1. LICEO “JOSÉ V. LASTARRIA”
Miguel Claro Nº 32. Providencia
www.cdslastarria.cl
GUIA 4TO MEDIO
ARTES MUSICALES
PERÍODO MODERNO Y CONTEMPORANEO
http://www.youtube.com/watch?v=39z5xMb4lBY (HISTORIA DE LA MUSICA)
Impresionismo musical:
Las principales características del impresionismo musical son:
Fuentes de inspiración objetivas, con la mirada puesta en la naturaleza.
Desaparición de la melodía lineal para dar paso a masas sonoras de acordes unas junto a
otras sin aparente coherencia, pero de gran efecto auditivo.
Ruptura con la armonía tradicional y las reglas clásicas, y creación de nuevos acordes
tradicional
relacionados por bloques.
Colorido orquestal brillante y sensible con aplicación de armonías y escalas nuevas.
Formas, en principio vagas e imprecisas, pero que presentan un fondo estructural muy
trabajado.
Creación en las obras de una atmósfera sonora basada en «impresiones» auditivas.
Búsqueda del placer en el sonido como fin último de la obra musical.
Predilección por los títulos poéticos.
Expresionismo
Los músicos impresionistas y pos románticos, comienzan el siglo XX. Entre los años 1914 y
1918 aparecieron varios movimientos artísticos renovadores, que le dieron el carácter de
cada uno de los períodos de este siglo.
Se podría decir, que el Expresionismo está formado por los últimos restos del
Romanticismo Alemán, ya que se conservaron algunas características del siglo IX, como las
nticismo
emociones engrandecidas por lo grotesco, lo macabro... El Expresionismo, es su poesía
natural, refinada, descriptiva, versus el tratamiento de las zonas ocultas y ondas del alma,
d
el rechazo a la realidad. Este movimiento, fue vanguardista y rupturista, se notó en
Alemania, afectada por las luchas sociales, espirituales e ideológicas. El impulso para este
movimiento, surge de la literatura y la pintura, especialmente, de la amistad que hubo
entre Schoemberg, los pintores alemanes y los integrantes del grupo “Jinete Azul”, el que
comienza en una exposición de cuadros en 1911.

2. La primera década del siglo XX, se transforma en un descargue de acuerdos musicales, por
eso, podemos decir que el Expresionismo es una música violenta, dramática e
incoherente. Tonalidad, armonía y melodía, rompieron las reglas de la música hasta ese
momento. A la larga, esto se va convertir en un caos, lo que en 1908, la crisis llegó. La
ruptura tonal, produjo una ruptura con las bases de organización existentes.
La situación no podía contenerse por más tiempo, este movimiento de tanta fuerza,
chocaba con la intelectualidad.
Su meta era desordenar todo orden construido, y ansiosa de expandir su libertad y
autonomía e las imágenes del mundo exterior, estamos entre una perfeccionada, pero
irrepetible, violencia del lenguaje.
Atonalismo / Serialismo / Dodecafonismo
La Música atonal del Expresionismo llegó a una situación caótica al haber prescindido de la
función ordenada que anteriormente había ejercido la Tonalidad. Era necesario encontrar
un nuevo principio ordenador.
Ante el ambiente hostil de Viena a cualquier renovación, Schoemberg guardó silencio
durante algunos años trabajando incesantemente con sus amigos y discípulos, hasta que
en 1923 codifica y formula el nuevo método de componer con 12 sonidos, sólo
relacionados entre sí. Nace así el DODECAFONISMO.
Atonalismo, Serialismo y Dodecafonismo son términos intimamente relacionados pero no
sinónimos. Se hace necesario entender bien cada uno para comprender sus implicaciones
en la obra de muchos de los compositores tratados. No toda la música atonal es
dodecafónica, puede haber serie al margen de los 12 tonos y también se pueden utilizar
los 12 tonos fuera de formas no seriales.
Atonalismo: Música que rompe con cualquier sistema jerárquico de funciones armónicas
derivadas de las escalas diatónicas. Precede al Dodecafonismo.
Serialismo: Corriente de pensamiento que incluye todo tipo de música que se compone a
partir de una serie creada anteriormente.
Dodecafonismo: Sistema en el que la serie se extrae de la escala cromática, dispuesta en
un orden específico. Ninguna nota de la serie aparece repetida dentro de la serie, el orden
de las notas de la serie son fijos pero los registros son libres y la serie puede presentarse

3. de manera melódica, armónica o contrapuntística pudiéndose presentar de 4 maneras
diferentes: Original, retrógrada(espejo), inversión y retrogradación de la inversión.
Futurismo
Paralelamente al Expresionismo, en Italia, surge un movimiento de grandes influencias
para los próximos años. La música futurista, se basa en una nueva valorización del ruido,
que aporta la estética tradicional, e intentó elevar la vida contemporánea, basándose en
sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
Sus fundadores son F.T. Marinetti y Francisco Balilla. Pratella.
Los músicos más vanguardistas, estaban lejos de la música futurista, porque no le daban
mayor importancia al ruido como representación de la incesante inmovilidad del universo
sonoro. Se crean instrumentos que producen sonidos, como el intonarumori.
El futurismo se desarrolla en Francia, hacia 1910, como una nueva estética musical,
centrada en Erik Satie. Su objetivo es recuperar de la música, su auténtica realidad sonora
y su esencia. Satie, Ravel, Stravinsky y De Falla, comienzan a adoptar esta estética, esta, se
caracteriza por la claridad y simplicidad del lenguaje.
Neoclasicismo
El Neoclasicismo, comienza el segundo camino de respuestas a la crisis entre los años
1818 y 1939. Es un regreso a la música clásica y barroca especialmente. Trata de evitar
una ruptura en la tradición, que fue una característica de los movimientos actuales
anteriores.
Este movimiento comenzó en Francia por Ravel y varios miembros del grupo de los “seis”,
además por Manuel de Falla y Millhaud. También comenzó en Alemania con Ferrucio
Busoni. El Neoclasicismo italiano, que se caracteriza por su simplicidad, reúne a
compositores como Gian Franceseo, Milipiero y Alfredo Casella.
Las características del Neoclasicismo, son que vuelve a las grandes formas de la era pre
romántica. Pretendía el uso de una línea melódica instrumental, compuesta o formada de
intervalos amplios y registro extenso.

4. La música concreta
Es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados por Pierre
Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948. La música acusmática está
ligada a la aparición de dispositivos que permitieron la descontextualización de un sonido
fijándolo en un soporte (en un principio analógico, como la cinta, posteriormente digital,
como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo
cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos resultantes
de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva como una
partitura auditiva. En virtud de este proceso se habla también de "música de sonidos
fijados”, ya que el resultado de la música concreta es su fijación en un soporte como la
cinta de casete, el CD o un archivo informático. Esta revolución de sonidos hizo cambiar
significativamente toda la estructura convencional de la música, ya que la forma musical
dada al sonido de una puerta abriéndose pasó a tener la misma importancia que la de una
melodía tocada al violín.
Música electrónica
Es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación de instrumentos
electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el
sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando
tecnología electrónica. Ejemplos de dispositivos que producen sonido
electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La
producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el
theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta
occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a
precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera
cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad
técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta
formas populares como la música electrónica de baile.
La música aleatoria
Música en la que se realiza una utilización deliberada del azar o la indeterminación. El
aspecto indeterminado puede afectar al acto de la composición, a la interpretación, o a
ambos. En la primera instancia, se utiliza algún proceso fortuito, como tirar un dado (el
significado original de aleatorio es según la tirada de un dado) para fijar determinadas
decisiones compositivas en una realización dada en una pieza: él número de segmentos
tocados el orden en el que han de tocarse o las notas o duraciones especificas utilizadas.
Aunque la música aleatoria especialmente en sus formas más extremas, es principalmente
un fenómeno de la segunda mitad del siglo XX, existen precedentes a lo largo de toda la
historia musical occidental. Los teóricos medievales, por ejemplo, recomiendan

5. ocasionalmente la permutación de una sucesión de notas dada como una ayuda mecánica
para la invención melódica; y los juegos de dados musicales, en los que hay que elegir
entre una serie de posibilidades con ayuda del dado, gozaron de popularidad en el siglo
XVIII.
El estadounidense Charles Ives fue el primer compositor que utilizó técnicas aleatorias.
Permitía a veces que el oyente optara entre diversas alternativas ( por ejemplo, el número
de veces que había que tocarse un compás incluso sí debería de tocarse una sección
completa) y este tipo de tendencias fueron desarrolladas más tarde por Henry Cowel
especialmente en su cuarteto, de cuerda num.. 3 de 1935, conocido como el cuarteto
mosaico, que es de una serie de segmentos independientes que han de ensamblar los
intérpretes. Los términos forma abierta y forma móvil se han aplicado a la obra de este
tipo.
Las figuras más importantes en la evolución de la música aleatoria moderna es Jhonn
Cage, cuya músic of changes (música de cambios una pieza para piano compuesta para
1951) fue la primera composición determinada en gran medida para procedimientos
fortuitos. Para esta obra Cage, tiraba monedas y utilizaba resultados para elegir
configuraciones del Ching un libro de oráculos chinos, que a su vez conducía a la elección
de alturas, duraciones, dinámicas, etc.
El minimalismo
Es un movimiento y una de las alternativas a la saturación del arte de las décadas de la
post-guerra. Antes de los años sesenta la creación musical llamada culta o clásica estaba
dividida en dos grandes corrientes opuestas: por un lado el serialismo que busca la
racionalización total de una obra de una manera matemática, y por el otro la música
aleatoria (del latín alea, juego de dados, azar) que más bien busca la indeterminación
como principio compositivo.
Nace en los sesenta en Estados Unidos el minimalismo musical como una propuesta para
simplificar el lenguaje. El vocabulario minimalista reduce drásticamente los medios
expresivos y crea obras en las que el más mínimo detalle produce un cambio significativo.
Esto no es nuevo dentro de la historia de la música: en el barroco tardío, con Bach y el
clasicismo incipiente, se eliminan complejidades contrapuntísticas, recargando la
responsabilidad armónica en el bajo de Alberti.
Entre los representantes más destacados de este movimiento están Terry Riley (1935),
compositor de lo que se puede denominar la primera obra musical minimalista: En Do.
Philip Glass (1937), compositor entre otras cosas de la imponente trilogía lírica dedicada a
la ciencia, política y religión: Einstein on the beach, Satyagraga y Akenaton. Steve Reich
(1936), compositor de Violin Phase, Thehillim, Music for Mallet Instruments, Clapping

6. Music, Octet, etc . John Adams (1947), compositor de las óperas Nixon en China y La
muerte de Klinghopfer. En estas óperas se oye hablar más bien de un post-minimalismo. El
lenguaje minimalista sirve como base para una música más elaborada.
El lenguaje de Adams (The Wound-Dresser, Fearful Symetries) abarca una gama de lo
humano mucho mayor que la de sus colegas. Quizás debido al escogimiento de los temas,
el estudio y tratamiento musical, podríamos hablar de un nuevo renacimiento musical;
basta con escuchar su Sinfonía de Cámara en tres movimientos de 1992.