10. Desde finales del siglo XVII, los miembros de la Real Academia de Escultura y Pintura francesa, podían exponer sus obras en uno de los salones del Palacio del Louvre.
11. Pero solo los aprobados por un jurado conservador y academicista se exponían en el Salón Oficial, que era anual.
12.
13. En 1863 se rechazaron muchas obras por el gran número que se habían presentado. Las protestas provocaron que Napoleón III organizara un Salón paralelo, el de “los rechazados”, donde se recogieran estas obras.
14. Este salón oficial alternativo recibió gran afluencia de público, en parte para mostrar su rechazo “al nuevo arte”.
15. “Desayuno en la hierba” de Édouard Manet es una de las más criticadas.
16.
17. La gestación del movimiento artístico impresionista tuvo lugar entre 1863 y 1874, cristalizando en París en la década de los setenta.
18. En 1874 Claude Monet , Auguste Renoir , Paul Cézanne y Camille Pisarro , ante la imposibilidad de exponer en el Salón Oficial, lo hacen en el del fotógrafo Nadar, en la que será la primera Exposición “Impresionista”.
19.
20. Desde entonces se sucederán las exposiciones fuera del arte académico y oficial, y en 1886, se da por concluida la supremacía de los pintores impresionistas.
21. A partir de aquí se impone el divisionismo o neimpresionismo, de Seurat y Signac.
22.
23. Se amplían las relaciones entre el cliente y los artistas.
24. Aparece la figura del “marchante”, intermediario o agente comercial, entre artistas y clientes, como Ambroise Vollard, Paul Durand-Ruel, que reflejan los cambios en el mundo del arte, en camino a un voraz mercantilismo.
27. Coincide con el fin del Imperio de Napoleón III, casado con Eugenia de Montijo, lo que favorece el conocimiento de la pintura española y de sus artistas, como Velázquez o Goya; se desarrolla una atracción hacia lo español.
34. Pintar al aire libre en busca de las variaciones de la luz.
35. Esta práctica fue favorecida por la difusión de los tubos de estaño, que permitían “captar la impresión” de forma rápida y directa.
36. Dejan el taller y pintan al aire libre, para captar el momento atmosférico, a través del color y la luz.
37.
38. Tampoco rompe del todo con la estética anterior, y es heredero de distintas aportaciones anteriores:
39.
40. - El costumbrismo es un rasgo de Manet, precursor del Impresionismo, quien a su vez, bebe estética y técnicamente de Francisco de Goya ¿Herencia?
41.
42. - La expansión de la fotografía, valorada por unos y menospreciada por otros, aportó encuadres, angulaciones con primeros planos, figuras cortadas y descentralizadas. En el impresionismo influye la instantaneidad.
43. - La estampa japonesa, en los contornos vigorosos, las composiciones oblicuas, las formas esquemáticas, la síntesis del color, admirada por los impresionistas.
44.
45. La obra de los pintores impresionistas no es espontánea, sino concienzuda y precisaba de muchas horas en el taller.
48. EL POETA MALDITO Y CRÍTICO LITERARIO, CHARLES BAUDELAIRE APOYÓ A LOS PINTORES IMPRESIONISTAS, COMO EL NOVELISTA Y CRÍTICO EMILE ZOLA
49. Características de la Pintura Impresionista 1) Preferencia por el aire libre, que adoptan de la Escuela de Barbizon. La pintura en tubos, los lienzos y pinceles más fáciles de transportar, ayudan al pintor a reproducir las distintas fases del día, las diferentes luces que se producen sobre un mismo paisaje u objeto. 2)Pincelada suelta y tonos más claros y luminosos. 3) Su importancia estriba en la dinámica de cambio y renovación en el arte occidental. 4) Compromiso con su tiempo, de modo distinto a los pintores realistas. Su visión del mundo es optimista, los aspectos que retratan son gratos, amables y alegres. 5) No es sentimental, ni subjetivo; buscan la objetividad, la investigación visual y pictórica, más que reflejar el alma del artista. 6) Nuevos temas: Pintura al aire libre en paisajes, mareas, vistas urbanas, vistas fluviales, escenas nocturnas, fiestas populares, personajes bohemios, con temas banales y reflejos en las aguas.
50. 7) Nueva valoración de la luz y el colorido, se suprime el color negro que no existe en la naturaleza. Combinación de claro sobre claro, con la que armonizaban sus composiciones. 8) Utilizan una gama de colorido luminosa: blanco, rosa, azul, rojo y violeta, reservando a las sombras tonos más fríos pero brillantes, con toques de colores complementarios en algunos lugares. 9) Para ellos no existe ni el color ni la forma, sólo la relación aire-luz. La luz y sus cambios son sus verdaderos temas. Se trata de representar el motivo tal y como lo percibe el ojo a través de la luz, y antes de que el cerebro recomponga la imagen: “pintura para el ojo”. 10) Técnica suelta y ligera con pinceladas vigorosas, cortas, con mucha pasta a veces; otras muy diluidas (yuxtapuestas), de diferentes colores. Su modo de trabajo es inmediato, plasman las vibraciones de la atmósfera. 11) Encuentro entre la ciencia y la pintura, a través de las investigaciones de Chevreuil, teórico del color. 12) Niega el claroscuro, basado en la teoría anterior. Las sombras de los objetos se representa con colores (no con el negro), dando pie a la teoría de las sombras coloreadas
51. 13) Nueva valoración del espacio ilusorio, con angulaciones o encuadres atrevidos; las figuras a veces no ocupan el centro y están cortadas. Renuncian a la perspectiva geométrica y captan el instante. 14) Nueva relación con el público: el espectador debe participar imaginando lo inacabado. 15) Surge una nueva forma de concebir la relación entre los artistas, ya que fundan una Sociedad Anónima que organiza una exposición colectiva en 1874.
52. ETAPAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA PRE- IMPRESIONISMO IMPRESIONISMO NEO- IMPRESIONISMO POST- IMPRESIONISMO Édouard Manet (1822-1883) Claude Monet (1840-1926) P.A. Renoir (1841-1919) Edgar Dégas (1834-1917) Camille Pisarro (1830-1903) Alfred Sisley (1839-1899) Georges Seurat (1859-1891) Paul Signac (1863-1935) Paul Cézanne (1839-1906) Vincent Van Gogh (1853-1890) Paul Gauguin (1848-1903) Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901)
53.
54. Su pintura es un homenaje a los pintores europeos y su visión realista.
55. Influenciado por la escuela veneciana, la Escuela de Barbizon, Velázquez y Goya.
56. Se interesa por la visión sin prejuicios, propia del realismo.
57. Retrato de Émile Zola OBRAS DE MANET Desayuno sobre la hierba Olympia El Pífano Ejecución del Emperador Maximiliano Retrato de Zola
65. EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA, causó un gran escándalo por el tema y el tratamiento formal
66. “ Olympia ” es otra obra de Manet en la que reinterpreta una obra de Tiziano: “La Venus de Urbino”. Logra armonía con tonos claros. Aparece una mujer desnuda, con la piel de color lechoso, recostada en un diván blanco y el chal beige, contrastando con el negro del fondo y el color de la sirvienta. La sirvienta entrega un ramo de flores a la prostituta
67. Le aleja del Impresionismo: - Prefiere el dibujo y el trabajo en el taller. - Rechaza la pintura al aire libre, - Uso del color negro - Pincelada firme -Fuertes contrastes de luz y de sombras. - Se opone a la gradación tonal. Manet culmina el realismo e inicia el Impresionismo “ El Pífano”, obra de Manet reúne muchas de estas características
68. FUSILAMIENTO DEL EMPERADOR MAXIMILIANO EN MÉXICO Manet nunca expuso con los pintores impresionistas, y solo sus últimas obras se acercan al impresionismo.
69. REFLEJO DE UNA CAMARERA EN EL ESPEJO DEL BAR DEL FOLIES BERGÈRE
70.
71. Debido a una de sus obras, “Impresion. Sol naciente”, al movimiento se le denominará “impresionista”.
82. En su etapa final, en “Nenúfares” y “Ninfeas” busca la experiencia inmediata de la naturaleza, disolvió formas, redujo la perspectiva e hizo desaparecer el horizonte.
84. Entre sus paisajes, tomados del natural, sobresalen los acuáticos. En ellos estudia las variaciones de la luz sobre el agua y los reflejos, que le permite desarrollar la teoría de las sombras coloreadas. Pintores impresionistas: Monet
85.
86.
87. Paisaje que refleja el amanecer en el puerto de Le Havre, en el que un sol rojo se refleja sobre las aguas del mar.
89. Los efectos de luz protagonizan el cuadro. El sol, la mancha roja que se destaca al fondo, sale entre la neblina y tiñe de efectos anaranjados el mar y el cielo.
90.
91. No se aprecia casi las líneas que delimitan el horizonte, fundiéndose agua y cielo.
92. Los colores se aplican con pinceladas gruesas y rápidas, que se aprecian a simple vista; está llena de pintura. Por ello se acusa a los impresionistas de “abrir el tubo y derramarlo en el cuadro”.
95. ESTANQUE DE LAS NINFEAS Y EL PUENTE JAPONÉS (Giverny). Recopila toda su investigación sobre la luz y el color ESTACIÓN DE SAINT LAZARE Nenúfares TEORÍA DE LAS SOMBRAS COLOREADAS SERIES DE MONET
96. NINFEAS: CICLO DE CUADROS QUE REPRESENTA LA VEGETACIÓN ACUÁTICA DE NINFAS, UN JARDÍN EN EL AGUA. MONET RONDA LA ABSTRACCIÓN EN ESTA MAGNA OBRA, QUE LE ENCARGÓ EL GOBIERNO FRANCÉS DURANTE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL. LA LUZ LO IMPREGNA TODO
97.
98. Muestra gran interés por la luz y los matices del color, con pinceladas dinámicas y borrosas.
99. Sus obras están llenas de motivos y escenas vitales, joviales, alegres y hedonistas.
112. Opta por la disolución de la línea, de los contornos y de las formas, en favor del color y de la luz, que parece filtrarse en las escenas.
113. OBRAS Torso de mujer al sol Baile en Le Moulin De la Galette
114.
115. Los personajes son tres amigos de Renoir, la pareja que baila a la izquierda es una de sus modelos y un pintor cubano; y en el centro, dos hermanas, una ellas modelo.
119. Representa uno de los bailes que se celebraban los días festivos en el Moulin de La Galette, un viejo molino abandonado de Montmartre, en la zona bohemia de París. Es un tema extraído de la vida real. Todo el cuadro derrocha alegría y vida; con actitudes relajadas y colores vibrantes. La diagonal separa los dos círculos en los que se organiza la multitud. BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE Primer plano: las figuras se ven desde arriba Segundo plano: Las figuras se ven frontalmente Las formas Se diluyen
120. TORSO DE MUJER AL SOL Representa a una mujer desnuda, levemente girada. La figura está cortada. Se encuentra bajo una luz tamizada por la vegetación entre la que se encuentra. Las sombras se consiguen con pinceladas azuladas o violáceas, suprimiendo el negro. Su pincelada es suelta.
125. Aunque participa en la mayoría de las exposiciones impresionistas, su pintura tiene poco que ver con la misma.
126. Prefería que se les llamara “independientes” y no “impresionistas”, término que hacía referencia a la ruptura con el arte anterior y no a una forma de pintar
127.
128. Prefiere el trabajo en el taller y la luz artificial, con una peculiar forma de evocar el espacio, a través de diagonales y espejos; figuras laterales y el vacío central.
141. Pintores impresionistas: Degas BAILARINA EN EL ESCENARIO DEGAS CAPTA AQUÍ UNA INSTANTÁNEA, EL TUTÚ AYUDA A TRATAR EL MOVIMIENTO. LA LUZ ES ARTIFICIAL, NOTÁNDOSE LA INCIDENCIA DE LA MISMA EN EL TEATRO EL CENTRO QUEDA VACÍO
148. El espacio se amplía con los espejos, que reflejan la escena, y la puerta abierta. El efecto de la atmósfera y de la luz, que procede de la derecha, está conseguido con la difuminación de los contornos de las figuras.
150. LA BEBEDORA DE ABSENTA ESCENA DE INTERIOR LAS FIGURAS SE ENCUENTRAN EN EL FONDO, DESCENTRADAS EL CENTRO LO OCUPA UN GRAN VACÍO ESTUDIA LA INCIDENCIA DE LA LUZ ARTIFICIAL EN EL CAFÉ, REFLEJÁNDOSE EN LAS SOMBRAS DE LOS PERSONAJES, QUE MUESTRAN UNA PROFUNDA SOLEDAD Y TRISTEZA.
156. “ ESCARCHA” Es un tema paisajístico. Muestra un paisaje desolado, con una sola persona caminando por el campo lleno de escarcha. Las pinceladas son muy cortas, con abruptos cambios de color, a veces superpuestos.
170. NIEVE EN LOUVECIENNES Como Monet, Sisley sigue el ejemplo de Courbet pintando paisajes sobre la nieve. Le interesa estudiar los efectos de luz y jugar sobre los distintos matices de su paleta. Gracias a las pequeñas pinceladas de color, el cielo no es uniformemente blanco, sino irisado, con reflejos azulados. Desarrolla la perspectiva en un camino nevado, que se proyecta en la lejanía, con una sola persona en él. Se percibe su gran sensibilidad y delicadeza. Tiene influencias del paisajismo inglés (Constable y Turner)
171.
172. Tras su paso por París, donde conoce el tratamiento lumínico, creará un estilo propio, a través de la plasmación de la luz y el color del Mediterráneo. (“Cosiendo la vela”)
173. Se interesa por los reflejos de la luz, representando las sombras con colores azules y violetas.
174. No usa la pincelada suelta y mezcla los colores en la paleta.
183. Les interesa nuevos temas, como los problemas ópticos, la luz y el color, creando un clima propicio para las nuevas aportaciones.
184. Surge así el puntillismo o divisionismo, escuela que desarrolla Georges Seurat (1859-1891), que continúa la investigación óptica del impresionismo, pero rechaza la ejecución improvisada de éste.
187. El color se ejecuta a base de pequeñas pinceladas en forma de puntos de distintos colores que el espectador mezclará en la retina.
188. Su técnica de puntos la experimenta con colores puros, que colocados con colores complementarios, permiten la aparición de un nuevo tono al fusionarse en la retina del espectador.
189.
190.
191. Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. En 1884 funda el Salón de los Independientes
192. BAÑISTAS Presenta a unos muchachos bañándose o tomando el sol, con puntos que el observador recompone. Utiliza colores muy vivos
193. UNA TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE
194.
195.
196. Contrasta la modernidad de la escena (la muchedumbre disfrutando del ocio en la isla de la Grande Jatte, en el Sena), con la rigidez de las figuras, que son arcaicas.
197.
198. Obra maestra del Divisionismo: uso de precisas y pequeñas manchas de color, cerca unas de otras, que, con la distancia, se mezclan produciéndose la fusión de los tonos.
212. No comparte con los impresionistas el interés por los efectos cambiantes de la luz.
213. Para él, el pintor no debe copiar, sino organizar lo que ve; estudiar racionalmente los objetos y no desdeñar el dibujo, al que considera igual de importante que el color.
214. Supone que, la tridimensionalidad y la perspectiva, ambas importantes desde el Renacimiento, pierden protagonismo y no sean fundamentales para el artista.
215.
216. Pinta bodegones y elige a sus amigos como modelos para ejercer su estudio de reducción de la realidad a cilindros, conos y esferas, con obras estructurales en series.
217. Sus pinceladas son largas y visibles, de líneas casi paralelas, que expresan la solidez de la forma.
226. El centro de la composición es la botella, que divide en dos mitades, cada una de las cuales está ocupada por un personaje.
227. En esa zona central confluyen las manos de los protagonistas, que sostienen las cartas y centran la atención. La presencia de los jugadores, su posición frontal y sus manos, intensifican la sensación de enfrentamiento.
231. Usa el color, de tonos apagados, aplicado con pinceladas breves y superpuestas, de diferentes matices, para crear las formas y aportar volumen.
232. Los gestos, mínimos y contenidos, pero expresan enfrentamiento. Los jugadores están concentrados en las cartas, sostenidas con cuidado con las manos.
233. La mínima expresión gestual y el cromatismo, lleno de matices, aportan monumentalidad.
234.
235. Por su concepción de la condición plana del lienzo, no crea en sus pinturas un espacio en el que colocar los objetos, sino que son éstos los que configuran el espacio del paisaje.
236. La obra está sometida a las leyes eternas de la geometría.
237. Representa a muchas mujeres desnudas en un espléndido paisaje natural, agrupadas en dos mitades simétricas.
238. Forma una especie de pirámide con la prolongación de los árboles hacia la cúspide central.
239. No hay sensualidad en la escena y sí una extraña sensación de comunión entre las figuras.
246. Fue un artista solitario e incomprendido. Sufría una enfermedad psíquica congénita que se agravará por su tormentosa amistad con Paul Gauguin, su dependencia económica de su hermano y sus fracasos emocionales.
247. Conoce la obra de Rembrandt, Constable, Turner, y Millet y al que reinterpreta en su obra.
248. Tras una crisis personal, se interesa por la religión, pero en una misión decide hacerse pintor.
249.
250. A través de su pintura, interpretaba la realidad, dependiendo de su estado anímico.
251. El color resplandeciente es el gran protagonista de su obra. Lo usa con pinceladas densas de colores puros, que fragmentadas u onduladas, provocan una vibración óptica en todo el lienzo. De esa manera expresa su propio e inestable estado de ánimo
263. Visión nocturna de la iglesia de Auvers-sur-Oise , de formas nerviosas y fuertes colores.
264.
265. El dibujo, simple, está formado por trazos sinuosos, flamígeros y contornos oscuros; utiliza la técnica del cloissonismo.
266. Incorpora una gran variedad de colores: amarillo, verde, rojo, violeta y blanco.
267. En obras como “La habitación del pintor”, se observan estas características.
268. EL DORMITORIO DEL ARTISTA EN ARLÉS Perspectiva acelerada, colores casi planos, que armonizan entre sí y que transmiten emociones, reposo y estabilidad. En Arlés se sentirá deslumbrado por el sol, que es una fuerza regeneradora para él, lo mismo que los colores intensos y la exuberancia del paisaje. El amarillo y el rojo destacan sobre el resto de colores
269. La Iglesia de Auvers-sur-Oise Los paisajes y vistas revelan su estado mental. Hay algunos serenos y otros que muestran su inestabilidad psíquica. Data de 1889. Las formas nerviosas, los fuertes colores, la pincelada dinámica, nos presentan una obra inquietante, preludio de su violenta muerte en 1890. Es una visión nocturna.
270. Retrato del Doctor Gachet, su protector El doctor Gachet, apasionado por la pintura, creía en el valor terapéutico del arte sobre Van Gogh. Fue retratado dos veces más por el pintor.
271. Autorretrato: “Se dice que es difícil conocerse a uno mismo; pero tampoco es fácil pintarse a uno mismo.” Los girasoles : Simbolizan el sol ardiente del sur de Francia; son algo más que flores, son masas ardientes, energía y luz En su evolución como pintor, aclara su paleta y su pincelada es más vigorosa y usa más cantidad de pintura.
272. “ Noche estrellada”: La obra destaca por su horizontalidad. Las únicas verticales son los cipreses de la izquierda y la torre de la iglesia ,que llevan la mirada hacia arriba. El cielo de Van Gogh no es negro, sino que lo llena de color. En el cielo azul destacan las estrellas blancas y una luna amarilla (el amarillo y el azul son sus colores favoritos); se agitan en remolinos. Las pinceladas del cielo son gruesas y agitadas, contrastan con la quietud y linealidad del pueblo. Los cipreses se elevan como llamas oscuras
273. Lo pinta durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint Rémy, en Provenza. No representa un paisaje real, sino que es una recreación del propio artista. El cielo es el verdadero protagonista, y ocupa casi todo el lienzo. El tema de la noche estrellada enlaza con sus creencias sobre la muerte y la eternidad: la muerte no era más que un viaje a las estrellas y el cielo estrellado era un mapa de ese viaje. El ciprés, árbol presente en los cementerios, intensifica el mensaje. Abandona el deseo de los impresionistas de plasmar la realidad del natural, y se acerca al simbolismo y al expresionismo. Las pinceladas intensas y el uso de colores violentos y arbitrarios, influirán poderosamente en el Expresionismo.
274.
275. Su deseo es “ser un salvaje, volver al origen y librarse del Impresionismo”.
276. Precursor del arte del siglo XX, crea un estilo cercano al Simbolismo, menos naturalista y de formas simples y abstractas.
277. Se mueve entre el pintoresquismo, representado por el arcaísmo de Pon-Aven, (Bretaña), sus campesinos y supersticiones y su fascinación por Oceanía y su arte étnico (Tahití).
278.
279. Amigo de Van Gogh, con el quer llega a vivir y mantener una turbulenta amistad.
280. En su obra protesta contra el colonialismo y el etnocentrismo.
284. Da gran importancia al color, usado de forma arbitraria en amplias zonas planas limitadas por la línea, sin atenerse a normas que impone la realidad ni interesarse por los problemas derivados de la perspectiva. Los colores, puros, los usa tal y como salen del tubo.
285. Este será el rasgo esencial de otra corriente pictórica, el Fauvismo.
286. La obra de Gauguin es un canto al color y al primitivismo. Los pintores postimpresionistas
287.
288. En su madurez dominan temas relacionados con el erotismo y el ritual pagano de Tahití, isla en la que vive desde 1891.
289. En ese entorno paradisíaco, donde parece que el tiempo se ha detenido, recrea la atmósfera idílica de sus exuberantes valles, la serenidad de sus nativas y su vegetación, mediante colores planos, puros, y contornos muy marcados, sin juegos de claroscuros.
297. MATAMÚA (ÉRASE UNA VEZ ) Gauguin muestra el paraíso original, la edad de oro anterior a la llegada de la civilización occidental, cuando se vivía en armonía con la naturaleza y con los dioses. El título del cuadro se refiere a ese tiempo pasado. El tronco de un árbol es el centro de la obra que divide en dos escenas. A la derecha, una pareja de jóvenes está sentada en actitud serena; una toca la flauta y la otra la escucha. A la izquierda, un grupo de mujeres danza en torno a una estatua de la diosa Hina (la luna). El paisaje es idílico, denso y asfixiante, y en él destacan los verdes lujuriosos y al fondo, las montañas, rosas y violetas, que cierran el valle, que parece estar aislado de toda comunicación. Usa colores planos, puros, intensos, sin relación con la naturaleza, sin claroscuros. Sugiere alegría y felicidad
298. ¿Cuándo te casas? La obra de Gauguin no gustó en Francia, ni fue comprendida, por sus brillantes colores, perspectivas planas y temas enigmáticos. Por ello tuvo que escribir un texto que explicaba sus cuadros y las costumbres de Tahití (“Noa Noa”)
299. CRISTO AMARILLO Es un tosco Cristo crucificado al estilo románico, ya que no expresa sufrimiento. El color dominante es el amarillo, intensificado con los colores naranjas de los árboles. Busca lo mágico y maravilloso y no lo real. Alrededor de la cruz vemos tres mujeres, y al fondo, un pueblo en un valle tranquilo
300.
301. Su vida transcurre entre una formación conservadora, su defecto físico y su gusto por la noche parisina.
312. Su vida nocturna le ayuda a captar un sinfín de tipos, que trata con una penetrante y prodigiosa psicología, haciendo de su obra un documento gráfico de su época.
313. Recrea un universo personal poblado por personajes que se repiten: Jane Avril, Chocolat..
314.
315. En la siguiente imagen, “Bailando en el Moulin Rouge”, vemos a la Goulue (“Golosa”). Esta bailarina presentó un nuevo espectáculo, y por ello pidió a Toulouse que pintara algunos carteles para decorarlo. En éste vemos a la Goulue bailando con Valentín “el deshuesado”.
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