El documento describe la representación de la figura humana a través de la historia del arte. En la antigüedad, los artistas egipcios y griegos utilizaron cánones o esquemas geométricos para representar proporciones ideales del cuerpo humano. En la época clásica griega, Policleto sistematizó las proporciones en su tratado "Kanon". En el Renacimiento se volvió al naturalismo clásico y al estudio anatómico. En el Barroco, se enfatizaron los gestos intensos y la

1. LA REPRESENTACIÒN DE LA FIGURA HUMANA,
A TRAVÈS DE LA HISTORIA

2. LA REPRESENTACIÒN DE LA FIGURA HUMANA, A TRAVÈS DE LA
HISTORIA
El observador actual que muchas veces puede considerar a
la obra de arte como producto de un acto irracional,
subjetivo, que puede tener una visión romántica de la
expresión artística ( fruto de la pasión o el ensueño), puede
pensar que es inútil y penoso conocer que existe un sistema
racional y geométrico para las proporciones humanas. Pero
la historia del arte demuestra que en la antigüedad la
utilización de un cànon o esquema geométrico para la
representación de la figura humana fue frecuente y muchas
veces indispensable para la ejecución de una
representación humana ya sea en pintura o escultura.
Conocer sobre ese cànon a través de la historia revela
algunas características de diferentes culturas, sus creencias,
estilos y formas de vida.

3. Canon: Es un concepto que se refiere a las proporciones
perfectas o ideales del cuerpo humano y se refiere a las
relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura.
• En la figura humana al pretender establecer las proporciones de un cuerpo
ideal se habla de canon; esta es una palabra derivada del griego Kànon
que significa , regla o precepto. El canon como teorìa comprende una justa
relaciòn entre todas las partes de un cuerpo entre sì.
• En general aparece en un cànon una medida fundamental o mòdulo, y las
relaciones entre las diferentes partes son las proporciones.
• En la antigüedad, los artistas y artesanos egipcios y griegos se plantearon
el problema del canon como el màs importante a la hora de representar el
cuerpo humano y esta concepciòn se retomò en el Renacimiento.
• En èpocas màs recientes estos temas entraràn en conflicto con la
concepciòn de belleza entendida como algo subjetivo, una idea que se
empezò a extender en el mundo del arte durante el perìodo del
Romanticismo en el siglo XIX.

4. • En el presente, los
estudios sobre el
cànon se
desvincularon del
arte y se adoptan
en estudios
cientificos, para el
desarrollo de la
antropologìa, la
criminologìa y la
biologìa en
general. La
moderna
antropometrìa
puede definirse
como la ciencia
que se ocupa de las
mediciones
humanas.

5. La figura humana en el Arte Egipcio
Los movimientos no son orgánicos, sino mecánicos. No hay apariencia de
profundidad ni perspectiva, predomina la frontalidad. El artista egipcio
partìa de la base de que la longitud total de una figura humana había que
dividirla en 18 o 22 unidades, Cada unidad equivale a la medida de un
puño cerrado.
La representación no se parecía a la persona real sino que era un esquema
de la forma humana, una figura simbòlica que sería útil al difunto para su
existencia en un mundo espiritual, un mundo de realidad mágica.
Aplicaban la Ley de Frontalidad que se fundamenta en el principio de valorar
el aspecto de estabilidad y firmeza del faraón y los dioses,como seres
inmutables y eternos. La cara va de perfil, pero el ojo de frente. Los
hombros van de frente. Las caderas ¾. Los Pies de perfil. Las manos y los
pies del mismo lado Esto es porque así conseguía reflejar toda la esencia
principal del personaje,
A la pintura mural y al relieve de los templos y tumbas se le atribuyen poderes
mágicos que permitìan prolongar las virtudes del mundo terrenal en el màs
allà.

6. • Canon tradicional egipcio de 18 cuadros

7. La figura humana
en el Arte Griego Antiguo
(período arcaico, período clásico, período helenístico)
• El arte griego se caracterizó por la representación naturalista
de la figura humana, no sólo en el aspecto formal, sino
también en la manera de expresar el movimiento y las
emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones
de dioses como en las de seres humanos, se convirtió así en el
motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la
literatura y la vida cotidiana.

8. • Perìodo Arcaico
• Entre los siglos VIII y VI a. C. se desarrollaron las ciudades-
estado griegas o polis . La escultura de figuras humanas estuvo
influenciada notablemente por el estilo egipcio. Al final del
período se fue transformando en un estilo de transición al
clasicismo denominado estilo severo, estimulado finalmente
por la necesidad de renovar la decoración escultórica de los
templos destruida durante la invasión persa.
• De este período son las esculturas de kuros (la palabra kuros
significaba “hombre joven” o soldados jóvenes). Es una
escultura pensada para ser vista de frente siguiendo el modelo
egipcio y acusa el principio de simetría. La obra se disponía
siempre siguiendo determinados convencionalismos. Se
situaban los brazos pegados a lo largo del cuerpo con los
puños cerrados y una pierna algo adelantada aunque plantada
en el suelo en un intento de reflejar el movimiento. Las
figuras no aparecen mostrando sentimiento alguno,
esgrimiendo únicamente la típica «sonrisa arcaica»
anacrónica, que parece tener objetivos formales de
reforzamiento de la boca. Esto es debido a que el objetivo de
la escultura era transmitir la sensación de fortaleza y plenitud
física del joven triunfador.

9. Esculturas de Kuros (siglo VI A.C)

10. • Perìodo Clàsico
• La Escultura griega clásica fue considerada durante mucho
tiempo la cima del desarrollo del arte escultórico en la
Antigua Grecia. Se suele tomar como un punto de partida
aproximado para describir esta escultura clásica el año 450
a. C. que fue cuando apareció un tratado sobre las
proporciones del cuerpo humano escrito por Policleto.
Policleto fue, el primero en sistematizar estos valores y
conceptos aplicados a la escultura en un tratado, en este
Kanon —norma en griego—, el artista realiza un modelo de
representación ideal de la belleza y la realidad. La belleza
del cuerpo se encontraba en la proporcionalidad de todas
sus partes entre sí. Este canon de belleza establece que el
cuerpo humano para ser perfecto debe medir de altura,
siete veces la medida de la cabeza.
• La escultura clásica desarrolló una estética que combinaba
valores idealistas con una representación fiel de la
naturaleza (se observaba con atención a la persona
representada, en general jóvenes atletas o soldados), pero
evitó la interpretación excesivamente realista de las
sensaciones emocionales y permaneció por lo general en
un ambiente formal de equilibrio y armonía.

11. El Dorìforo, de
Policleto,
siglo V ,A.C
(copia en mármol)
)

12. • Periodo Helenìstico
• Usualmente se considera como período helenístico al
comprendido entre la muerte de Alejandro Magno, en el 323
a. C., y la conquista del Antiguo Egipto por los romanos en 30
a. C. Los escultores Praxíteles y Lisipo, lideraron la transición
de la escultura griega clásica al periodo helenístico. Lisipo
alarga las proporciones de Policleto hasta las ocho cabezas
de altura de tal forma que sus figuras ganan en ligereza, y
son màs esbeltas.
• Una de sus obras principales fue la escultura llamada el
Apoxiomeno, donde aplica la proporción de ocho cabezas.
Muchos siglos después, el Renacimiento contemplaría este
canon (màs estilizado que el de Policleto ) como paradigma
de la belleza griega.
• En el período helenístico las escuelas salen de Grecia y
figuran principalmente en Pérgamo, Rodas, Antioquía y
Alejandría, distinguiéndose por su realismo, alguna
exageración en las actitudes, predilección por las escenas
trágicas o dolorosas y cultivo por el retrato.

13. Cànon de Praxìteles y Leocares

14. Apoxiomeno de Lisipo siglo IV A.C Laocoonte y sus hijos, siglo III A.C

15. • La figura humana en el Arte medieval (bizantino y
románico)
• La edad media es la época de la historia comprendida
entre el siglo V y XV en occidente. Comienza gracias a la
validación del cristianismo por parte del imperio romano
en el 300 D.C., generando el dominio del cristianismo
durante la edad media. Las figuras geométrizadas
aparecen contrastando con la herencia de la antigüedad
generando que el concepto de belleza sea dado por el
significado de la obra más que por su belleza en sì. El arte
era usado más que nada para educar ,y era importante
porque las imágenes ilustraban los hechos de la Biblia
para los creyentes que visitaban las iglesias, que en su
gran mayoría no sabìa leer.

16. La figura humana en el Arte románico
El románico fue un estilo artístico predominante
en Europa durante los siglos XI, XII y parte del
XIII. El tratamiento de la figura humana fue
antinaturalista, pues buscaba expresar el
carácter religioso. Eran figuras primitivas,
simples, geométricas, rígidas, sin reglas de
proporción o equilibrio, sin mucho volumen ni
movimiento, y solemnes. Los desnudos se
consideraban inmorales y por tanto evitados.
Como la escultura y pintura estaba en función de
la decoración de iglesias las figuras se alargaban
o acomodaban de acuerdo al espacio que
ocuparan en la decoración sin preocuparse por
las proporciones reales de la figura humana.

17. La figura humana en el arte romànico

18. La figura humana en el Arte bizantino
El arte bizantino es una expresión artística que se
configura a partir del siglo VI, hasta el siglo XV
,aproximadamente. Para el arte bizantino la altura
total del cuerpo sumaba nueve cabezas, eran figuras
màs alargadas que las del período clásico griego. El
arte de esta época tiende a la figura esquemática y
aplanada, se ignora la forma òrganica de las
articulaciones y el cuerpo y se busca inscribir las
formas en figuras geométricas preestablecidas. Se
suprimen los moldeados y las sombras, que dan
sensación de plasticidad y relieve. Por el contrario,
predomina la línea. Hay tendencia a figuras muy
estilizadas, ya que la estilización contribuye a
manifestar espiritualidad. Las figuras siempre se
proyectan en dos dimensiones, anulan
conscientemente la tercera dimensión , las figuras
muestran Impasibilidad e inmovilidad

19. Mosaico de San Vital de Ravena
El emperador Justiniano y su sèquito

20. La figura humana en
El Renacimiento
•
• El Renacimiento es el
nombre dado a un amplio
movimiento cultural que se
produjo en Europa
Occidental durante los siglos
XV y XVI. Fue un período de
transición entre la Edad
Media y los inicios de la
Edad Moderna. Sus
principales exponentes se
hallan en el campo de las
artes, aunque también se
produjo una renovación en
las ciencias.
• El hombre de Vitrubio, estudio de las
proporciones del cuerpo humano ,por
Leonardo Da Vinci

21. • El arte en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de
la antigüedad clásica y su mitología. Como en la escultura griega, se
buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo
con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso
de la anatomía humana.
• En el Renacimiento se logró interpretar la Naturaleza y traducirla
con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras
maestras. El paso de una representación estática de las figuras, a
situaciones dinámicas constituyó un cambio con respecto al arte
medieval. Al renunciar a actitudes inmóviles , los artistas del
Renacimiento pintaron sus figuras en modos animados. A finales
del siglo XV, Leonardo da Vinci dedicó todo un cuaderno a
cuestiones relacionadas con los movimientos físicos.
• Donatello, Leonardo Da Vinci, Tiziano, Botticelli, Miguel Ángel ,
Rafael y Durero son nombres famosos del mundo del arte del
período del Renacimiento.

22. La bella jardinera, por Rafael
Representación fiel de la naturaleza, sensación de
profundidad y figuras con apariencia realista. El David, por Miguel Àngel

23. La figura humana en el Arte Barroco
• Como estilo artìstico, el Barroco
surgió a finales del siglo XVI,
principios del siglo XVII en Italia,
desde donde se extendió hacia la
mayor parte de Europa. Durante
mucho tiempo el término
«barroco» tuvo un sentido
peyorativo, con el significado de
recargado, engañoso, caprichoso,
hasta que fue posteriormente
revalorizado a finales del siglo XIX
por historiadores y estudiosos del
arte . Algunos historiadores
dividen el Barroco en tres
períodos: «primitivo» (1580-
1630), «maduro» o «pleno»
(1630-1680) y «tardío» (1680-
1750).
El David , de Bernini

24. • El Barroco fue la edad de la
apariencia y la coquetería.
• No en vano, en esa època naciò
la palabra "maquillaje" y se
extendió por varias lenguas,
muchas veces como sinónimo
de truco y engaño.
• Se marcaba la intensidad de los
gestos.
• Como ideal de belleza femenino
se pueden observar cuerpos
más amplios que en el
Renacimiento, pechos más
prominentes resaltados por los
corsés, anchas caderas,
estrechas cinturas, brazos
redondeados y carnosos, piel
blanca, hombros estrechos.
• De los hombres destaca el
mucho pelo (muchas veces con
peluca), la piel muy blanca y las
mejillas rosadas y, por encima
de todo, unos trajes suntuosos
de infinitas capas.
Las tres gracias, de Rubens

25. El Santo Entierro
Caravaggio
• La tendencia a la representación
de la figura humana con
objetividad, perfecta en todo sus
aspectos, tanto en los mas
sublimes como las mas vulgares.
Los grandes representantes fueron
Caravaggio, Rubens , Bernini,
Velàzquez, entre otros.
• Se da gran importancia al
desnudo,
• Una intensa espiritualidad
aparece con frecuencia en las
escenas de éxtasis, martirios y
apariciones milagrosas.
• En el estilo Barroco el artista
muestra un gran sentido de
movimiento en los cuerpos.