Comentario 2ºBcs2ªEva B

Historia del Arte 2º

LONJA DE PALMA DE MALLORCA, RICARDO MONGAY ELOLA

1-Análisis de la obra:

Tipología: La función original de la lonja de Palma
de Mallorca era la sede del Colegio de los
Mercaderes, en la que se hacían las reuniones
tratos comerciales dentro de las rutas del
mediterráneo, pero en la actualidad es un lugar
para albergar exposiciones.

Elementos arquitectónicos:

-La planta es rectangular. Está formada por seis pilares sin
basa ni capitel, tienen una forma helicoidal que en su cumbre se
abren formando los nervios de las bóvedas. Así se forman tres
naves de igual altura y cuatro tramos transversales.

-La función de los muros es de cierre y también sustentante
ya que el peso que reparten las bóvedas recaen sobre los pilares y
también sobre los muros.

-Los materiales de los que está hecha la lonja son en su mayoría piedra

-Los soportes que se emplean en esta construcción son seis
pilares con forma helicoidal que fueron copiados también en la lonja de
Valencia.

-Las cubiertas que se emplean son bóvedas de crucería que
están realizadas por los nervios que se despliegan de los seis pilares.

-En la parte superior encontramos unos vanos conopiales que están rematados con una
crestería de almenas, en cada una de las dos fachadas encontramos un portal en la fachada
principal encontramos un portal en cuyo tímpano hay un Ángel, que es el patrón de los
mercaderes, en la fachada posterior se observa otro portal, en su tímpano podemos ver una

IES Segundo de Chomón. Teruel 1


Virgen con un ángel que la corona. En la fachada principal podemos observar a la derecha y a la
izquierda del portal un par de ventanas geminadas. En cada fachada de los laterales podemos
ver dos grandes vanos que contienen lo más importante.

-Entre los elementos decorativos destacan: cuatro torres semioctogonales que se
encuentran en cada una de las cuatro esquinas que
comprende la planta, también
en cada esquina del edificio
podemos observar gárgolas y
en las fachadas laterales
podemos ver esculturas apoyadas sobre peanas, hoy en día
solo se conservan tres de ellas.

-La lonja era un lugar dedicado a las reuniones para hablar de tratos comerciales por lo que sus
dimensiones no eran muy grandes, y su decoración podía recordar a la de una iglesia por el
exterior, el interior era un gran sala con seis pilares, la luz podía acceder al edificio a través de
grandes ventanales.

-La lonja se construyó en la fachada marítima ya que servía para lugar de reuniones
relacionadas con los comercios en el mar mediterráneo es por eso su cercanía con el mar.

2-Clasificación y contexto histórico-social:

Estilo: Se trata de una arquitectura perteneciente al gótico en Mallorca, aunque también se dice
que pertenece al período de cambio entre el gótico y el renacimiento, aunque el renacimiento se
inicia en España en 1492.

Cronología: La construcción se prolongó durante 32 años que van desde 1420 hasta 1452.

Autor: Se trata de Guillem Sagrera que fue un arquitecto y escultor catalán. Fue el maestro de la
obra de catedral de Perpiñán, en 1420 acepta la dirección de las obras de Mallorca, en donde
construyo la capilla de San Guillermo y la sala capitular, como escultor destaca por el portal del
Mirador. Más tarde aceptó construir la Lonja de Mallorca, en 1447 se fue a Nápoles donde
Alfonso V de Aragón le encargó la dirección de las obras de Castelnuovo.

Contexto: La etapa del gótico perteneciente al siglo XV fue el período de mayor auge para la
arquitectura española, en este siglo predomino la construcción de catedrales como la de Sevilla y
de lonjas entre las que destacan la de Palma de Mallorca y Valencia.



Relaciones: Las lonjas pertenecientes a la corona de Aragón fueron: la primera se construyó en
Barcelona entre 1380-1392, algunos años después se construyó la lonja de Mallorca entre
1420-1452 y por último se construyo la lonja de Valencia ente 1482-1548.

Bibliografía:

Internet:

http://www.scribd.com/doc/8503794/El-Arte-Gotico-La-Arquitectura-

http://www.mallorcaxm.com/ocio_turismo_mallorca/publicacion.php?
id=74&seccid=3&catid=40&lang=ES

http://www.inforural.com/blog/18647/lonja/palmademallorca/gotico

http://quaderns.balearweb.net/post/507

http://www.diariodemallorca.es/secciones/noticia.jsp?pRef=1821_5_335761__Opinion-
Lonja-Palma

http://es.wikipedia.org/wiki/Lonja_de_Palma_de_Mallorca

LA PIEDAD, MAPI HERNÁNDEZ

1- ANÁLISIS DE LA OBRA

- TIPOLOGIA: La piedad es un conjunto escultórico
realizado por el maestro Miguel Ángel. Según el
resalte es una obra exenta, de bulto redondo, esto es
que es visible desde todos los puntos de vista, que la
podemos rodear, aunque su punto de vista es
preferentemente frontal. Según la parte representada
es completa y según la posición sería sedente, por la Virgen que se encuentra sentada,
y yacente, por Cristo.
- TRATAMIENTO DE LA MATERIA ESCULTÓRICA: el material del que está hecha la
escultura es mármol tallado, lo que significa que es una figura muy pesada. El bloque fue
escogido personalmente por Miguel Ángel de la cantera de los Alpes Apuanos, en la



Toscana. No está policromada por lo que el color que domina es el blanco. Es una figura
muy bien terminada, por lo que su textura es suave, muy pulida, lo que contribuye a los
brillos y la luz en las figuras.
- EMPLAZAMIENTO: la figura se encuentra todavía en su emplazamiento original, San
Pedro del Vaticano, aunque en un primer momento se colocó sobre la tumba del
cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, personaje que le había encargado
realizar la obra y que murió días antes de su terminación, en la capilla de santa
Petronila. Fue en 1749 cuando se trasladó a la segunda capilla de la basílica, lugar
donde se encuentra actualmente.
- EFECTOS DE LUZ, REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO, GRADO DE REALISMO,
ESTUDIO ANATOMICO Y DE LA COMPOSICIÓN: Esta obra tiene una armonía
aparente, ya que el tratamiento de los paños del manto de la Virgen así como las
numeras curvas en el cuerpo de Cristo crean unas sombras que rompen esa armonía
que a primera impresión ofrece la piedad. El estudio de la composición en esta obra es
algo complicado; la composición es piramidal. Sobre María descansa el cuerpo de su
hijo, así consigue que la parte más alta de la composición sea la cabeza de María
mientras que la inferior sean los pies de Cristo. La armonía en la composición se
observa en cómo se adapta el cuerpo de Cristo a las piernas y el manto de su madre. La
representación del movimiento es extraordinaria. Cristo aparece mucho más natural,
rompiendo con los esquemas de hasta el momento, con esa posición que adopta sobre
el cuerpo de su madre. Además se observa un tratamiento del movimiento así como de
la luz en los paños del manto de María. Sus numerosos pliegues producen unas
sombras que junto con las sombras que produce el cuerpo de Cristo crean un todo a
efectos de luz inmejorable. Respecto al realismo y el estudio anatómico de la obra
podemos ver claramente cómo Miguel Ángel rompió con el prototipo de escultura de
cristo yacente de hasta el momento. En ellas se había observado un Cristo magullado y
una Virgen dolorida, con una expresión de tristeza y sufrimiento. Sin embargo aquí
observamos un Cristo natural sobre una Virgen cuyo rostro refleja belleza, juventud,
piedad y serenidad. Además en el cuerpo de Cristo (tanto torso como extremidades) y
en las manos de la Virgen observamos un extraordinario estudio anatómico humano.
- TEMA Y SIGNIFICADO: En esta obra fue cuando Miguel Ángel aborda por primera vez
el tema de la piedad, repetido después varias veces a lo largo de su vida. En esta obra
se observa a Miguel Ángel influido por el idealismo renacentista ya que se observa
claramente el ideal de belleza, juventud y armonía



2- CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL

- ESTILO: Miguel Ángel es un autor representativo del Renacimiento. La mayoría de sus
obras pertenecen a este estilo aunque a lo largo de su vida se observa una evolución
que fue la anticipación del barroco, como observamos en el patetismo de su última obra
inacaba de la Piedad Rondandini.
- CRONOLOGÍA: La obra fue realizada en menos de un año. El contrato del encargo se
firmó el 26 de agosto de 1498 y unos días antes de pasar un año ya había sido
finalizada.
- AUTOR: el nombre original del autor es Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni,
nació en Caprese en 1475 y murió en Roma en 1564. Es considerado como uno de los
más grandes artistas de la historia y en su momento ya era muy admirado y valorado.
Era un artista polifacético ya que hizo tanto escultura como pintura, arquitectura,
poesía… fue aprendiz de Domenico y Davide di Tomaso di Currado en su famosa
escuela.
- CONTEXTO: el Renacimiento se desarrolla en el S. XVI, su eje es el hombre y el mundo
que le rodea, así como la razón y el mundo clásico. Se desarrolló sobre todo en Italia y
hubo unos hechos que marcaron el comienzo de esta época; tanto el fin del feudalismo
como el humanismo italiano. El Renacimiento también esta relacionado con la
naturaleza y la valoración de la vida práctica.
- RELACIONES: Miguel Ángel se formó con los maestros Ghirlandaio y Bertoldo di
Giovanni y estuvo muy influenciado por Massaccio, Giotto y Jacopo Della Quercia.
Posteriormente el influyo en multitud de obras y autores por ser uno de los mas grandes
de la historia y una futura referencia.



LA VIRGEN DE LAS ROCAS DE LEONARDO DA VINCI, IRENE COLOMER

La Virgen de las Rocas es una obra del autor Leonardo Da Vinci, perteneciente al Renacimiento
italiano. Se trata de una escena religiosa, ya que el personaje central es la Virgen, aparece el
Niño, san Juan orante y un ángel. Pero no solo este es el tema del cuadro, sino que este
también se encarga de la naturaleza. El nombre del cuadro es utilizado para identificar dos de
sus obras hechas con la misma técnica pictórica, óleo sobre lienzo. Una de ellas se conserva en
el museo de Louvre, y dicen que es la verdaderamente pintada por Leonardo, y fue pasada a
lienzo desde el panel original de madera. La otra de ellas se encuentra en Londres, esta aun
permanece sobre tabla y se dice que fue pintada por un discípulo suyo.

Leonardo en esta obra no remarca las líneas negras que hace que se diferencien tan bien un
color de otro, sino que utiliza la técnica del sfumato, gracias a esto las figuras poseen mayor
simbolismo y consigue fundir a las figuras con el medio ambiente creando un visión
aterciopelada. En cuanto a los colores mezcla los claros con los oscuros para crear una mayor
vitalidad en los personajes los realza y consigue un ambiente que gira en torno a ellos. La luz la



utiliza de manera que poco a poco va pasando de los colores negros a los blancos creando
sombras esto se consigue gracias a la técnica del claroscuro.

Para Leonardo la naturaleza es algo misterioso y en continuo movimiento. En la obra las figuras
se encuentran al principio de una gruta, en la que observamos que la luz entra por la parte
superior y por los laterales. En el interior del cuadro se muestra un paisaje mezclado tanto
rocoso como marino que representa los ideales de Da Vinci como la naturaleza en estado de
destrucción y con movimiento continuo, algo oscuro y un poco aterrador.

Por otra parte aparecen los personajes bíblicos haciendo referencia a lo humano y simbolizando
la Salvación. Estos entre los cuatro según su posición están formando una cruz. En ambos
cuadros aparece representada como podemos ver, la misma figura, pero entre ellos podemos
diferenciar algunos rasgos. En ambos aparece la Virgen como figura central sujetando con su
mano derecha a Juan Bautista, el personaje que sale a la izquierda del cuadro es un ángel y
más abajo aparece el niño Jesús mirando a Juan. La historia está centrada en Juan Bautista ya
que se supone que era huérfano y decidió refugiarse en una cueva con un ángel que se
encargaba de su protección. Estos topan con la Virgen y el Niño que huyen de Egipto. El niño
Jesús aparece bendiciendo a Juan y por ello aparece con el brazo levantado, mientras la Virgen
empuja al pequeño huérfano en señal de acercamiento a su hijo. En la obra de Louvre el ángel,
Uriel aparece apuntando a Cristo (el niño Jesús) y mirando al espectador sonriendo levemente,
mientras que en la otra representación Uriel mira hacia el niño sin apuntarle con el dedo. La obra
londinense tiene mayor monumentalidad, ya que sus personajes son más grandes. Pero los
dibujos son más naturales y expresivos en la versión parisina.

La obra fue creada para formar parte de un retablo, esta sería el panel central de este. Se creó
para la iglesia de San Francisco il Grande de Milán.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas

http://arte.laguia2000.com/pintura/la-virgen-de-las-rocas-de-leonardo-da-vinci

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc54.html

http://www.telepolis.com/cgi-bin/web/DISTRITODOCVIEW?
url=/1570/doc/monograficos/OBRAS/lavirgendelasrocas.htm



CATEDRAL DE JACA, SERGIO HERRANZ

IDENTIFICACIÓN Y LOCALIZACIÓN

La catedral de Jaca es una catedral románica
construida entre los años 1075 y 1095 situada en Jaca en la
provincia de Huesca, destinada a ser la primera parada para
los peregrinos del camino de Santiago al atravesar los
pirineos. Es una iglesia basilical (rectangular con tres naves)

CARACTERÍSTICAS

En su exterior, en la fachada oeste se encuentra un atrio y la portada. En el tímpano de
la fachada se encuentra, como elemento principal el crismón con un carácter trinitario y
penitente. Los ábsides de la catedral se han deteriorado y reconstruido a lo largo de los años y
originarios del románico sólo queda el que da a la parte sur.

Del interior de la catedral, cabe destacar el claustro que se encuentra adosado el muro
norte y su decoración escultórica en capiteles, metopas muros y basas representando figuras
con escenas de la biblia o de figuras cotidianas, exceptuando la decoración de muros y basas
que es una decoración geométrica. También hay que destacar el ajedrezado jaqués que decora
gran parte de la catedral.



DAVID, ESTHER PEIRÓ

ANÁLISIS DE LA OBRA:

En esta escultura se representa a David momentos antes de derrotar
al gigante Goliat, ya que en la escultura no aparece Goliat como en
otras representaciones que se hicieron anteriormente como por ejemplo
durante el Quattrocento italiano la escultura de David de Donatello.
Otras fuentes de información dicen que esta escultura representa el
momento inmediato después de la batalla, donde David contempla la
victoria.
Aparece David como un joven muy fuerte, pues tiene unos músculos
muy desarrollados, además los tiene en tensión.
Presenta un alto grado de realismo y expresividad, aparte de los desarrollados músculos, de los
gestos de la cara en la que tiene el ceño fruncido con la mirada fija y los numerosos rizos, se
observa en las venas de las manos y pies al estar la persona en tensión.
Esta obra es una escultura exenta de bulto redondo completa (de todo el cuerpo).
Fue esculpida en mármol blanco, no es policromada y mide 4 metros. Presenta una ligera curva
praxiteliana (consiste en apoyar el peso del cuerpo en una sola pierna mientras la otra se
flexiona ligeramente). Es una escultura muy pulida, llegando casi a similar la textura de la cera,
excepto el pelo, que tiene otro tratamiento no tan pulido, quedando más rugoso. Con relación a
la luz se puede decir que da la sensación de que resbala sobre la escultura, desde la frente
hasta los pies.

CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO:
La obra fue realizada por Miguel Ángel por petición de la Opera de Duomo de la catedral de
Santa María de Fiore en Florencia entre los años 1501 y 1504, momento en que Miguel Ángel
regresó a Florencia desde Roma, por tanto se encuadra en el Renacimiento, concretamente en
el Cinquecento italiano. Hasta 1910 la escultura permaneció en la Plaza de la Señoría en
Florencia pero actualmente se expone en la Galería de la Academia de Florencia.



LA ESCUELA DE ATENAS, MAR LÓPEZ

INTRODUCCIÓN
Rafael fue contratado por el Papa Julio II para que pintase las pinturas que decorarían la Stanza
della Segnatura del Vaticano, cuya utilidad era la de biblioteca y sala para firmar los decretos del
tribunal de la Iglesia.
En las paredes de la sala permanecen sus obras cada una dedicada a una materia: filosofía,
teología, poesía y derecho.
Concretamente la Escuela de Atenas, que ilustra la filosofía fue pintada entre 1510 y 1511.
ANÁLISIS
En esta obra, Rafael ubica el escenario en un templo romano, que hace referencia al templo de
la Filosofía de Marsilio Ficino.
En las paredes se encuentran las esculturas de Apolo, dios de la razón y de la belleza, y
Minerva, diosa de la sabiduría, esculpidas en mármol al estilo clásico.
También aparecen en la parte superior central unas bóvedas de casetones y unas aperturas que
dan al exterior por donde desaparece el punto de fuga y le dan un aspecto de majestuosidad al
templo.
En el centro dos importantes filósofos griegos: Platón alzando el dedo y sujetando su obra
Timeo, y Aristóteles extendiendo el brazo hacia delante con la palma de la mano mirando al
suelo y sosteniendo su Ética.
A la izquierda de ambos aparecen Sócrates hablando con unos jóvenes estudiantes entre los
que esta A. Magno.
En el plano más cercano al espectador vemos otro corro en el que destaca el matemático
Pitágoras, y a su lado junto al pedestal se distingue al filósofo Epicuro con una corona de
pámpanos.
Sentado en la escalinata aparece Heráclito dibujando el busto de Miguel Ángel, y a su izquierda
tumbado en los peldaños permanece tumbado Diógenes.
En el conjunto de la derecha también se distinguen personajes como Euclídes, que mide con un
compás junto a sus discípulos. Pegado a él encontramos a Zoroastro (de frente y con un globo



celeste) y Ptolomeo (de espaldas y con un globo terráqueo). A su lado asoma la cabeza del
pintor de a obra, Rafael, que observa al espectador.
Las agrupaciones de personajes se esparcen por la obra simétricamente dejando vacío el
espacio central para no quitarles protagonismo a los personajes principales, que aparecen
recortados ante el fondo del cielo y especialmente alumbrados.
CONTEXTO
La pintura es un fresco perteneciente al Renacimiento Italiano (1380-1560). Con esta obra,
Rafael simboliza la superación definitiva de los modelos florentinos ante el floreciente periodo
romano.

LA BACANAL, MARTA LÓPEZ

-Identificación de la corriente:

El tema mitológico y el predominio por
el desnudo femenino y la belleza la podemos
ubicar en la pintura del Cinquecento, en
concreto a la escuela pictórica veneciana.

-Autor y ubicación:

El autor del cuadro es Tiziano Vecellio
di Gregorio (1487-1576) y se encuentra
actualmente en el Museo del Prado, Madrid.

-Tipo de representación:

Este cuadro representa una escena mitológica, una bacanal, es una fiesta-orgía la cual
se caracteriza por la abundancia del vino.

Representa un paisaje, con arroyos en los cuales discurría el vino y que lo terminan de
componer todos los personajes desnudos y semidesnudos la mayoría pintados muy
individualizados, con diferentes carácteres.

-Técnica o procedimiento pictórico empleado:



La técnica empleada es el óleo con un soporte sobre lienzo; las medidas del cuadro son
de 175cm x 193cm.

- Elementos pictóricos empleados:

Tiziano utiliza en la escena vivos movimientos, y una línea diagonal que va ascendiendo
desde la esquina inferior de la izquierda hasta alcanzar la figura
del anciano que duerme en lo alto del montículo, Sileno.

Se pueden observar dos planos: el primero podríamos decir
que lo compone la figura de la mujer desnuda que representa
Ariadna, y las dos mujeres recostadas; en un segundo plano los
personajes que hablan y bailan, con una representación de las
piernas y brazos de líneas curvas; y en un último plano el anciano
que está tumbado encima de la colina dando una sensación de
austeridad.

Los colores utilizados por el pintor son cálidos (rojo, verde y naranja) que para Tiziano
tienen un uso prioritario; transmiten una sensación de calidez.

La luz que utiliza es graduada y suave ya que está con mucho más brillo el fondo y en
cambio el primer plano utiliza una luz más umbral, destacando con un color muy claro, casi
blanquecino, la mujer desnuda.

La perspectiva es lineal; se utiliza de fondo la representación de una naturaleza en
calma y compuesta por una serie de figuras que están dispuestas por una línea diagonal que la
marca el monte que está por detrás.

-Análisis formales:

Lo que más sobresale de esta obra es la belleza y la sensualidad del desnudo femenino;
se puede ver una representación muy fidedigna de la realidad. Las figuras están representadas
con movimientos muy vivos reflejados en los paños y en los cuerpos; también están muy
individualizadas por lo que se denota que es una pintura al
natural.

-Iconografía:



Este cuadro representa una fiesta-orgía, una bacanal, fiesta del dios del vino, Baco. Esta
celebración ocurre en las islas de los Andrios, en la que la bebida manaba de un arroyo por
gracias al dios Baco. La mujer desnuda de la parte inferior de la derecha de la que hemos
hablado hay muchas opiniones para decir a que representa: una ninfa, una Venus o Ariadna ‘la
más pura’ que está relacionada con Baco y alude a las esculturas clásicas. El anciano que está
tumbado en la colina es Sileno acompañante del dios.

De las dos mujeres que están recostadas la que ocupa el primer plano se dice que es
Violante, la mujer de la que Tiziano estaba enamorado entonces. A su lado se encuentra una
partitura que ha sido atribuida al músico flamenco, activo en la corte de Ferrara (era el duque
que le encargó a Tiziano la elaboración de este cuadro para la sala de Alabastro de su castillo) y
en la cual se lee: ‘Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber’

-Referencias:

Este cuadro formaba un conjunto con otras dos pinturas del mismo artista La ofrenda a
Venus y Baco y Ariadna; el pintor Rubens también hizo una imitación de La Bacanal muy fiel a la
verdadera.

Baco y Ariadna

La ofrenda a Venus

La Bacanal de Rubens



EL NACIMIENTO DE VENUS, BLANCA AGUILAR

EL NACIMIENTO DE VENUS: SANDRO BOTICCELI (1445-1510)

1.Análisis:

Es una de las obras cumbres del Renacimiento Italiano, elaborada por Sandro Botticcelli.
Se conserva en la galería de los Uffici de Florencia. La representación es mitológica. La técnica
utilizada es el temple sobre lienzo.

Técnicamente observamos que como obra del renacimiento intenta revivir el estilo
clásico destacando una belleza naturalista y el juego de volúmenes. Hay una preocupación por
el total realismo en la plasmación pictórica de la escena, así se convierte en un arte verosímil y
naturalista, hay un buen estudio de la línea y de la perspectiva, estableciéndose en un principio
la matemática perspectiva geométrica, basada en un haz de líneas que fugan en un punto, en
este cuadro el punto de fuga se encuentra en el centro. De la línea podemos decir que
predomina sobre el color, destaca el gran trabajo de las formas naturales en el paisaje.

Se observan deformaciones técnicas en el cuello y hombro de Venus; pero esos
errores, contemplados dentro de la globalidad del cuadro, marcan su idealización por crear
líneas onduladas y suaves que incrementan la elegancia de esta Venus, que pasará a ser
considerada como el modelo de Belleza femenina del siglo XV.

En un análisis geométrico de la obra, observamos que la posición de Venus se ha desplazado
respecto a la línea central para transmitir una sensación de movimiento desde un punto de
partida central, tal y como lo exigen los céfiros, que bufan la concha hacia la playa. La luz es muy
natural.

Se observa un buen estudio anatómico, sobre todo en la Venus y un estudio de paños.

2. Iconografía:

La pintura nos muestra una temática que se relaciona con las doctrinas neoplatónicas,
decían que el ser humano debía buscar la unidad entre la belleza, el amor y la verdad, estas
cualidades se encarnan en la figura de la Venus.



La escena que nos presenta Botticelli es en el momento de la llegada de la diosa, donde
Venus emerge del mar desnuda, en medio de la composición sobre una concha (símbolo de la
fertilidad), la cual flota en el mar, sus largos cabellos cubran parte de su cuerpo, y con su brazo
derecho trata de taparse su pechos. Venus está siendo impulsada por dos dioses, ellos son
Céfiro dios del viento y Aura diosa de la brisa, ellos se encuentran abrazados, estos personajes
simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, estas flores cuanta la
leyenda después se convertirán en seres. A orillas del mar, se encuentra la Primavera ya que
lleva un traje floreado, esta la espera ofreciéndole una capa con motivos florales para cobijarla,
un cinturón de rosas rodea la cintura de la hora y en el cuello luce una elegante guirnalda de
mirto, el cual es el símbolo del amor eterno, su traje blanco bordado de acianos representa a la
primavera, conocida como la estación del renacer. Por esto entre sus pies va floreciendo una
anémona azul. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto
corresponde al sagrado jardín de las hespérides en la mitología griega.

EL LAVATORIO, RUBÉN GARGALLO

1. -Análisis de la obra.

- Tipo de representación:

Se trata de una representación religiosa, ya que, la acción principal (la que da nombre al cuadro)
representa a Cristo lavándoles los pies a los apóstoles. En este lienzo se pueden observar varias
escenas simultáneamente y una arquitectura colosal en el fondo.
- Técnica: La técnica empleada es el óleo sobre lienzo.

-Elementos pictóricos:

Línea: al contemplarlo frontalmente los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, pero al
observarlo desde la derecha el cuadro se ordena a través de una diagonal que partiendo de
Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al
fondo del canal.

El color: el color más característico es el azul quebrado que transmite una atmósfera inquietante
y que convierte el espacio en un lugar extraño, además de añadir los colores vivos de los ropajes
de los apóstoles.

Luz: una que unifica la escena de los apóstoles creando un gran óvalo central luminoso; un foco
lateral que ilumina la cara de Cristo desde detrás de las figuras en pie delante de él; y una última
luz fría que ilumina la ciudad, aislándola y confiriéndola un valor irreal de ciudad fantasma.

- Perspectiva: perspectiva lateral, ayudado del grado de simetría que aporta el suelo.



- Volumen y composición: Tintoretto separa el esquema manierista de la superficie,
uniendo sus sinuosidades con las formas que distribuye en el espacio. Estas formas se
meten en la perspectiva, enlazando cada una de ellas con la anterior y formando una
silueta continua. Los personajes se disponen con forma de abanico con detalladas
arquitecturas como fondo.
- Análisis formales: se puede apreciar un gran movimiento, y un gran realismo en los
personajes, aportando cada uno de ellos matices expresivos. Rostros bien definidos y los ropajes
perfectamente tallados.

- Iconografía: La iconografía presenta el momento en que Jesús se dispone a lavar los pies a
los apóstoles. La clara influencia en este cuadro de los poligrafía (grupo de intelectuales que les
gustaba la yuxtaposición de escenas dentro de un mismo cuadro).


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