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TEMA 14
ARTE DEL SIGLO XX
1.- LA ARQUITECTURA DEL MOVIMIENTO MODERNO
Cambios en la arquitectura del siglo XX
o Urbanismo:
La mayoría de la población vive en ciudades.
La planificación de las ciudades será uno de los objetivos de
nuestro siglo.
Tony Garnier será el primer arquitecto que afronte seriamente
la planificación de la ciudad
• En sus proyectos utiliza los nuevos materiales que la
industria había aportado a la construcción.
• Algunas de sus ideas fueron puestas en práctica en la
ciudad de Lyon.
La planificación de Brasilia, obra de Niemeyer es otra
interesante prueba de la importancia que el urbanismo tuvo a
principios de siglo.
o Rascacielos:
Frente a los problemas de crecimiento de la población en las
ciudades la solución eran los rascacielos.
Surgen a finales del siglo XIX en Estados Unidos y continúan
construyéndose en el siglo XX.
Con ello, la forma ha de subordinarse a la función: lo
importante de un edificio es que sea funcional, que cumpla de
la mejor manera la función para la que ha sido diseñado.
o Nuevos materiales:
La aparición de nuevos materiales y su empleo en la
construcción seguirá avanzando.
El muro tradicional será desplazado por el muro-cortina.1
La arquitectura tratará de alcanzar las formas transparentes y
dinámicas.
o Ruptura de la tradición:
Se pretende romper las cadenas que ligan al arquitecto con el
pasado y crear un nuevo lenguaje caracterizado por la
libertad absoluta.
Se rechaza cualquier referencia a estilos anteriores.
Esto confiere a la arquitectura del siglo XX un carácter
universalista y autorreferencial: un edificio no deberá hacer
referencia a nada, tan solo a sí mismo.
o Corrientes:
La arquitectura del primer tercio del siglo XX se divide en dos
grandes corrientes:
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Muro-cortina: a partir del momento en que el muro pierde, en cierta manera, la función sustentante, los
materiales tradicionales pueden ser sustituidos por otros más ligeros, generalmente vidrio. De esta manera
el muro-cortina es una simple separación entre el interior y el exterior del edificio.

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Una europea, denominada racionalismo, que tendrá entre
ellos:
• Los arquitectos alemanes de la Bauhaus
• Los holandeses del grupo De Stijl
• Y el suizo Le Corbusier
Una americana, llamada organicismo, cuyo máximo
representante es Frank Lloyd Wright
Posteriormente los críticos Henry Russel Hitchcock y Philip
Jonson acuñaron el término estilo internacional con el fin de
expresar la síntesis de ambas tendencias en un mismo
edificio.
1.1.- El Racionalismo: Le Corbusier
Definición:
o El Racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada
en la Razón que se adecue perfectamente a la función para la que
ha sido pensada.
Características:
o Es una forma de interpretar la arquitectura, en la que lo ornamental
no tiene cabida.
o Se fundamenta en las formas puras y geométricas.
El racionalismo reduce los edificios a severos esqueletos
geométricos de hierro y hormigón armado.
• Estos materiales permite eliminar las paredes exteriores
y suplirlas por cristal.
Surgen así volúmenes transparentes y desornamentados,
pues la decoración reside en el ritmo con el que se disponen
los huecos en las fachadas.
o Se prescinde de cualquier referencia al pasado.
o El Racionalismo trata de adaptar las modernas técnicas de la
construcción a las necesidades del hombre contemporáneo.
Bauhaus:
WALTER GROPIUS: EDIFICIO DE LA
BAUHAUS. 1925-6
MIES VAN DER ROHE: PABELLÓN
ALEMÁN EN LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL
DE 1929
GERRIT THOMAS RIETVELD: CASA
SCHRÖEDER. 1924. UTRECHT, HOLANDA
o El desarrollo de este movimiento se inicia en 1919, con la creación
por Walter Gropius de la Escuela de Arquitectura y Artes
Industriales en Weimar, que denominó “Casa de la Construcción” o
Bauhaus.

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o Se trata de un instituto de artes y oficios en el que los alumnos
diseñan todo tipo de objetos.
o Posteriormente se trasladó a Dessau, clausurándose en 1923,
cuando sus principales profesores emigraron a los Estados Unidos.
La sede de Dessau, el Edificio de la Bauhaus, fue el “libro
de estilo” del racionalismo.
Gropius se rodeó de un claustro de arquitectos, ingenieros,
escultores y pintores con el fin de diseñar prototipos
destinados a su fabricación industrial en serie.
Las casas unifamiliares prefabricadas le permitían:
• Obtener volúmenes transparentes y austeros
• Favorecer el espíritu comunitario de la sociedad, al
conseguir una arquitectura barata.
o Fue clausurada en 1932, aunque se intentó reconstruir en Berlín bajo
la dirección de Mies Van der Rohe.
o Durante aquellos años se comercializó la producción industrial de
modelos, alfombras, tejidos, etc.
El Estilo (De Stijl)
o Estas ideas las comparten también los renovadores de la
arquitectura holandesa, reunidos en torno al periódico El Estilo, que
propugna “la línea recta en el arte”
o Animados por el geometrismo del pintor Mondrian, De Stijl
reconstruye la arquitectura de su país, tras el desastre de la Primera
Guerra Mundial con modernos edificis cúbicos y desnudos.
o Ejemplo: Gerrit Thomas Rietveld: Casa Schröeder (1924). Utrech,
Holanda.
Charles Édouard Jeanneret, apodado Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds
(Suiza), 1887 – Roquebrune-Cap-Martin (Francia), 1965.
o Teórico, urbanista y arquitecto.
o Teórico:
Le Corbusier postula el orden armónico en la arquitectura,
regulada por un canon de proporciones huanas.
Para ello elaboró el Modulor, que fija en 2,16 metros,
equivalente a la altura de un hombre de 1,75 con el brazo
alzado.
El Modular tendría también su aplicación en el campo del
diseño, extendiéndose al mobiliario y a los objetos comunes.
o Urbanista:
Concibió en 1922, un plan para la ciudad contemporánea de
tres millones de habitantes.
• Estaría formada por hileras de rascacielos aislados, que
convergerían radialmente hacia el centro, donde se
emplazarían los órganos de poder.
• Todos los inmuebles se distanciarían 500 metros entre
sí por espacios verdes.
• Se conectarían con la plaza mayor de la metrópoli
mediante grandes avenidas.
En 1958 haría realidad este proyecto al ponerlo en práctica en
Chandigarh

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• La nueva capital hindú del Punjab
o Arquitecto:
Características de su arquitectura:
• Empleo de pilotes:
1. Se trataba de que esté lo más separado posible
de la tierra, y se consigue, además, que este
espacio sea transitable.
• Terraza jardín:
2. Factible gracias al hormigón.
3. Las uniones del techo de hormigón se rellenan
con arena que protege de las oscilaciones
térmicas.
• La fachada libre
• La multiplicación indefinida de los vanos:
o Los ventanales corridos están divididos por
varillas metálicas y tienen mayor tamaño, llegan
a invadir el muro, que ya no es de carga.
• La planta libre
Su máxima preocupación fue la casa:
LE CORBUSIER: VILLA SAVOYE.
1928-30. POISSY. FRANCIA
LE CORBUSIER:
UNITÉ D’HABITATION
(1947-52). MARSELLA.
FRANCIA
LE CORBUSIER: CAPILLA DE NOTRE
DAME DU HAUT. RONCHAMP. 1950-54
LE CORBUSIER: MONASTERIO DE SAINTE
MARIE DE LA TOURETTE. LYON.. 1957-59
• Estas máquinas para vivir debían elevarse sobre pilares
a semejanza de los palafitos y cubrirse por una terraza-
jardín plana.
• El resto de la estructura se limita a un andamiaje de
hierro y cemento sometido a un plan libre.
• La Villa Savoye (1928-30)
o En las cercanías de París
• Unité d’Habitation (1947)
o Destinado a familias obreras, en el que se busca
sobre todo habitabilidad y la calidad a bajo
precio.
o En ella los bloques que la integran se disponen
espaciosamente sin interferirse unos a otros y
sin quitarse la luz.
A partir de los años 50, Le Corbusier comienza a explorar la
curvatura y a presentar el cemento armado en su estado
natural, con su superficie rugosa, sin pulimentación.

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• Dos obras religiosas ilustran este cambio, que otorga a
los edificios un aire escultural.
• La capilla de Nôtre Dame du Aut., en Roncham (1959-
54)
o Su planta es irregular y ondulante y los muros
están ligeramente inclinados.
o Existe mucho del Expresionismo en esta obra.
• Monasterio dominico de Saint Marie de la Tourette, en
Lyon
1.2.- El organicismo: Frank Lloyd Wright
Arquitectura orgánica:
o Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas
manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse
con la naturaleza.
o Rasgos que la definen:
El sentido de lo interior como realidad
La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes
La unidad entre el exterior y el interior
El uso de materiales naturales
La casa como protección
Frank Lloyd Wright (1867-1959)
o Rasgos generales:
es el ideólogo y defensor del organicismo:
Credo artístico:
• El edificio ha de concebirse en armonía con el paisaje.
• El cliente ha de sentirse realizado entre sus paredes.
• La casa ha de responder al modo de ser de quien la
vive.
• En esencia, las obras de Wright persiguen la felicidad
o Etapas:
Se distinguen dos grandes épocas, separadas por un período
de ostracismo.
Etapa Inicial (1887-1909)
WRIGHT: ROBIE HOUSE. CHICAGO. 1909.
ETAPA INICIAL
WRIGHT: CASA DE LA
CASCADA. 1936.
PENSILVANIA.
ESTADOS UNIDOS.
SEGUNDA ETAPA
WRIGHT: SEDE SOCIAL DE LA CÍA JOHNSON
WAX. RACINE. WISCONSIN. 1937. TERCERA
ETAPA: ELEMENTOS CURVILÍNEOS
WRIGHT: MUSEO SALOMÓN GUGGEN HEIM. NUEV

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• Se concreta en las prairie hauses:
o Sus unifamiliares “casas de la pradera”
o Ubicadas en urbanizaciones residenciales
perfectamente integradas con la naturaleza.
o Suele organizar la vivienda a partir de una gran
chimenea central, buscando perspectivas en
varias direcciones, obteniendo diferentes
ambientes habitables, que consigue mediante
distintas alturas.
o El volumen de la casa tiene forma de cruz, cuyos
brazos desiguales se injertan uno en otro.
o Esta estructura se ha comparado con la de las
villas palladianas.
o Robie House (1909)
Etapa de ostracismo:
• A partir de 1909 la estrella de Wright declina.
• Su vida familiar y afectiva es un continuo fracaso
Segunda Etapa: Casa de la Cascada
• Wright, ya septuagenario, sale de su aislamiento
diseñando la formidable Casa de la Cascada
o El más fabuloso ejemplo de arquitectura
organicista
o Proyectada en 1936 como respuesta a la
corriente racionalista que se estaba
estableciendo en Estados Unidos, liderados por
Walter Gropius y Mier van der Rohe.
o Fue encargada por Edgar J. Kaufmann
o En su construcción, Wright apuró las
posibilidades estructurales de los grandes
voladizos de hormigón armado.
o El resultado fue el sueño de un ingeniero poeta.
o En 1938 salen las primeras fotografías de
Fallingwater, la Casa de la Cascada: se
convierte en el modelo perfecto de vivienda
doméstica moderna.
Tercera etapa: elementos curvilíneos
• Tras esta obra, su autoridad es reconocida y tendrá una
actividad creadora de gran difusión.
• En 1937 la Compañía Jonson Wax le encarga su sede
social en Racine (Wisconsin)
o En este edificio alumbraba una nueva fase
dominada por elementos curvilíneos.
o Este edificio tiene un mobiliario diseñado
igualmente por el arquitecto.
• Trece años después, edificó para esta firma una audaz
torre de cristal, con ángulos redondeados, en la que se
ubicaron los laboratorios.
Cuarta etapa: círculo
• Con posterioridad el círculo le obsesiona y comienza a
experimentar con este tipo de planta hasta darle cima

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en el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York,
proyectado en 1943 e iniciado en 1956.
o Consta de dos partes: la sala principal de
exposiciones y un edificio administrativo, ambos
troncocónicos.
o La galería donde se encuentra la exposición
permanente es una espiral continua en rampa
que se desarrolla en torno a un gran hueco
central, cubierto por una cúpula sobre nervios,
que permite la iluminación natural.
o Wright estrena aquí una nuevo sistema
museístico de circulación y exposición: el
visitante sube en ascensor al ático, desde donde
inicia el recorrido.
2.- LA ESCULTURA: INNOVACIONES CONCEPTUALES Y
TÉCNICAS
Ideas generales
o La escultura contemporánea es el arte que experimenta una
revolución más radical en el siglo XX.
o Sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la
pintura y en bastantes casos los pintores cultivan también la
escultura.
o El Cubismo supone la ruptura definitiva con la tradición.
La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a
las formas geométricas.
o Pero, además de esta, la otra gran característica de la escultura
contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que
convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la
angustia del hombre actual.
o Estas dos líneas, la geometrización, la abstracción y la inclusión
de espacios por un lado y el expresionismo y la
trascendentalización de las formas por otro, son las dos grandes
líneas de la escultura, al igual que pasó en la pintura
Innovaciones:
o Los conceptos que revolucionan la escultura del siglo XX son el
hueco y el movimiento mecánico.
o El hueco:
Consiste en introducir el vacío en la masa de la estatua,
invirtiéndose así el concepto tradicional de la escultura.
o La segunda aportación que el siglo XX incorpora a la escultura es el
movimiento mecánico
Este dinamismo se consigue accionando el objeto
manualmente, impulsándolo con un motor o desplazándolo
mediante la fuerza del aire.
Características Generales de la escultura del siglo XX

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o En este siglo nació una nueva escultura, una nueva estética
escultórica que rechazaba la imitación de lo real y que reinventa
nuevas formas innovadoras; una escultura estridente, fuerte y
asombrosa.
o Una nueva manera de expresión desgarradora, violenta, furiosa,
contraria al antiguo ideal de expresar la belleza.
o Dejó de presentar la perfección de formas, de acabado o de
calidad matérica. Abandonó el buen gusto, las buenas maneras. Las
imposiciones establecidas que exigían no deformar la figura humana.
o Abandonó el uso exclusivo de materiales nobles y empezó a
usar materiales industriales o de uso cotidiano como resinas,
cementos, plexiglás, caucho, madera, látex, polietileno, cuero, etc,
cualquier sustancia que el artista considerase oportuna y lo indicase
su interés para reflejar mejor su mensaje.
o La representación femenina cambió radicalmente de apariencia,
respecto a su masa y forma sólida… Las posturas son retorcidas, se
revuelcan o mantienen posturas imposibles. Ahora las imágenes
muestran su dolor y su angustia…
o Tendencias en la escultura del siglo XX
A) CONSERVADORA:
Defiende la integridad del mundo visible, dentro de una
actitud humanista.
Autores:
o ANTONIO BOURDELLE escultor francés (1861-
1929). Discípulo de Rodin y gran admirador de
Grecia.
B) INNOVADORA: Se entrega a la apertura de nuevos
horizontes.
Hay 2 direcciones:
1) EXPRESIONISMO: Centra todo en el contenido
espiritual del hombre a través de la expresión, se
despreocupa de la forma.
Originado por la gran tragedia de la 1ª Guerra Mundial.
Vinculado a los pueblos germánicos. Se esculpen seres
espectaculares que expresan de manera extrema la
desesperación, la angustia, la miseria, llegándose a
deformaciones. Emplean los nuevos materiales:
hormigón, hierro, desperdicios metálicos… Destacan
escultores como Barlach, Kolbe, etc En España:
Pablo Picasso
Giacometti es el mayor exponente de la escultura
expresionista.
o Deshumaniza la figura humana hasta tal punto
que sus cuerpos son hierros enmohecidos.
o Más que personas vivas, sus figuras parecen
fantasmas.
2) ABSTRACCIONISMO: Solo juega con el mundo de
las formas y se desentiende de todo interés espiritual.
Varias tendencias:

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A) Cubismo: Simultaneidad de perspectivas, espacio
interior... Descompone la realidad para después
recomponerla conforme a los nuevos ideales estéticos.
Valen los volúmenes cóncavos y convexos.
El gran escultor es el ruso ALEXANDER
ARCHIPENKO. Quien valora los vacíos excava en el
interior de las figuras para que resulte visible el hueco.
Volúmenes simples, materiales combinados (piedra,
metal, cartón, cristal…) También PICASSO fue un gran
escultor cubista.
B) Escultura orgánica: Viene a ser una variante del
Cubismo, pero se distingue por el sentido de
continuidad de las superficies curvas, de forma que los
cuerpos forman un solo volumen.
Constantino Brancusi es el mejor exponente de esta
tendencia. Rumano, esculpe cuerpos ovales con placas
de metal pulido que sirven de espejo al ambiente
externo, que se incorpora así a la obra de arte.
Henry Moore. Es el más importante escultor
organicista.
Alterna las formas planas, cóncavas y convexas,
Sus obras recuerdan las caprichosas formas que la
naturaleza esculpe en los elementos naturales producto
de la geología.
Da mucha importancia a los materiales puros: madera o
piedra.
ESCULTURA ABSTRACTA NO FIGURATIVA: Es la
más opuesta al humanismo naturalista: lo que se
presenta no tiene ninguna relación con el mundo
circundante.
Los materiales también son nuevos= alambre,
plásticos…
Destaca el ruso ANTOINE PEVSNER su arte se
relaciona con la conquista del espacio cósmico, la
aerodinámica, la nueva geometría abierta, las
matemáticas de Einstein, la biología… El hombre se
volatiliza, desaparece. Quiere captar la génesis de la
energía, fijar a la vez el espacio y el tiempo. Son
famosas las columnas con aspas que se agitan como
un molino de viento.
En España es el vasco EDUARDO CHILLIDA, el mayor
exponente de la escultura abstracta.
Su obra se caracteriza por:
-Uso de materiales puros:
Hierro con la técnica tradicional de la forja.
Madera resalta los anillos de los árboles.
Hormigón encofrado.
-Formas empotradas.
-Volúmenes rotundo y compactos.
-Fusión de escultura y naturaleza.

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3) MÓVILES: Esculturas con elementos que se pueden mover.
Se utiliza mucho el alambre y el aire es el motor de las
esculturas: basta el simple acercamiento del contemplador
para que la obra entre en movimiento, es lo que se llama la
ESCULTURA CINÉTICA que puede adoptar otras
modalidades por distintos tipos de movimiento (giratorio,
basculante…).
Autores:
ARCHIPENKO: MUJER
ANDANDO. 1912. BRONCE.
MUSEO DE ARTE. DENVER.
ESTADOS UNIDOS
JULIO GONZÁLEZ:
MONSIEUR CACTUS
JULIO GONZÁLEZ: MUJER
ANTE EL ESPEJO.1936-7.
HIERRO FORJADO. IVAM.
VALENCIA
GONZALEZ: MONSERRAT.
1937
o Alexander Archipenko (1887-1964)
Estilo:
De origen ruso, es el precursor de la tendencia
conceptual sobre el hueco.
No solo estaba interesado por el Cubismo, sino también
por la escultura primitiva de África.
En 1908 llega a París y comienza a aplicar a sus figuras
los experimentos cubistas.
En algunas de sus obras emplea diferentes materiales
como el alambre y el vidrio.
Obras:
En 1912 funde en bronce su Mujer andando
o Esta obra descarnada inaugura una nueva
época.
o Julio González (1876-1942)
Biografía:
Frecuentó el círculo de Els Quatre gats.
Era amigo de Picasso, amistad especialmente intenso
durante la estancia de ambos en París.
Material:
Trabajó preferentemente con metales, material con el
que realizó algunas de sus más destacadas
aportaciones a la escultura.

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La aportación de González a la renovación escultórica
se produjo fundamentalmente en el ámbito de los
nuevos materiales, en su caso el hierro forjado.
o Con él el hierro alcanzará toda esa capacidad
expresiva y estructural.
Estilo:
Continua el juego cubista consistente en expresar las
formas abultadas a partir de oquedades.
Le permitirá desarrollar un tipo de esculturas
concebidas como agregación de elementos en un
espacio abierto.
o La aspiración de González era “dibujar con hierro
en el espacio”
Tras unos años apegado a la abstracción, recupera el
naturalismo con obras como Monserrat gritando,
escultura que se exhibió junto al Guernica en la
Exposición Universal de París de 1937.
Obras:
Mujer ante el espejo (1912)

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o Pablo Gargalló (1881- 1934)
GARGALLÓ: LA PEQUEÑA BAILARINA PABLO GARGALLO: EL GRAN
PROFETA. 1933. BRONCE Y PÁTINA
DE HIERRO ENNEGRECIDA. MUSEO
REINA SOFÍA. MADRID.
PABLO GARGALLO: EL PEQUEÑO
ARLEQUÍN
Es un artista aragonés aunque la mayor parte de su vida la
pasó en Barcelona.
Sus primeros pasos en el mundo de la escultura los dio en el
taller de Eusebi Arnau
Permaneció fiel a la figuración
Una de las obras más significativas de su vida fue La
pequeña faunesa de pie (1908)
En épocas posteriores sustituye los volúmenes sólidos por el
juego entre macizo y vacío y se percibe en su obra la
influencia del Cubismo.
El gran profeta (1933)
El pequeño arlequín
o Alexander Calder (1898-1976)
Alexander
Calder
Stabile-mobile
CALDER: PEZ DE ACERO. 1934 CALDER: MOBILE II CALDER: LA
FUENTE DE
MERCURIO
Norteamericano
Será quién aplique las propuestas sobre movimiento mecánico
a la escultura a través de unas obras que denominará
mobiles.
Los principales mobiles de Calder son los aéreos.
Se trata de pétalos, discos y palmas confeccionados con
materiales ligeros y unidos por varillas de alambre, que se
suspenden del techo, donde, a la menor brisa, las pizas giran,
se elevan, planean

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Su mayor realización se encuentra en la sala de la terminal
internacional del aeropuerto Kennedy, de Nueva York.
En 1937 y con destino al pabellón español de la Exposición
Universal de París, construye la famosa Fuente de Mercurio,
actualmente instalada en la Fundación Miró de Barcelona.
Compuesta por un surtidor que vierte el mineral sobre
tres platos que actúan de vasos comunicantes.
Inaugurada el mismo día que el Guernica, de Picasso, y
colocada frente a él, fue una de las atracciones de la
Exposición.
3.- LOS “ISMOS” PICTÓRICOS DE LAS VANGUARDIAS
Las Vanguardias artísticas
o Al trasladar el concepto “vanguardia” al mundo del arte se aceptaba
la idea de combate por el triunfo de unas premisas estéticas.
Las vanguardias artísticas fueron militantes, y en eso
demostraron también su sintonía general con el período en el
que surgieron y se desarrollaron
o Entre 1905 y 1924 París va a ser la cuna de las vanguardias
artísticas.
París se convierte en el centro mundial del movimiento
plástico.
o Origen:
Proceden de Europa y América,
o Características:
se muestran independientes y rebeldes frente al arte
academicista.
Frente al arte academicista burgués, los artistas de las
vanguardias propusieron estéticas que ultrajaban la
sensibilidad burguesa.
o Evolución:
En la jungla de los “ismos” el primero fue el Fauvismo y el
Expresionismo alemán, creados en 1905.
• Pero la celeridad con que se lleva cada movimiento a
su límite, la desconexión entre los integrantes y la
fascinación por lo nuevo hará que aparezcan nuevas
propuestas.
En 1907 aparece el Cubismo.
En 1916 se inventa el Dadaísmo
En 1924 se proclama el primer manifiesto Surrealista.
El Fauvismo y Matisse
Fauvismo
o Visión general:
El Fauvismo es la corriente pictórica basada en el uso
arbitrario de colores intensamente vivos.
Fundación:

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• En 1905 Matisse decidió participar en el Salón de
Otoño de París.
o En la Sala número VII se agruparon sus cuadros,
junto con los de Vlaminck y Derain, todos
restallantes de colorido salvaje.
o El contraste con el resto de lo expuesto es tan
crudo, que los visitantes abandonan
escandalizados la estancia.
o Al día siguiente el crítico de arte Louis
Vauxcelles escribía: Donatello parmi les fauves!
o Los insultados se apoderan de este mote y se lo
cuelgan como una medalla. El Fauvismo acaba
de nacer.
• Los miembros de este grupo viven cohesionados
durante 1906, pero al año siguiente comienza a
desintegrarse.
Características:
• Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el
color.
• Utiliza colores puros, saturados, principalmente
planos, realzados por la línea de los contornos y sin
referencia al tema o a su figura.
o Relaciones de colores arbitrarias establecidas
de manera instintiva e intuitiva, con predominio
de colores complementarios.
o Búsqueda de lo esencial y simple. Figuración
con eliminación de lo superfluo. Síntesis formal
Eliminación de la perspectiva espacial
Supresión de la definición de las formas
basadas en el claroscuro.
• Predominio de dos corrientes temáticas:
o Interpretación libre, intuitiva, vital y totalmente
subjetiva de la naturaleza con reminiscencias
naturalistas (los paisajes de Derain)
o Escenas líricas de gran carga imaginativa
(Matisse)
• Referencias formales de las culturas primitivas y
exóticas (árabe y africana).
Influencias:
• Del Impresionismo, la teoría de los colores, la alegría
cromática, las escenas de la vida cotidiana, paisajes,
interiores, retratos y bodegones.
• Del Postimpresionismo, la zonificación, la plenitud del
color, el sentido decorativo de Gauguin y la vivencia
intensa de la Naturaleza de Van Gogh.
• Del expresionismo alemán, el color puro y vigoroso, la
ausencia de modelado, el trazo directo y enérgico, la
plasmación subjetiva del artista.
• De culturas exóticas, la riqueza de color y las
referencias formales.

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Principales artistas:
• En Francia:
o Henri Matisse
o Maurice Vlaminck
o André Derain
o Raoul Dufy
Henri Matisse (1869-1954)
o Biografía:
Sólo Matisse se mostrará fiel al movimiento fauvista a lo
largo de toda su vida artística.
Ajeno al mundo de la bohemia o a la intención de provocar al
espectador.
Matisse fue una persona culta y tranquila para quien la pintura
era una forma de transmitir sus propias emociones
positivas.
o Evolución de su estilo:
En sus inicios hizo algunos cuadros que podemos considerar
próximos al Puntillismo (Lujo,calma y voluptuosidad, 1904)
Posteriormente concreta su estilo.
• El color en áreas bien definidas se adueña de sus
obras.
• Se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo
sus formas mediante exaltadas zonas de color, que no
suelen coincidir con su apariencia real.
o La raya verde
• En las grandes composiciones mezcla el desenfreno
cromático con los ritmos curvilíneos del Art Nouveau y
el arabesco del mundo musulmán
o La danza
• Ornamentación de la capilla del Rosario de las monjas
dominicas en Vence.
Por último, una artritis le impediría pintar y consumió sus
últimos años haciendo recortables de colorido brillante.
o Obras:
MATISSE: LUJO, CALMA Y
VOLUPTUOSIDAD. 1904
MATISSE: LA RAYA VERDE.
1905. ÓLEO SOBRE LIENZO.
MUSEO DE ARTE DEL
ESTADO. COPENHAGUE.
MATISSE: LA DANZA. 1909. ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO
DEL HERMITAGE. SAN PETERSBURGO
1904: Lujo, calma y voluptuosidad

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1905: La raya verde
1909: La danza
1908: La habitación roja
• construye la obra mediante colores y arabescos.
• Su gran sabiduría consigue mantener la intensidad de
unos colores planos y yuxtapuestos que tienden a
neutralizarse.
1951: decoración de la capilla del Rosario
MATISSE: LA HABITACIÓN ROJA MATISSE: DECORACIÓN DE LA CAPILLA
DEL ROSARIO
El expresionismo alemán y Kandinsky
El expresionismo alemán:
o Visión general:
Desde la Edad Media al siglo XX, el Expresionismo fue una
constante permanente del arte alemán.
El Expresionismo surge en Alemania en la primera década
del siglo XX, como oposición al positivismo materialista
imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva
visión de la sociedad basada en la filosofía nietzscheana
(llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la
búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo
exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna
regla.
El Expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las
artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás
artes.
Evolución:
o En la evolución de la pintura expresionista existen tres momentos
distintos.
Die Brücke (El Puente) 1905-1913
• En 1905 cuatro estudiantes se asocian en Dresde bajo
esta denominación.
• Sus autores pretendían vincular el pasado y el futuro
del arte alemán.
• Características:

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o Simpatizaron con los colores de las vidrieras
góticas y sus imágenes fragmentadas por
grandes demarcaciones de plomo.
o Con el primitivismo de las máscaras africanas.
o Con la ruptura cromática de Matisse.
o El soporte utilizado es la xilografía
tardomedieval, realizando duros y ásperos
grabados en madera con seres angustiados.
Preludian, por su implacables violencia y
tensión los desastres de la I Guerra
Mundial.
Der Blaue Reiter (El jinete azul) 1910-1914
• Similar inquietud corre por los ambientes culturales de
Munich.
• En 1911 cristaliza con la creación del segundo grupo
del Expresionismo alemán.
• Sus fundadores fueron Franz Marc y Vasily Kandinsky
• De aquí surgirá la primera pintura abstracta.
“Neue Sachlichkeit (nueva objetividad) 1920-1933
• con un planteamiento muy distinto del expresionismo
inicial desarrollado por los otros grupos citados.
Difusión:
• El expresionismo se extendió a países como Holanda,
Bélgica y Francia.
• El régimen nazi lo definió como “arte degenerado”, los
artistas fueron proscritos y muchas de sus obras
destruidas.
• El testigo del Expresionismo lo recuperarán los pintores
norteamericanos de finales de los años 40, al imponer
el Expresionismo abstracto.
o Características:
La pintura es concebida como una manifestación directa,
espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del
artista basada en una necesidad interior (de carácter institivo y
exaltado en Die Brucke y de carácter espiritual y sosegada en
Der Blaue Reiter).
Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la
libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas,
no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo del
artista.
Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva
de la realidad:
• desproporción y distorsión de las formas según un
impulso interior.
• Esquematización o reducción de las formas a lo
esencial atendiendo a un sentimiento vital de
depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky
llega a la abstracción total)
Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar)
simbólicamente unos estados de ánimo.

18. 18
Destrucción del espacio tridimensional.
Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante
el empleo de formas simples de carácter plano o con poco
efecto de volumen.
Aglomeración de formas y figuras
En general, predominio de trazos violentos, empastados y
agresivos en Die Brucke y de líneas curvas y trazos más
sosegados en Der Blaue Reiter
Ausencia de carácter decorativo.
Temática con especial atención a escenas de desnudos en el
campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y
representaciones armónicas de la naturaleza.
o Influencias:
De postimpresionistas como Van Gogh, Gaughin, etc
Del simbolismo nórdico: Munich.
Del arte primitivo y de los dibujos infantiles: la expresión de
fuerza y vida y las formas simples.
Del cubismo y fauvismo, el reduccionismo de las formas y la
viveza del color.
o Principales artistas:
En Alemania:
• Ludwig Kirchner
• Emil Nolde
• Oscar Kokoschka
• Vassili kandinsky
• Franc Marc
• Paul Klee
En Francia:
AMEDEO MODIGLIANI: DESNUDO
RECOSTADO. 1919.
ROBERT DELAUNAY:
CAMPO DE MARTE. LA
TORRE ROJA. 1911. ART
INSTITUTE OF
CHICAGO.
MARC CHAGALL: I
AND THE VILLAGE.
GEORGES ROUAULT:
CRISTO
LUDWIG
KIRCHNER
EMIL NOLDE: LA ÚLTIMA
CENA
OSKAR KOKOSCHKA: LA
NOVIA DEL VIENTO.
FRANZ MARC: CABALLOS AZULES.
1911. ÓLEO SOBRE LIENZO.
WALKER ART CENTER.
MINNEAPOLIS. ESTADOS UNIDOS.
PAUL KLEE

19. 19
• Amadeo Modigliani
• Robert Delaunay
• Marc Chagall
• Georges Rouault
Vasily Kandinsky (1866-1944
o Valoración:
Músico, pintor y teórico ruso, aunque la mayor parte de su
obra se desarrolla en Alemania.
Parte de la pintura figurativa para llegar a la abstracción
En 1910 pinta la Primera acuarela abstracta:
o Vacía de contenido el espejo de la realidad
• Asimismo concluye la redacción de su libro: De lo
espiritual en el arte, donde anota: el problema de la
forma es secundario en el arte
• El camino de la abstracción estaba abierto..
o Estilo:
Postula la evasión de la objetividad.
Se sumerge en una pintura de ritmo rotativo, salpicada de
manchas de color y de signos gráficos de valor emocional
para explicar su mundo interior.
Los amplios conocimientos sobre música influyeron
decisivamente en su modo particular de entender la pintura.
• Para él la pintura y la música estaban íntimamente
relacionadas.
• Incluso llegó a hacer un estudio sobre la coloración de
los sonidos.
El color en Kandinsky:
• El color influye en el espíritu, es la techa y el ojo el
percutor que golpea el alma.
• Cada color tiene para él un sonido diferente:
o El azul aleja y llama al hombre al infinito
o El verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo
o El blanco es el silencio
o El negro es la nada
• Cada uno de sus cuadros es una sinfonía cromática,
pura música visual.
El arte para Kandinsky no es una mera representación de
objetos sino que sus cuadros se construyen con forma y color.
El propio autor clasifica sus obras en tres grupos:
• Las Impresiones, que toman como punto de partida
una impresión captada directamente de la Naturaleza.
• Las Improvisaciones, puramente formales e
inconscientes.
• Las Composiciones, en las que el punto de partida es
un sentimiento que el pintor elabora, construye de
forma laboriosa

20. 20
o Obras:
KANDINSKY: PRIMERA
ACUARELA ABSTRACTA.
1910. ACUARELA Y TINTA.
COLECCIÓN NINA
KANDINSKY. NEULLY SUR
SEINE.FRANCIA
KANDINSKY:
IMPROVISACIÓN. 1913.
NATIONAL GALLERY OF
ART. WASHINGTON.
IMPRESIÓN IMPROVISACIÓN KANDINSKY: COMPOSICIÓ
(O BATALLA). 1911. PINT
ABSTRACTA. ÓLEO SO
LIENZO. KUNSTSAMML
NORDRHEIN-WESTFALEN,
DÜSSELDORF. ALEMANIA
Sobre las puntas.
Composición
Amarillo, rojo y azul.
El Cubismo y Picasso
El movimiento cubista
o Visión general:
El Cubismo es un estilo pictórico que fue creado
conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907 a
1914 y que rápidamente fue adoptado por otros muchos
artistas.
Surge un amplio movimiento que si originalmente está
centrado en París, será de ámbito internacional.
El Cubismo es la más radical y revolucionaria forma de
representación desde el Renacimiento, pues abandona el
punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea
durante siglos por la multiplicidad de puntos de vista.
Esta nueva forma de representación no es evidentemente, de
imitación, sino de concepción, es decir, que aborda la realidad
no bajo aspectos visuales sino bajo aspectos intelectuales.
Denominación:
La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles
quien bautizó de “cubistas” a los artistas de esta
tendencia en la revista Gil Blas de 1909.
Difusión:
La presentación pública del Cubismo como movimiento
pictórico tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño.
En 1913 el crítico y poeta Guillaume Apollinaire publica
su famoso escrito “Méditations esthétiques. Les
peintres cubistes” que fue decisivo en la difusión de las
teorías cubistas.
o Características:
Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado
en la bidimensionalidad de la superficie pictórica y lo
representado en ella.
Rechazo de la figuración imitativa de la Naturaleza.

21. 21
Concepción formal basada en la recreación intelectual de las
cosas
Fragmentación de las formas y del espacio en planos
interrelacionados por el color y las líneas.
Representación simultáneas de los objetos (los objetos no son
representados desde un solo punto de vista, sino desde
varios).
Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con
penetraciones de unas partes en otras.
Ausencia de profundidad espacial
Líneas y planos refractados y representados en negativo-
positivo
Creación de transparencias
Austeridad cromática
Sombreado arbitrario
Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato
o Fases:
En este movimiento es posible distinguir dos fases: el cubismo
analítico, y el cubismo sintético.
Cubismo analítico (1909-1911)
Progresiva esquematización de las formas y del
espacio:
o El reduccionismo atiende a la composición
geométrica latente en los objetos (los objetos
son reducidos a sus formas básicas,
descompuestos y reconstruidos según su
verdadera estructura)
o Más adelante la esquematización es mayor
quedando las formas reducidas a sólo unos
pocos trazos básicos convertidos casi en signos.
Línea separando los planos y los objetos.
Colores quebrados y terrosos, poco brillantes
(marrones, beiges, grises, negros, etc)
Incorporación de elementos gráficos (letras o números)
Preferencia por naturalezas muertas (frutas, fruteros,
pipas, botellas, vasos, partituras musicales, etc)
Cubismo sintético (1912-14)
Abandono de la descomposición prismática.
Mayor definición de las formas
La configuración del objeto o figura no surge de la
división analítica de sus partes componentes, sino que
se proyecta de acuerdo con la idea imaginativa del
artista.
Los objetos se insertan en la obra a partir de una
estructura pictórica abstracta, combinando partes para
llegar a un conjunto (síntesis)
Mayor acercamiento a la realidad mediante la inclusión
directa en el cuadro (collage) de materiales y objetos
cotidianos (trozos de periódicos, papel de pared,

22. 22
etiquetas, maderas, rejillas, etc) que hacen concreto lo
representado.
Formas y figuras distorsionadas, dislocadas, recortadas
o seccionadas
Colores más vivos
o Fuentes del Cubismo:
El ejemplo de simplificación de Cézanne
El arte primitivo, especialmente la escultura africana, con su
distorsión expresiva de las formas.
o Influencias del Cubismo:
Será el punto de partida de otros “ismos” como el
constructivismo , el futurismo, etc
Muchos escultores adoptaron las ideas cubistas,
especialmente abriendo las formas con vacíos
La influencia en arquitectura o en artes menores fue
secundaria.
o Principales artistas:
Pablo Picasso
George Braque
Juan Gris
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
o Biografía:
Primeros pasos: Período de iniciación: 1881-1901
Nace en Málaga en 1881.
Su padre, José Ruiz Blasco era pintor. Su padre es profesor
de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, con
quien se forma durante su infancia y primera juventud.
Sus diez primeros años transcurrieron en su ciudad natal.
Por aquel entonces la familia pasaba estrecheces
económicas.
Más adelante le ofrecen un puesto de trabajo a su padre en La
Coruña, de tal modo que toda la familia se traslada a esta
ciudad.
En 1895 y por similar motivo la familia se traslada a Barcelona.
Se presentó en está ciudad al examen de admisión de la
Escuela de Bellas Artes de Barcelona.
Durante sus estudios en esta institución demostró ser
un niño prodigio.
Su primer gran cuadro lo realizó en 1895: La primera
Comunión, obra que satisface las exigencias
académicas.
Después se instaló en Madrid al haber conseguido ingresar en
la Academia de San Fernando.
En 1897 su obra Ciencia y Caridad recibe la Mención
de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de
Madrid.
Durante su estancia en Madrid visitó con frecuencia el
Prado

23. 23
Regreso a Barcelona para curarse de la escarlatina.
Una vez restablecido se instaló en Horta de Ebro con
su amigo el pintor Manuel Pallarés.
En 1899 regresó a Barcelona y frecuentó los más
importantes círculos artísticos:
o Allí frecuente la cervecería de “Els quatre gats”,
donde se reunía la plana mayor del Modernismo.
o Allí comprende dos hechos:
Que el academicismo tenía detractores
Que en París estaba la novedad. Y allí
viaja inmediatamente.
Se dirige a Partís. Allí le interesó de modo especial la obra de
Toulouse-Lautrec, Degas y Cézanne.
Sintió gran fascinación por los ambientes nocturnos.
Convertido en un mito viviente, el mundo se rinde a sus pies.
De todas sus etapas, su fase cubista fue la más
excepcional.
La época azul y la rosa: 1901-1906
Período azul (1901-1904)
El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las grandes
dificultades económicas, marcaron el final de una etapa de
iniciación y el principio de un nuevo período llamado azul.
Por aquel entonces pintó varios cuadros alusivos a la muerte
de Casagemas, en los que éste aparece amortajado.
o En estas obras predomina el azul, color que le
pareció apropiado para expresar el dolor y el
sufrimiento.
El azul se convirtió en básico y distintivo de sus cuadros
durante cuatro años, durante los que vivió míseramente en su
estudio, sumido en la pobreza y el dolor.
Expresa una humanidad de tipos escuálidos, infelices y
dolientes.
Son figuras representadas en solitario que tienden a la
estilización para acentuar la sensación de soledad y la
angustia.
Obras:
PICASSO: EL VIEJO
GUITARRISTA. 1903. ÓLEO
SOBRE TABLA. ART INSTITUTE.
CHICAGO
PICASSO: LOS SALTIMBANQUIS.
1905. ÓLEO SOBRE LIENZO.
NATIONAL GALLERY.
WASHINGTON.
PICASSO: LES DEMOISELLES
D’AVIGNON. 1907. MOMA. NUEVA
YORK
El guitarrista ciego.
La vida

24. 24
La Celestina
Período rosa (1904-1906
A finales de 1904 abandona la melancolía y aclara su paleta
iniciando el periodo rosa.
Picasso recupera muchas de las ilusiones perdidas y muestra
una especial predilección por los personajes circenses que
protagonizan gran parte de sus obras, no sólo ahora sino a lo
largo de toda su trayectoria pictórica.
Da vida a una tierna iconografía de personajes de circo y
teatrillos ambulantes.
Conoce a Fernande Olivier, mujer con la que convivirá durante
un tiempo.
Obras:
La mujer de la corneja
o El azul va perdiendo importancia, quedando
relegado al fondo a favor del ámbar.
o Este cuadro representa la transición hacia el
periodo rosa, lo mismo que Artistas.
o Sigue existiendo la melancolía, pero impregnada
ya de una cierta dulzura, incluso de una cierta
sensualidad, puesto que las figuras comienzan a
perder sus perfiles agudos y se tornan más
redondeados.
La familia de saltimbanquis:
En 1906 conoció a Matisse y su obra, lo que debió de
contribuir notablemente a que su paleta se aclarase.
Cubismo (1907- 1917)
En 1906 Picasso contrastaba el lirismo rosa con las obras de
Cézanne y con las máscaras africanas.
La transición del periodo rosa al Cubismo supone en la obra
de Picasso una profunda ruptura
1907: Autorretrato
1907: Les demoiselles d’Avignon
o Descripción:
o .Representa a un grupo de cinco prostitutas de la
barcelonesa calle Avinyó, en pose exhibicionista
para captar a los clientes.
Comentario:
o Los cuerpos estaban descompuestos en bloques
geométricos y ensamblados por intersección de
planos.
o La joven sentada mostraba al mismo tiempo el
rostro, el pelo, el pecho y la espalda,
simultaneando todos los puntos de vista.
o En esta obra la luz ilumina por igual toda la
superficie al tiempo que se combina en una
misma figura la visión de frente con la de perfil,
como ya se vio en la plástica egipcia.
Valoración:

25. 25
o considerada como su primera obra cubista
o El cuadro es una rebelión contra el arte
occidental, un intento por romper con todo lo que
se había hecho hasta el momento y una renuncia
definitiva al empeño por representar la
tridimensionalidad.
o El punto de partida de este cuadro es,
posiblemente, El baño turco de Ingres, aunque
entre ambos existen muchas diferencias.
o Cuando Picasso mostró el cuadro a sus amigos
se quedaron horrorizados ante la fealdad de los
dos rostros de la izquierda, inspirados en tallas
de arte africano.
o Desilusionado por las críticas, arrinconó el
cuadro en el taller y no fue mostrado hasta 1937,
convirtiéndose en pieza de culto para los artistas.
o Pero las bases del Cubismo estaban formuladas.
Cubismo analítico:
PICASSO: CUBISMO
ANALÍTICO
Pablo Ruiz Picasso
Cubismo analítico (1909-
1911)
Retrato de Ambroise Vollard
PICASSO: NATURALEZA MUERTA CON
ASIENTO DE REJILLA. 1912. MUSEO PICASSO.
PARÍS.
o En 1909 se instala en Horta de Ebro y allí se inicia lo
que se ha llamado Cubismo analítico:
o El cubismo analítico hace que Picasso se centre
en el paisaje y en la figura humana.
o El método de trabajo sigue siendo el mismo:
Descomponer geométricamente las
formas y luego ensamblarlas, mostrando
sus cuatro planos en el lienzo.
o Pronto se da cuenta de que este camino le
llevaba a perder contacto con la realidad, le
conducía a la abstracción y en 1912 lo abandona
al descubrir las posibilidades del collage
o Obras:
Seríe de paisajes de Horta del Ebro
Retrato de Ambroise Vollard
Retrato de Daniel Kahnveiler
Cubismo sintético

26. 26
o El collage inaugura el cubismo sintético.
o Supone la ventaja de incorporar los objetos
reconocibles a las pinturas.
Un recorte de periódico permite al espectador
distinguir letras, números dentro del cuadro.
Una partitura
Un menú de restaurante o una cajetilla de tabaco
actuaban de contrapunto real frente a los dibujos
“analítico”
o Pero la solución tampoco le satisfizo y a partir de 1916
recupera la presencia humana y el color al diseñar los
decorados y el vestuario de los ballets rusos de
Diaghilev.
o Obras:
1912: Naturaleza muerta con asiento de rejilla
• un buen ejemplo de los bodegones que
cultiva durante esta fase.
Alternancia Cubismo y Realismo:
PICASSO: LOS TRES
MÚSICOS. 1921. ÓLEO
SOBRE LIENZO.
MUSEO DE ARTE.
FILADELFIA. ESTADOS
UNIDOS
PICASSO: LA
FLAUTA DE PAN
PICASSO:
ARLEQUÍN. 1923
PICASSO: GUERNICA. 1937. ÓLEO
SOBRE LIENZO. MUSEO REINA SOFÍA.
MADRID.
En 1917 va a Italia entrando en un periodo en el que el
Clasicismo es un elemento clave en su obra.
La crítica daba por sentado que Picasso abandonaba el
Cubismo.
Luego se descubrió que Picasso lo academizaba,
alternando obras cubistas con otras realistas.
1921: Los tres músicos.
Un Pierrot, un arlequí y un monje, miembros de la
Commedia dell’Arte tocan instrumentos camuflados tras
una máscara.
1923: La flauta de Pan
1923: Arlequín
1937: Guernica
Valoración:
o en 1937 recupera el Cubismo para su obra más
famosa.
o Encargo de la República española para decorar
su pabellón en la Exposición Universal de París.

27. 27
o Para llegar a la versión definitiva debió pintar
antes un gran número de bocetos y apuntes que
culminan en la colosal obra.
Composición:
o La composición es claramente piramidal
o Tras ella hay una elaborada disposición de los
elementos, aunque tras una primera impresión
parece que reina el caos.
o Se prescinde de la perspectiva, lo cual concede
al cuadro una sensación de intemporalidad.
o De igual modo prescinde del color: la gama va
desde el blanco al negro, para expresar el
pesimismo del acontecimiento.
o Es fácil percibir los rastros del Cubismo, dado
que se combinan la visión de frente con la de
perfil.
Iconografía:
o Toro: sólidamente ubicado en el cuadro, una de
las imágenes esenciales en la iconografía
picasiana.
Representa la brutalidad, el caballo, el
pueblo.
o Madre con hijo: inspirando en la Matanza de los
inocentes que tantas veces se ha representado
en la historia de la pintura.
o Soldado roto: en clara alusión a todos los
soldados muertos en el desastre
o Mujer con lámpara: como una bocanada de aire,
como elemento esperanzador.
o Rosa en la espada del guerrero: otro elemento
positivo.
o Mujer arrodillada: contempla la escena
o Mujer que implora: esta imagen , la orante, la
encontramos desde el arte paleocristiano.
En 1945 cansado de vivir en París toma la decisión de
comprar una casa en la Provenza, en Menarbes.
Durante estos años de su vida vio aumentar su fama y
esto hizo que se aislase más para poder crear en
soledad.
Este aislamiento no supuso que dejase de preocuparse
por hechos que convulsionaron al mundo entero como
la guerra de Corea, hecho que hizo que pintase en
1951 el cuadro del mismo nombre.
En 1955 compra una casa en Cannes, denominada La
Californie:
Allí inicia una reflexión sobre el arte, de tal modo que
vuelve sus ojos hacia los grandes maestros de todos
los tiempos: Ej.: Las meninas
o La clave de la aportación de Picasso al arte contemporáneo estriba
en su enorme capacidad para fusionar elementos de culturas

28. 28
antiguas con lo contemporáneo, siempre dentro de una constante
investigación formal.
El Dadaísmo y Marcel Duchamp
Dadaísmo:
o El Dadaísmo es un antiarte. Un estado de ánimo permanente
contra la belleza eterna, contra las leyes de la lógica, contra la
sociedad establecida.
o Fundación:
Se funda en 1916 en el Cabaret Voltaire, de Zurich, donde se
refugiaban exiliados políticos durante la Primera Guerra
Mundial.
Buscaron al azar en un diccionario y encontraron la palabra
Dada (caballo de madera) y la adoptaron como su nombre.
Surgía así un movimiento subversivo con el que escritores y
artistas querían mostrar su rebeldía contra los burgueses.
Sus fundadores fueron el pintor Hans Arp y el poeta rumano
Tristan Tzara.
Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva
York, donde se constituyó el movimiento más progresista en
torno a Duchamp.
A partir de 1920 muchos de estos artistas evolucionaron hacia
el Surrealismo.
o Manifiesto:
En sus manifiestos proclan que están en contra “de la sífilis
política, astronómica, artística, parlamentaria, agrícola y
literaria”.
Desde el punto de vista artístico les interesa más el gesto que
la obra.
• Siempre que ese gesto sea una provocación contra el
gusto tradicional.
• Con frecuencia recurrirán a la ironía y al absurdo.
o Características:
Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos
por la tradición y también por la vanguardia fauve y
expresionista (actitud anti-arte)i
Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de
materiales (collage y décollage) y objetos de desecho
cotidiano.
Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y
cualquier canon impuesto.
Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo
e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la
identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
Liberación del subconsciente (se produce una transición al
surrealismo y al arte abstracto)
Auge del disparate

29. 29
Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la
realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus
ready-mades)
Eliminación de la composición clásica.
Temática en la que predominan los mecanismo absurdos
(“antimecanismos” que desarrollan una visión irónica de la
máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente
importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la
época).
Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva
del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de
imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de
periódicos y revistas, y el “merz” o collage dadaísta
(desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de
desecho de todo tipo y estado.
o Influencias:
Del Cubismo, por la adopción del collage.
o Principales artistas:
En Zurich: Hans Arp
En Berlín: Raoul Hausmann
En Colonia: Max Ernst
En Hannover: Kurt Schwitters
En París: Francis Picabia
En Nueva York: Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (1887-1968)
Valoración:
inventa el ready-made
• lo definió como “objeto de la vida cotidiana promovido a
la dignidad de obra de arte por la simple elección del
artista.
• Todos los ready-made eran objetos prefabricados y
podían utilizarse nuevos o usados, reaprovechando así
el material de desecho de la sociedad consumista.
• La selección de los ready-made nunca estuvo dictada
por un deleite estético, sino que se basó en una
reacción de indiferencia visual combinada con una
ausencia total de buen o mal gusto.
Obras:
DUCHAMP: RUEDA DE
BICICLETA. 1913.
MADERA Y METAL.
GALERÍA SIDNEY
JANIS. NUEVA YORK
DUCHAMP: LA NOVIA
DESNUDADA POR SUS
SOLTEROS, O EL
GRAN CRISTAL. 1915.
MUSEUM OF ART.
FILADELFIA.
DUCHAMP: LA FUENTE DUCHAMP: L.H.O.O.Q.

30. 30
o 1913: Rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina
o 1915: La Fuente
en 1915 se traslada a Nueva York.
Entre otros objetos que materializó cabe señalar el célebre
urinario de porcelana blanca que firmó con el nombre de Sr.
Mutt.
o 1919: L.H.O.O.Q. (Ella tiene el culo caliente)
se trata de una fotografía de la Gioconda, pintándole perilla y
bigotes y rotulando las iniciales LHOOQ
o Su interés por aunar la indeferencia y la ausencia del buen o mal
gusto en el ready made la alcanza cuando expuso un perchero y el
público colgó en él sus abrigos y sombreros.
o 1915-1923: La novia desnudada por sus solteros, incluso
Valoración:
• la culminación de la carrera de Duchamp llegó con sus
pinturas sobre vidrio.
• En esta obra desafió la moral que impone límites a la
sexualidad femenina.
Descripción:
• Sobre dos grandes paneles de vidrio pintó Duchamp
diversos elementos de apariencia biomórfica y
mecaniforme
• Está ejecutada al óleo, con alambres de plomo en los
contornos de las figuras, y polvo fijado con pigmento.
• Una rotura accidental final le da el toque final.
• El panel inferior está dedicado a dos mecanismos
“solteros”, de funcionamiento independiente, con los
elementos siguientes:
Los “moldes málicos” (sobre el trineo, a la
izquierda)
El molino de chocolate, los tamices cónicos y las
aspas (todo ello en el centro)
Los testigos oculistas (a la derecha)
• En el panel superior está la novia, compuesta por la
“vía láctea” (con tres grandes agujeros rectangulares) y
el aparato del deseo (a la izquierda)
Comentario:

31. 31
• Los solteros están atrapados por una circularidad
mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el
soltero se muele su propio chocolate”, diría Duchamp)
• Pero también pugnan por hacer llegar a la novia,
colgada en la parte alta, una especie de gas amoroso.
• La figura femenina estimula las demandas de los
solteros mediante movimientos y mensajes.
• Todo eso parece una parodia del amor mecánico del
mundo moderno, así como una representación de las
dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la
remota elevación femenina.
o Vuelta a París:
Renunció a la producción.
Tras su muerte se descubrió que venía trabajando en el
proyecto Dados, que el espectador debía ver a través de una
mirilla:
• Entonces se encontraba con una mujer desnuda que
llevaba un quemador de gas en la mano.
• Su propósito era un “coito visual” con el objeto que
contemplaba.
El Surrealismo y Dalí
El Surrealismo:
o Definición:
El Surrealismo pictórico pretende visualizar el subconsciente
del individuo en su estado puro, despojado de las trabas quele
impone la razón y al margen de las represiones y
convencionalismos sociales.
o Fundación:
El poeta francés André Bretón, fue el fundador del movimiento
en 1924.
• Descubrió las obras de Sigmund Freud que proponen
que esa libertad desinhibida sólo afloraba en el sueño
• Y que en el mundo onírico se agolpaban dos
emociones: el placer y la agresividad.
o Autores
Ambos temas serán explotados por Max Ernst, Delvaux,
Masson, Magritte, Miró y Tanguy.
También por Salvador Dalí y Joan Miró
Salvador Dalí (1904-1989)
Valoración:
o Fue un pintor surrealista que se caracterizó por mantenerse a lo largo
de su producción en la vertiente figurativa de esta corriente, en la que
se integró en 1929.

32. 32
o Dará rienda suelta al pavor por el contacto físico con el sexo
contrario, al miedo a la castración, y a la obsesión enfermiza por la
importancia, la muerte y la putrefacción.
Biografía:
o Dalí nace en Figueras, ciudad en la que su padre trabajaba como
notario.
o Comienza a pintar a los diez años demostrando su habilidad para el
dibujo y sus grandes dotes para el arte.
o Más tarde se instala en la Residencia de estudiantes de Madrid con
la finalidad de estudiar Bellas Artes, de donde, finalmente lo
acabarían expulsando.
o En la residencia conoció a García Lorca y Buñuel, con los que
mantuvo una estrecha amistad.
o A partir de 1929 tras contactar con André Breton y sus seguidores se
inicia en el Surrealismo.
En estos años la influencia de la pintura metafísica de Giorgio
de Chirico es lo más notable de sus cuadros.
Se enamora de Gala, su musa, amante, confidente y
marchante de sus obras, consiguiendo para el artista fama
mundial y fortuna.
El esnobismo de Dalí y su descarada actitud mercantilista
hace que Breton le expulse del movimiento.
o La guerra civil fue un hecho que le conmovió profundamente y que le
llevó a pintar Construcción blanda con judías hervidas: premonición
de la Guerra Civil (1936)
Estilo:
o El dibujo era un elemento fundamental que sabía manejar de una
manera magistral.
o El método paranoico-crítico:
Dalí se pone a trabajar en la configuración de un método
experimental propio.
Se apoyará en su portentosa habilidad como dibujante
académico.
Su factura es tan precisa que el artista se referirá a algunos de
sus lienzos como “fotografías pintadas a mano”.
Método:
• Dalí observa que el paranoico sintetiza de forma lógica
sus delirios.
• Interpreta el mundo exterior en virtud de sus
obsesiones.
• Dalí estima que el mundo surrealista no debe limitarse
a ser un mero agente pasivo que plasma de forma
automática sus sueños, tiene también que participar en
la elaboración de las imágenes.
Resultado:
• El resultado del método paranoico-critico será la
imagen doble que representa al mismo tiempo dos o
mas realidades: ejemplo Retrato de Mae West.

33. 33
o Dalí no solo fue un gran conocedor de la pintura de su tiempo, sino
que también admiró a pintores del pasado como Rafael, Piero della
Francesca, Millet, la pintura barroca, Van Eyck o Velázquez
o Algunos temas permanecerán de un modo constante en su obra:
Las formas blandas y viscerales que se deslizan por una
superficie.
La anamórfosis o imágenes cifradas
Los paisajes desolados
Las hormigas
Obras:
DALI: LA PERSISTENCIA DE LA
MEMORIA
DALI: GALA CON CHULETAS DE
CORDERO EN EQUILIBRIO SOBRE
SU HOMBRO
DALÍ: LA METAMORFOSIS DE NARCISO
o 1929: Un perro andaluz
• Dalí se adhiere al grupo surrealista en 1929 cuando
acude a París para rodar la película Un perro andaluz,
de Luis Buñuel.
o El cinematógrafo se convertía así en una
flamante herramienta al servicio de los
surrealistas.
DALÍ: EL ROSTRO DE
MAE WEST,
UTILIZABLE COMO
VIVIENDA
SURREALISTA. 1934-5.
GUACHE SOBRE
PAPEL DE
PERIÓDICO. ART
INSTITUTE. CHICAGO.
DALÍ: MERCADO DE ESCLAVOS DALÍ: CORPUS
HYPERCUBUS
DALÍ: EL GRAN MASTURB
o 1931: La persistencia de la memoria
o Gala con chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro.
o 1936: La metamorfosis de Narciso
retoma uno de los temas de Las metamorfosis de Ovidio.

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o 1939: Retrato de Mae West
o 1940: Mercado de esclavos
o 1954: Corpus Hypercubus
La abstracción y Pollock
La abstracción:
o Visión general:
Con el término general de “abstracción” se designa a un tipo
de manifestación del arte plástico que no representa nada
concreto o reconocible de la realidad material, que nace de la
necesidad de expresión libre del artista, y que se sustenta en
su propio lenguaje (el lenguaje de las líneas, de los colores y
de los efectos matéricos de los pigmentos solos o mezclados
con otras materias).
Origen:
• Tras la Segunda Guerra Mundial, París pierde la
primacía del arte contemporáneo que pasa a Nueva
York.
• Este tipo de manifestación plástica se consolidó como
categoría estética a lo largo del siglo XX, con distintas
posiciones en su lenguaje:
o Rayonismo
o Suprematismo
o Constructivismo
o Orfismo
o Neoplasticismo
o Concretismo
o Action painting
o Informalismo
o Etc
Artistas:
• El comienzo de la abstracción se produce hacia 1912
con la obra de dos artistas: Kandinsky y Klee
o Ambos formaban parte del grupo expresionista
Der Blaue Reiter
o Su afán estaba en la renovación del arte, la
búsqueda de lo esencial y el rechazo del
impresionismo y el positivismo materialista.
o Sus obras son más líricas que el otro grupo
expresionista: desean recuperar el sentido
espiritual del arte.
• Kandinsky:
o En 1910 finaliza su “Primera acuarela abstracta”
o El artista llega a la abstracción a través de un
proceso de depuración espiritual sosegado.
Este proceso se manifiesta en múltiples
obras en las que ensaya sus
planteamientos estéticos.

35. 35
A partir de 1913 esos motivos
desaparecen y la obra de kandinsky es
toda no figurativa.
o Características:
Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.
Valoración de lo subjetivo y lo simbólico.
Concepción gráfico-plástica apoyada en:
• La creatividad intuitiva (Kandinsky):
o Formas abstractas surgidas de impresiones
acerca de la Naturaleza; de improvisaciones que
responden a impulsos emotivos espontáneos y
composiciones surgidas de emociones internas.
• La reducción subjetiva de la realidad (Klee):
o Formas abstractas extraídas de la realidad
mediante la reducción subjetiva de los
contenidos aparienciales de las cosas a signos
plásticos simbólicos del mundo objetivo, en
función de la sensibilidad espiritual.
Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en
su método, objeto y materia.
En general, ausencia de contenido evidente
Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de
ilusión espacial.
Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.
Color libre.
o Corrientes:
Dentro de la abstracción es posible distinguir varias corrientes:
• Por un lado, la abstracción lírica:
o Representado por Kandinsky, en la que se
intenta plasmar emociones.
• Por otro lado la abstracción geométrica, de rigor
matemático, representada por el Constructivismo ruso.
Jackson Pollock (1912-1956)
o Valoración de su obra:
Este autor es fundamental en la aparición de un concepto que
será esencial para un buen número de manifestaciones
artísticas posteriores: el arte conceptual
Asimismo en su obra existen referencias al azar ya lo fortuito,
típicas del Surrealismo
• En su juventud se psicoanalizó siguiendo el método de
Jung, al comenzar un tratamiento psiquiátrico contra el
alcoholismo.
Los lienzos de Pollock aportaron otras novedades como la
pintura total, que no parece tener ni principio ni fin, al
extenderse hasta los límites de la tela.
• Esta ambigüedad del espacio pictórico y el gran formato
de sus obras crea un ambiente que atrapa al
espectador sin dejarle escapatoria.

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o Estilo:
Abrirá las puertas de su subconsciente al arte, mediante la
técnica del dripping
• Podemos traducirla como “hacer chorrear directamente
el color de un recipiente sobre el lienzo extendido en el
suelo”
• El artista suele extender el lienzo sobre el suelo, con el
objetivo que visualizarlo por todos sus lados.
• Cuando está dentro del cuadro, ya no percibe nada,
sólo el contacto con la tela le proporciona la armonía
precisa para que la obra salga bien.
• Se aleja de las herramientas habituales de los pintores,
como la paleta, los pinceles y prefiere los palos, llanas,
cuchillos y pintura fluida que gotee, o pesados
empastes con arena, vidrio roto y otros materiales.
• Lógicamente, con esta técnica, se produce una
disminución del control que el artista ejerce sobre la
gestación del cuadro, a la vez que los materiales se
independizan del pulso del pincel y se distribuían con
mayor autonomía.
o Obras:
POLLOCK: ONE. 1950.
ÓLEO Y ESMALTE SOBRE
LIENZO. MOMA. NUEVA
YORK.
POLLOCK: YELLOW
ISLANDS. 1952. ÓLEO
SOBRE TELA. TATE
GALLERY. LONDRES
POLLOCK: SEVEN
One
Yellow Islands
Seven
Las últimas tendencias
a) Expresionismo abstracto o el Informalismo.
Visión general:
o El Informalismo aparece en Europa, Estados Unidos y Japón en
torno a los años cincuenta.
o Cuando se incorporaron al lienzo otros materiales (como arpilleras,
arena, maderas, etc) recibió la denominación de arte matérico
o Características:
Marcado por la irracionaidad
Es la expresión del desaliento y la angustia que siguió a la
Segunda Guerra Mundial.
Supone el rechazo a la razón

37. 37
Defiende la expresión en la obra de arte, en este sentido, tiene
bastantes cosas en común con el Expresionismo.
En el Informalismo hay mucho de protesta e inconformismo
como ya había sucedido en el Dadaísmo.
Se incorporan materiales tradicionalmente considerados
extrapictóricos como el plástico, tierra, paja, materiales de
desecho, mallas metálicas, botes, maderas y fragmentos
cerámicos.
Los artistas prefieren los grandes formatos, ya que consideran
que sus efectos en el espectador son más eficaces.
La obra constituye una expresión del interior del individuo y
como tal no persigue la plasmación de la belleza: la pintura se
concibe como un vehículo para transmitir el desaliento que
apresa a un importante grupo de pintores.
Para ello los informalistas recuperan técnicas que ya utilizaron
los surrealistas como el dripping.
La mayoría de pintores informalistas no programan lo que van
a pintar, sino que se ponen a improvisar, a reflejar en esa
superficie lo que en ese mismo instante sienten, de tal modo
que la pintura se convierte en una liberación del
subconsciente.
o El expresionismo abstracto, que engloba varias tendencias.
La más célebre será la Action Painting (bautizada por Harold
Rosemberg)
o Artistas:
De Kooning Kline ANTONI TAPIES: TIERRA Y PAJA BACON: INOCENCIO X DE
VELÁZQUEZ. 1961
Rosemberg está refiriéndose a las obras de Pollock, De
Kooning y Kline, pintores que se interesan por el acto físico
de pintar, convirtiendo el lienzo en un teatro donde actúan.
En España:
• Antoni Tapies
B) La nueva figuración
Características:
o Pese a que la tendencia más generalizada fue la de aproximarse a
un arte abstracto, en Europa podemos encontrar una serie de
pintores que reivindican el arte figurativo.
o Lo hacen desde una óptica diferente a la pintura figurativa que
hemos estudiado, por ello recibe la denominación de pintura
neofigurativa.

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Francis Bacon (1909-1996)
o Le interesa la parte más oscura del ser humano, su lado más
negativo, el que se refleja en los rostros monstruosamente
deformados.
o Es posible establecer un paralelismo entre la obra de Bacon y la de
otros pintores como Van Gogh o Much, ambos muy próximos al
Expresionismo.
C) Pop art y Op-art
Pop-art
o Abreviación del término Popular art creado por el crítico británico
Lawrence Alloway.
o Nace en los años cincuenta como reflejo de la sociedad de consumo
en la que se acumulan los objetos sin sentido, objetos que en
realidad no se necesitan.
o El arte pop se nutre de un lenguaje puramente publicitario.
o Autores:
ANDY WARHOL: MARILYN MONROE WARHOL: SOPA CAMPBELL ROY LICHTENSTEIN: I DON’T CARE
Andy Warhol (1930-1987)
• Reprodujo hasta la saciedad fotografías coloreadas de
las latas de sopa Campbell o la Coca Cola, así como
Marilyn Monroe
Roy Lichtenstein (1923-1997)
• Incorpora al arte el lenguaje del cómic con todos sus
elementos, incluyendo los “bocadillos” en los que se
encierra el texto.
Op-art:
o También llamado Optical art, se basa en la voluntad de crear en el
espectador fenómenos de ilusión óptica, en concreto, se consigue
desencadenar la sensación de movimiento.
o El Op art está fundamentado en rigurosos estudios de carácter
científico, por rechazar la figuración y basarse en el color y la forma.
o El creador de esta corriente, Victor Vasarely:
Nacido en Hungría en 1908.
Estuvo siempre preocupado por aproximar la obra de arte a la
gran mayoría del público.
Consiguió plasmar en sus pinturas la sensación de
movimiento gracias a profundos estudios acerca del color.

39. 39
D) El arte como concepto: el Happening, el Land Art y el Arte
Povera
CHRISTO JAVACHEFF: BUNDESTAG
ENVUELTO
ARTE POVERA ANTONIO LÓPEZ: LA
GRAN VÍA
ANTONIO LÓPEZ:
DESNUDOS
El arte conceptual englobaría a todas las tendencias que se alejan de la
materialidad y se reivindica la importancia de la idea, independientemente
de su soporte.
Happening:
o El término happening significa acontecimiento. Designa un
acontecimiento artístico que tiene mucho de teatral y que se
desarrolla en un espacio concreto.
o No debemos pensar que es acto totalmente improvisado, sino que es
una escenificación premeditada que pretende implicar al espectador.
o Para ello se recurre a todo tipo de elementos verbales, olfativos, o
visuales.
o El happening lleva implícito grandes dosis de provación.
Land Art:
o Se pretende hacer arte con la Naturaleza, es decir, se trata de un
arte ecológico en el que el artista ve con buenos ojos las
transformaciones que la naturaleza opera en su obra.
o En este caso el “concepto” y lo efímero están muy presentes
o Christo Jaracheff
Convierte el embalaje en un arte. Ej:: Bundestag envuelto
El Arte Povera
o O arte pobre nace en Italia tras una exposición realizada en el año
1967.
o Se utilizan materiales pobres y al mismo tiempo toscos, como latiera,
la madera o la hierba.
o Celant dijo algo que define bastante bien esta corriente: “El arte
pobre, arte actual, antiformal, conceptual, earthwork o arte imposible,
tiene un enfoque básicamente anticomercial, precario y vulgar.
E) El Hiperrealismo
Características generales:
o A finales de los años setenta aparece en Estados Unidos una
corriente, tanto pictórica como escultórica, que pretende
representar con absoluta fidelidad la realidad hasta en sus
mínimos detalles.

40. 40
o En este sentido, no tiene ningún reparo en imitar a la fotografía,
incluso algunos pintores parten de fotografías ampliadas para
pintar sus cuadros.
o En muchos sentidos el Hiperrealismo enlaza con el Pop Art
puesto que ambos movimientos ven en la fotografía un
importantísimo punto de partida.
o Pero el Hiperrealismo carece de intención crítica y se limita a
reflejar la realidad con absoluta objetividad.
Artistas:
o Antonio López
La realidad se representa con absoluta fidelidad en el liezo
Más allá de la verosimilitud late la sensación de angustia y
desaliento
Ej.: La Gran Vía