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Análisis de Obras del Manierismo

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Analisis de Obras del Manierismo

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Análisis de Obras del Manierismo

  1. 1. República Bolivariana de Venezuela Ministerio de Educación Universitaria Instituto Universitario Politécnico “Santiago Mariño” Extensión Valencia Alumno: Yoleidy Ríos Valencia Junio 2014
  2. 2. OBRAS: PINTURAS
  3. 3. VIRGEN DEL CUELLO LARGO La Virgen del cuello largo (en Italiano, La Madonna dal Collo Lungo), también conocida con la Virgen y el Niño con ángeles y san Jerónimo, es un cuadro del pintor manierista Italiano Parmigiano. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 216 cms de alto y 132 cm de ancho. Se calcula que fue pintado entre el año 1534 y 1540, encontrándose actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia, Italia. En el segundo escalón de la columnata está inscrito «Fato praeventus F. Mazzoli parmensis absolvere nequivit». Según el crítico Herbet Horne: No hay excelente belleza sin algo extraño y anormal en la forma. Se trata de una Virgen con Niño, acompañados por ángeles. La pintura está inacabada debido a la muerte de Parmigianino en 1540. La Virgen se sienta en un alto pedestal y la envuelven ropas lujosas; sostiene en su regazo un Niño Jesús bastante grande. A su derecha son visibles seis ángeles que se agrupan en torno a la Virgen y que adoran a Cristo. El rostro inacabado del ángel en la parte inferior derecha (desde la perspectiva del espectador) puede verse más claramente en reproducciones recientes posteriores a la restauración de la pintura. Parmigianino, perteneciente a la Escuela Manierista distorsiona la naturaleza para conseguir sus mejores propósitos artísticos. La Virgen no tiene proporciones humanas, con dedos largos y elegantes; y casi tiene el doble del tamaño de los ángeles que hay a su derecha. Es de interés el pie derecho de la Virgen: descansa en cojines que parecen estar sólo a unos centímetros del plano pictórico, pero el pie en sí parece proyectarse más allá de él, y está por lo tanto en «nuestro» lado del lienzo, rompiendo las convenciones de un cuadro enmarcado. Jesús es también extremadamente grande para ser un bebé, y descansa precariamente sobre el regazo de María como si fuera a caerse en cualquier momento.
  4. 4. EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ El descendimiento de la cruz, conocido en Italiano como La Deposizione o Trasporto di Cristo, es el cuadro más conocido del artista Italiano il Pontormo. Se trata de un óleo que se encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de Florencia Italia. Tiene unas dimensiones de 3,13 metros de alto por 1,92 m de ancho. Tardó tres años en acabar este óvalo triste y tumultuoso de figuras, desde 1525 hasta 1528. Es una de las creaciones del Manierismo que marca las pautas para el futuro. Las figuras tienen formas duramente modeladas y están unidas por una línea Serpetinata. Destaca en Pontormo el colorido. Es el manierista de colores más suaves, como el azul claro o el rosa pálido, pero los utiliza brillantes, en contraste unos con otros: el rosa y el amarillo o amarillo anaranjado, el naranja y el verde, los violetas muy claros sobre un fondo añil. Un contraste particularmente insólito es el de la ropa de Juan, que se encuentra encima de la Virgen: una túnica verde bronce destaca sobre una tela roja entre bermellón y naranja pálido. Se nota la influencia de Rosso Fiorentino en este colorido transparente y modulado. Hacia María se dirige una mujer, vestida de color amarillo, transformado en naranja y bermellón en las zonas de sombra. En primer plano se encuentra Nicodemo, representado como un joven que sujeta los pies de Jesucristo. Este personaje viste una túnica ceñida que, allí donde incide la luz, es de color azul, y donde está en sombra el color es rosa. Por encima de todos se encuentra una curiosísima figura con amplio vientre, como si estuviese embarazada. El espacio está aplanado y resulta inhóspito. Aquellos que bajan a Jesucristo están aparentemente tan afectados como los plañideros. El centro de la composición lo ocupa el brazo extendido de la Virgen, a modo de brazo de cruz. Toda la escena está marcada por una luz fuerte que deslumbra a las figuras y aclara los colores.
  5. 5. LA TRINIDAD (EL GRECO) Autor: El Greco (Domenikos Theotokopoulos, 1541-1614) Se representa la escena en la que Dios Padre sostiene el cuerpo de su hijo Jesucristo muerto. Sobre ellos el Espíritu representado en forma de paloma. Alrededor de estas tres personas de la Trinidad, aparecen ángeles en diversas posturas, algunos de ellos con expresiones dramáticas en los rostros. El Pintor manieristas, El Greco evidencia aquí influencias de Miguel Ángel (en el modelado de la anatomía de las figuras) y también de Timtoretto (en el cromatismo). Predominan los tonos fríos (malva, azul, verde), con aislados toques cálidos que aportan vitalidad a la escena. La composición es muy original y presenta forma de corazón, dentro de la cual se desarrolla toda la acción del cuadro y de la que sólo queda fuera la paloma representante del Espíritu Santo. El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo de Cristo, representado según las proporcione tradicionales y alejado de la estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco. Sin embargo, es evidente el espíritu innovador manierista, reflejado en la serpenteante línea formada por la posición del cuerpo de Cristo y Dios Padre, así como por las irreverentes y exageradas reacciones de los ángeles.
  6. 6. OBRAS: ESCULTURAS
  7. 7. EL RAPTO DE LAS SABINAS Giambologna, 1582. Mármol blanco. 4.10 m. Logia dei Lanci (Florencia). Italia. Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas. No existe un delante y un detrás sino una multiplicidad de puntos de vista, de tal manera que el grupo gira como una espiral. Esta multiplicidad, insistimos, viene impuesta por la misma escultura: el movimiento de las figuras que se retuercen y prolongan en su contraposición no atiende ya a la perspectiva frontal típica del Renacimiento, visión estática y serena sustituida, aquí, por un enérgico dinamismo. Giambologna introduce así una creciente intranquilidad en el espectador que, en relación con las pautas clasicistas, puede resultar -como así fue para los hombres de la época, de ahí su enorme éxito- enigmática. La imagen constituye un problema casi imposible de resolver: dónde termina una figura y empieza otra, cuál es el juego de cortes, paralelismos y contraposiciones, son cosa sobre las que el espectador nunca tomará una decisión definitiva.
  8. 8. MERCURIO El mensajero de los dioses aparece en pleno vuelo en una composición de gran elegancia. Juan de Bolonia demuestra su maestría en la técnica de la fundición al apoyar la figura, en un difícil equilibrio, sobre la punta de un solo pié. La anatomía es estilizada con reminiscencias postclásicas y el modelado suave. La figura está en un claro contrapposto pero, a diferencia de Miguel Ángel, éste se consigue no por la alternancia de miembros en tensión y reposo, sino por la contraposición de miembros que avanzan y retroceden. Es característica también la inexpresividad del rostro, habitual en las obras de J. de Bolonia, que demuestra la influencia de la escultura greco-romana en la que Mercurio es siempre un dios carente de sentimientos. Un dios sin amores, sin odio ni rencor. Este bronce de 1,70 mts. de alto de Juan de Bolonia es una de las más bella manifestaciones del manierismo escultórico. Mercurio, uno de los doce dioses del Olimpo y mensajero de ellos, se reconoce gracias a sus tributos: los pies alados, el petaso (pequeño sombrero con alas) y el caduceo, especie de bastón mágico con serpientes y alas, que tiene el poder de producir sueño y de traer la concordia. El pie de la figura reposa sobre la cabeza de un Viento. Con un gracioso movimiento, abre ostentosamente sus líneas, como queriendo proclamar la hermosura y esbeltez de sus miembros. Abre las puertas al movimiento que dominará en el barroco, aunque aquí la falta dinámica a la figura, que queda anclada en el suelo, en una actitud de danza. Además, más que hacer gala de su fuerza física, que sería algo barroco, tiende a la elegancia curvilínea, algo manierista. Más tarde, los barrocos darán a esta línea abierta una justificación naturalista, como consecuencia de un movimiento pasional.
  9. 9. PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA (1554) Esta obra considerada una de los mejores ejemplos de la escultura manierista italiana y fue encargada por Cósimo I de Médicis en conmemoración de su toma de posesión como Duce de la ciudad de Florencia. Su característica en la composición más importante fue la línea sinuosa, que consiste en un giro en espiral ascendente que eleva a las figuras, incluso a pesar de la dificultad técnica.
  10. 10. OBRAS DE ARQUITECTURA
  11. 11. EL PALACIO DEL TÉ Ubicación: Italia Fue construida en los años 1524 – 1534 Estaba conformado por una planta cuadrada alrededor de un patio en forma de claustro; teniendo como complemento un jardín formal -rodeado de columnatas de forma semicircular Existen cuatro fachadas que contienen columnas planas y rústicas paredes; donde predomina un ambiente paladino. Lo más particular es la falta de simetría y los espacios irregulares entre las columnas. También podemos visualizar arcos sin pórtico ni frontón, ventanas que dan al patio interior, paredes decoradas con profundas concavidades y ventanas ciegas. El equipo de construcción estaba conformado por escayolistas, tallistas, fresquistas, pintores decorativos, entre otros; destacándose los majestuosos frescos que abarcaban distintos conceptos.
  12. 12. VILLA ROTONDA Obra del Arquitecto: Andrea Palladio Fue construida en los años 1551-1553, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuentra en el siglo XVI en el manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Se utilizo elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatros puntos cardinales. Uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatros entradas del edificios otros elementos clásicos son los pórticos hexástilos y de orden jónico Tiene planta cuadrada con cúpulas central. Disponiendo así de cuatro pórticos laterales
  13. 13. IGLESIA DEL GESÙ (1568-1584) Ubicación: Plaza del Gesù, Roma. Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue siendo bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en el frontón y el ritmo generado a través de las pilastras. La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de las pilastras y nichos La fachada realizada es más vertical, con menos resalte de las pilastras y menos destacada la nave central. Ambas fachadas eran de dos pisos, coordinados mediante el uso de aletones. Los aletones son un elemento de enmascaramiento, utilizado para articular el piso inferior con otro superior de menor anchura, ocultando los machones que llevan el empuje de las nuevas fachadas. La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución de las naves. La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón doble, en el que un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del Barroco posterior), marcando el eje axial.
  14. 14. VILLA FARNESINA En el bello jardín de la villa se celebraban importantes fiestas con príncipes, poetas, artistas e incluso papas. Cuenta la leyenda que el derroche de lujo y ostentación era tal que durante las fiestas, las vajillas que eran de oro y plata, en vez de lavarlas y recogerlas, eran tiradas al fondo del Tíber, el río romano que pasa a los pies de la villa. La Villa Farnesina (o Villa della Farnesina o simplemente la Farnesina), es una villa – Palacio de Roma. Fue construida entre los años 1505 y 1511 por Baldassarre Peruzzi en el barrio del Trastevere por encargo del Banquero Sienés Agostino Chigi. En 1580 fue adquirida por el Cardenal Alejandro de donde recibió su nombre actual. La Villa Farnesina fue la primera Villa nobiliaria suburbana de Roma. La villa es un perfecto ejemplo de las primeras obras renacentistas. Se compone de un bloque central del que arrancan dos alas menores a ambos lados, formando así una especie de “U”. Las fachadas son de color anaranjado, sencillas y armoniosas. En la fachada delantera se encuentra la logia de Cupido y Psique que da acceso al palacete que fue decorado por el mismísimo Rafael.

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