Comentario 2ºBcs2ªEva B

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Comentario 2ºBcs2ªEva B

  1. 1. Historia del Arte 2º LONJA DE PALMA DE MALLORCA, RICARDO MONGAY ELOLA 1-Análisis de la obra: Tipología: La función original de la lonja de Palma de Mallorca era la sede del Colegio de los Mercaderes, en la que se hacían las reuniones tratos comerciales dentro de las rutas del mediterráneo, pero en la actualidad es un lugar para albergar exposiciones. Elementos arquitectónicos: -La planta es rectangular. Está formada por seis pilares sin basa ni capitel, tienen una forma helicoidal que en su cumbre se abren formando los nervios de las bóvedas. Así se forman tres naves de igual altura y cuatro tramos transversales. -La función de los muros es de cierre y también sustentante ya que el peso que reparten las bóvedas recaen sobre los pilares y también sobre los muros. -Los materiales de los que está hecha la lonja son en su mayoría piedra -Los soportes que se emplean en esta construcción son seis pilares con forma helicoidal que fueron copiados también en la lonja de Valencia. -Las cubiertas que se emplean son bóvedas de crucería que están realizadas por los nervios que se despliegan de los seis pilares. -En la parte superior encontramos unos vanos conopiales que están rematados con una crestería de almenas, en cada una de las dos fachadas encontramos un portal en la fachada principal encontramos un portal en cuyo tímpano hay un Ángel, que es el patrón de los mercaderes, en la fachada posterior se observa otro portal, en su tímpano podemos ver una IES Segundo de Chomón. Teruel 1
  2. 2. Historia del Arte 2º Virgen con un ángel que la corona. En la fachada principal podemos observar a la derecha y a la izquierda del portal un par de ventanas geminadas. En cada fachada de los laterales podemos ver dos grandes vanos que contienen lo más importante. -Entre los elementos decorativos destacan: cuatro torres semioctogonales que se encuentran en cada una de las cuatro esquinas que comprende la planta, también en cada esquina del edificio podemos observar gárgolas y en las fachadas laterales podemos ver esculturas apoyadas sobre peanas, hoy en día solo se conservan tres de ellas. -La lonja era un lugar dedicado a las reuniones para hablar de tratos comerciales por lo que sus dimensiones no eran muy grandes, y su decoración podía recordar a la de una iglesia por el exterior, el interior era un gran sala con seis pilares, la luz podía acceder al edificio a través de grandes ventanales. -La lonja se construyó en la fachada marítima ya que servía para lugar de reuniones relacionadas con los comercios en el mar mediterráneo es por eso su cercanía con el mar. 2-Clasificación y contexto histórico-social: Estilo: Se trata de una arquitectura perteneciente al gótico en Mallorca, aunque también se dice que pertenece al período de cambio entre el gótico y el renacimiento, aunque el renacimiento se inicia en España en 1492. Cronología: La construcción se prolongó durante 32 años que van desde 1420 hasta 1452. Autor: Se trata de Guillem Sagrera que fue un arquitecto y escultor catalán. Fue el maestro de la obra de catedral de Perpiñán, en 1420 acepta la dirección de las obras de Mallorca, en donde construyo la capilla de San Guillermo y la sala capitular, como escultor destaca por el portal del Mirador. Más tarde aceptó construir la Lonja de Mallorca, en 1447 se fue a Nápoles donde Alfonso V de Aragón le encargó la dirección de las obras de Castelnuovo. Contexto: La etapa del gótico perteneciente al siglo XV fue el período de mayor auge para la arquitectura española, en este siglo predomino la construcción de catedrales como la de Sevilla y de lonjas entre las que destacan la de Palma de Mallorca y Valencia. IES Segundo de Chomón. Teruel 2
  3. 3. Historia del Arte 2º Relaciones: Las lonjas pertenecientes a la corona de Aragón fueron: la primera se construyó en Barcelona entre 1380-1392, algunos años después se construyó la lonja de Mallorca entre 1420-1452 y por último se construyo la lonja de Valencia ente 1482-1548. Bibliografía: Internet: http://www.scribd.com/doc/8503794/El-Arte-Gotico-La-Arquitectura- http://www.mallorcaxm.com/ocio_turismo_mallorca/publicacion.php? id=74&seccid=3&catid=40&lang=ES http://www.inforural.com/blog/18647/lonja/palmademallorca/gotico http://quaderns.balearweb.net/post/507 http://www.diariodemallorca.es/secciones/noticia.jsp?pRef=1821_5_335761__Opinion- Lonja-Palma http://es.wikipedia.org/wiki/Lonja_de_Palma_de_Mallorca LA PIEDAD, MAPI HERNÁNDEZ 1- ANÁLISIS DE LA OBRA - TIPOLOGIA: La piedad es un conjunto escultórico realizado por el maestro Miguel Ángel. Según el resalte es una obra exenta, de bulto redondo, esto es que es visible desde todos los puntos de vista, que la podemos rodear, aunque su punto de vista es preferentemente frontal. Según la parte representada es completa y según la posición sería sedente, por la Virgen que se encuentra sentada, y yacente, por Cristo. - TRATAMIENTO DE LA MATERIA ESCULTÓRICA: el material del que está hecha la escultura es mármol tallado, lo que significa que es una figura muy pesada. El bloque fue escogido personalmente por Miguel Ángel de la cantera de los Alpes Apuanos, en la IES Segundo de Chomón. Teruel 3
  4. 4. Historia del Arte 2º Toscana. No está policromada por lo que el color que domina es el blanco. Es una figura muy bien terminada, por lo que su textura es suave, muy pulida, lo que contribuye a los brillos y la luz en las figuras. - EMPLAZAMIENTO: la figura se encuentra todavía en su emplazamiento original, San Pedro del Vaticano, aunque en un primer momento se colocó sobre la tumba del cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, personaje que le había encargado realizar la obra y que murió días antes de su terminación, en la capilla de santa Petronila. Fue en 1749 cuando se trasladó a la segunda capilla de la basílica, lugar donde se encuentra actualmente. - EFECTOS DE LUZ, REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO, GRADO DE REALISMO, ESTUDIO ANATOMICO Y DE LA COMPOSICIÓN: Esta obra tiene una armonía aparente, ya que el tratamiento de los paños del manto de la Virgen así como las numeras curvas en el cuerpo de Cristo crean unas sombras que rompen esa armonía que a primera impresión ofrece la piedad. El estudio de la composición en esta obra es algo complicado; la composición es piramidal. Sobre María descansa el cuerpo de su hijo, así consigue que la parte más alta de la composición sea la cabeza de María mientras que la inferior sean los pies de Cristo. La armonía en la composición se observa en cómo se adapta el cuerpo de Cristo a las piernas y el manto de su madre. La representación del movimiento es extraordinaria. Cristo aparece mucho más natural, rompiendo con los esquemas de hasta el momento, con esa posición que adopta sobre el cuerpo de su madre. Además se observa un tratamiento del movimiento así como de la luz en los paños del manto de María. Sus numerosos pliegues producen unas sombras que junto con las sombras que produce el cuerpo de Cristo crean un todo a efectos de luz inmejorable. Respecto al realismo y el estudio anatómico de la obra podemos ver claramente cómo Miguel Ángel rompió con el prototipo de escultura de cristo yacente de hasta el momento. En ellas se había observado un Cristo magullado y una Virgen dolorida, con una expresión de tristeza y sufrimiento. Sin embargo aquí observamos un Cristo natural sobre una Virgen cuyo rostro refleja belleza, juventud, piedad y serenidad. Además en el cuerpo de Cristo (tanto torso como extremidades) y en las manos de la Virgen observamos un extraordinario estudio anatómico humano. - TEMA Y SIGNIFICADO: En esta obra fue cuando Miguel Ángel aborda por primera vez el tema de la piedad, repetido después varias veces a lo largo de su vida. En esta obra se observa a Miguel Ángel influido por el idealismo renacentista ya que se observa claramente el ideal de belleza, juventud y armonía IES Segundo de Chomón. Teruel 4
  5. 5. Historia del Arte 2º 2- CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL - ESTILO: Miguel Ángel es un autor representativo del Renacimiento. La mayoría de sus obras pertenecen a este estilo aunque a lo largo de su vida se observa una evolución que fue la anticipación del barroco, como observamos en el patetismo de su última obra inacaba de la Piedad Rondandini. - CRONOLOGÍA: La obra fue realizada en menos de un año. El contrato del encargo se firmó el 26 de agosto de 1498 y unos días antes de pasar un año ya había sido finalizada. - AUTOR: el nombre original del autor es Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, nació en Caprese en 1475 y murió en Roma en 1564. Es considerado como uno de los más grandes artistas de la historia y en su momento ya era muy admirado y valorado. Era un artista polifacético ya que hizo tanto escultura como pintura, arquitectura, poesía… fue aprendiz de Domenico y Davide di Tomaso di Currado en su famosa escuela. - CONTEXTO: el Renacimiento se desarrolla en el S. XVI, su eje es el hombre y el mundo que le rodea, así como la razón y el mundo clásico. Se desarrolló sobre todo en Italia y hubo unos hechos que marcaron el comienzo de esta época; tanto el fin del feudalismo como el humanismo italiano. El Renacimiento también esta relacionado con la naturaleza y la valoración de la vida práctica. - RELACIONES: Miguel Ángel se formó con los maestros Ghirlandaio y Bertoldo di Giovanni y estuvo muy influenciado por Massaccio, Giotto y Jacopo Della Quercia. Posteriormente el influyo en multitud de obras y autores por ser uno de los mas grandes de la historia y una futura referencia. IES Segundo de Chomón. Teruel 5
  6. 6. Historia del Arte 2º LA VIRGEN DE LAS ROCAS DE LEONARDO DA VINCI, IRENE COLOMER La Virgen de las Rocas es una obra del autor Leonardo Da Vinci, perteneciente al Renacimiento italiano. Se trata de una escena religiosa, ya que el personaje central es la Virgen, aparece el Niño, san Juan orante y un ángel. Pero no solo este es el tema del cuadro, sino que este también se encarga de la naturaleza. El nombre del cuadro es utilizado para identificar dos de sus obras hechas con la misma técnica pictórica, óleo sobre lienzo. Una de ellas se conserva en el museo de Louvre, y dicen que es la verdaderamente pintada por Leonardo, y fue pasada a lienzo desde el panel original de madera. La otra de ellas se encuentra en Londres, esta aun permanece sobre tabla y se dice que fue pintada por un discípulo suyo. Leonardo en esta obra no remarca las líneas negras que hace que se diferencien tan bien un color de otro, sino que utiliza la técnica del sfumato, gracias a esto las figuras poseen mayor simbolismo y consigue fundir a las figuras con el medio ambiente creando un visión aterciopelada. En cuanto a los colores mezcla los claros con los oscuros para crear una mayor vitalidad en los personajes los realza y consigue un ambiente que gira en torno a ellos. La luz la IES Segundo de Chomón. Teruel 6
  7. 7. Historia del Arte 2º utiliza de manera que poco a poco va pasando de los colores negros a los blancos creando sombras esto se consigue gracias a la técnica del claroscuro. Para Leonardo la naturaleza es algo misterioso y en continuo movimiento. En la obra las figuras se encuentran al principio de una gruta, en la que observamos que la luz entra por la parte superior y por los laterales. En el interior del cuadro se muestra un paisaje mezclado tanto rocoso como marino que representa los ideales de Da Vinci como la naturaleza en estado de destrucción y con movimiento continuo, algo oscuro y un poco aterrador. Por otra parte aparecen los personajes bíblicos haciendo referencia a lo humano y simbolizando la Salvación. Estos entre los cuatro según su posición están formando una cruz. En ambos cuadros aparece representada como podemos ver, la misma figura, pero entre ellos podemos diferenciar algunos rasgos. En ambos aparece la Virgen como figura central sujetando con su mano derecha a Juan Bautista, el personaje que sale a la izquierda del cuadro es un ángel y más abajo aparece el niño Jesús mirando a Juan. La historia está centrada en Juan Bautista ya que se supone que era huérfano y decidió refugiarse en una cueva con un ángel que se encargaba de su protección. Estos topan con la Virgen y el Niño que huyen de Egipto. El niño Jesús aparece bendiciendo a Juan y por ello aparece con el brazo levantado, mientras la Virgen empuja al pequeño huérfano en señal de acercamiento a su hijo. En la obra de Louvre el ángel, Uriel aparece apuntando a Cristo (el niño Jesús) y mirando al espectador sonriendo levemente, mientras que en la otra representación Uriel mira hacia el niño sin apuntarle con el dedo. La obra londinense tiene mayor monumentalidad, ya que sus personajes son más grandes. Pero los dibujos son más naturales y expresivos en la versión parisina. La obra fue creada para formar parte de un retablo, esta sería el panel central de este. Se creó para la iglesia de San Francisco il Grande de Milán. http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas http://arte.laguia2000.com/pintura/la-virgen-de-las-rocas-de-leonardo-da-vinci http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc54.html http://www.telepolis.com/cgi-bin/web/DISTRITODOCVIEW? url=/1570/doc/monograficos/OBRAS/lavirgendelasrocas.htm IES Segundo de Chomón. Teruel 7
  8. 8. Historia del Arte 2º CATEDRAL DE JACA, SERGIO HERRANZ IDENTIFICACIÓN Y LOCALIZACIÓN La catedral de Jaca es una catedral románica construida entre los años 1075 y 1095 situada en Jaca en la provincia de Huesca, destinada a ser la primera parada para los peregrinos del camino de Santiago al atravesar los pirineos. Es una iglesia basilical (rectangular con tres naves) CARACTERÍSTICAS En su exterior, en la fachada oeste se encuentra un atrio y la portada. En el tímpano de la fachada se encuentra, como elemento principal el crismón con un carácter trinitario y penitente. Los ábsides de la catedral se han deteriorado y reconstruido a lo largo de los años y originarios del románico sólo queda el que da a la parte sur. Del interior de la catedral, cabe destacar el claustro que se encuentra adosado el muro norte y su decoración escultórica en capiteles, metopas muros y basas representando figuras con escenas de la biblia o de figuras cotidianas, exceptuando la decoración de muros y basas que es una decoración geométrica. También hay que destacar el ajedrezado jaqués que decora gran parte de la catedral. IES Segundo de Chomón. Teruel 8
  9. 9. Historia del Arte 2º DAVID, ESTHER PEIRÓ ANÁLISIS DE LA OBRA: En esta escultura se representa a David momentos antes de derrotar al gigante Goliat, ya que en la escultura no aparece Goliat como en otras representaciones que se hicieron anteriormente como por ejemplo durante el Quattrocento italiano la escultura de David de Donatello. Otras fuentes de información dicen que esta escultura representa el momento inmediato después de la batalla, donde David contempla la victoria. Aparece David como un joven muy fuerte, pues tiene unos músculos muy desarrollados, además los tiene en tensión. Presenta un alto grado de realismo y expresividad, aparte de los desarrollados músculos, de los gestos de la cara en la que tiene el ceño fruncido con la mirada fija y los numerosos rizos, se observa en las venas de las manos y pies al estar la persona en tensión. Esta obra es una escultura exenta de bulto redondo completa (de todo el cuerpo). Fue esculpida en mármol blanco, no es policromada y mide 4 metros. Presenta una ligera curva praxiteliana (consiste en apoyar el peso del cuerpo en una sola pierna mientras la otra se flexiona ligeramente). Es una escultura muy pulida, llegando casi a similar la textura de la cera, excepto el pelo, que tiene otro tratamiento no tan pulido, quedando más rugoso. Con relación a la luz se puede decir que da la sensación de que resbala sobre la escultura, desde la frente hasta los pies. CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO: La obra fue realizada por Miguel Ángel por petición de la Opera de Duomo de la catedral de Santa María de Fiore en Florencia entre los años 1501 y 1504, momento en que Miguel Ángel regresó a Florencia desde Roma, por tanto se encuadra en el Renacimiento, concretamente en el Cinquecento italiano. Hasta 1910 la escultura permaneció en la Plaza de la Señoría en Florencia pero actualmente se expone en la Galería de la Academia de Florencia. IES Segundo de Chomón. Teruel 9
  10. 10. Historia del Arte 2º LA ESCUELA DE ATENAS, MAR LÓPEZ INTRODUCCIÓN Rafael fue contratado por el Papa Julio II para que pintase las pinturas que decorarían la Stanza della Segnatura del Vaticano, cuya utilidad era la de biblioteca y sala para firmar los decretos del tribunal de la Iglesia. En las paredes de la sala permanecen sus obras cada una dedicada a una materia: filosofía, teología, poesía y derecho. Concretamente la Escuela de Atenas, que ilustra la filosofía fue pintada entre 1510 y 1511. ANÁLISIS En esta obra, Rafael ubica el escenario en un templo romano, que hace referencia al templo de la Filosofía de Marsilio Ficino. En las paredes se encuentran las esculturas de Apolo, dios de la razón y de la belleza, y Minerva, diosa de la sabiduría, esculpidas en mármol al estilo clásico. También aparecen en la parte superior central unas bóvedas de casetones y unas aperturas que dan al exterior por donde desaparece el punto de fuga y le dan un aspecto de majestuosidad al templo. En el centro dos importantes filósofos griegos: Platón alzando el dedo y sujetando su obra Timeo, y Aristóteles extendiendo el brazo hacia delante con la palma de la mano mirando al suelo y sosteniendo su Ética. A la izquierda de ambos aparecen Sócrates hablando con unos jóvenes estudiantes entre los que esta A. Magno. En el plano más cercano al espectador vemos otro corro en el que destaca el matemático Pitágoras, y a su lado junto al pedestal se distingue al filósofo Epicuro con una corona de pámpanos. Sentado en la escalinata aparece Heráclito dibujando el busto de Miguel Ángel, y a su izquierda tumbado en los peldaños permanece tumbado Diógenes. En el conjunto de la derecha también se distinguen personajes como Euclídes, que mide con un compás junto a sus discípulos. Pegado a él encontramos a Zoroastro (de frente y con un globo IES Segundo de Chomón. Teruel 10
  11. 11. Historia del Arte 2º celeste) y Ptolomeo (de espaldas y con un globo terráqueo). A su lado asoma la cabeza del pintor de a obra, Rafael, que observa al espectador. Las agrupaciones de personajes se esparcen por la obra simétricamente dejando vacío el espacio central para no quitarles protagonismo a los personajes principales, que aparecen recortados ante el fondo del cielo y especialmente alumbrados. CONTEXTO La pintura es un fresco perteneciente al Renacimiento Italiano (1380-1560). Con esta obra, Rafael simboliza la superación definitiva de los modelos florentinos ante el floreciente periodo romano. LA BACANAL, MARTA LÓPEZ -Identificación de la corriente: El tema mitológico y el predominio por el desnudo femenino y la belleza la podemos ubicar en la pintura del Cinquecento, en concreto a la escuela pictórica veneciana. -Autor y ubicación: El autor del cuadro es Tiziano Vecellio di Gregorio (1487-1576) y se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. -Tipo de representación: Este cuadro representa una escena mitológica, una bacanal, es una fiesta-orgía la cual se caracteriza por la abundancia del vino. Representa un paisaje, con arroyos en los cuales discurría el vino y que lo terminan de componer todos los personajes desnudos y semidesnudos la mayoría pintados muy individualizados, con diferentes carácteres. -Técnica o procedimiento pictórico empleado: IES Segundo de Chomón. Teruel 11
  12. 12. Historia del Arte 2º La técnica empleada es el óleo con un soporte sobre lienzo; las medidas del cuadro son de 175cm x 193cm. - Elementos pictóricos empleados: Tiziano utiliza en la escena vivos movimientos, y una línea diagonal que va ascendiendo desde la esquina inferior de la izquierda hasta alcanzar la figura del anciano que duerme en lo alto del montículo, Sileno. Se pueden observar dos planos: el primero podríamos decir que lo compone la figura de la mujer desnuda que representa Ariadna, y las dos mujeres recostadas; en un segundo plano los personajes que hablan y bailan, con una representación de las piernas y brazos de líneas curvas; y en un último plano el anciano que está tumbado encima de la colina dando una sensación de austeridad. Los colores utilizados por el pintor son cálidos (rojo, verde y naranja) que para Tiziano tienen un uso prioritario; transmiten una sensación de calidez. La luz que utiliza es graduada y suave ya que está con mucho más brillo el fondo y en cambio el primer plano utiliza una luz más umbral, destacando con un color muy claro, casi blanquecino, la mujer desnuda. La perspectiva es lineal; se utiliza de fondo la representación de una naturaleza en calma y compuesta por una serie de figuras que están dispuestas por una línea diagonal que la marca el monte que está por detrás. -Análisis formales: Lo que más sobresale de esta obra es la belleza y la sensualidad del desnudo femenino; se puede ver una representación muy fidedigna de la realidad. Las figuras están representadas con movimientos muy vivos reflejados en los paños y en los cuerpos; también están muy individualizadas por lo que se denota que es una pintura al natural. -Iconografía: IES Segundo de Chomón. Teruel 12
  13. 13. Historia del Arte 2º Este cuadro representa una fiesta-orgía, una bacanal, fiesta del dios del vino, Baco. Esta celebración ocurre en las islas de los Andrios, en la que la bebida manaba de un arroyo por gracias al dios Baco. La mujer desnuda de la parte inferior de la derecha de la que hemos hablado hay muchas opiniones para decir a que representa: una ninfa, una Venus o Ariadna ‘la más pura’ que está relacionada con Baco y alude a las esculturas clásicas. El anciano que está tumbado en la colina es Sileno acompañante del dios. De las dos mujeres que están recostadas la que ocupa el primer plano se dice que es Violante, la mujer de la que Tiziano estaba enamorado entonces. A su lado se encuentra una partitura que ha sido atribuida al músico flamenco, activo en la corte de Ferrara (era el duque que le encargó a Tiziano la elaboración de este cuadro para la sala de Alabastro de su castillo) y en la cual se lee: ‘Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber’ -Referencias: Este cuadro formaba un conjunto con otras dos pinturas del mismo artista La ofrenda a Venus y Baco y Ariadna; el pintor Rubens también hizo una imitación de La Bacanal muy fiel a la verdadera. Baco y Ariadna La ofrenda a Venus La Bacanal de Rubens IES Segundo de Chomón. Teruel 13
  14. 14. Historia del Arte 2º EL NACIMIENTO DE VENUS, BLANCA AGUILAR EL NACIMIENTO DE VENUS: SANDRO BOTICCELI (1445-1510) 1.Análisis: Es una de las obras cumbres del Renacimiento Italiano, elaborada por Sandro Botticcelli. Se conserva en la galería de los Uffici de Florencia. La representación es mitológica. La técnica utilizada es el temple sobre lienzo. Técnicamente observamos que como obra del renacimiento intenta revivir el estilo clásico destacando una belleza naturalista y el juego de volúmenes. Hay una preocupación por el total realismo en la plasmación pictórica de la escena, así se convierte en un arte verosímil y naturalista, hay un buen estudio de la línea y de la perspectiva, estableciéndose en un principio la matemática perspectiva geométrica, basada en un haz de líneas que fugan en un punto, en este cuadro el punto de fuga se encuentra en el centro. De la línea podemos decir que predomina sobre el color, destaca el gran trabajo de las formas naturales en el paisaje. Se observan deformaciones técnicas en el cuello y hombro de Venus; pero esos errores, contemplados dentro de la globalidad del cuadro, marcan su idealización por crear líneas onduladas y suaves que incrementan la elegancia de esta Venus, que pasará a ser considerada como el modelo de Belleza femenina del siglo XV. En un análisis geométrico de la obra, observamos que la posición de Venus se ha desplazado respecto a la línea central para transmitir una sensación de movimiento desde un punto de partida central, tal y como lo exigen los céfiros, que bufan la concha hacia la playa. La luz es muy natural. Se observa un buen estudio anatómico, sobre todo en la Venus y un estudio de paños. 2. Iconografía: La pintura nos muestra una temática que se relaciona con las doctrinas neoplatónicas, decían que el ser humano debía buscar la unidad entre la belleza, el amor y la verdad, estas cualidades se encarnan en la figura de la Venus. IES Segundo de Chomón. Teruel 14
  15. 15. Historia del Arte 2º La escena que nos presenta Botticelli es en el momento de la llegada de la diosa, donde Venus emerge del mar desnuda, en medio de la composición sobre una concha (símbolo de la fertilidad), la cual flota en el mar, sus largos cabellos cubran parte de su cuerpo, y con su brazo derecho trata de taparse su pechos. Venus está siendo impulsada por dos dioses, ellos son Céfiro dios del viento y Aura diosa de la brisa, ellos se encuentran abrazados, estos personajes simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, estas flores cuanta la leyenda después se convertirán en seres. A orillas del mar, se encuentra la Primavera ya que lleva un traje floreado, esta la espera ofreciéndole una capa con motivos florales para cobijarla, un cinturón de rosas rodea la cintura de la hora y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, el cual es el símbolo del amor eterno, su traje blanco bordado de acianos representa a la primavera, conocida como la estación del renacer. Por esto entre sus pies va floreciendo una anémona azul. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado jardín de las hespérides en la mitología griega. EL LAVATORIO, RUBÉN GARGALLO 1. -Análisis de la obra. - Tipo de representación: Se trata de una representación religiosa, ya que, la acción principal (la que da nombre al cuadro) representa a Cristo lavándoles los pies a los apóstoles. En este lienzo se pueden observar varias escenas simultáneamente y una arquitectura colosal en el fondo. - Técnica: La técnica empleada es el óleo sobre lienzo. -Elementos pictóricos: Línea: al contemplarlo frontalmente los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, pero al observarlo desde la derecha el cuadro se ordena a través de una diagonal que partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal. El color: el color más característico es el azul quebrado que transmite una atmósfera inquietante y que convierte el espacio en un lugar extraño, además de añadir los colores vivos de los ropajes de los apóstoles. Luz: una que unifica la escena de los apóstoles creando un gran óvalo central luminoso; un foco lateral que ilumina la cara de Cristo desde detrás de las figuras en pie delante de él; y una última luz fría que ilumina la ciudad, aislándola y confiriéndola un valor irreal de ciudad fantasma. - Perspectiva: perspectiva lateral, ayudado del grado de simetría que aporta el suelo. IES Segundo de Chomón. Teruel 15
  16. 16. Historia del Arte 2º - Volumen y composición: Tintoretto separa el esquema manierista de la superficie, uniendo sus sinuosidades con las formas que distribuye en el espacio. Estas formas se meten en la perspectiva, enlazando cada una de ellas con la anterior y formando una silueta continua. Los personajes se disponen con forma de abanico con detalladas arquitecturas como fondo. - Análisis formales: se puede apreciar un gran movimiento, y un gran realismo en los personajes, aportando cada uno de ellos matices expresivos. Rostros bien definidos y los ropajes perfectamente tallados. - Iconografía: La iconografía presenta el momento en que Jesús se dispone a lavar los pies a los apóstoles. La clara influencia en este cuadro de los poligrafía (grupo de intelectuales que les gustaba la yuxtaposición de escenas dentro de un mismo cuadro). IES Segundo de Chomón. Teruel 16

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