Louis Jean François Lagrenée. Erotismo y sensualidad. El erotismo en la Hist...
Arte gótico para la ESO.
1.
2. ARTE
ROMÁNICO
(siglos X-XII)
ARTE GÓTICO
(siglos XII-XV)
se opone a
se relaciona con
ARTE ROMANO
En el siglo XIX, se realcionó con el
arte de los antiguos romanos: arco
de medio punto, bóveda de medio
cañón.
se relaciona con
ARTE Y TRADICIONES
GERMÁNICOS (GODOS)
En el siglo XVI se relacionó con el arte
de los pueblos invasores, para
diferenciarlo del arte romano.
1. DEFINICIÓN DEL TÉRMINO GÓTICO
5. El arte gótico tuvo un marcado carácter urbano.
El crecimiento de las ciudades provocó un importante
desarrollo arquitectónico para cubrir las necesidades
urbanas: ayuntamientos para el Gobierno, lonjas para
los mercados, palacios para la nobleza, catedrales…
6. FINALES DEL XII SIGLO XIII
1140
(París)
3.1. UNA NUEVA FORMA DE CONSTRUIR
En la segunda mitad del siglo XII algunos maestros
constructores franceses comenzaron a aplicar
novedosas soluciones técnicas en las iglesias para
hacerlas más grandes, más altas, más luminosas. Así
surgió un nuevo estilo artístico, el Gótico, que pronto se
difundió desde Francia a toda Europa.
BASÍLICA DE SAINT DENIS. París, ss. XII-XIII.
7. Frente a la
robustez y el
predominio del
muro de las
construcciones
románicas, los
maestros del
gótico
realizaron
edificios
esbeltos, casi
etéreos, en los
que las
ventanas
ganaron
terreno en
número y
tamaño. Esto
fue posible
gracias al
empleo de
nuevas técnicas
arquitectónicas.
9. La bóveda de cañón fue sustituida por la bóveda de crucería, que se
sostenía sobre un esqueleto de arcos apuntados:
arcos fajones, nervios cruzados y arcos formeros,
Se utilizó el arco ojival o apuntado, que ejercía menos peso sobre el muro.
Gracias a este tipo de arcos, el peso de la bóveda no descansaba sobre el
propio muro, sino sobre los pilares en el interior del edificio.
10. BÓVEDA DE CRUCERÍA (s. XIII) BÓVEDA DE CRUCERÍA (s. XVI)
FAJÓN
FORMERO
FORMERO
FAJÓN
Con el tiempo, las bóvedas de crucería aumentan el número de nervios y se van complicando, originando
bóvedas estrelladas
11.
12. Parte del peso de la bóveda se transmite por medio de arbotantes a contrafuertes
exteriores. Los arbotantes sirven además como canales de desagüe del agua de
lluvia que cae sobre la nave central y que vierten a través de gárgolas.
Los contrafuertes
se rematan con
pináculos,
bloques de
piedra de forma
piramidal
frecuentemente
decorados y que,
gracias a su peso,
afirman los
contrafuertes.
13. CATEDRAL DE NÔTRE DAME. París, s. XIII.
PINÁCULOS
ARBOTANTE
GÁRGOLA
CONTRAFUERTES
ÁBSIDE
GIROLA
ÁBSIDES SECUNDARIOS
14. Gracias a estas técnicas, ya no era
necesario construir gruesos muros.
Estos se adelgazaron y pudieron
abrirse enormes ventanas.
16. La luz entraba hasta el
interior, tamizada por
las vistosas vidrieras.
17. Para mejorar la iluminación de la nave
central y del transepto, aparecen ahora
grandes rosetones en la fachada
occidental y en los brazos norte y sur del
crucero.
CATEDRAL DE REIMS. S. XIII.
18. CATEDRA ROMÁNICA: SANTIAGO DE COMPOSTELA CATEDRAL GÓTICA: AMIENS
Capillas
radiales
Transeptodetresnaves
Crucero
Nave
central
Triple portada
occidental
Nave
lateral
Coro
Altar
mayor
Girola
Las plantas también se transformaron respecto al Románico.El antecedente de la
planta de la catedral
gótica, por su gran
desarrollo, es la
iglesia románica de
peregrinación.
La catedral gótica
sigue el modelo de
cruz latina con tres o
cinco naves, siendo la
central de mayor
altura y anchura que
las laterales.
La cabecera gótica es
más amplia y la girola
más ancha. para
permitir la abertura
de vidrieras. El
ábside de planta
circular de las iglesias
románicas es
poligonal ahora, para
permitir abrir
vidrieras.
19. CATEDRAL DE BURGOS, s. XIII.
3.2. LA CATEDRAL
La catedral es el edificio más
importante del Gótico. No
sólo es un edificio religioso,
sino el símbolo del poder y de
la riqueza de las ciudades.
20. CATEDRAL DE PARÍS, s. XIII.CATEDRAL DE AMIENS, s. XIII.
En ella no sólo se llevaban a cabo ritos religiosos. También se reunían los gremios y los gobiernos
municipales antes de que se construyesen los ayuntamientos.
21. Incluso surgieron rivalidades
entre las ciudades por ver
quien construía la catedral más
alta, lo que supuso que muchas
se cayeran durante su
construcción, como la catedral
de Beauvais, en Francia.
CATEDRAL DE BEAUVIS, s. XIII.
22. Uno de los elementos más destacados
de las catedrales góticas eran las
vidrieras, que creaban en el interior una
sensación de ligereza y luminosidad
desconocida hasta entonces.
23.
24. CATEDRAL DE LEÓN. S. XIII
La luz que iluminaba las catedrales no
era una luz blanca, natural, porque
estaba filtrada por las vidrieras. Era una
luz coloreada, simbólica, que llevaba a
pensar al creyente en el mundo divino.
25. Las vidrieras góticas se realizaban a
base de vidrios de distintos colores
que se unían mediante varillas de
plomo. Los vidrios se pintaban con
motivos religiosos o geométricos.
CATEDRAL DE CHARTRES. S. XII.
27. VIRGEN GÓTICA
VIRGEN ROMÁNICA
4.1. LA BÚSQUEDA
DEL NATURALISMO
El naturalismo es el rasgo
más destacado de la
escultura gótica. Al contrario
que en la escultura románica,
que tenía un carácter
simbólico, ahora los
escultores tratan de crear
sensación de realidad.
28. Las esculturas se policromaban
para conferirles un mayor
realismo. El triunfo de la línea
curva proporcionó movimiento a
las figuras.
29. VIRGEN DORADA
Catedral de Amiens.
s. XIII.
La temática siguió siendo
religiosa. Se representan
principalmente a Cristo
crucificado y a la Virgen con el
Niño, con una función educativa.
30. VIRGEN ROMÁNICAVIRGEN GÓTICA
Los vestidos, las actitudes y los
gestos son más naturalistas,
menos simbólicos.
Movimiento suave frente a
rigidez.
Los personajes se relacionan
entre ellos y abandonan el
hieratismo.
Representación de la naturaleza
humana frente a representación
de la naturaleza divina.
Expresión de sentimientos frente
a inexpresividad.
31. IGLESIA DE SANTA MARÍA, Dueñas (Palencia)
Su cuerpo aparece desnudo, no
vestido como en el Románico,
mostrando la herida sangrante del
costado.
Sus brazos no se extienden en sentido
paralelo a los brazos de la cruz, sino
que caen inertes.
Las piernas se cruzan, al reducirse los
dos clavos que en el Románico
sujetaban sus pies a uno.
En la Crucifixión se destaca la
naturaleza humana de Cristo. En su
rostro se marca el dolor y la muerte.
La figura representada no es el Cristo-
Dios, sino el Cristo-Hombre que sufre
y muere en la cruz.
La cabeza se desploma hacia el lado
derecho y sus ojos aparecen
entreabiertos o cerrados.
33. La escultura empezó a independizarse del marco arquitectónico, y fue tomando auge la escultura exenta.
PORTADA DE NÔTRE DAME DE PARÍS. S. XIII.
34. GÁRGOLAS
LAS GÁRGOLAS
Son esculturas de seres fantásticos que servían para
evacuar el agua de la lluvia de los tejados. Tenían forma de
animales, de seres humanos o de una mezcla de ambos.
4.2. LA TIPOLOGÍA DE LA ESCULTURA GÓTICA
38. EL DONCEL DE SIGÜENZA.
Catedral de Sigüenza, s. XV.
“Aquí yaze Martín Vasques de Arce - cauallero de la Orden de Sanctiago - que mataron los moros socorriendo - el muy ilustre señor
duque del Infantadgo su señor - a cierta gente de Jahén a la Acequia - Gorda en la vega de Granada - cobró en la hora su cuerpo Fernando
de Arce su padre - y sepultólo en esta su capilla - ano MCCCCLXXXVI. Este ano se tomaron la ciudad de Loxa. - Las villas de Illora,
Moclin y Monte frío - por cercos en que padre e hijo se hallaron.”
39. RETABLO DEL ARZOBISPO DON SANCHO DE ROJAS. S. XV.
LOS RETABLOS
Los frontales de altar románicos dieron paso a los
retablos. La costumbre de colocar una estructura
historiada detrás del altar, alcanzó un gran desarrollo
durante el estilo gótico, sobre todo a partir del siglo XIV.
Los retablos góticos más típicos son
de pinturas realizadas sobre tablas.
Pero, a veces, son retablos
escultóricos.
En España, en la
Corona de Aragón
suelen hacerse en
alabastro,
mientras que en la
Corona de Castilla
suelen ser de
madera dorada y
policromada. Son
típicos del siglo XV.
44. Se sigue representando en los tímpanos
de las portadas a Cristo en majestad
rodeado del tetramorfos, pero en
bandas superpuestas, de manera más
ordenada que en el románico. Cristo se
ha convertido en un ser más próximo a
los hombres y a su sensibilidad, menos
distante que el Cristo románico.
En las arquivoltas: ancianos del
Apocalipsis tocando instrumentos de
música, ángeles del Apocalipsis y escenas
del Paraíso y del Infierno.
En el dintel suelen aparecer los apóstoles.
En el parteluz aparece la Virgen María, un
santo particular o el obispo que mandó
construir la catedral.
Las columnas bajo las arquivoltas son
sustituidas por estatuas de apóstoles y
profetas.
50. 5.1. EL DESARROLLO DE LA PINTURA SOBRE TABLA
La pintura mural al fresco perdió la importancia que había tenido durante el Románico en casi toda
Europa, excepto en Italia, donde se siguió practicando por los mejores artistas. Los muros fueron
sustituidos por amplios ventanales y no hubo lugar donde realizar las pinturas.
51. CAPILLA DEGLI SCROVEGNI, Padua, 1306.
En consecuencia, la pintura mural, la de mayor difusión durante el Románico, desapareció de las catedrales y se
destinó a la decoración de estancias palaciales, de capillas funerarias o de edificios eclesiásticos de órdenes poco
ostentosas, como los franciscanos.
52. «El diablo y una mujer».
Vidriera de la Sainte Chapelle, París, s. XIII.
LIBRO DE HORAS DEL DUQUE DE BERRY. Hermanos Limburg, s. XV.
Durante los siglos XIII y XIV buena parte de
los ejemplos pictóricos más destacados se
encuentran en las miniaturas que decoraban
los libros, al igual que en el Románico, y las
vidrieras de las catedrales, que estaban
realizadas por pintores.
53. Más tarde adquirió importancia la pintura
sobre tabla de carácter exento, que dio
lugar a los retablos pictóricos. Estos
evolucionaron desde los que estaban
formados por una sola tabla hasta los que
se componían de varias.
RETABLO DE LA CATEDRAL DE TUDELA. S. XV.
LA ANUNCIACIÓN. Simone Martini, s. XIV.
54. VIRGEN CON EL NIÑO. Duccio di Buoninsegna, s.XIV.SAN LUCAS. Simone Martini, s.XIV.
5.2. LAS CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
Los temas fueron mayoritariamente religiosos: imágenes de devoción: Crucifixión, Virgen con el Niño,
escenas de la vida de Jesús y de la Virgen María, vidas de santos.
55. RETRATO DE ROBERTO MASMINES. Robert Campin, s. XV.
No obstante hay que destacar el desarrollo que
adquirió el retrato. Muchos nobles y burgueses
encargaban retratos para mostrar su poder a través
de ellos y pasar a la posteridad
RETRATO DE MUJER.
Robert Campin, s. XV.
56. NATIVIDAD DE LA VIRGEN. Capilla Scrovegni.
Giotto se preocupó
por la
representación de
la profundidad. Su
propósito era
insertar a las figuras
en un espacio real,
que intentaba ser
tridimensional.
En el siglo XIV el
pintor italiano
Giotto introdujo
cambios
importantísimos en
la pintura buscando
un mayor realismo.
57. MUERTE DE JESÚS. Capilla Scrovegni.
Giotto representaba
a personajes reales,
más humanos, de
rostros
individualizados,
que se relacionaban
entre sí y
expresaban sus
sentimientos
mediante la
gesticulación.
Giotto no utilizaba
la perspectiva
jerárquica, por lo
que Jesús era del
mismo tamaño que
el resto de las
figuras.
58. LA HUIDA A EGIPTO. Capilla Scrovegni.
Giotto se interesó por
las decoraciones
arquitectónicas o
paisajísticas, todavía
muy simples, pero que
buscaban dar
profundidad y
naturalidad a la
composición. El azul
ultramar del cielo
sustituyó al típico
dorado gótico.
59. VIRGEN CON EL NIÑO. Jaume Huguet, 1450.
Otros pintores prefirieron hacer
pinturas con fondos dorados, en los
que el color dorado representaba la
luz divina, el espacio celestial.
CALVARIO. Jaume Huguet, s. XV.
60. RETRATO DE UNA DAMA,
Roger van der Weyden, s. XV
5.3. LA PINTURA AL ÓLEO
En el siglo XV se desarrolló en Flandes
un tipo de pintura que estuvo muy
vinculado al desarrollo de la rica
burguesía comerciante. Los burgueses
demandaban retratos, en los que se
alcanzó un elevado realismo al
representar hasta los mínimos detalles
61. La pinturas
flamencas
estaban
concebidas
para ser vistas
de cerca. Los
pintores se
recreaban en
representar
los mínimos
detalles
(cabellos,
flores, briznas
de hierba,
hojas de libro,
etc.). Para
lograrlo,
incluso se
usaban
pinceles de un
solo pelo, lo
que obligaba a
trabajar con
lupas.
62. MATRIMONIO ARNOLFINI
Jan Van Eyck, 1434.
Una de las aportaciones decisivas de
la escuela flamenca a la pintura será
la utilización generalizada del óleo,
técnica consistente en disolver los
colores en un aglutinante oleoso que
se obtenía a partir del aceite de
linaza o de nuez. Permitía un secado
más lento, lo que facilitaba introducir
correcciones. Entre los grandes
maestros de la pintura flamenca
destacaron Roger van der Weyden y
Jan van Eyck.
