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Tema 14 arte siglo xx

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Tema 14 arte siglo xx

  1. 1. 1 TEMA 14 ARTE DEL SIGLO XX 1.- LA ARQUITECTURA DEL MOVIMIENTO MODERNO Cambios en la arquitectura del siglo XX o Urbanismo: La mayoría de la población vive en ciudades. La planificación de las ciudades será uno de los objetivos de nuestro siglo. Tony Garnier será el primer arquitecto que afronte seriamente la planificación de la ciudad • En sus proyectos utiliza los nuevos materiales que la industria había aportado a la construcción. • Algunas de sus ideas fueron puestas en práctica en la ciudad de Lyon. La planificación de Brasilia, obra de Niemeyer es otra interesante prueba de la importancia que el urbanismo tuvo a principios de siglo. o Rascacielos: Frente a los problemas de crecimiento de la población en las ciudades la solución eran los rascacielos. Surgen a finales del siglo XIX en Estados Unidos y continúan construyéndose en el siglo XX. Con ello, la forma ha de subordinarse a la función: lo importante de un edificio es que sea funcional, que cumpla de la mejor manera la función para la que ha sido diseñado. o Nuevos materiales: La aparición de nuevos materiales y su empleo en la construcción seguirá avanzando. El muro tradicional será desplazado por el muro-cortina.1 La arquitectura tratará de alcanzar las formas transparentes y dinámicas. o Ruptura de la tradición: Se pretende romper las cadenas que ligan al arquitecto con el pasado y crear un nuevo lenguaje caracterizado por la libertad absoluta. Se rechaza cualquier referencia a estilos anteriores. Esto confiere a la arquitectura del siglo XX un carácter universalista y autorreferencial: un edificio no deberá hacer referencia a nada, tan solo a sí mismo. o Corrientes: La arquitectura del primer tercio del siglo XX se divide en dos grandes corrientes: 1 Muro-cortina: a partir del momento en que el muro pierde, en cierta manera, la función sustentante, los materiales tradicionales pueden ser sustituidos por otros más ligeros, generalmente vidrio. De esta manera el muro-cortina es una simple separación entre el interior y el exterior del edificio.
  2. 2. 2 Una europea, denominada racionalismo, que tendrá entre ellos: • Los arquitectos alemanes de la Bauhaus • Los holandeses del grupo De Stijl • Y el suizo Le Corbusier Una americana, llamada organicismo, cuyo máximo representante es Frank Lloyd Wright Posteriormente los críticos Henry Russel Hitchcock y Philip Jonson acuñaron el término estilo internacional con el fin de expresar la síntesis de ambas tendencias en un mismo edificio. 1.1.- El Racionalismo: Le Corbusier Definición: o El Racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la Razón que se adecue perfectamente a la función para la que ha sido pensada. Características: o Es una forma de interpretar la arquitectura, en la que lo ornamental no tiene cabida. o Se fundamenta en las formas puras y geométricas. El racionalismo reduce los edificios a severos esqueletos geométricos de hierro y hormigón armado. • Estos materiales permite eliminar las paredes exteriores y suplirlas por cristal. Surgen así volúmenes transparentes y desornamentados, pues la decoración reside en el ritmo con el que se disponen los huecos en las fachadas. o Se prescinde de cualquier referencia al pasado. o El Racionalismo trata de adaptar las modernas técnicas de la construcción a las necesidades del hombre contemporáneo. Bauhaus: WALTER GROPIUS: EDIFICIO DE LA BAUHAUS. 1925-6 MIES VAN DER ROHE: PABELLÓN ALEMÁN EN LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE 1929 GERRIT THOMAS RIETVELD: CASA SCHRÖEDER. 1924. UTRECHT, HOLANDA o El desarrollo de este movimiento se inicia en 1919, con la creación por Walter Gropius de la Escuela de Arquitectura y Artes Industriales en Weimar, que denominó “Casa de la Construcción” o Bauhaus.
  3. 3. 3 o Se trata de un instituto de artes y oficios en el que los alumnos diseñan todo tipo de objetos. o Posteriormente se trasladó a Dessau, clausurándose en 1923, cuando sus principales profesores emigraron a los Estados Unidos. La sede de Dessau, el Edificio de la Bauhaus, fue el “libro de estilo” del racionalismo. Gropius se rodeó de un claustro de arquitectos, ingenieros, escultores y pintores con el fin de diseñar prototipos destinados a su fabricación industrial en serie. Las casas unifamiliares prefabricadas le permitían: • Obtener volúmenes transparentes y austeros • Favorecer el espíritu comunitario de la sociedad, al conseguir una arquitectura barata. o Fue clausurada en 1932, aunque se intentó reconstruir en Berlín bajo la dirección de Mies Van der Rohe. o Durante aquellos años se comercializó la producción industrial de modelos, alfombras, tejidos, etc. El Estilo (De Stijl) o Estas ideas las comparten también los renovadores de la arquitectura holandesa, reunidos en torno al periódico El Estilo, que propugna “la línea recta en el arte” o Animados por el geometrismo del pintor Mondrian, De Stijl reconstruye la arquitectura de su país, tras el desastre de la Primera Guerra Mundial con modernos edificis cúbicos y desnudos. o Ejemplo: Gerrit Thomas Rietveld: Casa Schröeder (1924). Utrech, Holanda. Charles Édouard Jeanneret, apodado Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds (Suiza), 1887 – Roquebrune-Cap-Martin (Francia), 1965. o Teórico, urbanista y arquitecto. o Teórico: Le Corbusier postula el orden armónico en la arquitectura, regulada por un canon de proporciones huanas. Para ello elaboró el Modulor, que fija en 2,16 metros, equivalente a la altura de un hombre de 1,75 con el brazo alzado. El Modular tendría también su aplicación en el campo del diseño, extendiéndose al mobiliario y a los objetos comunes. o Urbanista: Concibió en 1922, un plan para la ciudad contemporánea de tres millones de habitantes. • Estaría formada por hileras de rascacielos aislados, que convergerían radialmente hacia el centro, donde se emplazarían los órganos de poder. • Todos los inmuebles se distanciarían 500 metros entre sí por espacios verdes. • Se conectarían con la plaza mayor de la metrópoli mediante grandes avenidas. En 1958 haría realidad este proyecto al ponerlo en práctica en Chandigarh
  4. 4. 4 • La nueva capital hindú del Punjab o Arquitecto: Características de su arquitectura: • Empleo de pilotes: 1. Se trataba de que esté lo más separado posible de la tierra, y se consigue, además, que este espacio sea transitable. • Terraza jardín: 2. Factible gracias al hormigón. 3. Las uniones del techo de hormigón se rellenan con arena que protege de las oscilaciones térmicas. • La fachada libre • La multiplicación indefinida de los vanos: o Los ventanales corridos están divididos por varillas metálicas y tienen mayor tamaño, llegan a invadir el muro, que ya no es de carga. • La planta libre Su máxima preocupación fue la casa: LE CORBUSIER: VILLA SAVOYE. 1928-30. POISSY. FRANCIA LE CORBUSIER: UNITÉ D’HABITATION (1947-52). MARSELLA. FRANCIA LE CORBUSIER: CAPILLA DE NOTRE DAME DU HAUT. RONCHAMP. 1950-54 LE CORBUSIER: MONASTERIO DE SAINTE MARIE DE LA TOURETTE. LYON.. 1957-59 • Estas máquinas para vivir debían elevarse sobre pilares a semejanza de los palafitos y cubrirse por una terraza- jardín plana. • El resto de la estructura se limita a un andamiaje de hierro y cemento sometido a un plan libre. • La Villa Savoye (1928-30) o En las cercanías de París • Unité d’Habitation (1947) o Destinado a familias obreras, en el que se busca sobre todo habitabilidad y la calidad a bajo precio. o En ella los bloques que la integran se disponen espaciosamente sin interferirse unos a otros y sin quitarse la luz. A partir de los años 50, Le Corbusier comienza a explorar la curvatura y a presentar el cemento armado en su estado natural, con su superficie rugosa, sin pulimentación.
  5. 5. 5 • Dos obras religiosas ilustran este cambio, que otorga a los edificios un aire escultural. • La capilla de Nôtre Dame du Aut., en Roncham (1959- 54) o Su planta es irregular y ondulante y los muros están ligeramente inclinados. o Existe mucho del Expresionismo en esta obra. • Monasterio dominico de Saint Marie de la Tourette, en Lyon 1.2.- El organicismo: Frank Lloyd Wright Arquitectura orgánica: o Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. o Rasgos que la definen: El sentido de lo interior como realidad La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes La unidad entre el exterior y el interior El uso de materiales naturales La casa como protección Frank Lloyd Wright (1867-1959) o Rasgos generales: es el ideólogo y defensor del organicismo: Credo artístico: • El edificio ha de concebirse en armonía con el paisaje. • El cliente ha de sentirse realizado entre sus paredes. • La casa ha de responder al modo de ser de quien la vive. • En esencia, las obras de Wright persiguen la felicidad o Etapas: Se distinguen dos grandes épocas, separadas por un período de ostracismo. Etapa Inicial (1887-1909) WRIGHT: ROBIE HOUSE. CHICAGO. 1909. ETAPA INICIAL WRIGHT: CASA DE LA CASCADA. 1936. PENSILVANIA. ESTADOS UNIDOS. SEGUNDA ETAPA WRIGHT: SEDE SOCIAL DE LA CÍA JOHNSON WAX. RACINE. WISCONSIN. 1937. TERCERA ETAPA: ELEMENTOS CURVILÍNEOS WRIGHT: MUSEO SALOMÓN GUGGEN HEIM. NUEV
  6. 6. 6 • Se concreta en las prairie hauses: o Sus unifamiliares “casas de la pradera” o Ubicadas en urbanizaciones residenciales perfectamente integradas con la naturaleza. o Suele organizar la vivienda a partir de una gran chimenea central, buscando perspectivas en varias direcciones, obteniendo diferentes ambientes habitables, que consigue mediante distintas alturas. o El volumen de la casa tiene forma de cruz, cuyos brazos desiguales se injertan uno en otro. o Esta estructura se ha comparado con la de las villas palladianas. o Robie House (1909) Etapa de ostracismo: • A partir de 1909 la estrella de Wright declina. • Su vida familiar y afectiva es un continuo fracaso Segunda Etapa: Casa de la Cascada • Wright, ya septuagenario, sale de su aislamiento diseñando la formidable Casa de la Cascada o El más fabuloso ejemplo de arquitectura organicista o Proyectada en 1936 como respuesta a la corriente racionalista que se estaba estableciendo en Estados Unidos, liderados por Walter Gropius y Mier van der Rohe. o Fue encargada por Edgar J. Kaufmann o En su construcción, Wright apuró las posibilidades estructurales de los grandes voladizos de hormigón armado. o El resultado fue el sueño de un ingeniero poeta. o En 1938 salen las primeras fotografías de Fallingwater, la Casa de la Cascada: se convierte en el modelo perfecto de vivienda doméstica moderna. Tercera etapa: elementos curvilíneos • Tras esta obra, su autoridad es reconocida y tendrá una actividad creadora de gran difusión. • En 1937 la Compañía Jonson Wax le encarga su sede social en Racine (Wisconsin) o En este edificio alumbraba una nueva fase dominada por elementos curvilíneos. o Este edificio tiene un mobiliario diseñado igualmente por el arquitecto. • Trece años después, edificó para esta firma una audaz torre de cristal, con ángulos redondeados, en la que se ubicaron los laboratorios. Cuarta etapa: círculo • Con posterioridad el círculo le obsesiona y comienza a experimentar con este tipo de planta hasta darle cima
  7. 7. 7 en el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, proyectado en 1943 e iniciado en 1956. o Consta de dos partes: la sala principal de exposiciones y un edificio administrativo, ambos troncocónicos. o La galería donde se encuentra la exposición permanente es una espiral continua en rampa que se desarrolla en torno a un gran hueco central, cubierto por una cúpula sobre nervios, que permite la iluminación natural. o Wright estrena aquí una nuevo sistema museístico de circulación y exposición: el visitante sube en ascensor al ático, desde donde inicia el recorrido. 2.- LA ESCULTURA: INNOVACIONES CONCEPTUALES Y TÉCNICAS Ideas generales o La escultura contemporánea es el arte que experimenta una revolución más radical en el siglo XX. o Sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura y en bastantes casos los pintores cultivan también la escultura. o El Cubismo supone la ruptura definitiva con la tradición. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. o Pero, además de esta, la otra gran característica de la escultura contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del hombre actual. o Estas dos líneas, la geometrización, la abstracción y la inclusión de espacios por un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las dos grandes líneas de la escultura, al igual que pasó en la pintura Innovaciones: o Los conceptos que revolucionan la escultura del siglo XX son el hueco y el movimiento mecánico. o El hueco: Consiste en introducir el vacío en la masa de la estatua, invirtiéndose así el concepto tradicional de la escultura. o La segunda aportación que el siglo XX incorpora a la escultura es el movimiento mecánico Este dinamismo se consigue accionando el objeto manualmente, impulsándolo con un motor o desplazándolo mediante la fuerza del aire. Características Generales de la escultura del siglo XX
  8. 8. 8 o En este siglo nació una nueva escultura, una nueva estética escultórica que rechazaba la imitación de lo real y que reinventa nuevas formas innovadoras; una escultura estridente, fuerte y asombrosa. o Una nueva manera de expresión desgarradora, violenta, furiosa, contraria al antiguo ideal de expresar la belleza. o Dejó de presentar la perfección de formas, de acabado o de calidad matérica. Abandonó el buen gusto, las buenas maneras. Las imposiciones establecidas que exigían no deformar la figura humana. o Abandonó el uso exclusivo de materiales nobles y empezó a usar materiales industriales o de uso cotidiano como resinas, cementos, plexiglás, caucho, madera, látex, polietileno, cuero, etc, cualquier sustancia que el artista considerase oportuna y lo indicase su interés para reflejar mejor su mensaje. o La representación femenina cambió radicalmente de apariencia, respecto a su masa y forma sólida… Las posturas son retorcidas, se revuelcan o mantienen posturas imposibles. Ahora las imágenes muestran su dolor y su angustia… o Tendencias en la escultura del siglo XX A) CONSERVADORA: Defiende la integridad del mundo visible, dentro de una actitud humanista. Autores: o ANTONIO BOURDELLE escultor francés (1861- 1929). Discípulo de Rodin y gran admirador de Grecia. B) INNOVADORA: Se entrega a la apertura de nuevos horizontes. Hay 2 direcciones: 1) EXPRESIONISMO: Centra todo en el contenido espiritual del hombre a través de la expresión, se despreocupa de la forma. Originado por la gran tragedia de la 1ª Guerra Mundial. Vinculado a los pueblos germánicos. Se esculpen seres espectaculares que expresan de manera extrema la desesperación, la angustia, la miseria, llegándose a deformaciones. Emplean los nuevos materiales: hormigón, hierro, desperdicios metálicos… Destacan escultores como Barlach, Kolbe, etc En España: Pablo Picasso Giacometti es el mayor exponente de la escultura expresionista. o Deshumaniza la figura humana hasta tal punto que sus cuerpos son hierros enmohecidos. o Más que personas vivas, sus figuras parecen fantasmas. 2) ABSTRACCIONISMO: Solo juega con el mundo de las formas y se desentiende de todo interés espiritual. Varias tendencias:
  9. 9. 9 A) Cubismo: Simultaneidad de perspectivas, espacio interior... Descompone la realidad para después recomponerla conforme a los nuevos ideales estéticos. Valen los volúmenes cóncavos y convexos. El gran escultor es el ruso ALEXANDER ARCHIPENKO. Quien valora los vacíos excava en el interior de las figuras para que resulte visible el hueco. Volúmenes simples, materiales combinados (piedra, metal, cartón, cristal…) También PICASSO fue un gran escultor cubista. B) Escultura orgánica: Viene a ser una variante del Cubismo, pero se distingue por el sentido de continuidad de las superficies curvas, de forma que los cuerpos forman un solo volumen. Constantino Brancusi es el mejor exponente de esta tendencia. Rumano, esculpe cuerpos ovales con placas de metal pulido que sirven de espejo al ambiente externo, que se incorpora así a la obra de arte. Henry Moore. Es el más importante escultor organicista. Alterna las formas planas, cóncavas y convexas, Sus obras recuerdan las caprichosas formas que la naturaleza esculpe en los elementos naturales producto de la geología. Da mucha importancia a los materiales puros: madera o piedra. ESCULTURA ABSTRACTA NO FIGURATIVA: Es la más opuesta al humanismo naturalista: lo que se presenta no tiene ninguna relación con el mundo circundante. Los materiales también son nuevos= alambre, plásticos… Destaca el ruso ANTOINE PEVSNER su arte se relaciona con la conquista del espacio cósmico, la aerodinámica, la nueva geometría abierta, las matemáticas de Einstein, la biología… El hombre se volatiliza, desaparece. Quiere captar la génesis de la energía, fijar a la vez el espacio y el tiempo. Son famosas las columnas con aspas que se agitan como un molino de viento. En España es el vasco EDUARDO CHILLIDA, el mayor exponente de la escultura abstracta. Su obra se caracteriza por: -Uso de materiales puros: Hierro con la técnica tradicional de la forja. Madera resalta los anillos de los árboles. Hormigón encofrado. -Formas empotradas. -Volúmenes rotundo y compactos. -Fusión de escultura y naturaleza.
  10. 10. 10 3) MÓVILES: Esculturas con elementos que se pueden mover. Se utiliza mucho el alambre y el aire es el motor de las esculturas: basta el simple acercamiento del contemplador para que la obra entre en movimiento, es lo que se llama la ESCULTURA CINÉTICA que puede adoptar otras modalidades por distintos tipos de movimiento (giratorio, basculante…). Autores: ARCHIPENKO: MUJER ANDANDO. 1912. BRONCE. MUSEO DE ARTE. DENVER. ESTADOS UNIDOS JULIO GONZÁLEZ: MONSIEUR CACTUS JULIO GONZÁLEZ: MUJER ANTE EL ESPEJO.1936-7. HIERRO FORJADO. IVAM. VALENCIA GONZALEZ: MONSERRAT. 1937 o Alexander Archipenko (1887-1964) Estilo: De origen ruso, es el precursor de la tendencia conceptual sobre el hueco. No solo estaba interesado por el Cubismo, sino también por la escultura primitiva de África. En 1908 llega a París y comienza a aplicar a sus figuras los experimentos cubistas. En algunas de sus obras emplea diferentes materiales como el alambre y el vidrio. Obras: En 1912 funde en bronce su Mujer andando o Esta obra descarnada inaugura una nueva época. o Julio González (1876-1942) Biografía: Frecuentó el círculo de Els Quatre gats. Era amigo de Picasso, amistad especialmente intenso durante la estancia de ambos en París. Material: Trabajó preferentemente con metales, material con el que realizó algunas de sus más destacadas aportaciones a la escultura.
  11. 11. 11 La aportación de González a la renovación escultórica se produjo fundamentalmente en el ámbito de los nuevos materiales, en su caso el hierro forjado. o Con él el hierro alcanzará toda esa capacidad expresiva y estructural. Estilo: Continua el juego cubista consistente en expresar las formas abultadas a partir de oquedades. Le permitirá desarrollar un tipo de esculturas concebidas como agregación de elementos en un espacio abierto. o La aspiración de González era “dibujar con hierro en el espacio” Tras unos años apegado a la abstracción, recupera el naturalismo con obras como Monserrat gritando, escultura que se exhibió junto al Guernica en la Exposición Universal de París de 1937. Obras: Mujer ante el espejo (1912)
  12. 12. 12 o Pablo Gargalló (1881- 1934) GARGALLÓ: LA PEQUEÑA BAILARINA PABLO GARGALLO: EL GRAN PROFETA. 1933. BRONCE Y PÁTINA DE HIERRO ENNEGRECIDA. MUSEO REINA SOFÍA. MADRID. PABLO GARGALLO: EL PEQUEÑO ARLEQUÍN Es un artista aragonés aunque la mayor parte de su vida la pasó en Barcelona. Sus primeros pasos en el mundo de la escultura los dio en el taller de Eusebi Arnau Permaneció fiel a la figuración Una de las obras más significativas de su vida fue La pequeña faunesa de pie (1908) En épocas posteriores sustituye los volúmenes sólidos por el juego entre macizo y vacío y se percibe en su obra la influencia del Cubismo. El gran profeta (1933) El pequeño arlequín o Alexander Calder (1898-1976) Alexander Calder Stabile-mobile CALDER: PEZ DE ACERO. 1934 CALDER: MOBILE II CALDER: LA FUENTE DE MERCURIO Norteamericano Será quién aplique las propuestas sobre movimiento mecánico a la escultura a través de unas obras que denominará mobiles. Los principales mobiles de Calder son los aéreos. Se trata de pétalos, discos y palmas confeccionados con materiales ligeros y unidos por varillas de alambre, que se suspenden del techo, donde, a la menor brisa, las pizas giran, se elevan, planean
  13. 13. 13 Su mayor realización se encuentra en la sala de la terminal internacional del aeropuerto Kennedy, de Nueva York. En 1937 y con destino al pabellón español de la Exposición Universal de París, construye la famosa Fuente de Mercurio, actualmente instalada en la Fundación Miró de Barcelona. Compuesta por un surtidor que vierte el mineral sobre tres platos que actúan de vasos comunicantes. Inaugurada el mismo día que el Guernica, de Picasso, y colocada frente a él, fue una de las atracciones de la Exposición. 3.- LOS “ISMOS” PICTÓRICOS DE LAS VANGUARDIAS Las Vanguardias artísticas o Al trasladar el concepto “vanguardia” al mundo del arte se aceptaba la idea de combate por el triunfo de unas premisas estéticas. Las vanguardias artísticas fueron militantes, y en eso demostraron también su sintonía general con el período en el que surgieron y se desarrollaron o Entre 1905 y 1924 París va a ser la cuna de las vanguardias artísticas. París se convierte en el centro mundial del movimiento plástico. o Origen: Proceden de Europa y América, o Características: se muestran independientes y rebeldes frente al arte academicista. Frente al arte academicista burgués, los artistas de las vanguardias propusieron estéticas que ultrajaban la sensibilidad burguesa. o Evolución: En la jungla de los “ismos” el primero fue el Fauvismo y el Expresionismo alemán, creados en 1905. • Pero la celeridad con que se lleva cada movimiento a su límite, la desconexión entre los integrantes y la fascinación por lo nuevo hará que aparezcan nuevas propuestas. En 1907 aparece el Cubismo. En 1916 se inventa el Dadaísmo En 1924 se proclama el primer manifiesto Surrealista. El Fauvismo y Matisse Fauvismo o Visión general: El Fauvismo es la corriente pictórica basada en el uso arbitrario de colores intensamente vivos. Fundación:
  14. 14. 14 • En 1905 Matisse decidió participar en el Salón de Otoño de París. o En la Sala número VII se agruparon sus cuadros, junto con los de Vlaminck y Derain, todos restallantes de colorido salvaje. o El contraste con el resto de lo expuesto es tan crudo, que los visitantes abandonan escandalizados la estancia. o Al día siguiente el crítico de arte Louis Vauxcelles escribía: Donatello parmi les fauves! o Los insultados se apoderan de este mote y se lo cuelgan como una medalla. El Fauvismo acaba de nacer. • Los miembros de este grupo viven cohesionados durante 1906, pero al año siguiente comienza a desintegrarse. Características: • Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color. • Utiliza colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin referencia al tema o a su figura. o Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores complementarios. o Búsqueda de lo esencial y simple. Figuración con eliminación de lo superfluo. Síntesis formal Eliminación de la perspectiva espacial Supresión de la definición de las formas basadas en el claroscuro. • Predominio de dos corrientes temáticas: o Interpretación libre, intuitiva, vital y totalmente subjetiva de la naturaleza con reminiscencias naturalistas (los paisajes de Derain) o Escenas líricas de gran carga imaginativa (Matisse) • Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana). Influencias: • Del Impresionismo, la teoría de los colores, la alegría cromática, las escenas de la vida cotidiana, paisajes, interiores, retratos y bodegones. • Del Postimpresionismo, la zonificación, la plenitud del color, el sentido decorativo de Gauguin y la vivencia intensa de la Naturaleza de Van Gogh. • Del expresionismo alemán, el color puro y vigoroso, la ausencia de modelado, el trazo directo y enérgico, la plasmación subjetiva del artista. • De culturas exóticas, la riqueza de color y las referencias formales.
  15. 15. 15 Principales artistas: • En Francia: o Henri Matisse o Maurice Vlaminck o André Derain o Raoul Dufy Henri Matisse (1869-1954) o Biografía: Sólo Matisse se mostrará fiel al movimiento fauvista a lo largo de toda su vida artística. Ajeno al mundo de la bohemia o a la intención de provocar al espectador. Matisse fue una persona culta y tranquila para quien la pintura era una forma de transmitir sus propias emociones positivas. o Evolución de su estilo: En sus inicios hizo algunos cuadros que podemos considerar próximos al Puntillismo (Lujo,calma y voluptuosidad, 1904) Posteriormente concreta su estilo. • El color en áreas bien definidas se adueña de sus obras. • Se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo sus formas mediante exaltadas zonas de color, que no suelen coincidir con su apariencia real. o La raya verde • En las grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilíneos del Art Nouveau y el arabesco del mundo musulmán o La danza • Ornamentación de la capilla del Rosario de las monjas dominicas en Vence. Por último, una artritis le impediría pintar y consumió sus últimos años haciendo recortables de colorido brillante. o Obras: MATISSE: LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD. 1904 MATISSE: LA RAYA VERDE. 1905. ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO DE ARTE DEL ESTADO. COPENHAGUE. MATISSE: LA DANZA. 1909. ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO DEL HERMITAGE. SAN PETERSBURGO 1904: Lujo, calma y voluptuosidad
  16. 16. 16 1905: La raya verde 1909: La danza 1908: La habitación roja • construye la obra mediante colores y arabescos. • Su gran sabiduría consigue mantener la intensidad de unos colores planos y yuxtapuestos que tienden a neutralizarse. 1951: decoración de la capilla del Rosario MATISSE: LA HABITACIÓN ROJA MATISSE: DECORACIÓN DE LA CAPILLA DEL ROSARIO El expresionismo alemán y Kandinsky El expresionismo alemán: o Visión general: Desde la Edad Media al siglo XX, el Expresionismo fue una constante permanente del arte alemán. El Expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzscheana (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. El Expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes. Evolución: o En la evolución de la pintura expresionista existen tres momentos distintos. Die Brücke (El Puente) 1905-1913 • En 1905 cuatro estudiantes se asocian en Dresde bajo esta denominación. • Sus autores pretendían vincular el pasado y el futuro del arte alemán. • Características:
  17. 17. 17 o Simpatizaron con los colores de las vidrieras góticas y sus imágenes fragmentadas por grandes demarcaciones de plomo. o Con el primitivismo de las máscaras africanas. o Con la ruptura cromática de Matisse. o El soporte utilizado es la xilografía tardomedieval, realizando duros y ásperos grabados en madera con seres angustiados. Preludian, por su implacables violencia y tensión los desastres de la I Guerra Mundial. Der Blaue Reiter (El jinete azul) 1910-1914 • Similar inquietud corre por los ambientes culturales de Munich. • En 1911 cristaliza con la creación del segundo grupo del Expresionismo alemán. • Sus fundadores fueron Franz Marc y Vasily Kandinsky • De aquí surgirá la primera pintura abstracta. “Neue Sachlichkeit (nueva objetividad) 1920-1933 • con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados. Difusión: • El expresionismo se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia. • El régimen nazi lo definió como “arte degenerado”, los artistas fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas. • El testigo del Expresionismo lo recuperarán los pintores norteamericanos de finales de los años 40, al imponer el Expresionismo abstracto. o Características: La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de carácter institivo y exaltado en Die Brucke y de carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter). Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo del artista. Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: • desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior. • Esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llega a la abstracción total) Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
  18. 18. 18 Destrucción del espacio tridimensional. Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen. Aglomeración de formas y figuras En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter Ausencia de carácter decorativo. Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la naturaleza. o Influencias: De postimpresionistas como Van Gogh, Gaughin, etc Del simbolismo nórdico: Munich. Del arte primitivo y de los dibujos infantiles: la expresión de fuerza y vida y las formas simples. Del cubismo y fauvismo, el reduccionismo de las formas y la viveza del color. o Principales artistas: En Alemania: • Ludwig Kirchner • Emil Nolde • Oscar Kokoschka • Vassili kandinsky • Franc Marc • Paul Klee En Francia: AMEDEO MODIGLIANI: DESNUDO RECOSTADO. 1919. ROBERT DELAUNAY: CAMPO DE MARTE. LA TORRE ROJA. 1911. ART INSTITUTE OF CHICAGO. MARC CHAGALL: I AND THE VILLAGE. GEORGES ROUAULT: CRISTO LUDWIG KIRCHNER EMIL NOLDE: LA ÚLTIMA CENA OSKAR KOKOSCHKA: LA NOVIA DEL VIENTO. FRANZ MARC: CABALLOS AZULES. 1911. ÓLEO SOBRE LIENZO. WALKER ART CENTER. MINNEAPOLIS. ESTADOS UNIDOS. PAUL KLEE
  19. 19. 19 • Amadeo Modigliani • Robert Delaunay • Marc Chagall • Georges Rouault Vasily Kandinsky (1866-1944 o Valoración: Músico, pintor y teórico ruso, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Alemania. Parte de la pintura figurativa para llegar a la abstracción En 1910 pinta la Primera acuarela abstracta: o Vacía de contenido el espejo de la realidad • Asimismo concluye la redacción de su libro: De lo espiritual en el arte, donde anota: el problema de la forma es secundario en el arte • El camino de la abstracción estaba abierto.. o Estilo: Postula la evasión de la objetividad. Se sumerge en una pintura de ritmo rotativo, salpicada de manchas de color y de signos gráficos de valor emocional para explicar su mundo interior. Los amplios conocimientos sobre música influyeron decisivamente en su modo particular de entender la pintura. • Para él la pintura y la música estaban íntimamente relacionadas. • Incluso llegó a hacer un estudio sobre la coloración de los sonidos. El color en Kandinsky: • El color influye en el espíritu, es la techa y el ojo el percutor que golpea el alma. • Cada color tiene para él un sonido diferente: o El azul aleja y llama al hombre al infinito o El verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo o El blanco es el silencio o El negro es la nada • Cada uno de sus cuadros es una sinfonía cromática, pura música visual. El arte para Kandinsky no es una mera representación de objetos sino que sus cuadros se construyen con forma y color. El propio autor clasifica sus obras en tres grupos: • Las Impresiones, que toman como punto de partida una impresión captada directamente de la Naturaleza. • Las Improvisaciones, puramente formales e inconscientes. • Las Composiciones, en las que el punto de partida es un sentimiento que el pintor elabora, construye de forma laboriosa
  20. 20. 20 o Obras: KANDINSKY: PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA. 1910. ACUARELA Y TINTA. COLECCIÓN NINA KANDINSKY. NEULLY SUR SEINE.FRANCIA KANDINSKY: IMPROVISACIÓN. 1913. NATIONAL GALLERY OF ART. WASHINGTON. IMPRESIÓN IMPROVISACIÓN KANDINSKY: COMPOSICIÓ (O BATALLA). 1911. PINT ABSTRACTA. ÓLEO SO LIENZO. KUNSTSAMML NORDRHEIN-WESTFALEN, DÜSSELDORF. ALEMANIA Sobre las puntas. Composición Amarillo, rojo y azul. El Cubismo y Picasso El movimiento cubista o Visión general: El Cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado por otros muchos artistas. Surge un amplio movimiento que si originalmente está centrado en París, será de ámbito internacional. El Cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por la multiplicidad de puntos de vista. Esta nueva forma de representación no es evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir, que aborda la realidad no bajo aspectos visuales sino bajo aspectos intelectuales. Denominación: La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de “cubistas” a los artistas de esta tendencia en la revista Gil Blas de 1909. Difusión: La presentación pública del Cubismo como movimiento pictórico tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño. En 1913 el crítico y poeta Guillaume Apollinaire publica su famoso escrito “Méditations esthétiques. Les peintres cubistes” que fue decisivo en la difusión de las teorías cubistas. o Características: Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superficie pictórica y lo representado en ella. Rechazo de la figuración imitativa de la Naturaleza.
  21. 21. 21 Concepción formal basada en la recreación intelectual de las cosas Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas. Representación simultáneas de los objetos (los objetos no son representados desde un solo punto de vista, sino desde varios). Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en otras. Ausencia de profundidad espacial Líneas y planos refractados y representados en negativo- positivo Creación de transparencias Austeridad cromática Sombreado arbitrario Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato o Fases: En este movimiento es posible distinguir dos fases: el cubismo analítico, y el cubismo sintético. Cubismo analítico (1909-1911) Progresiva esquematización de las formas y del espacio: o El reduccionismo atiende a la composición geométrica latente en los objetos (los objetos son reducidos a sus formas básicas, descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura) o Más adelante la esquematización es mayor quedando las formas reducidas a sólo unos pocos trazos básicos convertidos casi en signos. Línea separando los planos y los objetos. Colores quebrados y terrosos, poco brillantes (marrones, beiges, grises, negros, etc) Incorporación de elementos gráficos (letras o números) Preferencia por naturalezas muertas (frutas, fruteros, pipas, botellas, vasos, partituras musicales, etc) Cubismo sintético (1912-14) Abandono de la descomposición prismática. Mayor definición de las formas La configuración del objeto o figura no surge de la división analítica de sus partes componentes, sino que se proyecta de acuerdo con la idea imaginativa del artista. Los objetos se insertan en la obra a partir de una estructura pictórica abstracta, combinando partes para llegar a un conjunto (síntesis) Mayor acercamiento a la realidad mediante la inclusión directa en el cuadro (collage) de materiales y objetos cotidianos (trozos de periódicos, papel de pared,
  22. 22. 22 etiquetas, maderas, rejillas, etc) que hacen concreto lo representado. Formas y figuras distorsionadas, dislocadas, recortadas o seccionadas Colores más vivos o Fuentes del Cubismo: El ejemplo de simplificación de Cézanne El arte primitivo, especialmente la escultura africana, con su distorsión expresiva de las formas. o Influencias del Cubismo: Será el punto de partida de otros “ismos” como el constructivismo , el futurismo, etc Muchos escultores adoptaron las ideas cubistas, especialmente abriendo las formas con vacíos La influencia en arquitectura o en artes menores fue secundaria. o Principales artistas: Pablo Picasso George Braque Juan Gris Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) o Biografía: Primeros pasos: Período de iniciación: 1881-1901 Nace en Málaga en 1881. Su padre, José Ruiz Blasco era pintor. Su padre es profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, con quien se forma durante su infancia y primera juventud. Sus diez primeros años transcurrieron en su ciudad natal. Por aquel entonces la familia pasaba estrecheces económicas. Más adelante le ofrecen un puesto de trabajo a su padre en La Coruña, de tal modo que toda la familia se traslada a esta ciudad. En 1895 y por similar motivo la familia se traslada a Barcelona. Se presentó en está ciudad al examen de admisión de la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Durante sus estudios en esta institución demostró ser un niño prodigio. Su primer gran cuadro lo realizó en 1895: La primera Comunión, obra que satisface las exigencias académicas. Después se instaló en Madrid al haber conseguido ingresar en la Academia de San Fernando. En 1897 su obra Ciencia y Caridad recibe la Mención de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid. Durante su estancia en Madrid visitó con frecuencia el Prado
  23. 23. 23 Regreso a Barcelona para curarse de la escarlatina. Una vez restablecido se instaló en Horta de Ebro con su amigo el pintor Manuel Pallarés. En 1899 regresó a Barcelona y frecuentó los más importantes círculos artísticos: o Allí frecuente la cervecería de “Els quatre gats”, donde se reunía la plana mayor del Modernismo. o Allí comprende dos hechos: Que el academicismo tenía detractores Que en París estaba la novedad. Y allí viaja inmediatamente. Se dirige a Partís. Allí le interesó de modo especial la obra de Toulouse-Lautrec, Degas y Cézanne. Sintió gran fascinación por los ambientes nocturnos. Convertido en un mito viviente, el mundo se rinde a sus pies. De todas sus etapas, su fase cubista fue la más excepcional. La época azul y la rosa: 1901-1906 Período azul (1901-1904) El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las grandes dificultades económicas, marcaron el final de una etapa de iniciación y el principio de un nuevo período llamado azul. Por aquel entonces pintó varios cuadros alusivos a la muerte de Casagemas, en los que éste aparece amortajado. o En estas obras predomina el azul, color que le pareció apropiado para expresar el dolor y el sufrimiento. El azul se convirtió en básico y distintivo de sus cuadros durante cuatro años, durante los que vivió míseramente en su estudio, sumido en la pobreza y el dolor. Expresa una humanidad de tipos escuálidos, infelices y dolientes. Son figuras representadas en solitario que tienden a la estilización para acentuar la sensación de soledad y la angustia. Obras: PICASSO: EL VIEJO GUITARRISTA. 1903. ÓLEO SOBRE TABLA. ART INSTITUTE. CHICAGO PICASSO: LOS SALTIMBANQUIS. 1905. ÓLEO SOBRE LIENZO. NATIONAL GALLERY. WASHINGTON. PICASSO: LES DEMOISELLES D’AVIGNON. 1907. MOMA. NUEVA YORK El guitarrista ciego. La vida
  24. 24. 24 La Celestina Período rosa (1904-1906 A finales de 1904 abandona la melancolía y aclara su paleta iniciando el periodo rosa. Picasso recupera muchas de las ilusiones perdidas y muestra una especial predilección por los personajes circenses que protagonizan gran parte de sus obras, no sólo ahora sino a lo largo de toda su trayectoria pictórica. Da vida a una tierna iconografía de personajes de circo y teatrillos ambulantes. Conoce a Fernande Olivier, mujer con la que convivirá durante un tiempo. Obras: La mujer de la corneja o El azul va perdiendo importancia, quedando relegado al fondo a favor del ámbar. o Este cuadro representa la transición hacia el periodo rosa, lo mismo que Artistas. o Sigue existiendo la melancolía, pero impregnada ya de una cierta dulzura, incluso de una cierta sensualidad, puesto que las figuras comienzan a perder sus perfiles agudos y se tornan más redondeados. La familia de saltimbanquis: En 1906 conoció a Matisse y su obra, lo que debió de contribuir notablemente a que su paleta se aclarase. Cubismo (1907- 1917) En 1906 Picasso contrastaba el lirismo rosa con las obras de Cézanne y con las máscaras africanas. La transición del periodo rosa al Cubismo supone en la obra de Picasso una profunda ruptura 1907: Autorretrato 1907: Les demoiselles d’Avignon o Descripción: o .Representa a un grupo de cinco prostitutas de la barcelonesa calle Avinyó, en pose exhibicionista para captar a los clientes. Comentario: o Los cuerpos estaban descompuestos en bloques geométricos y ensamblados por intersección de planos. o La joven sentada mostraba al mismo tiempo el rostro, el pelo, el pecho y la espalda, simultaneando todos los puntos de vista. o En esta obra la luz ilumina por igual toda la superficie al tiempo que se combina en una misma figura la visión de frente con la de perfil, como ya se vio en la plástica egipcia. Valoración:
  25. 25. 25 o considerada como su primera obra cubista o El cuadro es una rebelión contra el arte occidental, un intento por romper con todo lo que se había hecho hasta el momento y una renuncia definitiva al empeño por representar la tridimensionalidad. o El punto de partida de este cuadro es, posiblemente, El baño turco de Ingres, aunque entre ambos existen muchas diferencias. o Cuando Picasso mostró el cuadro a sus amigos se quedaron horrorizados ante la fealdad de los dos rostros de la izquierda, inspirados en tallas de arte africano. o Desilusionado por las críticas, arrinconó el cuadro en el taller y no fue mostrado hasta 1937, convirtiéndose en pieza de culto para los artistas. o Pero las bases del Cubismo estaban formuladas. Cubismo analítico: PICASSO: CUBISMO ANALÍTICO Pablo Ruiz Picasso Cubismo analítico (1909- 1911) Retrato de Ambroise Vollard PICASSO: NATURALEZA MUERTA CON ASIENTO DE REJILLA. 1912. MUSEO PICASSO. PARÍS. o En 1909 se instala en Horta de Ebro y allí se inicia lo que se ha llamado Cubismo analítico: o El cubismo analítico hace que Picasso se centre en el paisaje y en la figura humana. o El método de trabajo sigue siendo el mismo: Descomponer geométricamente las formas y luego ensamblarlas, mostrando sus cuatro planos en el lienzo. o Pronto se da cuenta de que este camino le llevaba a perder contacto con la realidad, le conducía a la abstracción y en 1912 lo abandona al descubrir las posibilidades del collage o Obras: Seríe de paisajes de Horta del Ebro Retrato de Ambroise Vollard Retrato de Daniel Kahnveiler Cubismo sintético
  26. 26. 26 o El collage inaugura el cubismo sintético. o Supone la ventaja de incorporar los objetos reconocibles a las pinturas. Un recorte de periódico permite al espectador distinguir letras, números dentro del cuadro. Una partitura Un menú de restaurante o una cajetilla de tabaco actuaban de contrapunto real frente a los dibujos “analítico” o Pero la solución tampoco le satisfizo y a partir de 1916 recupera la presencia humana y el color al diseñar los decorados y el vestuario de los ballets rusos de Diaghilev. o Obras: 1912: Naturaleza muerta con asiento de rejilla • un buen ejemplo de los bodegones que cultiva durante esta fase. Alternancia Cubismo y Realismo: PICASSO: LOS TRES MÚSICOS. 1921. ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO DE ARTE. FILADELFIA. ESTADOS UNIDOS PICASSO: LA FLAUTA DE PAN PICASSO: ARLEQUÍN. 1923 PICASSO: GUERNICA. 1937. ÓLEO SOBRE LIENZO. MUSEO REINA SOFÍA. MADRID. En 1917 va a Italia entrando en un periodo en el que el Clasicismo es un elemento clave en su obra. La crítica daba por sentado que Picasso abandonaba el Cubismo. Luego se descubrió que Picasso lo academizaba, alternando obras cubistas con otras realistas. 1921: Los tres músicos. Un Pierrot, un arlequí y un monje, miembros de la Commedia dell’Arte tocan instrumentos camuflados tras una máscara. 1923: La flauta de Pan 1923: Arlequín 1937: Guernica Valoración: o en 1937 recupera el Cubismo para su obra más famosa. o Encargo de la República española para decorar su pabellón en la Exposición Universal de París.
  27. 27. 27 o Para llegar a la versión definitiva debió pintar antes un gran número de bocetos y apuntes que culminan en la colosal obra. Composición: o La composición es claramente piramidal o Tras ella hay una elaborada disposición de los elementos, aunque tras una primera impresión parece que reina el caos. o Se prescinde de la perspectiva, lo cual concede al cuadro una sensación de intemporalidad. o De igual modo prescinde del color: la gama va desde el blanco al negro, para expresar el pesimismo del acontecimiento. o Es fácil percibir los rastros del Cubismo, dado que se combinan la visión de frente con la de perfil. Iconografía: o Toro: sólidamente ubicado en el cuadro, una de las imágenes esenciales en la iconografía picasiana. Representa la brutalidad, el caballo, el pueblo. o Madre con hijo: inspirando en la Matanza de los inocentes que tantas veces se ha representado en la historia de la pintura. o Soldado roto: en clara alusión a todos los soldados muertos en el desastre o Mujer con lámpara: como una bocanada de aire, como elemento esperanzador. o Rosa en la espada del guerrero: otro elemento positivo. o Mujer arrodillada: contempla la escena o Mujer que implora: esta imagen , la orante, la encontramos desde el arte paleocristiano. En 1945 cansado de vivir en París toma la decisión de comprar una casa en la Provenza, en Menarbes. Durante estos años de su vida vio aumentar su fama y esto hizo que se aislase más para poder crear en soledad. Este aislamiento no supuso que dejase de preocuparse por hechos que convulsionaron al mundo entero como la guerra de Corea, hecho que hizo que pintase en 1951 el cuadro del mismo nombre. En 1955 compra una casa en Cannes, denominada La Californie: Allí inicia una reflexión sobre el arte, de tal modo que vuelve sus ojos hacia los grandes maestros de todos los tiempos: Ej.: Las meninas o La clave de la aportación de Picasso al arte contemporáneo estriba en su enorme capacidad para fusionar elementos de culturas
  28. 28. 28 antiguas con lo contemporáneo, siempre dentro de una constante investigación formal. El Dadaísmo y Marcel Duchamp Dadaísmo: o El Dadaísmo es un antiarte. Un estado de ánimo permanente contra la belleza eterna, contra las leyes de la lógica, contra la sociedad establecida. o Fundación: Se funda en 1916 en el Cabaret Voltaire, de Zurich, donde se refugiaban exiliados políticos durante la Primera Guerra Mundial. Buscaron al azar en un diccionario y encontraron la palabra Dada (caballo de madera) y la adoptaron como su nombre. Surgía así un movimiento subversivo con el que escritores y artistas querían mostrar su rebeldía contra los burgueses. Sus fundadores fueron el pintor Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el movimiento más progresista en torno a Duchamp. A partir de 1920 muchos de estos artistas evolucionaron hacia el Surrealismo. o Manifiesto: En sus manifiestos proclan que están en contra “de la sífilis política, astronómica, artística, parlamentaria, agrícola y literaria”. Desde el punto de vista artístico les interesa más el gesto que la obra. • Siempre que ese gesto sea una provocación contra el gusto tradicional. • Con frecuencia recurrirán a la ironía y al absurdo. o Características: Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte)i Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano. Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo. Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte abstracto) Auge del disparate
  29. 29. 29 Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades) Eliminación de la composición clásica. Temática en la que predominan los mecanismo absurdos (“antimecanismos” que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época). Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos y revistas, y el “merz” o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado. o Influencias: Del Cubismo, por la adopción del collage. o Principales artistas: En Zurich: Hans Arp En Berlín: Raoul Hausmann En Colonia: Max Ernst En Hannover: Kurt Schwitters En París: Francis Picabia En Nueva York: Marcel Duchamp Marcel Duchamp (1887-1968) Valoración: inventa el ready-made • lo definió como “objeto de la vida cotidiana promovido a la dignidad de obra de arte por la simple elección del artista. • Todos los ready-made eran objetos prefabricados y podían utilizarse nuevos o usados, reaprovechando así el material de desecho de la sociedad consumista. • La selección de los ready-made nunca estuvo dictada por un deleite estético, sino que se basó en una reacción de indiferencia visual combinada con una ausencia total de buen o mal gusto. Obras: DUCHAMP: RUEDA DE BICICLETA. 1913. MADERA Y METAL. GALERÍA SIDNEY JANIS. NUEVA YORK DUCHAMP: LA NOVIA DESNUDADA POR SUS SOLTEROS, O EL GRAN CRISTAL. 1915. MUSEUM OF ART. FILADELFIA. DUCHAMP: LA FUENTE DUCHAMP: L.H.O.O.Q.
  30. 30. 30 o 1913: Rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina o 1915: La Fuente en 1915 se traslada a Nueva York. Entre otros objetos que materializó cabe señalar el célebre urinario de porcelana blanca que firmó con el nombre de Sr. Mutt. o 1919: L.H.O.O.Q. (Ella tiene el culo caliente) se trata de una fotografía de la Gioconda, pintándole perilla y bigotes y rotulando las iniciales LHOOQ o Su interés por aunar la indeferencia y la ausencia del buen o mal gusto en el ready made la alcanza cuando expuso un perchero y el público colgó en él sus abrigos y sombreros. o 1915-1923: La novia desnudada por sus solteros, incluso Valoración: • la culminación de la carrera de Duchamp llegó con sus pinturas sobre vidrio. • En esta obra desafió la moral que impone límites a la sexualidad femenina. Descripción: • Sobre dos grandes paneles de vidrio pintó Duchamp diversos elementos de apariencia biomórfica y mecaniforme • Está ejecutada al óleo, con alambres de plomo en los contornos de las figuras, y polvo fijado con pigmento. • Una rotura accidental final le da el toque final. • El panel inferior está dedicado a dos mecanismos “solteros”, de funcionamiento independiente, con los elementos siguientes: Los “moldes málicos” (sobre el trineo, a la izquierda) El molino de chocolate, los tamices cónicos y las aspas (todo ello en el centro) Los testigos oculistas (a la derecha) • En el panel superior está la novia, compuesta por la “vía láctea” (con tres grandes agujeros rectangulares) y el aparato del deseo (a la izquierda) Comentario:
  31. 31. 31 • Los solteros están atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, diría Duchamp) • Pero también pugnan por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie de gas amoroso. • La figura femenina estimula las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. • Todo eso parece una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. o Vuelta a París: Renunció a la producción. Tras su muerte se descubrió que venía trabajando en el proyecto Dados, que el espectador debía ver a través de una mirilla: • Entonces se encontraba con una mujer desnuda que llevaba un quemador de gas en la mano. • Su propósito era un “coito visual” con el objeto que contemplaba. El Surrealismo y Dalí El Surrealismo: o Definición: El Surrealismo pictórico pretende visualizar el subconsciente del individuo en su estado puro, despojado de las trabas quele impone la razón y al margen de las represiones y convencionalismos sociales. o Fundación: El poeta francés André Bretón, fue el fundador del movimiento en 1924. • Descubrió las obras de Sigmund Freud que proponen que esa libertad desinhibida sólo afloraba en el sueño • Y que en el mundo onírico se agolpaban dos emociones: el placer y la agresividad. o Autores Ambos temas serán explotados por Max Ernst, Delvaux, Masson, Magritte, Miró y Tanguy. También por Salvador Dalí y Joan Miró Salvador Dalí (1904-1989) Valoración: o Fue un pintor surrealista que se caracterizó por mantenerse a lo largo de su producción en la vertiente figurativa de esta corriente, en la que se integró en 1929.
  32. 32. 32 o Dará rienda suelta al pavor por el contacto físico con el sexo contrario, al miedo a la castración, y a la obsesión enfermiza por la importancia, la muerte y la putrefacción. Biografía: o Dalí nace en Figueras, ciudad en la que su padre trabajaba como notario. o Comienza a pintar a los diez años demostrando su habilidad para el dibujo y sus grandes dotes para el arte. o Más tarde se instala en la Residencia de estudiantes de Madrid con la finalidad de estudiar Bellas Artes, de donde, finalmente lo acabarían expulsando. o En la residencia conoció a García Lorca y Buñuel, con los que mantuvo una estrecha amistad. o A partir de 1929 tras contactar con André Breton y sus seguidores se inicia en el Surrealismo. En estos años la influencia de la pintura metafísica de Giorgio de Chirico es lo más notable de sus cuadros. Se enamora de Gala, su musa, amante, confidente y marchante de sus obras, consiguiendo para el artista fama mundial y fortuna. El esnobismo de Dalí y su descarada actitud mercantilista hace que Breton le expulse del movimiento. o La guerra civil fue un hecho que le conmovió profundamente y que le llevó a pintar Construcción blanda con judías hervidas: premonición de la Guerra Civil (1936) Estilo: o El dibujo era un elemento fundamental que sabía manejar de una manera magistral. o El método paranoico-crítico: Dalí se pone a trabajar en la configuración de un método experimental propio. Se apoyará en su portentosa habilidad como dibujante académico. Su factura es tan precisa que el artista se referirá a algunos de sus lienzos como “fotografías pintadas a mano”. Método: • Dalí observa que el paranoico sintetiza de forma lógica sus delirios. • Interpreta el mundo exterior en virtud de sus obsesiones. • Dalí estima que el mundo surrealista no debe limitarse a ser un mero agente pasivo que plasma de forma automática sus sueños, tiene también que participar en la elaboración de las imágenes. Resultado: • El resultado del método paranoico-critico será la imagen doble que representa al mismo tiempo dos o mas realidades: ejemplo Retrato de Mae West.
  33. 33. 33 o Dalí no solo fue un gran conocedor de la pintura de su tiempo, sino que también admiró a pintores del pasado como Rafael, Piero della Francesca, Millet, la pintura barroca, Van Eyck o Velázquez o Algunos temas permanecerán de un modo constante en su obra: Las formas blandas y viscerales que se deslizan por una superficie. La anamórfosis o imágenes cifradas Los paisajes desolados Las hormigas Obras: DALI: LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA DALI: GALA CON CHULETAS DE CORDERO EN EQUILIBRIO SOBRE SU HOMBRO DALÍ: LA METAMORFOSIS DE NARCISO o 1929: Un perro andaluz • Dalí se adhiere al grupo surrealista en 1929 cuando acude a París para rodar la película Un perro andaluz, de Luis Buñuel. o El cinematógrafo se convertía así en una flamante herramienta al servicio de los surrealistas. DALÍ: EL ROSTRO DE MAE WEST, UTILIZABLE COMO VIVIENDA SURREALISTA. 1934-5. GUACHE SOBRE PAPEL DE PERIÓDICO. ART INSTITUTE. CHICAGO. DALÍ: MERCADO DE ESCLAVOS DALÍ: CORPUS HYPERCUBUS DALÍ: EL GRAN MASTURB o 1931: La persistencia de la memoria o Gala con chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro. o 1936: La metamorfosis de Narciso retoma uno de los temas de Las metamorfosis de Ovidio.
  34. 34. 34 o 1939: Retrato de Mae West o 1940: Mercado de esclavos o 1954: Corpus Hypercubus La abstracción y Pollock La abstracción: o Visión general: Con el término general de “abstracción” se designa a un tipo de manifestación del arte plástico que no representa nada concreto o reconocible de la realidad material, que nace de la necesidad de expresión libre del artista, y que se sustenta en su propio lenguaje (el lenguaje de las líneas, de los colores y de los efectos matéricos de los pigmentos solos o mezclados con otras materias). Origen: • Tras la Segunda Guerra Mundial, París pierde la primacía del arte contemporáneo que pasa a Nueva York. • Este tipo de manifestación plástica se consolidó como categoría estética a lo largo del siglo XX, con distintas posiciones en su lenguaje: o Rayonismo o Suprematismo o Constructivismo o Orfismo o Neoplasticismo o Concretismo o Action painting o Informalismo o Etc Artistas: • El comienzo de la abstracción se produce hacia 1912 con la obra de dos artistas: Kandinsky y Klee o Ambos formaban parte del grupo expresionista Der Blaue Reiter o Su afán estaba en la renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo y el positivismo materialista. o Sus obras son más líricas que el otro grupo expresionista: desean recuperar el sentido espiritual del arte. • Kandinsky: o En 1910 finaliza su “Primera acuarela abstracta” o El artista llega a la abstracción a través de un proceso de depuración espiritual sosegado. Este proceso se manifiesta en múltiples obras en las que ensaya sus planteamientos estéticos.
  35. 35. 35 A partir de 1913 esos motivos desaparecen y la obra de kandinsky es toda no figurativa. o Características: Rechazo de toda representación objetiva de la realidad. Valoración de lo subjetivo y lo simbólico. Concepción gráfico-plástica apoyada en: • La creatividad intuitiva (Kandinsky): o Formas abstractas surgidas de impresiones acerca de la Naturaleza; de improvisaciones que responden a impulsos emotivos espontáneos y composiciones surgidas de emociones internas. • La reducción subjetiva de la realidad (Klee): o Formas abstractas extraídas de la realidad mediante la reducción subjetiva de los contenidos aparienciales de las cosas a signos plásticos simbólicos del mundo objetivo, en función de la sensibilidad espiritual. Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia. En general, ausencia de contenido evidente Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión espacial. Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios. Color libre. o Corrientes: Dentro de la abstracción es posible distinguir varias corrientes: • Por un lado, la abstracción lírica: o Representado por Kandinsky, en la que se intenta plasmar emociones. • Por otro lado la abstracción geométrica, de rigor matemático, representada por el Constructivismo ruso. Jackson Pollock (1912-1956) o Valoración de su obra: Este autor es fundamental en la aparición de un concepto que será esencial para un buen número de manifestaciones artísticas posteriores: el arte conceptual Asimismo en su obra existen referencias al azar ya lo fortuito, típicas del Surrealismo • En su juventud se psicoanalizó siguiendo el método de Jung, al comenzar un tratamiento psiquiátrico contra el alcoholismo. Los lienzos de Pollock aportaron otras novedades como la pintura total, que no parece tener ni principio ni fin, al extenderse hasta los límites de la tela. • Esta ambigüedad del espacio pictórico y el gran formato de sus obras crea un ambiente que atrapa al espectador sin dejarle escapatoria.
  36. 36. 36 o Estilo: Abrirá las puertas de su subconsciente al arte, mediante la técnica del dripping • Podemos traducirla como “hacer chorrear directamente el color de un recipiente sobre el lienzo extendido en el suelo” • El artista suele extender el lienzo sobre el suelo, con el objetivo que visualizarlo por todos sus lados. • Cuando está dentro del cuadro, ya no percibe nada, sólo el contacto con la tela le proporciona la armonía precisa para que la obra salga bien. • Se aleja de las herramientas habituales de los pintores, como la paleta, los pinceles y prefiere los palos, llanas, cuchillos y pintura fluida que gotee, o pesados empastes con arena, vidrio roto y otros materiales. • Lógicamente, con esta técnica, se produce una disminución del control que el artista ejerce sobre la gestación del cuadro, a la vez que los materiales se independizan del pulso del pincel y se distribuían con mayor autonomía. o Obras: POLLOCK: ONE. 1950. ÓLEO Y ESMALTE SOBRE LIENZO. MOMA. NUEVA YORK. POLLOCK: YELLOW ISLANDS. 1952. ÓLEO SOBRE TELA. TATE GALLERY. LONDRES POLLOCK: SEVEN One Yellow Islands Seven Las últimas tendencias a) Expresionismo abstracto o el Informalismo. Visión general: o El Informalismo aparece en Europa, Estados Unidos y Japón en torno a los años cincuenta. o Cuando se incorporaron al lienzo otros materiales (como arpilleras, arena, maderas, etc) recibió la denominación de arte matérico o Características: Marcado por la irracionaidad Es la expresión del desaliento y la angustia que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Supone el rechazo a la razón
  37. 37. 37 Defiende la expresión en la obra de arte, en este sentido, tiene bastantes cosas en común con el Expresionismo. En el Informalismo hay mucho de protesta e inconformismo como ya había sucedido en el Dadaísmo. Se incorporan materiales tradicionalmente considerados extrapictóricos como el plástico, tierra, paja, materiales de desecho, mallas metálicas, botes, maderas y fragmentos cerámicos. Los artistas prefieren los grandes formatos, ya que consideran que sus efectos en el espectador son más eficaces. La obra constituye una expresión del interior del individuo y como tal no persigue la plasmación de la belleza: la pintura se concibe como un vehículo para transmitir el desaliento que apresa a un importante grupo de pintores. Para ello los informalistas recuperan técnicas que ya utilizaron los surrealistas como el dripping. La mayoría de pintores informalistas no programan lo que van a pintar, sino que se ponen a improvisar, a reflejar en esa superficie lo que en ese mismo instante sienten, de tal modo que la pintura se convierte en una liberación del subconsciente. o El expresionismo abstracto, que engloba varias tendencias. La más célebre será la Action Painting (bautizada por Harold Rosemberg) o Artistas: De Kooning Kline ANTONI TAPIES: TIERRA Y PAJA BACON: INOCENCIO X DE VELÁZQUEZ. 1961 Rosemberg está refiriéndose a las obras de Pollock, De Kooning y Kline, pintores que se interesan por el acto físico de pintar, convirtiendo el lienzo en un teatro donde actúan. En España: • Antoni Tapies B) La nueva figuración Características: o Pese a que la tendencia más generalizada fue la de aproximarse a un arte abstracto, en Europa podemos encontrar una serie de pintores que reivindican el arte figurativo. o Lo hacen desde una óptica diferente a la pintura figurativa que hemos estudiado, por ello recibe la denominación de pintura neofigurativa.
  38. 38. 38 Francis Bacon (1909-1996) o Le interesa la parte más oscura del ser humano, su lado más negativo, el que se refleja en los rostros monstruosamente deformados. o Es posible establecer un paralelismo entre la obra de Bacon y la de otros pintores como Van Gogh o Much, ambos muy próximos al Expresionismo. C) Pop art y Op-art Pop-art o Abreviación del término Popular art creado por el crítico británico Lawrence Alloway. o Nace en los años cincuenta como reflejo de la sociedad de consumo en la que se acumulan los objetos sin sentido, objetos que en realidad no se necesitan. o El arte pop se nutre de un lenguaje puramente publicitario. o Autores: ANDY WARHOL: MARILYN MONROE WARHOL: SOPA CAMPBELL ROY LICHTENSTEIN: I DON’T CARE Andy Warhol (1930-1987) • Reprodujo hasta la saciedad fotografías coloreadas de las latas de sopa Campbell o la Coca Cola, así como Marilyn Monroe Roy Lichtenstein (1923-1997) • Incorpora al arte el lenguaje del cómic con todos sus elementos, incluyendo los “bocadillos” en los que se encierra el texto. Op-art: o También llamado Optical art, se basa en la voluntad de crear en el espectador fenómenos de ilusión óptica, en concreto, se consigue desencadenar la sensación de movimiento. o El Op art está fundamentado en rigurosos estudios de carácter científico, por rechazar la figuración y basarse en el color y la forma. o El creador de esta corriente, Victor Vasarely: Nacido en Hungría en 1908. Estuvo siempre preocupado por aproximar la obra de arte a la gran mayoría del público. Consiguió plasmar en sus pinturas la sensación de movimiento gracias a profundos estudios acerca del color.
  39. 39. 39 D) El arte como concepto: el Happening, el Land Art y el Arte Povera CHRISTO JAVACHEFF: BUNDESTAG ENVUELTO ARTE POVERA ANTONIO LÓPEZ: LA GRAN VÍA ANTONIO LÓPEZ: DESNUDOS El arte conceptual englobaría a todas las tendencias que se alejan de la materialidad y se reivindica la importancia de la idea, independientemente de su soporte. Happening: o El término happening significa acontecimiento. Designa un acontecimiento artístico que tiene mucho de teatral y que se desarrolla en un espacio concreto. o No debemos pensar que es acto totalmente improvisado, sino que es una escenificación premeditada que pretende implicar al espectador. o Para ello se recurre a todo tipo de elementos verbales, olfativos, o visuales. o El happening lleva implícito grandes dosis de provación. Land Art: o Se pretende hacer arte con la Naturaleza, es decir, se trata de un arte ecológico en el que el artista ve con buenos ojos las transformaciones que la naturaleza opera en su obra. o En este caso el “concepto” y lo efímero están muy presentes o Christo Jaracheff Convierte el embalaje en un arte. Ej:: Bundestag envuelto El Arte Povera o O arte pobre nace en Italia tras una exposición realizada en el año 1967. o Se utilizan materiales pobres y al mismo tiempo toscos, como latiera, la madera o la hierba. o Celant dijo algo que define bastante bien esta corriente: “El arte pobre, arte actual, antiformal, conceptual, earthwork o arte imposible, tiene un enfoque básicamente anticomercial, precario y vulgar. E) El Hiperrealismo Características generales: o A finales de los años setenta aparece en Estados Unidos una corriente, tanto pictórica como escultórica, que pretende representar con absoluta fidelidad la realidad hasta en sus mínimos detalles.
  40. 40. 40 o En este sentido, no tiene ningún reparo en imitar a la fotografía, incluso algunos pintores parten de fotografías ampliadas para pintar sus cuadros. o En muchos sentidos el Hiperrealismo enlaza con el Pop Art puesto que ambos movimientos ven en la fotografía un importantísimo punto de partida. o Pero el Hiperrealismo carece de intención crítica y se limita a reflejar la realidad con absoluta objetividad. Artistas: o Antonio López La realidad se representa con absoluta fidelidad en el liezo Más allá de la verosimilitud late la sensación de angustia y desaliento Ej.: La Gran Vía

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