeficiente intelectual y son personas psíquicamente sanas, por lo que se ha
sustituido el concepto de genio por el de personas de talento.
El sufrimiento y el talento
El escritor alemán Thomas Mann (1875-1955) dedicó
gran parte de su obra a reflexionar sobre el artista.
Muchos de los protagonistas de sus novelas son
artistas que se distinguen por su propensión a la
enfermedad y a la soledad.

10. 
 En la definición de obra de arte, el concepto de símbolo tiene una
importancia fundamental, ya que el arte es una expresión simbólica. Sin
embargo, no se debe entender que solo cuando una obra representa
símbolos se puede considerar obra de arte. Es necesario detenerse a aclarar
con mayor precisión qué significa que la obra de arte es una expresión
simbólica.
 Una interpretación consiste en suponer que la obra de arte es una
manifestación simbólica porque remite algo que está más allá de lo
meramente visible, por referirse a un significado y a un sentido exteriores a
la obra misma. Esta concepción distingue un objeto artístico y un
significado al que hace referencia.
 Como afirma Hans-Georg Gadamer es en la obra donde surge el
significado; la obra de arte no se define por hacer referencia a algo más allá
de sí misma, sino por conseguir recrear en ella misma un significado. La
obra de arte no se limita a reproducir un significado exterior, sino que la
misma obra es su significado, en ella se revela y revive ese significado.
El arte como símbolo

11. Obra de Jan Vermeer de Delft

12.  Tragedia y literatura
Aristóteles definió tragedia como mímesis, que se ha aplicado también a la
novela y el teatro. El término mímesis, imitación, se debe entender como
repetición creadora o recreación. Al ser el arte imitación en vez de realidad,
la noción de verdad no desempeña en él un papel importante. La ficción se
distingue de la historia en que no ha de tener en cuenta la veracidad de los
hechos. En la ficción se recurre a la relación causa-efecto; la historia
prescinde de este recurso. La trama es, precisamente, esa lógica interna, esa
cadena de acontecimientos que dan lugar al relato por medio de causas y
efectos. La verosimilitud es la única limitación a la libertad creadora del
artista, la única condición que ha de cumplir si no desea perder el interés
del público.
 Artes plásticas
En la Grecia clásica surgieron dos teorías:
1. La primera, consideraba que el pintor y el escultor se limitan a reproducir
la realidad.
2. La segunda, afirmaba que el artista corrige los defectos de la naturaleza; no
copia, sino que mejora la realidad. El ideal de este tipo es la perfección.
Los géneros artísticos

13. Para Aristóteles, no es necesario que el material de donde el artista extrae su obra sea
original. Puede ser tanto un hecho histórico como totalmente ficticio o, incluso, imposible.
Donde el artista debe mostrar su valía es en la lógica interna, en la forma como se
desarrollan los hechos que se cuentan. Grandes escritores, como Shakespeare, extraían
con frecuencia el material de sus historias de diversas fuentes y mitos populares

14.  La actividad artística ha estado relacionada con el entretenimiento y el
placer, pero también con la educación y la censura.
 Entretenimiento, placer y catarsis.
Desde la antigua Grecia se ha constatado que los artistas son capaces de
entusiasmar al público y de actuar sobre las emociones de los espectadores,
proporcionando entretenimiento y placer. Gorgias (590-381 a. C.) considera
que la actividad artística destaca por su capacidad para agitar los
sentimientos.
Tenía una visión positiva de la actividad artística, pero encuentra demasiadas
limitaciones. Aristóteles propuso para solucionarla la noción de catarsis.
Para Aristóteles, la propiedad de las buenas tragedias griegas es su
capacidad para revelar la falta de correspondencia entre las cualidades de
un hombre y sus circunstancias, entre virtud y felicidad.
 La noción de catarsis o purificación conduce a un doble movimiento:
• La tragedia provoca compasión y piedad en el espectador
• El hecho de vislumbrar la lógica interna del relato es placentero, a causa
del aprendizaje que en él se produce
Función del arte

15.  Educación y censura
Desde la Antigüedad aparecieron alternativas a esta concepción que equiparaba lo
artístico con el entretenimiento y el placer. Se advirtió que el arte podía cumplir
también un importante papel en la educación.
La censura supone que el arte es un medio para la educación y que, a veces, no
cumple ese fin.
Platón fue el primer pensador que consideró la censura, al exigir al artista
responsabilidad por sus obras. Para Platón no existe el arte por el arte. Un arte
irresponsable puede perturbar el buen funcionamiento de la ciudad. Platón no
juzga la capacidad artística de los poetas, aunque prefiere escuchar a un poeta
o fabulista más austero, aunque menos agradable, que no nos imitara más que
lo que dicen los hombres de bien.
La censura ha sido una actividad a la que se ha recurrido una y otra vez a lo largo
de la historia. De manera paradójica, en los sistemas democráticos, el arte ha
sufrido la persecución más radical.
En la naranja mecánica se realiza una crítica de la
función educadora del arte.

16.  La experiencia estética se puede definir como una experiencia singular,
diferente de otras por sus especiales características. La experiencia estética
surge de la conjunción de una determinada actitud de una persona con un
objeto artístico.
 La actitud estética.
La actitud estética se basa en dos factores que permiten contemplar un objeto
de forma estética: El desinterés y el distanciamiento.
Gracias al desinterés no se contempla el objeto con una finalidad situada fuera
del mismo objeto. Hay diversas maneras de contemplar un objeto:
• Interés práctico: cuando atrae el objeto por su utilidad
• Interés teórico: cuando importa algún rasgo cognoscitivo
El distanciamiento es la segunda característica que requiere la actitud estética
para relacionarse con un objeto artístico:
• Para tener una contemplación estética, el objeto observado no puede
implicar al observador.
• El sujeto tampoco se debe comprometer sentimentalmente en la trama de la
obra, porque supondría confundir realidad y ficción, y lo artístico es
precisamente aquello que no es real.
Experiencia estética

17.  Experiencia estética
Se puede distinguir entre:
• Experiencia ordinaria, en la que la atención se dispersa, y es atraída por
muchas incitaciones ocasionales.
• La experiencia estética, en la que la atención se concentra en un pequeño
campo de proyección.
La experiencia estética es, por tanto, un suceso normal que ha llegado a
completarse formando una unidad cuando en ella se integran todos los
elementos que en la vida común aparecen desmembrados y sin conexión.
Por tanto, lo específico y la experiencia estética es la unidad interna.
 La unidad de la obra artística surge a partir de la coherencia y plenitud:
• La coherencia consiste en que una parte lleva a otra y todas quedan
integradas en una secuencia continua.
• La plenitud se refiere a la armonía de los elementos, que mutuamente se
complementan y generan el equilibrio interno de la obra
En conclusión, la experiencia estética se caracteriza como la captación de una
unidad, pero esto no informa del contenido de esta experiencia, que viene
expresado por medio de la noción de juego.

18.  El juego humano tiene unas características especiales:
• No se opone a lo serio, ya que, si no se toma en serio, el juego no se puede
jugar. Para que entretenga es preciso implicarse seriamente en él.
• No es algo irrelevante o trivial, porque esta presente en todas las culturas y
pueblos.
• Es un ejercicio de libertad, no se juega por deber o por imposición
• Es gratuito; su finalidad no es externa a su propio ejercicio.
• Exige disciplina, por este orden, en lugar de ser un obstáculo, sirve para
fomentar la libertad y para que los participantes alcancen el máximo de su
creatividad.
• Si la estructura ya configurada es adecuada, el juego estimula la creatividad y
la invención de los jugadores.
La contemplación de una obra de arte es también una forma de jugar, es un juego
estético. En el juego estético se trata de contemplar o interpretar la obra de
arte. Las características son:
• Sin el acto de comprensión por parte de un sujeto, la obra queda incompleta
• Entre la obra y lo entendido existe un vinculo
• Se puede interpretar una obra de formas distintas. No existe una
comprensión última y definitiva de la obra de arte
La experiencia estética se confundía hasta el siglo XIX con la experiencia de la
belleza. La belleza es una forma de experiencia estética pero no la única.

19. La batalla entre el Carnaval y la Cuaresma

20. 
 Muchos pensadores han intentado escudriñar el significado de este
término aportando diferentes interpretaciones y reflexiones. Hay tres
concepciones básicas a lo largo de la historia:
• La belleza como armonía y simetría.
• La belleza como resplandor.
• La belleza como sentimiento subjetivo.
La belleza
El efecto armonioso de las obras de arte griegas se
basa en las correspondencias numéricas entre sus
partes. Es un arte que representa una belleza
ideal.

21.  Belleza como armonía y simetría.
Uno de los primeros pensadores que reflexionó sobre la belleza fue
Pitágoras. Para este filósofo griego, la belleza tiene un fundamento
racional, que excluye cualquier emotividad, y se encuentra en la armonía
de las partes, el orden y la mensurabilidad. Esta definición asegura que,
por medio de la razón, se crea belleza, pero también genera una nueva
manera de contemplar la naturaleza.
Esta teoría postula una relación entre naturaleza e inteligencia, según la cual
las regularidades naturales se determinan mediante relaciones
matemáticas. Esta definición ha tenido una gran influencia en e mundo
del arte, sobre todo a partir del Renacimiento. Fue utilizada
posteriormente por autores cristianos que plantearon la necesidad de la
existencia de un Dios-artista que atendiera a la medida y al número para
crear un mundo armonioso.
Esta exaltación de la forma, la simetría y la armonía no explicaba la belleza
de un modo completa y satisfactorio. Lo incalculable y lo indefinido,
incluso lo siniestro, se descubrieron con el tiempo como componentes
esenciales de la belleza artística.

22.  Belleza como resplandor.
Esta forma de entender la belleza se produce, sobre todo, durante la Edad
Media. Se trata de una belleza inefable, que se refleja en el mundo
sensible, pero que impulsa al espectador a ir más allá. El anhelo de
satisfacción no se cumple, según San Agustín, con los placeres
terrenales, sino en la casa del Padre. La belleza resplandece en lo
sensible, pero solo yendo más allá de lo sensible se logra establecer
contacto con la belleza en sí, que se confunde con Dios.
La Piedad. Miguel Ángel concebía la
actividad del artista como una lucha, una
guerra de reconquista, en la que se intentaba
formar en la materia la idea iluminada por el
rayo divino. El arte intenta convertir la
dispersión de la materia en algo que participe
de lo excelso y lo divino.

23.  Belleza como sentimiento subjetivo.
Lo que caracteriza las dos definiciones anteriores de belleza es que ambas
atribuyen la belleza al objeto. Desde el Renacimiento, y en un proceso que
culminó con Kant, la belleza se considera un sentimiento subjetivo, un juicio
asociado a un sentimiento de placer o displacer. Con esta transformación, la
belleza deja de formar parte del mundo y queda reducida a un sentimiento y
expuesta al problema del relativismo. Kant fue rotundo en este punto: lo que
resulta agradable, cae en el campo de la relatividad, pero, cuando se dice de
una cosa que es bella, se hace como si la belleza fuera una cualidad del objeto.
El interior de las iglesias intenta generar un
sentimiento de belleza por medio de grandes espacios
y juego de luz y tinieblas.

24.  Lo bello y lo siniestro.
Para Eugenio Trías, toda belleza esconde un elemento siniestro, sin el cual no
podría existir. Lo siniestro se caracteriza por ser:
• Condición de lo bello: una obra en la que lo siniestro no se insinúe carecerá de
la fuerza necesaria para sobrecoger al espectador.
• Límite de lo bello: además de condición de posibilidad, es también confín, ya
que su emergencia en la obra rompería el efecto estético.
Se puede resumir la teoría de Eugenio Trías en tres tesis:
1. Lo bello ha de poder referirse a lo siniestro.
2. Lo siniestro destruye el efecto estético.
3. La belleza no es un velo ordenador por el que se presiente el caos.
Lo siniestro es lo que proporciona poder, magia y misterio a la obra.

25.  Lo sublime.
Según Kant los sublime surge cuando una persona capta un fenómeno natural
grandioso, desordenado e informe.
El individuo reacciona dolorosamente ante esta actividad de la naturaleza, ya
que su integridad se ve amenazada, pero, a la vez, este es el pretexto para que
reflexione sobre su insignificancia e impotencia ante las fuerzas desatadas
por la naturaleza, pensamientos que le mueven a plantearse preguntas
últimas. Por tanto, la angustia se superpone a una reflexión en la que el ser
humano extrae sus mas profundos pensamientos, por lo que se eleva por
encima de la naturaleza.
En el mismo sentido, Pascal define al ser humano como una caña pensante, pues
sus carencias y su pequeñez son indiscutibles ante las potencias desbordantes
de la naturaleza, pero, a la vez, saberse inferior y sentir la pequeñez frente al
mundo lo dignifica.
Por este motivo, lo sublime también es placentero.

26. 
 La actividad artística es, ante todo, una actividad social. No solo su
ejercicio fomenta la sociabilidad, sino que es imposible entender la
sociedad sin una referencia a la actividad artística.
 Por medio del arte, el ser humano ha intentado transmitir también aquello
que de incomprensible tiene la existencia. El filósofo alemán Hegel fue el
primero en exponer la tesis según la cual, por medio del arte, el ser
humano expresa los intereses más profundos de la vida. Las primeras
muestras artísticas parece que confirman la tesis hegeliana. El significado
de tales obras es enigmático, por representar un significado que sobrepasa
la capacidad comprensiva de los individuos. En el arte griego, las obras no
contienen ningún enigma. Al contrario, se muestran con una belleza y una
armonía sin igual en toda la historia.
 El significado de la existencia no viene determinado por un dios
omnipotente más allá del mundo; al contrario, los dioses griegos tienen
formas humanas, por lo que forma y contenido se adecuan.
 El arte clásico es por excelencia el arte griego.
Arte y sociedad

27. Georg Wilhelm Friedrich Hegel
Hegel distinguió tres etapas en la
historia del arte:
1.El arte simbólico
2.El arte griego
3.El arte cristiano

28.  El cristianismo aportó un contenido mucho más diluido, no tan evidente, al
arte. La expresión de lo absoluto no podía tener como paradigma la figura
humana, ya que la comprensión de Dios derivada del cristianismo impedía
cualquier representación adecuada a ese significado, por lo que la elección
de la forma se convirtió en un proceso arbitrario y casual.
 El cristianismo necesitaba el arte para trasmitir más fácilmente su mensaje, a
causa de la barrera lingüística que existía entre una Iglesia que se expresaba
en latín y las diferentes lenguas vernáculas que utilizaba el pueblo.
 La separación entre arte y religión obligó al arte a buscar una nueva función
social.
Mosaico: El juicio Universal (siglo XIII) muestra el uso del arte como vehículo del
mensaje cristiano.

29. 
 El origen del término es el griego téchne, que tiene su equivalente el
término latino ars (arte). El término griego encierra el matiz de arte manual,
que requiere cierta habilidad en el hacer y conocimiento del oficio, matices
que hoy se conservan, de alguna manera, en el concepto de arte cuando lo
usamos para designar las bellas artes y sobre todo el concepto de artista.
 ARISTÓTELES considera que el arte es el resultado de la experiencia. El
arte es para Aristóteles lo opuesto a lo natural. En este sentido el concepto
de arte incluye, pues, todo lo realizado por el ser humano frente a otras
obras de la naturaleza: lo natural o hecho con artificio.
 Hoy al producto de estas actividades lo llamamos obras de arte. Con esto
nos estamos refiriendo a una clase particular de cosas hechas por el
hombre
 Un caso particular es el de la arquitectura, porque une a la vez las
características de un objeto de arte y de algo útil, aunque no todo edificio
arquitectónico es una obra de arte. Una obra de arte se constituye
propiamente como tal cuando es experimentada o contemplada por
alguien distinto de su autor, con independencia de la finalidad que este
haya tenido inicialmente al realizarla.
Arte como una forma de
creación humana

30.  Se consideran artes visuales todas las artes que son conocidas a través de la
vista, aunque algunas de ellas puedan serlo también a través del tacto.
Entre estas últimas se cuentas las artes plásticas: pintura, escultura y
arquitectura. La literatura también suele considerarse un arte visual,
aunque un poema recitado requiere el oído y una obra de teatro requiere la
vista y el oído. Esto vale para todos los géneros literarios, ya que todos
utilizan el lenguaje verbal.
 Las artes plásticas son artes del espacio y pueden reproducir con más
fidelidad que una descripción literaria los objetos espaciales. Pero, por ser
artes del espacio, estáticas, no pueden representar los cambios en el
tiempo, cosa que sí puede hacer una descripción literaria.
 Además de las artes plásticas mayores –arquitectura, escultura y pintura-
hay otros tipos de artes plásticas, que suelen considerarse menores, como
son la cerámica y la fotografía. También tienen hoy día un valor estético
muchos objetos de consumo ordinario, en cuyo diseño trabajan en estrecha
cooperación artistas y técnicos haciendo compatible la utilidad y la
funcionalidad de los cánones estéticos.
Artes visuales

31. 
Artes visuales

32.  La música se dirige exclusivamente al oído, y está relacionada
necesariamente con el tiempo, pues consiste en la sucesión de sonidos.
Además, esta sucesión de sonidos requiere un orden determinado que no
se puede variar. Por ser necesariamente temporal, la música tiene una
característica que no se da en las demás artes. Sólo, en cierto modo, sucede
algo parecido con el teatro. En ella se da siempre una dualidad entre la
obra tal y como concibe el compositor y tal y como la realiza el intérprete.
Porque la música, para realizarse como obra de arte, necesita ser
interpretada, pues la obra en la partitura no es música en sentido pleno. La
obra puede realizarse de modo diferente en cada una de sus
interpretaciones. Tiene así una multiplicidad de posibles realizaciones.
Artes auditivas

33. 
 Las artes audiovisuales, aunque vayan dirigidas tanto al oído como a la
vista, también pueden provocar sensaciones táctiles o corporales. Se suelen
considerar como tales: la danza, el teatro, la ópera, el cine… Todas ellas
combinan el espacio, el tiempo y el movimiento captados auditiva y
visualmente:
 La danza combina la música con la expresión corporal, al servicio de
sentimientos y relatos
 El teatro y la ópera escenifican historias con su correspondiente desarrollo
temporal
 El cine, al igual que el teatro, con otros medios técnicos, reproduce tanto las
relaciones espaciales entre las cosas como la sucesión temporal de los
hechos.
 A las formas clásicas de la expresión artística, podemos añadir hoy en día
otros espectáculos en los que se combina la plasticidad de las formas,
generalmente en movimiento, con la música y los juegos de luces.
Artes audiovisuales

34. 
Artes audiovisuales

35. 
 Probablemente, la primera función de la obra de arte fue la de reproducir,
representar e imitar la realidad. El concepto de mímesis se utilizaba para
expresar, en la danza, los sentimientos y las experiencias humanas
mediante los gestos, el sonido y las palabras del actor. Este es el significado
originario de mímesis: imitación tanto de la naturaleza como de las
características, los rasgos y las acciones humanas.
 ARISTOTELES formula claramente este modo de entender el arte.
Considera que todos los géneros literarios imitan la realidad, y lo mismo
dice de la música y de las artes plásticas. Pero destaca en este sentido el
teatro, en el que el actor representa acciones de hombres buenos, en la
tragedia, y de malos en la comedia.
 Este concepto del arte como mímesis se mantuvo hasta el siglo XVIII. En la
actualidad ha vuelto a tener importancia en el arte pop y en la pintura del
hiperrealismo (corriente artística que pretende conseguir la máxima
aproximación a la realidad. Los artistas recurren al constante empleo de
material fotográfico, que les proporciona información relativa a aquella
persona u objeto que desean plasmar en la obra)
Arte como representación
de la realidad

36. 
 En muchas ocasiones se ha considerado que el arte tiene que cumplir una
función pedagógica. PLATÓN atribuye esta función educativa a la música,
a la que incluye en el currículum de estudios que propone en su obra La
República.
 Para él, las formas musicales representan estados de ánimo, caracteres e
incluso valores morales. Y en cuanto a los instrumentos, considera digno el
uso de la lira y la cítara por ser adecuados para elevar el ánimo, y no
admite el de la flauta, porque considera que desencadena pasiones.
 Durante la Edad Media, la pintura y la escultura sirven de complemento a
la arquitectura, que es fundamentalmente religiosa. Y tanto en las fachadas
como en los interiores de los templos, la decoración cumple una función
claramente didáctica, representando de forma plástica y simbólica pasajes
de las Sagradas Escrituras. Para un pueblo iletrado es un buen medio de
instrucción.
Función pedagógica del
arte

37. 
 El ideal humanista del Renacimiento, que entiende al hombre como
conocedor de todos los saberes de su tiempo, hace que las creaciones
artísticas se consideren también como manifestaciones del saber.
 La pintura es entendida, sobre todo, como un experimento intelectual, un
intento de comprensión y análisis de la realidad que asume también
funciones de ciencia y saber teórico, filosófico y matemático.
 Pero es KANT quien da a la estética el máximo nivel filosófico. Sostiene
que, a través del placer de percibir, que es a la vez sentimiento estético y
juicio del gusto, el hombre recupera la unidad perdida al escindirse en el
ámbito del conocimiento(razón) y de la acción(voluntad).
 A finales del siglo XIX, NIETZSCHE, filósofo y poeta alemán, afirma que el
ser humano que intenta comprender el mundo sólo lo logra apoyándose en
la intuición y gracias al arte. El arte es mejor forma de conocimiento que la
propia ciencia.
 Ya en el siglo XX, HEIDEGGER, otro filósofo alemán, considera igualmente
que el arte es una forma de conocimiento, ya que en las obras de arte se
manifiesta la verdad de las cosas. La creación estética desvela la verdad de
las cosas. Toda contemplación estética actualiza el contenido de verdad
que hay en la obra de arte.
Arte como forma de
conocimiento

38. 
 En el siglo XIX se considera que el arte debe cumplir una nueva función:
ser conciencia crítica de la sociedad y la moral burguesas. El arte acentúa el
aspecto realista, y pretende describir las condiciones reales de la vida
desde un punto de vista crítico.
 Entre los marxistas también encontramos teorías estéticas que entienden el
arte como una forma crítica social: el alemán BERTOLD BRECHT, en
contra de la teoría de la catarsis aristotélica –que pretende que el
espectador se implique emocionalmente en la obra-, sostiene la teoría del
extrañamiento en el teatro. Según esta teoría, el espectador debe
distanciarse del espectáculo para poder reflexionar críticamente sobre lo
expuesto en la obra
 Para la escuela de Frankfurt, el arte debe realizar un análisis social de la
realidad. El filósofo existencialista francés J. P. SARTRE, en su época
marxista, defiende la teoría del compromiso: el escritor ha de estar al
servicio de la lucha por la libertad. Sólo la poesía, como algo creativo y
experimental, se libra de esta exigencia.
Arte como conciencia
crítica de la sociedad

44. FIN