10_El Quattrocento_Escultura

Renacimiento en Italia
Quattrocento
Higinio Rodríguez Lorenzo

• Introducción al Renacimiento.
• La escultura en el Renacimiento.
• Lorenzo Ghiberti
– Las puertas norte del Baptisterio de Florencia.
– Las puertas este del Baptisterio de Florencia. (
Puertas del Paraíso)
• Donatello
– El David.
– El Gattamelatta.
• Otros escultores florentinos del XV

• El Renacimiento supone, antes que nada, una
RENOVACIÓN en lo artístico, pues el desarrollo
del HUMANISMO fuerza a cambios en lo que era
la tradición gótica:
– renovación bajo la pauta de modelos clásicos;
– renovación buscada por nuevos grupos sociales en
auge: la burguesía comercial de las ciudades.
– renovación de las estructuras sociales (individualismo);
políticas (monarquía autoritaria=Estado moderno); y
culturales (ciencia)

• El Humanismo es el “alma” del
Renacimiento:
– una nueva perspectiva de lo humano: el centro
de la creación (pues hablamos de un humanismo
cristiano);
– una nueva valoración de lo humano:
• libre: sin ataduras de orden natural salvo la muerte;
• inteligente: capaz de entender la Naturaleza;
• con derechos: la dignidad, como el ser creado más
perfecto;
• y creador (homo faber), sólo por detrás de Dios;
– Y de la Naturaleza: el conocimiento empírico:
ver, medir, experimentar, conocer… para poder.

• Ese individuo único, el ser humano, ahora se
retrata a la misma altura y detalle que la
divinidad (véanse los “primitivos flamencos”)
para luego retratarse ya solo, mirando de frente:
– retratado, pintor y espectador en un único diálogo …
que ya no es “pedagógico” como la narración
pictórica o escultórica medieval.
– el detalle lleva a un realismo y a una veracidad que
es más que la individualización gótica.
– Finalmente, ese retrato llegará al autorretrato: el
artista se considera alguien diferente y con un toque
divino: Rafael o Miguel Ángel, en los inicios del XVI
así se verán a sí mismos.

• Como hemos visto en la Arquitectura, los
artistas se inspiran en el mundo clásico, pues el
gusto ha llevado a que se inicien “colecciones” a
partir de restos arqueológicos que se van
descubriendo en esta época. También quedan
obras antiguas que son vistas ahora como
modelos.
• Pero no es una “copia”, sino que reinterpretan
siguiendo los valores de la sociedad
renacentista.
• A esta influencia dominante se añade la
pervivencia del naturalismo realista propio del
gótico vigente en Europa y que en Italia ya
desde el Trecento se venía apreciando.

• Se busca la belleza formal, capaz de producir placer
estético.
• Como materiales, prefieren el mármol y el bronce, igual
que en la Antigüedad, pero también utilizaron el barro
cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y
la madera.
• En cuanto a los temas, tanto en el relieve como en las
esculturas de bulto redondo, siguen predominando los
temas religiosos, pero se desarrollan también los
profanos (mitológicos, históricos y alegóricos).
• El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia,
como ejemplo máximo de la belleza perfecta, siguiendo
las ideas antropocéntricas, y representándose de una
manera realista, con estudio de la anatomía, el
movimiento y la proporción, según el canon clásico.

• El retrato tiene un gran auge en esta época, tanto de
cuerpo entero como el busto-retrato, de gran realismo,
expresión de la importancia del individuo en la sociedad.
• También la estatua ecuestre adquiere un sentido nuevo
al erigirse en lugares públicos, como retrato de
personajes ilustres cuyas glorias se exaltan.
• En los monumentos funerarios se retrata al difunto
como manera de recordar su fama y virtudes, mediante
símbolos.
• El relieve renacentista muestra preocupación por las
composiciones sencillas, armoniosas, claras y serenas,
así como por captar el espacio y la profundidad
mediante el nuevo sistema de representación de la
perspectiva

Lorenzo Ghiberti (1378-1455), escultor y orfebre,
es uno de los primeros escultores renacentistas.
Se le considera el autor de transición entre el
Gótico y el Renacimiento. Continúa la
trayectoria iniciada por los PISANO, pero la lleva
al culmen con su visión pictórica de los relieves.
Tras ganar un concurso, en 1401 realiza en
bronce las puertas del lado norte del baptisterio
de la catedral de Florencia. Posteriormente
también se le adjudicarán, ya sin concurso, las
puertas del lado este, frente a la puerta de la
catedral.
Se puede decir que dedicó casi toda su vida a
estas dos obras: de 1401 a 1452.

• Su formación como orfebre la aplica en la
minuciosidad de los detalles lo que, además,
acentúa el carácter “pictórico” de sus relieves.
• Gradúa el relieve desde formas casi
imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto
redondo en el primer plano.
• Ordena las escenas en planos: aumentando así
el efecto de profundidad y perspectiva.
• Esculpe fondos de paisajes o arquitecturas sobre
los que dispone un gran número de figuras:
perfecta relación figura-espacio.

• El concurso que convocó el gremio de la Callimala para
realizar las puertas se hizo como “respuesta” al que el
gremio de la Lana había realizado para la fachada del
Duomo, enfrente del Baptisterio.
• Este episodio artístico se ha venido considerando como la
fecha de inicio del Renacimiento. En él participaron un
viejo maestro, Jacopo della Quercia, y dos jóvenes,
Ghiberti y Brunelleschi, que debían representar el
sacrificio de Isaac, en relieve, sobre un cuarterón de
bordes lobulados, típicamente gótico.
• Era necesario integrar determinados elementos que están
en la narración bíblica: los diferentes personajes
(Abraham, Isaac, el ángel, los criados), objetos (altar), un
animal y hacer explícita la referencia de lugar (montaña).
• La elección del marco polilobulado, sigue el de las puertas
del lado sur realizadas por Andrea Pisano en el s. XIV.

Puertas del
lado sur,
de Andrea
Pisano
(hacia
1330).
Escenas en la puerta sur (Andrea
Pisano) 1. El ángel se anuncia con
Zacarías. 2. Zacarías se queda
mudo 3. Visitación4. Nacimiento del
Bautista. 5. Zacarías escribe el
nombre del chico. 6. San Juan de
niño en el desierto. 7. Le reza a los
fariseos. 8. Anuncia a Cristo. 9.
Bautismo de sus discípulos. 10.
Bautismo de Jesús. 11. San Juan
reprime a Herodes. 12.
Encarnación de San Juan. 13. Los
discípulos visitan a San Juan. 14.
Los discípulos visitan a Jesús. 15.
Baile de Salomé. 16. Decapitación
de San Juan. 17. Presentación de
la cabeza de San Juan a Herodes.
18. Salomé presenta la cabeza a
Herodías 19. Transporte del cuerpo
de San Juan. 20. Entierro. A.
Esperanza B. Fe C. Caridad D.
Humildad E. Fortaleza F.
Templanza G. Justicia H.
Prudencia

• El estilo de Ghiberti es mas amable que el de
Brunelleschi.
• El drama psicológico, en Ghiberti se expresa en la
torsión de cuerpo y cabeza, sugiriendo un conmovedor y
mudo e infantil heroísmo en la cara.
• Brunelleschi propuso una interpretación mas estoica,
mas de acuerdo con la lucha de la República en 1401,
contra Milán.
• Ghiberti eligió una rendición psicológicamente menos
obvia y formalmente mas elegante. Ghiberti venció no
solo por su excelencia técnica y economía en el material
(su pieza era bastante mas fina que la de Brunelleschi) sino
también por su vinculación a la linealidad flexible del
estilo gótico internacional.
• Posiblemente el gremio de Calimala, muy cosmopolita,
supo apreciar esa flexibilidad
http://www.xtec.es/~fchorda/renaixe/doors.htm

• Brunelleschi realiza una composición rigurosa y plana;
las figuras y elementos del paisaje del centro están
abruptamente separadas y presentadas al observador
con énfasis en el perfil.
• Todos los elementos, salvo las formas de la parte baja,
tienden a presionar hacia arriba, contra un único plano
imaginario.
• Contrastando con lo anterior, la representación del tema,
aparece como hipertrofiada, incorporando algunos
elementos "antiguos", vestidos de "moderno", como el
sirviente, de la parte inferior izquierda.

• Ghiberti concibió la representación de la escena como
una alegoría, a modo de ritual clásico, donde la
obediencia de Abraham se antepone a los afectos; el
canon, los ropajes y las anatomías remiten a los
modelos de la Antigüedad;
• Las figuras se articulan en una composición centrípeta,
que permite armonizar dos escenas diferentes,
separadas por una diagonal, a modo de eje trasversal,
definida por la roca, a cuyos lados se reconocen dos
curvas divergentes, la que forma el cuerpo de Abraham
y el cuello del asno, que encuentran eco en los lóbulos
del marco; y, por otro lado, la mano del ángel, el brazo
derecho de Abraham y la mirada de Isaac trasmiten la
idea de un movimiento detenido, donde se concentra el
sentido último de la escena.

Brunelleschi Ghiberti
Obras presentadas por ambos para el concurso de 1401 en Florencia para
la realización de las puertas sur del Baptisterio. Hoy están en el museo
Bargello, de Florencia

• El tema es el Nuevo Testamento, con escenas
de la vida de Jesús. El lado sur es la vida de
Juan Bautista
• Según el plan, anterior a 1403, las puertas
habían de ir en la fachada este del baptisterio, y
no en su actual situación, al norte.
• Cada hoja tendría 10 escenas narrativas en
cinco registros.
• Un friso, muy del gótico tardío, de vegetación
naturalista, con animalitos y reptiles jugando en
la fronda, iba a cubrir los espacios libres; en las
esquinas del marco, habría como un trébol de
cuatro hojas, del que emergería un motivo
clásico, como la cabeza de un profeta o
profetisa.

La puerta sur, de Andrea Pisano y la puerta norte, de Ghiberti

• Cerradas, pues, ambas hojas muestran 20
escenas del Nuevo Testamento, empezando con
la Anunciación, arriba a la izquierda, y terminando
con Pentecostés, arriba a la derecha.
• El orden de lectura es diferente a la de la puerta
del Pisano: se mira de abajo arriba, y de
izquierda a derecha.
• Debajo del Evangelio (o sea, las escenas
representadas), como un plinto, está un registro de
los cuatro evangelistas y, debajo, otro con los
cuatro doctores de la Iglesia (Ambrosio,
Jerónimo, Gregorio y Agustín);

Escenas en la puerta norte (Lorenzo Ghiberti): 1.
Anunciación. 2. Navidad. 3. Adoración de los
magos. 4. Disputa con los doctores. 5. Bautismo de
Cristo. 6. La tentación de Cristo 7. Atrapando a los
mercaderes del Templo. 8. Jesús caminando sobre
el agua y salvando a Pedro. 9. Transfiguración. 10.
Resurrección del Lázaro. 11. Entrada de Jesús en
Jerusalén. 12. La Última Cena. 13. Agonía en el
Huerto. 14. Cristo capturado. 15. Flagelación. 16.
Jesús ante Pilatos. 17. Ascenso a la Caballería. 18.
Crucifixión. 19. Resurrección. 20. Pentecostés. A.
San Juan Evangelista. B. San Mateo C. San Lucas
D. San Marcos E. San Ambrosio F. San Jerónimo
G. San Gregorio H. San Agustín.

La Anunciación. El fondo
arquitectónico nos recuerda el
mundo clásico. Sin embargo las
figuras aún pertenecen al gótico
tardío: la “S” estilizada que nos
ofrece María. Es más, se podría
decir que esta virgen es la típica
virgen María del gótico desde el siglo
XIII
Dado que los diferentes cuadros se
realizaron en momentos diferentes a
lo largo de más de 20 años,
podemos encontrar una evolución
entre unos y otros. Éste,
precisamente, es de primera época.

Adoración de los
Reyes Magos.
En este cuadro
volvemos a encontrar
la arquitectura al
modo clásico.
De las figuras
debemos destacar los
rostros que reflejan
una serenidad
“clásica”, aunque la
composición sigue
todavía modelos
góticos y que la
pintura flamenca de la
época (gótica
internacional) sigue
como canon.

Nacimiento y Jesús ante los doctores. Los dos paneles parecen de factura diferente,
sin embargo ambos fueron realizados casi en la misma época. Las figuras en los dos
casos responden a un modelado ya clásico aunque el fondo “natural” es gótico y el
“arquitectónico” es renacentista.

Jesús ante Pilatos y Crucifixión

• Estos temas, responden, dialécticamente, al
programa de la fachada del Duomo, enfrente,
pues era el destino inicial de la obra.
• Las partes sobresalientes (cabezas, frisos, figuras,
elementos arquitectónicos), se acabaron en bronce
macizo y dorado; el resto, incluyendo los
elementos inorgánicos del paisaje, se dejaron
en marrón negro, sedoso, bronce, contrastando.
• Estas puertas repiten el esquema de Andrea
Pisano, creadas 70 años antes de 1401, en el
lado Norte del baptisterio, si bien el tema ahora
es la vida de Jesús y antes es la de Juan el
Bautista (se trata, claro está, de un Baptisterio).
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/749.htm

• Fueron encargadas en 1424/5 y tardó unos 10 años en
empezarlas y más de 15 en terminarlas. En total, 27 años.
• En un primer momento se pensó en seguir el viejo
esquema de Andrea Pisano, pero ahora dedicadas al
Antiguo Testamento.
• Una primera aproximación al programa la hizo el luego
canciller Leonardo Bruni, en 1424, en carta al gremio de
Calimala, previendo 20 escenas y un zócalo con doble
registro de profetas.
• El autor, ahora reconocido ya como genial, no lo aceptó y
manipuló la propuesta: redujo los paneles a 10,
añadiendo figuras a los lados y arriba y abajo; los
Calimala le dieron carta blanca, según dice el propio
Ghiberti en sus Comentarii para que quedaran "lo más
perfecto, más ornado y más rico”.

• Ghiberti respeta gran parte de los temas de Bruni. Por
ejemplo, la historia de José estaba prevista en tres
paneles y quedó unificada a uno; la historia de Caín y
Abel, tiene 5 sub-temas, que el llama effetti, pero
aparecen en un solo panel.
• Hay, también, un sentido simbólico en varios de los
paneles: el de Salomón y la Reina de Saba refleja el
concilio que debería unificar la Iglesia de Oriente y la de
Occidente… ante la presión de los turcos sobre Bizancio,
o la Hª de José que parece se ajusta a Cosme de Medici.
• Es una obra muy bien trabada, ajustando infinidad de
detalles y refinamientos, creando un sentido unificado lo
que es una característica del Renacimiento: la unidad e
integración de lo representado.

• Se llaman del Paraíso porque así las bautizó Miguel Ángel,
según Vasari. Parecen mas simples que las primeras pero
son más complejas: el friso tiene una gran variedad de
formas de plantas y 24 estatuas en miniatura.
• Cada relieve tiene 1/3 de brazo de lado. Las superficies
están doradas totalmente; se fundieron juntas, sobre 1436,
luego fueron doradas y cinceladas hasta 1443/4, el dorado
duró hasta 1452 (al fuego).
• Con 5,20 metros de alto, 3,10 de ancho y 11 cmts. de
grosor su peso se acerca a las ocho toneladas.
• La puerta actual es una copia, pues los paneles originales
se hallan en el Museo della Opera di Duomo (y desde
septiembre de 2016 restaurada la puerta) tras una inundación
que deterioró la obra original.

• La técnica del schiacciato aplicada aquí revela todo el
sentido pictórico que se incorpora al relieve renacentista,
siguiendo la tradición grecorromana del relieve histórico.
• Desde un casi bulto redondo hasta un mero grabado al
fondo permite crear varios planos e incorporar la
perspectiva, el gran (re)descubrimiento del quattrocento
italiano y, en concreto, florentino.
• Las arquitecturas que aparecen ahora, como el paisaje,
tienen un aspecto mucho más realista, y en el caso de la
arquitectura, se maneja la “ciudad ideal” que en paralelo
estaban teorizando algunos arquitectos.
• Las figuras que aparecen en los nichos sustituyen a las
que había propuesto L. Bruni de los profetas.
• La confianza como artista llevó a Ghiberti a autorretratarse
en una de esas figuras, un clípeo, y al modo romano.

Escenas en las Puertas del Paraíso
(Lorenzo Ghiberti) : 1. Adán y Eva 2. Caín
y Abel 3.Noé 4. Abraham 5. Isaac con
Esaú y Jacob 6. José 7. Moisés 8. Josué
9. David 10. Salomón y la reina de Saba.

Adán y Eva
Noé y el arca
Caín y Abel
Abraham

http://arteinternacional.blogspot.com.es/2011/11/escultura-renacentista-italiana-del.html

• El panel de Adán y Eva o de la Creación.
• En él encaja cuatro momentos de la creación (effetti):
• Creación de Adán.
• Creación de Eva.
• Tentación.
• Expulsión.

• La figura de dios está totalmente humanizada y ya no es el
tamaño sino la disposición lo que realza su valor: rodeado
de ángeles y en la posición más alta como hacedor de
todo, pero en relación con el hombre y la mujer, pie en
tierra.
• Las figuras tienen un modelado delicado y la figura de Eva,
en concreto, casi en el centro en su “creación” y en primer
plano en la expulsión, aparece desnuda lo que nos vuelve
a la Antigüedad y la representación femenina.
• En altorrelieve a derecha e izquierda tenemos el principio y
el fin del episodio: la creación de Adán y la expulsión. El
“pecado” está en segundo plano y desviado de la atención.
• Eva, sin embargo, protagoniza la mitad derecha: su
creación y la expulsión.

• La composición contendría dos triángulos: uno se forma
con el hecho de la creación y otro con el pecado y el
castigo.
• En ambos el vértice superior es dios, pero los otros dos
vértices difieren en cada triángulo: en el primero es el
hombre (su cabeza) y en el otro, el que envuelve, es la
mujer.
• La salida del paraíso se realiza
por una arquitectura clásica, una
puerta en arco y en perspectiva.
Por lo demás el paisaje son
árboles
y la roca o suelo que está
resaltado en primer plano.

Josué y la conquista de Jericó

Salomón y la reina de Saba. Detalle

• Donatello (1386- 1466) es el gran escultor del siglo XV
florentino y uno de los más importantes de toda la historia
del arte occidental.
• En su juventud se formó junto a Ghiberti y, como él,
también se inició en la orfebrería. En las más tempranas
obras aún “respira” gótico, como en su primer David en
mármol.
• Pasó por Roma, por la época en que Brunelleschi se
hallaba también allí estudiando el Panteón y otras obras
que se iban descubriendo en excavaciones más o menos
casuales.
• Desde el principio dotó a sus figuras de una fascinante
dimensión humana, buscando el efecto psicológico y
dramático de la expresión.

• Trabaja todo tipo de materiales, con los que representa la
figura humana en una gran variedad de edades y actitudes
(niños, jóvenes, ancianos).
• Domina a la perfección la anatomía y sus figuras tienen
serenidad y dignidad.
• En los relieves utiliza la técnica del schiacciato o
“aplastado”, una incisión tan sutil que casi parece un dibujo,
tratando de rebajar el volumen desde el primer plano, con
objeto de conseguir una sensación atmosférica.
• Se caracteriza por el humanismo, el realismo naturalista y
la expresividad que da a sus figuras.
• Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época
romana.
• Difunde el retrato, en el que quiere representar el carácter
del individuo, como ya estaba ocurriendo por la época con
la pintura.

• En 1406 empieza a trabajar en Florencia con encargos
para la catedral o Duomo: profetas o el David de mármol;
y, luego, un evangelista, San Marcos hacia 1411.
• Hacia 1415 realiza el San Jorge, para Orsanmichelle, una
iglesia para la que estaban trabajando los mejores
escultores florentinos del momento (y de décadas
anteriores)
• Recibirá, luego, encargos de numerosos sitios, y trabajará
con Ghiberti en la labra de las puertas norte del Baptisterio
así como en las obras de la cúpula de la catedral,
encargada a Brunelleschi a finales de la segunda década.
• Sufrió el exilio con Cosme (el viejo) de Medicis si bien será
corto y, otra vez en Florencia, realizará su obra maestra y
genial: el David fundido en bronce: la primera obra
monumental desnuda desde la Antigüedad.

San Jorge. Orsanmichelle. Florencia
(Copia. Original en el museo Bargello)

• El David es un encargo de la familia Medicis y responde
al gusto clásico y humanista del patrono, Cosme el viejo.
• El desnudo y la “curva praxitelina” o contrapposto nos
retrotraen a la Antigüedad. Pero no se olvide que el
tema es “cristiano”: el David que vence al gigante Goliat.
• También con un fuerte contenido simbólico… para la
situación política del momento en Florencia:
– las luchas de Florencia (David, con el sombrero toscano) contra
sus rivales más poderosos, en especial, Milán.
– Y el triunfo de la razón humanista sobre la barbarie “medieval”
• Tema cristiano pero forma y acabado “clásicos”:
serenidad en la expresión, presentación como “héroe”
tras haber vencido…

• El David mide 159 centímetros de alto y tiene una
circunferencia de 51 centímetros. Es decir, tiene unas
medidas aproximas al tamaño natural.
• Representa a un adolescente de actitud serena pero que
incorpora la sonrisa (etrusca, que debió conocer en su
afición arqueológica de juventud) de quien vive un
momento glorioso.
• El estudio anatómico es soberbio pero en vez de resaltar
la musculatura propia de un hombre maduro, se queda
en las formas de un adolescente casi niño.
• El modelado, de una extremada suavidad, refuerza el
carácter “amable” de toda la obra, restando violencia al
acto que representa, la muerte del gigante cuya cabeza,
desmadejada, está a los pies del vencedor.

• La técnica utilizada, el bronce, es clásica y, más aún,
griega. Se recupera ahora aunque como sabemos, el
bronce era utilizado de forma amplia en la Edad Media
para relieves diversos.
• Pero la técnica de la “cera perdida” para esculturas de
bulto redondo no era tan habitual y, sin embargo, ahora
se impone con tanta frecuencia como el mármol.
• Podemos ver el uso del nuevo material como un intento
de despegarse de la escultura en piedra que el gótico
usó de manera amplia y generalizada.
• Esto no quiere decir que se haya abandonado el trabajo
en mármol, habitual en las esculturas religiosas sobre
todo, sino que el uso del bronce, metal noble, es
deseado por la nueva aristocracia cultural.

• El fino trabajo en el
modelado de las formas es
propio de quien domina el
arte de la orfebrería y que
ya hemos visto también en
los acabados de Ghiberti.
• El predominio de la curva
en este David hace de él
una figura “grácil” y aún
“femenina”, aunque ni el
tema ni la intención del
autor era “feminizar” un
asunto que quiere ofrecer
como un héroe a la antigua.
• Su inspiración más lejana
es, probablemente
Praxíteles

• El tema será muy utilizado durante todo el Renacimiento
y aún después, tanto para el ejercicio del estudio
anatómico como por la carga simbólica del
enfrentamiento entre débil y poderoso.
• El momento elegido ofrece, además, numerosas
posibilidades para ensayar la expresividad del rostro de
David y la articulación de postura y expresión.
• Veamos algunos ejemplos.

Miguel Ángel. 1504 B. Cellini (“falso David” o
Perseo) 1554
Bernini, 1624

• Uno de los muchos encargos que Donatello recibió de
fuera de Florencia fue el de la familia de Erasmo de
Nanni, un soldado de fortuna o “condottiero” que había
combatido como mercenario al servicio de numerosos
patronos por toda Italia. Desde 1437 y hasta su muerte
en 1443 fue “dictador” en Padua. Para allí se le
encargará una escultura monumental.
• Donatello concibe esta obra también al modo clásico:
será en bronce fundido y como “figura ecuestre” que
refleje la actividad vital del homenajeado. Para ello se
inspirará en la única obra de bulto redondo ecuestre que
quedó de la Antigüedad: el Marco Aurelio que,
confundido con Constantino, se había librado en la Edad
Media de ser fundido.

• Tiene unas dimensiones de 340 x 390 cm, y se apoya
sobre un zócalo de base de 7,80 x 4,10 metros. Se
realizó a finales de la década de 1440
• Es un retrato y está realizado para glorificar al personaje
representado aunque también se trata de resaltar la
virtudes del militar, que con gesto austero conduce al
caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada ésta
por la posición del bastón de mando.
• El retrato del personaje, heredado del realismo romano,
deja traslucir la psicología del representado, que
muestra una expresión abstracta pero consciente de su
alta y difícil misión en defensa de la ciudad a la que sirve
Donatello, como sabemos, es un maestro del retrato
esculpido y aquí lo pone en práctica.
http://es.wikipedia.org/wiki/Gattamelata_%28escultura%29

Foto de Wikipedia
http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Gattamelata.jpg

La firmeza y resolución del
guerrero que avanza
imparable, con el bastón de
mando del poder, y sus
atributos militares (la espada,
el caballo, la armadura…)
están, aún así, contenidos y
reflejan más inteligencia y
seguridad en ésta que
violencia y furia propios de
una “máquina militar” que,
yelmo o casco –aquí
ausentes- resaltarían.
Es un héroe, sí, pero un
hombre ante todo.
Marco Aurelio, que se
representó en una actitud
“pacificadora” es el referente.

Como en el ejemplo de Marco
Aurelio es el caballo el que
aporta más movimiento y
expresividad que el rostro del
jinete, que aparece
reconcentrado y sereno.

• El condottiero, en vez de ser representado con la fiereza
propia de su “trabajo” belicoso, aparecerá como
“gobernante” y con la seriedad de quien se concentra
tanto en la batalla como en el ejercicio del poder. Eso sí,
la decisión de “avanzar” es clara: el destino se busca, no
se espera.
• El tema es, desde luego, un homenaje clásico al
ejercicio del poder. No se olvide que Italia, en la época,
es un “laboratorio” que dos generaciones después y
también en Florencia, darán lugar a la obra de
Maquiavelo, El Príncipe: el primer tratado “moderno”
sobre el poder y su ejercicio, donde la fuerza y la
violencia deben combinarse con la astucia y la
diplomacia.

Otros escultores florentinos de la época:
• El sienés Jacopo della Quercia (c. 1374-1438), que
pertenece a la generación de Ghiberti, busca los efectos
plásticos y la pureza de las figuras. Compitió también en
1401 por la realización de las puertas del Baptisterio.
Centra su atención en la figura humana: formas
robustas, monumentales, como en el sepulcro de Ilaria
del Carretto, en Lucca.
• Otra figura importante es Nanni di Banco (1390-1421),
autor de los Cuatro santos coronados, obra en la que
consigue un grupo de figuras de gran nobleza y
gravedad, con pliegues voluminosos, de gran aplomo,
que nos acercan al espíritu antiguo.

• Lucca della Robbia (1400- 1482), además del mármol,
introdujo la terracota (barro cocido vidriado), con dulces
Vírgenes con el Niño, en blanco sobre fondos azules o
verdes, de gran popularidad.
• Bernardo Rossellino (1409-1464), que también fue
arquitecto discípulo y colaborador de Alberti. Realizó los
sepulcros de Leonardo Bruni en la Santa Croce y de
Villana en Sta. María Novella, ambas en Florencia.
• Andrea Verrochio (1435- 1488) arranca del realismo de
Donatello para alcanzar una mayor expresividad. Sus
figuras de actitudes nerviosas, violentas y demuestra
una gran preocupación por la anatomía. Es el autor del
Condottiero Colleoni, escultura ecuestre en bronce, llena
de dinamismo y expresividad; está en una plaza pública
de Venecia.

Jacoppo della Quercia. Tumba de
Ilaria del Carretto. Hacia 1406, en
la catedral de Lucca.

Nanni di Banco, San Juan
Evangelista. Hacia 1410. Florencia

Luca della Robbia. Cantoría
realizada para Il Duomo
hacia 1431. Otra la
realizará Donatello.

Tumba de Leonardo Bruni,
realizada por Bernardo
Rossellino en colaboración con
su maestro L. B. Alberti. Santa
Croce, Florencia.

Verrochio, 1478. Condottiero Colleoni.
Venecia.

Créditos
Bibliografía:
Es muy numerosa, pero me limito a señalar la más accesible para el alumnado de
Bachillerato, los libros de texto de diversas editoriales. En concreto:
T. Llaçay Pintat et al. Arterama, Historia del Arte. Ed. Vivens Vives. Barcelona 2003
Joaquin Yarza et al. Historia del Arte COU. Editorial Noguer. Madrid 1978.
J. María de Azcárate et al. Historia del Arte COU. Ed. Anaya. Madrid 1982
Internet:
http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?idAsignatura=9&idProblema=372
http://www.wikilearning.com/curso_gratis/arte_del_renacimiento-escultura_quattrocento/1057-7
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/749.htm
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=5781
http://www.italyguides.it/es/italia/toscana/florencia/guias_turisticas_audioguia/free_ipod_mp3/audioguia_florencia.ht
m [guías en mp3 de algunas visitas en Florencia]]
http://es.wikipedia.org/wiki/Baptisterio_de_San_Juan_(Florencia)
http://arteinternacional.blogspot.com.es/2011/11/escultura-renacentista-italiana-del.html
http://seordelbiombo.blogspot.com.es/2015/01/las-puertas-del-paraiso-del-baptisterio.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Gattamelata_%28escultura%29
Fotografía
Se informa de la fuente en los casos en que la foto no es del autor de esta presentación, a
excepción de las fotos en B/N del David de Donatello, y las correspondientes al Gatamelatta.

Idea, textos y realización del autor.
El autor,
Higinio Rodríguez Lorenzo, profesor en el
IES Mata Jove, de Gijón (Asturias. España) la ofrece bajo
licencia
[Registrada en Safe Creative Código: 1701050304849
Fecha de registro: 05-ene-2017 17:54 UTC]
2008-2017.
higinio@matajove.es

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