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40 principales

  1. 1. 20 PINTORESTEMA: MEMORIA VISUAL DE LA ASIGNATURA HISTORIA DEL ARTE<br />
  2. 2. PRINCIPALES PINTORES DEL RENACIMIENTO.<br />RENACIMIENTO ITALIANO.<br />BOTTICELLI (1.445 – 1.510).<br />LEONARDO (1.452 – 1519).<br />MIGUEL ANGEL (1.475 – 1.564).<br />RAFAEL (1.483 – 1.520).<br />TIZIANO(1.485 -1.576).<br />
  3. 3. SANDRO BOTTICELLI<br />Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. <br />Uno de ellos fue FilippoLippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo. <br />En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro. <br />Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora. <br />A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481 fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la Divina Comedia de Dante. <br />Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de FilippoLippi, FilippinoLippi<br />
  4. 4.
  5. 5. SANDRO BOTTICELLI PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.-ALEGORÍA DE LA PRIMAVERA.<br />2.- MINERVA Y EL CENTAURO.<br />3.- LA ANUNCIACION.<br />4.- LA EPIFANÍA.<br />5.- EL NACIMIENTO DE VENUS.<br />
  6. 6. LEONARDO DA VINCI<br />Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina. <br />Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales.<br />Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacan La Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi. Son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del «Quattrocento» y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en un Tratado de pintura que sólo sería publicado en el siglo XVII.<br />Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejó Leonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados de dibujos) contienen también incursiones en otros terrenos artísticos, como la música (en la que destacó tocando la lira) o la literatura. Según su criterio no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía humana (avanzando en el conocimiento de los músculos, el ojo o la circulación de la sangre), la zoología (con especial atención a los mecanismos de vuelo de aves e insectos), la geología (con certeras observaciones sobre el origen de los fósiles), la astronomía (terreno en el que se anticipó a Galileo al defender que la Tierra era sólo un planeta del Sistema Solar), la física o la ingeniería. <br />Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos diferentes que apenas ejerció influencia sobre la marcha de los distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un gran prestigio personal, que ha perdurado hasta nuestros días): muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que la mayoría de sus investigaciones fueron especulaciones teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se concentró a partir de 1516 cuando, con las manos afectadas por una parálisis, pasó a vivir en Francia bajo la protección de Francisco I.<br />
  7. 7.
  8. 8. LEONARDO DA VINCI PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA SANTA CENA.<br />2.- DAMA CON ARMIÑO.<br />3.- LA ANUNCIACION.<br />4.- LA GIOCONDA.<br />
  9. 9. RAFFAELLO SANZIO.<br />Pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva. <br />Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. <br />No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó rápidamente a Perugino, como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la Virgen con los de este último. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. <br />De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.<br />En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, conocidas en la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura. <br />Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia en los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma alegórica estos mismos temas en cinco grandes composiciones sobre las paredes: El triunfo de la Eucaristía, La escuela de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX promulgando las Decretales y Triboniano remitiendo las pandectas a Justiniano, estas dos últimas alusivas a la justicia. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. No se puede pedir mayor rigor compositivo ni un uso más magistral de la perspectiva lineal.<br />En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló cuatro temas históricos, acentuando en cada uno de ellos un rasgo plástico determinado: el claroscuro en La liberación de San Pedro, la riqueza del colorido en la Misa de Bolsena, etc. En la estancia del Incendio del Borgo (1514-1517) predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro, lo mismo que en la Estancia de Constantino, donde sólo la concepción del conjunto corresponde a Rafael. <br />El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño, algo más solemnes y menos cautivadores que los de la etapa florentina. Los retratos romanos, en cambio, superan en veracidad y penetración psicológica a los florentinos. En ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma. <br />A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del Vaticano<br />
  10. 10.
  11. 11. RAFFAELLO SANZIO PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA ESCUELA DE ATENAS.<br />2.- LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN.<br />3.- EL ENTIERRO DE CRISTO.<br />4.- ADORACION DE LOS MAGOS.<br />5.- SAGRADA FAMILIA DEL CORDERO.<br />
  12. 12. MICHELANGELO BUONARROTI<br />Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. <br />Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. <br />La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. <br />En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. <br />En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. <br />Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica. <br />En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo. <br />En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.<br />
  13. 13.
  14. 14. MICHELANGELO BUONARROTI PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA CREACIÓN DE ADAN. <br />2.- JONÁS.<br />3.- EXPULSIÓN DEL PARAÍSO.<br />4.- EZEQUIEL.<br />5.- EL JUICIO FINAL.<br />
  15. 15. TIZIANO VECELINO<br />Pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. <br />La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la realización de los frescos de la fachada del FondacodeiTedeschi y había realizado en Padua los Milagros de san Antonio para la Scuola del Santo. No tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado, en consecuencia, pintor oficial de la República. <br />Aunque sus obras más conocidas y admiradas en el presente son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como La Asunción o el Retablo Pesaro para Santa MariadeiFrari. Son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad. Los mismos esquemas dinámicos se repiten en las obras mitológicas de este período, como La bacanal o Baco y Ariadna. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras como el llamado Ariosto, en las que establece un esquema nuevo: el protagonista aparece reproducido de medio cuerpo, con las manos visibles y unos rasgos reales pero idealizados, captados en ocasiones por medio de un golpe de intuición. <br />Hacia 1530, perdió a su esposa, y seguramente como consecuencia del impacto emocional que ello le causó, su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados. Por entonces, la fama del pintor llegaba a todas las cortes europeas, lo que le permitió recibir encargos de Carlos I de España y Francisco I de Francia, monarcas a los que retrató en obras magistrales. Después del primer retrato de Carlos I, el emperador quedó tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa Venus de Urbino, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento. <br />En 1545-1546, Tiziano, que sólo había abandonado Venecia en 1511 para trabajar en Padua, realizó un viaje a Roma, que supuso el punto de partida hacia un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran trabajo subyacente. Entre 1548 y 1562 fue reclamado por Carlos I y luego por su hijo Felipe II, para quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados por el propio pintor «poesías» por su carácter idílico y distante. <br />Su última obra documentada es la Piedad de Venecia, que presenta ciertas afinidades con el manierismo. La grandeza de Tiziano como pintor, su fama de artista inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso, que siempre se quejaba de ser pobre pese a las grandes riquezas que había acumulado, y que se servía en ocasiones del engaño para obtener ventajas.<br />
  16. 16.
  17. 17. TIZIANO VECELINO PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA BACANAL.<br />2.- BACO Y ARIADNA.<br />3.- EL SANTO ENTIERRO-<br />4.- LA VENUS DE URBINO.<br />5.- CALOS V A CABALLO EN <br /> MÜHLBERG.<br />
  18. 18. PRINCIPALES PINTORES FLAMENCOS<br />PINTURA FLAMENCA.<br />VAN DER WEIDEN (1.400 – 1.464).<br />EL BOSCO (1.450 – 1.516).<br />DURERO (1.471 – 1.528).<br />BRUEGEL (1.525 – 1.569).<br />
  19. 19. VAN DER WEIDEN<br />Pintor flamenco. Aunque fue el pintor flamenco de mayor proyección internacional en su tiempo y uno de los grandes maestros del siglo XV en Flandes, su figura resulta problemática por las confusas referencias documentales. En general, se acepta que es el Rogelet de la Pasture que ingresó en 1427 en el taller de Robert Campin, en Tournai, y que salió de él convertido en maestro pintor en 1432. <br />De hecho, existen coincidencias estilísticas básicas entre ambos artistas, ya que Van der Weyden partió del estilo expresivo, lineal y naturalista de su maestro para dotarlo de una mayor intensidad dramática y un mayor grado de sofisticación y refinamiento.<br />Una de las primeras obras del maestro, y quizá la más conocida, el Descendimiento, condensa todas las características estilísticas que hacen sus creaciones inconfundibles: las figuras, dispuestas en una composición magistral dominada por el sentido del movimiento, expresan toda la fuerza de sus sentimientos con una riqueza iconográfica sin precedentes; el decorativismo, relegado a un segundo plano, se somete a la fuerza del color. <br />En 1436, Van der Weyden está documentado en Bruselas como pintor oficial de la ciudad, donde tuvo un taller con numerosos ayudantes y discípulos, desde el que ejerció una gran influencia no sólo en los pintores flamencos, sino en muchos pintores europeos de la época. <br />Además de unos retablos sobre la Justicia para el Ayuntamiento de Bruselas (perdidos), se le deben innumerables obras de temática religiosa (Tríptico de la Virgen, Tríptico Miraflores) y retratos (Jóvenes mujeres, Francesco de Este); en éstos, la representación naturalista de los rasgos de los personajes está sublimada por sutiles efectos luminosos. En 1450 viajó a Roma para ganar el jubileo y después visitó algunas otras ciudades italianas; fue su único desplazamiento fuera de Bruselas, o al menos, el único del que se tiene noticia.<br />
  20. 20.
  21. 21. VAN DER WEIDEN PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- EL DESCENDIMIENTO.<br />2.- TRÍPTICO DEL CALVARIO.<br />3.- POLÍPTICO DEL JUICIO FINAL. <br />
  22. 22. ALBERTO DURERO<br />Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. <br />Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado. <br />A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno. <br />Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística. Tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica. Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista. <br />Sin embargo, son los grabados las realizaciones en que dio una muestra más cabal de su genio; destacan los de 1513-1514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos: El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I, su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa. <br />Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles. Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana. Se recuerdan también como obras de un maestro algunos de sus dibujos de plantas y animales, así como las acuarelas pintadas por puro placer a partir de paisajes que había contemplado durante sus viajes, y los dibujos de gentes y lugares de los Países Bajos, que constituyen un testimonio histórico inapreciable. Erasmo de Rotterdam le dedicó la mejor alabanza que un humanista podía hacer de un pintor, al definirlo como el «Apeles de las líneas negras».<br />
  23. 23.
  24. 24. ALBERTO DURERO PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- ADAN.<br />2.- EVA.<br />3.- LA ADORACIÓN DE LA SANTÍSIMA TRINIDAD. <br />4.-LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS.<br />5.- LA FIESTA DEL ROSARIO<br />
  25. 25. HIERONYMUS BOSCHEL BOSCO<br />Pintor holandés. Debe su nombre a su ciudad natal, en la que al parecer permaneció durante toda su vida. Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar probablemente en el taller familiar, y realizó un matrimonio ventajoso, que le permitió vivir desahogadamente, entregado a su vocación por la pintura, que le reportaría un gran éxito. No muchos años después de su muerte, personalidades como el rey Felipe II fueron coleccionistas fervorosos de sus obras, que se hallan repartidas por todo el mundo y de las que existe una excelente muestra en el Museo del Prado.<br />Aunque se desconoce la cronología de su producción artística, se cree que pertenecen a la primera época sus obras más convencionales, como El charlatán o La crucifixión. En el centro de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas, una serie de creaciones abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos y encantadores. <br />En esta línea se sitúan los trípticos de Las tentaciones de san Antonio, El carro del heno y El jardín de las delicias, en los que más allá de la fantasía turbulenta y de la dificultosa interpretación de la simbología, triunfan una técnica excelente, fluida y pictórica, y un color brillante, en los que reside buena parte de su belleza. <br />Después de estas obras magistrales, en las que algunos intérpretes ven la representación de la locura humana, realizó cuadros más tranquilos y positivos (El hijo pródigo), para cerrar su carrera con una serie de obras sobre la Pasión de Cristo, en las cuales la figura bondadosa del Salvador aparece rodeada de una muchedumbre de seres deformes y de rostros bestiales.<br />
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  27. 27. EL BOSCOPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />3.- EL CARRO DE HENO.<br />2.- EL VENDEDOR AMBULANTE<br />3.- EL CARRO DE HENO.<br />4.- JESÚS LLEVANDO LA CRUZ.<br />5.- EL PRESTIDIGITADOR.<br />6.- TENTACIONES DE SAN ANTONIO.<br />
  28. 28. PIETER BRUEGELEL VIEJO<br />Pieter Brueghel, el Viejo, es uno de los más grandes pintores flamencos del siglo XVI. Su genio se ha equiparado frecuentemente al de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas como El Triunfo de la Muerte que pende en el Museo del Prado.<br />Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que conoció a estudiosos y científicos de su país. Además, viajó por Italia para aprender la forma de pintar de los renacentistas, permaneciendo incluso una temporada en el taller de un maestro siciliano.<br />Su viaje le valió además una importante colección de dibujos excelentes sobre el paisaje de los Alpes, que hubo de atravesar durante su viaje. Tal vez esto resultara más importante para su carrera que el aprendizaje con los italianos, puesto que a su regreso desarrolló una serie de paisajes muy difundidos en Europa mediante el grabado. <br />En esta misma técnica, realizó ciertos temas moralizantes, normalmente ilustraciones a refranes típicos, algo que también había hecho El Bosco (por ejemplo en La Piedra de la Locura). Su afición por los temas populares ha hecho que se le conozca como Brueghel el Campesino. <br />
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  30. 30. PIETER BRUEGELPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA TORRE DE BABEL.<br />2.- TRIUNFO DE LA MUERTE.<br />3.- JESUCRISTO HACIA EL CALVARIO.<br />4.- JUEGOS DE NIÑOS.<br />5.- RIÑA DE CARNAVAL Y CUARESMA.<br />
  31. 31. PRINCIPALES PINTORES DEL MANIERISMO<br />MANIERISTAS ESPAÑOLES:<br />ROELAS (1.560 – 1.625).<br />EL GRECO (1.541- 1.614).<br />
  32. 32. JUAN DE ROELAS<br />Juan de Roelas es un personaje muy importante en el tránsito del Manierismo romanista al Naturalismo tenebrista que anuncia el Barroco a principios del siglo XVII. Por su biografía se encuadra entre ambos siglos, XVI y XVII. Su estilo parece indicar que se educó como pintor en Italia, aunque no existen documentos que certifiquen su estancia en aquel país. Los primeros escritos sobre su vida los tenemos en el año 1598: trabajaba en Valladolid en los actos conmemorativos de la muerte de Felipe II, colaborando en la traza de su monumento funerario. En Valladolid estuvo trabajando hasta el año 1604, cuando obtuvo una prebenda o favor del Conde-Duque de Olivares. De este modo, pasó a estar bajo la protección de este noble (Olivares es una hermosa ciudad muy cerca de Sevilla). Posee una bellísima colegiata e iglesias muy importantes. Allí, Roelas realizó varios cuadros de grandes dimensiones para adornar altares: en 1606 pintó la Circuncisión, también el Martirio de San Andrés que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla y el Tránsito de San Isidoro, en el año 1613. Al año siguiente, 1614, ya clérigo, fue nombrado capellán real, por lo que en un par de años más se traslada a Madrid, buscando hacer carrera de pintor. Sin embargo y pese a sus diligencias no consiguió que se le otorgara el título de Pintor del Rey, por lo que regresó a Olivares. Sus últimos años los dedicó a su oficio religioso como canónigo de la Colegiata de Olivares y se conocen pocos datos de ese período. En 1625 murió, siendo enterrado en aquel lugar. El estilo pictórico de Roelas arranca de esa supuesta formación italiana de la que, como se ha dicho, no quedan datos documentales. Sin embargo, los rasgos de su estilo prácticamente hacen seguro que Roelas contactara con la Escuela veneciana, pues su colorido cálido y su sentido equilibrado de la composición hablan de Veronés y Tintoretto, cuyos lienzos debió de ver "in situ". Aprendido el estilo italianista del último Manierismo, Roelas introdujo efectos de luz a lo Bassano, que hacen fácilmente reconocible su obra. Al tiempo, se convertía en un estupendo retratista de la vida cotidiana, completando sus composiciones sobre temas sagrados con elementos absolutamente vulgares y de la vida diaria, que fueron muy criticados por otros pintores del momento (como Francisco Pacheco). Roelas supo mezclar la fuerza con la dulzura, añadiendo el estudio del natural, por lo que se le considera la transición entre el artificio del Manierismo y la realidad naturalista del primer Barroco español. También a él se debe el empleo generalizado de un determinado formato de cuadro de altar: dividido en dos mitades yuxtapuestas, la mitad superior refleja el mundo divino, y la mitad inferior representa el mundo terrenal. Esta división es típicamente manierista, pues ya El Greco la había usado con gran destreza. Este reparto del lienzo tuvo mucho éxito en Andalucía. Pese a la genialidad de su estilo, la compleja mezcla de rasgos pictóricos hizo que su técnica ligera y diestra no sentara, empero, una escuela en la región, pese a sus numerosos discípulos, entre los que se encuentran el también sevillano Francisco Varela y el luxemburgués Pablo Legot.<br />
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  34. 34. JUAN DE ROELASPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LA VENIDA DEL ESPIRITU SANTO.<br />2.- LA VIRGEN DE LA MERCED.<br />3.- LA PREDICACIÓN DE SAN ANDRES<br />4.- LA GLORIA.. <br />
  35. 35. EL GRECO.DOMÉNICOS THEOTOCÓPOULOS<br />Pintor español. Aunque nacido en Creta, isla que en aquella época pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su peculiar estilo y la mayor parte de su trayectoria artística en España. Se formó en su isla natal como pintor de iconos, antes de trasladarse a Venecia, donde conoció la obra de Tiziano y Tintoretto, artistas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más influyeron en su pintura. <br />A partir de 1570, tras una estancia de siete años en Roma, El Greco se trasladó a Toledo por invitación del canónigo Diego de Castilla, quien le encargó un retablo para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el artista. <br />Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse en pintor de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto, que su obra sea extraordinariamente fecunda. <br />Se conocen algunas de sus creaciones anteriores a su llegada a España, lo cual permite afirmar que El Greco creó su peculiar estilo después de su establecimiento en Toledo, seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad. Sus figuras alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales, carentes de solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir su paleta originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, los azules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez.<br />El entierro del Conde Orgaz, de El Greco <br />Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de temática diversa. La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde de Orgaz, por el hecho de que el artista se valió de este acontecimiento para dejar constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos planos, uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo. <br />El plano superior, el celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y presenta idéntico hondo misticismo y parecida intensidad dramática; la novedad se encuentra en el plano terrenal, donde los principales personajes del Toledo de la época, incluidos el propio pintor y su hijo, aparecen reproducidos con absoluta fidelidad. <br />De la conspicua producción religiosa de El Greco cabe destacar El Expolio de Cristo, El Bautismo de Cristo, La Adoración de los pastores y diversos Apóstoles, en los que resulta admirable la expresividad de los rostros y los ademanes.<br />Laoconte, de El Greco<br />En los últimos años de su carrera el artista pintó dos celebrados Paisajes de Toledo y un cuadro mitológico, Laocoonte, que sorprende por su temática, inusual en la España del momento. Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de Laocoonte y sus hijos se retuercen en su lucha contra las serpientes y el artista se sirve hábilmente de sus contorsiones para dotar a la obra de una composición admirable. <br />Máximo exponente del manierismo pictórico en España, El Greco es también la primera figura de proyección universal de la pintura española y uno de los grandes genios de la historia del arte.<br />
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  37. 37. EL GRECOPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- ADORACIÓN DE LOS PASTORES.<br />2.- EL EXPOLIO.<br />3.- EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ<br />4.- LAOCONTE.<br />5.- EL SOPLÓN.<br />6.- EL CABALLERO DE LA MANO EN . EL PECHO<br />
  38. 38. PRINCIPALES PINTORES DEL BARROCO<br />BARROCO ESPAÑOL:<br />ZURBARAN (1.598 – 1.569).<br />VELÁZQUEZ (1.599 – 1.660).<br />MURILLO (1.617 – 1.682).<br />BARROCO ITALIANO:<br />CARAVAGGIO (1.571 – 1.610).<br />BARROCO HOLANDÉS:<br />REMBRANDT (1.606 – 1.669).<br />
  39. 39. FRANCISCO DE ZURBARAN<br />Pintor español. A los quince años Francisco de Zurbarán se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz de Villanueva, y donde conoció a Velázquez. Contrajo matrimonio con María Páez en 1617, y desde ese año hasta 1628 permaneció en Llerena (Extremadura). Aunque existen noticias documentales de distintas obras realizadas por Zurbarán durante este tiempo, no se conoce ninguna que con seguridad pueda situarse en esta época. <br />En 1625 Zurbarán se casó en segundas nupcias con Beatriz Morales. En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y datada: la Crucifixión del oratorio de la sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626 había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura. <br />El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monumentalidad; el fondo oscuro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras. <br />En 1629 se estableció en Sevilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad, y era tan grande su reputación como pintor, que no tuvo que pasar el tradicional examen para ejercer su oficio. Entre 1630 y 1639 se sitúa la etapa más fecunda de la obra de este artista, que abarca tanto naturalezas muertas (Bodegón con naranjas, 1633) como obras de tema religioso (Visión del beato Alonso Rodríguez, 1630; Apoteosis de Santo Tomás de Aquino, 1631; Santa Margarita; Santa Isabel de Portugal).<br />Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen Retiro (La defensa de Cádiz contra los ingleses, y una serie de los Trabajos de Hércules); durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo; en el clasicismo toscano, influido a veces por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus aspiraciones. Las pinturas del retablo de la capilla de San Pedro de la catedral de Sevilla (1635-1636) permiten apreciar su evolución artística.<br />
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  41. 41. ZURBARANPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- SAN FRANCISCO ARRODILLADO.<br />2.- CRISTO EN LA CRUZ.<br />3.- SAN HUGO EN EL REFECTORIO . . . . DE LOS CARTUJOS.<br />4.- LA DEFENSA DE CÁDIZ.<br />5.- EXPOSICIÓN DEL CUERPO DE SAN . BUENAVENTURA. <br />
  42. 42. DIEGO RODRÍGUEZ DA SILVA Y VELÁZQEZ<br />Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español, nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente, con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro, hecho habitual en aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo tenebrista, influenciado por Caravaggio, destacando como obras El Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. Durante estos primeros años obtiene bastante éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas a alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir de ese momento, empieza su ascenso en la Corte española, realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos. Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica de José, regresando a Madrid dos años después. La década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando sus excelentes retratos, el de Martínez Montañés o La Dama del Abanico, obras mitológicas como La Venus del Espejo o escenas religiosas como el Cristo Crucificado. Paralelamente a la carrera de pintor, Velázquez desarrollará una importante labor como cortesano, obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y Aposentador Mayor de Palacio. Esta carrera cortesana le restará tiempo a su faceta de pintor, lo que motiva que su producción artística sea, desgraciadamente, más limitada. En 1649 hace su segundo viaje a Italia, donde demuestra sus excelentes cualidades pictóricas, triunfando ante el papa Inocencio X, al que hace un excelente retrato, y toda la Corte romana. Regresa en 1651 a Madrid con obras de arte compradas para Felipe IV. Estos últimos años de la vida del pintor estarán marcados por su obsesión de conseguir el hábito de la Orden de Santiago, que suponía el ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta muy poco, destacando Las Hilanderas y Las Meninas. La famosa cruz que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar en la organización de la entrega de la infanta María Teresa de Austria al rey Luis XIV de Francia para que se unieran en matrimonio, Velázquez muere en Madrid el 6 de agosto de 1660, a la edad de 61 años. <br />
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  44. 44. DIEGO VELÁZQEZ PRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.-LOS BORRACHOS.<br />2.- LA FRAGUA DE VULCANO<br />3.- MARTE.<br />4.- LA VENUS DEL ESPEJO.<br />5.- LAS MENINAS.<br />6.- LA TÚNICA DE JOSÉ.<br />7.- LA DAMA DEL ABANICO.<br />8.-VIEJA FRIENDO HUEVOS.<br />9.-EL AGUADOR DE SEVILLA.<br />10.-LA RENDICIUÓN DE BREDA.<br />
  45. 45. BARTOLOMÈ ESTEBAN MURILLO<br />Pintor español. Nació en 1617 en el seno de una familia de catorce hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó huérfano de padre a los nueve años y perdió a su madre apenas seis meses después. Una de sus hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. <br />En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande; la serie se compone de trece cuadros, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. <br />La Sagrada Familia del pajarito (c.1650), de Murillo<br />El éxito de esta realización le aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de los que realizó multitud de versiones; sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista. <br />Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia). <br />Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció, mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una caída desde un andamio.<br />
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  47. 47. BARTOLOMÉ E. MURILLOPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- NIÑO APOYADO .<br />2.- MUJERES EN LA VENTANA.<br />3.- NIÑOS COMIENDO MELÓN Y UVAS.<br />4.- EL JOVEN MENDIGO.<br />5.- SAN ISIDORO.<br />6.- SANTA JUSTA Y SANTA RUFINA.<br />7.- SAN LEANDRO.<br />8.- LA INMACULADA CONCEPCIÓN.<br />
  48. 48. MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO<br />Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, SimonePeterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos. <br />De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. <br />Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa. <br />Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El tocador de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista. <br />La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos. <br />A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi deiFrancesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de san Mateo y El martirio de san Mateo el primero, y La crucifixión de san Pedro y La conversión de san Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran economía de medios. <br />En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico dejaba paso a una gran serenidad.<br />
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  50. 50. CARAVAGGIOPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.-LOS JÓVENES MÚSICOS<br />2.- CENA EN EMAUS.<br />3.- LA BUENAVENTURA.<br />4.- VOCACIÓN DE SAN MATEO.<br />5.- MEDUSA. <br />6 .-NARCISO.<br />
  51. 51. REMBRANDT HARMENZOON VAN RIJN<br />Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de PieterLastman. <br />En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con JanLievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo. <br />En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de HendrickjeStoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia. <br />Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco. <br />A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio. En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos. <br />Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.<br />
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  53. 53. REMBRANDTPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LOS SÍNDICOS DEL GREMIO DE LOS PAÑEROS.<br />2.- DETALLE DE LA RONDA DE NOCHE.<br />3.- LECCIÓN DE ANTOMÍA.<br />4.- ARMADOR VAN RIJKSEN Y ESPOSA.<br />5.- BETHSABE CON LA CARTA DEL REY DAVID.<br />6.- DANAE.<br />7.- MUCHACHA ASOMADA A LA VENTANA.<br />
  54. 54. PRINCIPALES PINTORES DEL IMPRESIONISMO.<br />NEO-IMPRESIONISTA.<br />VAN GOGH (1.853 – 1.890).<br />IMPRESIONISTAS<br />RENOIR (1.841 – 1.920).<br />MONET (1.840 – 1.926).<br />SOROLLA (1.863 – 1.923).<br />
  55. 55. VINCENT VAN GOGH<br />Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación. <br />Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon. <br />El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.<br />Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a AntonMauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876. <br />Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.<br />Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888. <br />La habitación de Vincent en Arlés (1888) <br />En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.<br />La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.<br />
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  57. 57. VINCENT VAN GOGHPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- PAISAJE<br />2.- LOS GIRASOLES.<br />3.- LIRIOS.<br />4.- TERRAZA DEL CAFÉ DE NOCHE.<br />5.- NOCHE ESTRELLADA. <br />
  58. 58. PIERRE AUGUSTE RENOIR<br />Pintor impresionista al igual que Monet, Sisley, Degas o Pissarro. Sin embargo, mostró una gran originalidad creativa a lo largo de su vida y, su pintura, aunque indiscutiblemente impresionista, presenta ciertas peculiaridades. Por ejemplo, muestra más interés por el cuerpo humano (especialmente el femenino) que por los paisajes. Además le gustan las escenas de interior, a diferencia de los demás impresionistas, que optan siempre por los exteriores y la pintura al aire libre.<br />En Renoir no hay narración, ni grandes temas, ni mensajes que adivinar. Todo en sus obras es claro, sencillo y directo.<br />Los personajes están tratados con gran delicadeza y cariño. Siempre aparecen en actitudes relajadas, sonrientes y felices. Bailan, toman una copa, charlan, tocan el piano, etc.<br />Es por todo esto por lo que Renoir ha recibido el calificativo de "pintor de la alegría". Es muy agradable y atractivo contemplar sus escenas del París de finales del XIX, esos momentos de placer, las pequeñas cosas de la vida, los deliciosos gestos de las niñas y mujeres que pinta; todo resulta simple y cercano. Su éxito se produjo en muchos países, pero sobre todo en Estados Unidos, nación en donde sus habitantes muestran preferencia por lo simple y no alcanzan a descifrar segundas lecturas o significados con matices.<br />Renoir es un pintor de gran colorido, capta lo instantáneo y huye de lo serio y trascendente. Gleyre, pintor contemporáneo suyo, le reprochó que pintaba sólo por divertirse, a lo que Renoir respondió que naturalmente, y que si el pintar no le hubiera divertido, nunca lo hubiese hecho.<br />
  59. 59.
  60. 60. PIERRE AUGUSTE RENOIRPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- LE MOULIN DE LA GALETTE.<br />2.-MUCHCHAS TOCANDO EL PIANO .<br />3.- ALMUERZO CON LOS REMEROS. <br />4.- EL COLUMPIO.<br />5.- LAS BAÑISTAS.<br />6.- EL ESQUIFE.<br />
  61. 61. CLAUDE MONET<br />Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura. <br />Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaba a oponerse al arte establecido. <br />La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su iniciador Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño. <br />Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.<br />Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.<br />A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, NeuePinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas. <br />La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía, condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo, cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.<br />
  62. 62. CLAUDE MONETPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.-<br />2.- PUENTE JAPONÉS<br />3. MADAME MONET Y NIÑO.<br />4.-EL ALMUERZO<br />5.- NENUFARES.<br />6.- LIRIOS EN EL JARDÍN.<br />7.- AMAPOLAS.<br />
  63. 63.
  64. 64. JOAQÍN SOROLLABASTIDA<br />Joaquín Sorolla y Bástida supo captar la luz del Mediterráneo de forma única. Nace en Valencia en 1863, en el seno de una familia modesta. A los dos años queda huérfano y es recogido por sus tíos maternos. Los estudios no le llaman la atención, sintiendo gran inclinación por el dibujo y la pintura. El director de la escuela aconseja que el pequeño Joaquín sea matriculado en la Escuela de Artesanos, donde asiste a las clases nocturnas de dibujo del escultor Cayetano Capuz. En los años siguientes trabajará como cerrajero y coloreando fotografías mientras asiste a las clases en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Una visita en 1881 al Museo del Prado provoca su admiración por Velázquez, Ribera y El Greco. Su carrera artística empieza a cosechar premios y medallas, obteniendo una pensión para estudiar en Roma y París. Contrae matrimonio con Clotilde García del Castillo en 1888, con quien tendrá tres hijos. Los premios son cada vez más importantes, obteniendo una Medalla de Primera Clase en 1895 con Aún dicen que el pescado es caro, obra con la que participa en el realismo social tan en boga aquellos años. Poco a poco alcanza su madurez artística, realizando en Madrid un importante número de retratos - como los de Aureliano de Beruete o María Guerrero - con los que obtiene el reconocimiento en la capital de España y en París. Su fama internacional llegará con las exposiciones de París (1906) y Nueva York (1909), en las que alcanza un importante éxito de ventas y de crítica. Su estilo luminista es admirado por todos. La luz valenciana, las gentes del pueblo y sus actividades protagonizarán sus cuadros, en los que la luz y el color - aplicado con largas pinceladas - serán los elementos principales, como bien se aprecia en Niños en la playa. Su obra más importante la realiza para la HispanicSociety de Nueva York, donde decora las paredes con paneles de temática regional española. Trabajará sin descanso en este encargo entre 1912 y 1919, constituido por catorce paneles por los que recibió 150.000 dólares. En estas obras se dejó los últimos años de su vida ya que al finalizar, sufrió un ataque de hemiplejía en su casa de Madrid (17-VI-1920) falleciendo tres años después en su hotelito de Cercedilla, en la sierra de Guadarrama, sin apenas disfrutar del nombramiento como profesor de colorido y composición en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid (septiembre de 1919), ni de la inauguración de su obra maestra en Nueva York, tres años después de su muerte. <br />
  65. 65. JOAQUIN SOROLLAPRINCIPALES OBRAS<br />OBRAS DESTACADAS:<br />1.- DETALLE DE LA FIESTA DEL PAN.<br />2.- NIÑA MIRANDO AL MAR.<br />3.- LOS NAZARENOS EN SEVILLA.<br />4.- EL BAILE EN SEVILLA.<br />5.- LAS MENINAS.<br />6.- LA PESCA DE ATÚN ENAYAMONTE.<br />7.- MI MUJER Y MIS HIJAS.<br />8.- NIÑOS EN LA PLAYA.<br />9.-COSIENDO LA VELA.<br />
  66. 66. 20 PINTORES<br />10 ESCULTORES<br />TEMA: MEMORIA VISUAL DE OBRAS EXPUESTAS EN LAS PLAZAS DE SEVILLA<br />
  67. 67. SALVADOR DALÍ“COLECCIÓN ISIDRO CLOT”<br />Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en Figueras. Su hermano, también llamado Salvador, murió de meningitis tres años antes del nacimiento del pintor, a los siete años de edad. Dalí cuenta como a los cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le contaron que él era su reencarnación, hecho que llegó a creer y le llevo a comentar que: 'Yo he vivido la muerte antes de vivir la vida. Mi hermano murió a causa de una meningitis, a la edad de siete años, tres antes de mi nacimiento...nos parecíamos como dos gotas de agua, sólo que con diferentes reflejos'. Con este precedente no pueden extrañarnos las excentricidades que a lo largo de su vida le hicieron famoso.<br />En 1922, Dalí se traslada a Madrid, a la Residencia de Estudiantes, para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ya entonces llamaba la atención por su pelo largo, patillas, abrigo, medias y pantalones bombachos, al estilo de la moda del siglo anterior. Pero sus pinturas, en las que experimentaba con el cubismo, le hicieron ganar la atención de sus compañeros de residencia. Dalí devoró influencias de todos los estilos artísticos que pudo encontrar y produjo obras que iban desde el clasicismo más académico hasta la vanguardia más puntera, unas veces en obras separadas y otras combinadas, experimentando, entre otras tendencias, con el dadaísmo, que influyó en su obra a lo largo de su vida. En 1926 fue expulsado de la Academia, poco antes de sus exámenes finales, tras afirmar que nadie en la Academia era lo bastante competente para examinarle. Ese mismo año, hizo su primer viaje a París, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí reverenciaba; Dalí realizó un gran número de obras con una fuerte influencia de Picasso y Miró durante los siguientes años mientras avanzaba desarrollando su propio estilo.<br />En la Residencia de Estudiantes, se hizo gran amigo del poeta Federico García Lorca y del director de cine Luis Buñuel, con el que colaboró en el cortometraje 'Un perro Andaluz'. Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conoció a su musa de inspiración y futura esposa Gala. En el mismo año, Dalí se unió, oficialmente, al grupo surrealista de París, cuyos miembros criticaron fuertemente lo que Dalí llamó el Método paranoico-crítico de acceso al subconsciente para mayor creatividad artística, ya que, según Breton, Dalí utilizaba demasiado imágenes tomadas de los sueños '...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo...'. En 1940, debido a la Segunda Guerra Mundial, Dalí se fue a vivir con Gala a los Estados Unidos, donde permaneció hasta 1948, una de las épocas más fructíferas de su vida.<br />En 1974 se inauguró el Teatro-Museo Dalí en su ciudad natal. Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decayó muchísimo y él se trasladó a vivir a su casa en Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hizo que se trasladase a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo, donde permaneció prácticamente recluido hasta su muerte el 23 de enero de 1989. La mayor parte de su obra fue donada por él mismo a España<br />
  68. 68. SEVILLA. PLAZA DEL SALVADOR DEL 22 DE OCTUBRE AL 5 DE ENERO DE 2.009<br />CARMEN DE CRÓTALOS<br />TRITÓN ALADO<br />MASCARÓ DE ACERO TALISMÁN DE LA SUERTE<br />CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ<br />TERPISHORE<br />CONDOTTIERO CABEZA DE GUERRERO<br />
  69. 69. IGOR MITORAJ“EL MITO PERDIDO”<br />Nació en Oederan (Alemania) el 26 de marzo de 1944, en 1963 comenzó sus estudios artísticos en la escuela de Bellas Artes de Cracovia y donde era profesor el famoso pintor Tadeusz Kantor, uno de los grandes nombres de la plástica y la dramaturgia del siglo XX . De la mano de Kantor exhibió su trabajo por primera vez en 1967 en la galería de Krystofory de Cracovia. Se marchó a París y estudió brevemente en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (EcoleNationalesSuperieure des BeauxArts), donde encontró una gran aceptación dentro del entorno artístico, en especial durante las manifestaciones de estudiantes de 1968. <br />A principios de los años setenta, viajó a México Allí permanecerá un año, recorriendo el país y estudiando el arte azteca. Durante este año comienza a esculpir, realizó sus primeras exposiciones individuales con gran éxito en París y Nueva York. <br />En 1976 Mitoraj consigue un gran éxito con su primera exposición individual en la galería « la Hune » de París, Después de este primer éxito, sobre todo con la obra escultórica presentada lo que hace que se dedique en exclusividad a esta rama del arte. <br />En 1979, se marcha durante varios meses en Nueva York, en donde puede respirar la atmósfera de la escena contemporánea del arte y viaja regularmente a Grecia para estudiar su herencia artística. <br />En 1986 acepta una invitación para la XLII Bienal de Arte Internacional de Venecia. En pocos años su obra se va conociendo en el panorama internacional, sus esculturas aparecen en numerosas exposiciones individuales organizadas en distintos países. <br />Los trabajos escultóricos son principalmente en dos materiales terracota o bronce, pero en 1979, en una visita a Carrara en Italia, descubre que el mármol es un medio ideal para su trabajo de escultura como hacian los grandes clásicos estudiados. En 1983 él instaló un estudio en Pietrasanta, cerca de Carrara. Hoy, Igor Mitoraj divide su tiempo entre Francia e Italia. <br />Ha recuperado la conciencia artística y espíritu del arte de Grecia, de Roma, de los grandes maestros de la escultura del Renacimiento. Sus obras tan monumentales se inspiran en los temas de la historia y la mitología. Sus esculturas parecen estar bajo la magia de una obra arqueológica recién sacada de una excavación, del fragmento escultórico en estado puro, a veces incompleto pero grandioso. Las Imágenes se componen de dioses y héroes, se instalan en las calles y plazas y proponen un gran interrogante a los ciudadanos ¿Es arte moderno?, ¿Es arte clásico?, seguramente se podría decir que es un arte ·Tecnoclasico” si pudiéramos definir dentro de un concepto o corriente artística. Aunque se trata de obras de reciente creación, toman la apariencia de piezas arqueológicas y nos recuerdan la persistencia, bajo la modernidad de hoy, de los grandes temas que preocupan a los hombres: la razón y la espiritualidad, la violencia o la belleza.<br />
  70. 70. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 6 DE DICIEMBRE AL 25 DE MARZO DE 2.007<br />EROS BENDATO SEREPOLATO<br />NACITA DI VENERE<br />CENTAURO<br />ÍCARO ALATO<br />ÍCARO BENDATO<br />
  71. 71. JUAN RIPOLLES“UN IVERSO URBANO”<br />Creativo, naturalista, independiente y humanista. Cualquier definición del castellonense Juan Ripollés, nacido en 1932, necesita rasgos como estos para describir a uno de los grandes del arte contemporáneo español del siglo XX y XXI.<br />Pintor, escultor y grabador único, moldeó una personalidad creadora entre España y Francia. Ripollés tuvo que superar una infancia traumática antes de descubrir el arte. Fallecida su madre durante el parto, fue adoptado por una familia de Castellón de un barrio humilde y, en la España gris de la posguerra, la pobreza le condenó a trabajar desde la niñez. En su infancia no tuvo tiempo de soñar con ser un futbolista. Mientras sus amigos jugaban y correteaban por las calles, él recogía boñigas para venderlas como estiércol, cuidaba animales en establos, se ocupaba de sus hermanos en la casa y realizaba tareas domésticas en el hogar. <br />Entre miserias transcurrieron varios años hasta que, también en la temprana edad de los pantalones cortos, entró a trabajar en un taller de pintura industrial. Allí conoció la gama de colores, sus infinitas combinaciones y las brochas. Aquella experiencia sedujo a Ripollés. No desatendió las obligaciones con la cal o la pintura en paredes de naves y talleres, pero por la noche robaba tiempo al descanso para descubrir un nuevo lenguaje de formas, curvas y representaciones. Así, en la soledad de una habitación en penumbra, se gestó noche tras noche el artista, el genio. Las clases que recibió de dibujo por las tardes en el instituto Ribalta de Castellón, una vez acabada la jornada de trabajo con la brocha gorda, alimentaron en Ripollés la inquietud artística. <br />En 1954, su carrera cultural iba a dar un giro espectacular con un viaje a París. Cargó la maleta de ilusiones y los pocos ahorros que consiguió rescatar de las penalidades de la España de posguerra y descubrió más allá de los Pirineos un nuevo mundo de libertad y creatividad, pero en Francia pasó hambre y tuvo que trabajar como pintor industrial para asegurarse un sueldo.<br />La emancipación definitiva, la ruptura con el andamio y el mono de trabajo, llegó con su incorporación a la galería Drouand David, una de las más prestigiosas del mundo allá por el año 1958.<br />Un estilo muy personal, la autonomía de formas, la complicidad de los colores y una fuerte inspiración en la naturaleza y el hombre permitieron al arte de Ripollés abrir las puertas de todo el mundo. Primero de la mano de la galería Drouand y con posterioridad de forma independiente, proyectó su recreación de entornos vitales e intensos, ricos en matices y emociones, a diferentes países de Europa como Alemania, Bélgica, Holanda, Italia o Francia antes de abrazar otros continentes como América, con exposiciones en EEUU o México, o Japón.<br />Como uno de los referentes del expresionismo figurativo español, Ripollés ha completado desde entonces un amplio recorrido por diferentes tendencias estilísticas hasta instalarse, hoy en día, en una época marcada por el vitalismo de sus escenas, evocadoras de un pulso activo y de una existencia emocional y expresiva.<br />Artista mediterráneo, de perfil heleno y barba florida y franciscana, dentro de su estética perenne de algodón conviven el creador y el hombre. Ripollés es un pintor y escultor singular, pero también un hombre muy identificado con su tierra, con sus gentes, que vive rodeado de la naturaleza, de animales como gallinas o burros y una huerta inaccesible para insecticidas y fertilizantes de laboratorio.<br />Hospitalario, bondadoso, accesible, humilde e independiente. Así es el genio, un forjador de formas nuevas que no aspira con su arte a cambiar el mundo, sino a que el mundo no le cambie a él.<br />
  72. 72. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 6 DE DICIEMBRE 2.006 AL 25 DE MARZO DE 2.007<br />
  73. 73. XAVIER MASCARÓ“GUARDIANES”<br />Xavier Mascaró es un escultor español nacido en París en 1965, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en 1988, en la especialidad de pintura. En 1989 comienza a realizar sus primeros trabajos en bronce; seis años después el hierro se convierte en el protagonista de los materiales que utiliza. Entre 1996 y 1998 vive en Nueva York, para regresar después a Madrid donde trabaja en la realización de obras monumentales. En el año 2004 se traslada de nuevo a Nueva York. Hacia esa época comienza a experimentar con obras en distintos materiales, que incluyen el cristal emplomado, la resina y la piedra. Actualmente trabaja en sus talleres de Nueva York y Madrid.<br />Mascaró posee una trayectoria escultórica fecunda en obras que han sido expuestas en ciudades como París, Caracas, Viena, Montecarlo, Cartagena de Indias, Madrid, Nueva York, entre otras.<br />Su conjunto de obra monumental ha sido mostrado recientemente en Madrid, Sevilla y Málaga tras ser presentado por primera vez en el Jardin du Palais Royal en París en 2008.<br />Ultimas exposiciones:<br />Escultura Monumental.Paseo del Prado y Paseo de Recoletos, Madrid. 2.010 <br />Escultura Monumental.Plaza Nueva, Sevilla / Escultura Monumental.Paseo del Parque y Plaza de la Marina, Málaga/ Gebert Contemporary,Santa Fe,New Mexico/ Galería Freites,Caracas. 2.009 <br />Guardianes.Jardin du Palais Royal, Paris/ Museo de Arte Contemporáneo, Salta (Argentina)/ Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires/ Mascaró en Silos.Museo Nacional Centro Reina Sofía, Monasterio de Santo Domingo de Silos. 2.008<br />
  74. 74. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 15 DE DICIEMBRE 2.009 AL 29 DE ENERO 2.010<br />
  75. 75. AUGUSTE RODIN DENTRO DEL CICLO “ARTE EN LA CALLE”<br />(París, 1840-Meudon, Francia, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-BaptisteCarpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura. <br />Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy malas críticas en el Salón de 1864. Tras unos años al servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas, en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel. El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. <br />Seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón San Juan Bautista predicando. Entonces recibió la gran petición de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París, que nunca llegaron a realizarse, si bien se fundieron en bronce en 1928 gracias a un admirador del artista, y para las que Rodin esculpió una de sus obras maestras, El pensador. <br />Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas, aceptó el encargo de levantar el monumento de Los burgueses de Calais, una obra de dramatismo contenido. Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras como El beso, entre otras, que han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso, por sus estudios texturales y lumínicos. Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor Hugo y a Balzac.<br />
  76. 76. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 20 DE NOVIEMBRE 2.008 AL 7 DE ENERO 2.009<br />
  77. 77. MANOLO VALDÉSDENTRO DEL CICLO“ARTE EN LA CALLE”<br />Manolo Valdés nació en Valencia el 8 de marzo de 1942. En 1957 se matriculó en la valenciana Escuela de Bellas Artes de San Carlos en la que estuvo dos años, abandonado los estudios para dedicarse a pintar.<br />En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica junto con Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes en el cual se mantuvo hasta la muerte de Solbes en 1981, aun cuando a los dos años de la fundación del grupo, Toledo lo había abandonado.<br />A la muerte de Rafael Solbes sigue trabajando en solitario en Valencia durante unos años, hasta que en 1989 viaja a Nueva York donde monta su estudio y sigue experimentando con las nuevas formas de expresión. Pertenece a la GaleriaMarlborough [1] Monta también estudio en Madrid para la realización de grandes esculturas, alternando la creación en ambas ciudades.<br />Influido por Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.<br />Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónicas, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. Como escultor, es autor de La Dama del Manzanares (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid).<br />Valdés ha recibido varios premios, entre los que destacan: en 1965 los premios Lissone y Biella, en Milán (Italia), en 1979, la Medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabados en Tokio (Japón) y Premio del Museo de Arte de Bridgestone en Lis'79 en Lisboa (Portugal); en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas; el Premio Alfons Roig, en Valencia; el Premio Nacional de Bellas Artes de España; en 1986 la Medalla de la Bienal del Festival Internacional de Artistas Plásticos, en Bagdad (Iraq) y en 1993 la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en la clase de Banda de Honor, en Venezuela.<br />
  78. 78. SEVILLA. PLAZA ALAMEDA DEL 25 DE OCTUBRE 2.007 AL 20 DE ENERO 2.008<br />
  79. 79. BALTASAR LOBO“ESCULTURAS MONUMENTALES”<br />Nació en Cerecinos de Campos (Zamora) en 1910, y murió en París en 1993. Se crió en el taller de carpintería de su padre, y en 1922 ingresó como aprendiz en el Taller de Arte de Ramón Núñez en Valladolid. Aquí estuvo hasta 1927, año en que fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando, a la vez que asistió a la Escuela de Artes y Oficios.<br />La obra de Baltasar Lobo está inmersa en paisajes urbanos de París, Zurich, Annecy; además, en Venezuela, una maternidad vaciada en bronce en 1954 está integrada a la arquitectura de la Ciudad Universitaria de Caracas.<br />El estallido de la Guerra Civil lo obligó a exiliarse, y decidió irse a París. Aquí conoció a Picasso, quien fue decisivo para su arte, además de frecuentar los círculos artísticos y literarios más importantes de la ciudad.Se relacionó con el crítico de arte Pierre Daix, fue ayudante de Laurens, y conoció a pintores cubistas como Léger, a miembros del surrealismo y a los escritores Pablo Neruda, Jorge Amado, etc.<br />El escultor tuvo una aproximación al Partido Comunista, lo que le llevó a viajar a la Unión Soviética; pero la decepción que tuvo hizo que de a poco se alejara de las filas del partido. De igual forma, continuó férreo su compromiso civil, y de hecho colaboró en diversas iniciativas colectivas, como en la realización -con otros artistas españoles y franceses- de un mural en el Hospital Psiquiátrico de Sainte-Anne (uno de los más importantes de París).<br />Lobo tomó a la mujer como motivo y temática recurrente de su arte; de hecho su obra se desarrolló a lo largo de casi cincuenta años sin muchas variaciones. Éste, según dijo su amigo el pintor Caneja, “fue poblando su mundo de un gineceo de diosas, pensativas, campesinas, bañistas, centauresas, chicas que juegan al fútbol y ciclistas, siempre sensuales e interesantes, bellas y exactas“.<br />Vale resaltar la serie de Maternidades que comenzó a partir de 1946. Otras obras son: Paysanneassise sur un socle (1942), la Pensive à genoux (1977-1990), Sur la plage (1975-1978), Le réve (1989), la Femme se coiffant (1970), Femme débout, mainsau dos, Femme mainsau dos, figure débout (ambas de 1970).<br />Luego, y sin abandonar a la mujer como tema preferido, comenzó a representar animales. En 1977 viajó a Grecia y fue a partir de ahí que agregó “a los motivos de su inspiración” la mitología de ese país; dedicó una serie dedicada a Los Centauros. En sus últimas etapas Lobo trabajó en esculturas de gran formato.<br />Su producción fue expuesta en Europa y América desde mediados de los años cuarenta, cuando participó en la exhibición de Maestros del Arte Contemporáneo, en La Galería Vendome de París. Sin embargo, fue a partir de los setenta cuando adquirió mayor relevancia internacional.<br />Sus materiales preferidos fueron en un principio el barro, luego la madera y finalmente el mármol y el metal.El museo Baltasar Lobo (instalado de forma provisional en la Iglesia de San Esteban) reúne el legado que el propio artista donó a la ciudad de Zamora, además de obras propiedad de la familia Lobo y colección particular: 33 esculturas, 18 dibujos y multitud de documentos y bibliografía sobre artista.<br />Recibió estos premios: Premio André Susse de Escultura (1958), Premio Jacques Lenchener (1974), Oficial de las Artes y de las Letras de Francia (1981), Premio Nacional de Artes Plásticas de España Medalla de Oro Castilla-León (1984), Orden Andrés Bello de Venezuela (1989), Medalla de Oro SusseFrèresFoundeur (1990).<br />
  80. 80. SEVILLA. PLAZAS ALFALFA, PAN Y PESCADERÍA DEL 11 DE ENERO 2.008 AL 2 DE MARZO 2.008<br />
  81. 81. CRISTOBAL GABARRON”SILENCIOS DE COLÓN”<br />Cristóbal Gabarrón nace en la localidad de Mula, Murcia, en el año 1945, si bien cuando contaba con seis años de edad se traslada con su familia a Valladolid. Desde 1986 vive y trabaja entre Estados Unidos y España.<br />Dedicado a la pintura de forma ininterrumpida, en 1964 ofreció su primera muestra compuesta por cuadros figurativos influido principalmente por la naturaleza y el entorno rural de los campos de Castilla, sin embargo, rápidamente evolucionó hacía la abstracción, pasando por el informalismo, hasta crear un estilo de pintura propio.<br />A partir de esa experiencia las exposiciones se suceden en toda España e inmediatamente después comienzan las muestras en el extranjero.<br />Desde aquellos 70, donde comienza a darse a conocer, su prestigio irá incrementándose hasta llegar a ser considerado en la actualidad, por la crítica internacional, como uno de los creadores más representativos de las últimas generaciones de artistas españoles.<br />
  82. 82. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 10 DE SEPTIEMBRE AL 9 DE NOVIEMBRE 2.008<br />
  83. 83. MIGUEL BERROCAL“GUERREROS Y TOREROS”<br />Miguel Ortiz Berrocal (1933-2006), nace en Villanueva de Algaidas (Málaga). Comienza su formación académica en la Facultad de Ciencias Exactas de Madrid, donde cursa los dos primeros años de matemáticas, obligatorios para el ingreso en la Escuela de Arquitectura. Mientras tanto, como muchos de los aspirantes a cursar los estudios de Arquitectura, frecuenta la Escuela de Artes y Oficios, donde es discípulo de Ángel Ferrant y más tarde, alumno del ceramista Pierre Canivet en París. Se interesó desde su juventud por un sistema de escultura desmontable, transformable y combinatorio que caracteriza toda su posterior producción escultórica. En su obra han influido escultores como Oteiza y Chillida entre otros. Recurre a temas clásicos (torsos, cabezas o figuras reclinadas) y, sobre todo, a un cierto antropomorfismo para evitar un resultado excesivamente geométrico y abstracto aunque es evidente la impregnación de las matemáticas o la arquitectura en sus esculturas, fruto de su propia inclinación y de su formación académica.  Su estilo se caracteriza por la inspiración helénica, por el barroquismo y la complejidad y amplitud de las formas. La meticulosidad y precisión en la realización de complejas piezas manipulables, la exactitud de los diseños y los posteriores ensamblajes, dan como resultado elementos escultóricos formados, a su vez, por otras piezas que tienen una identidad propia. Es precisamente esa dificultad que comporta la realización de cada una de sus esculturas la que le impulsa, a partir de 1962, a realizar las mismas de manera seriada. Así pues, un mismo tema, se repite en una dimensión distinta, con elementos nuevos  combinados y dispuestos de manera diferente. A partir de 1974 su estilo se depura extraordinariamente, pasando a realizar formas cuya mecánica es más sencilla. En su etapa más reciente se ha servido de un dibujo cada vez más sintético yesencial. Desde que en 1952, celebrara en la galería Xagra de Madrid su primera individual, ha realizado numerosas exposiciones por todo el mundo y su obra se encuentra en importantes museos e instituciones tanto europeas como americanas, consagrando a Berrocal como uno entre los mas grandes y significativos artistas de nuestro época. Después de haber vivido y trabajado en Negrar, Verona (Italia), entre 1964 y 2005, Miguel Berrocal decide volver definitivamente a Andalucía para construir y abrir un nuevo taller en su pueblo natal de Villanueva de Algaidas. Fallece en Antequera (Málaga) el 31 de Mayo de 2006, en plena actividad creativa. La  Fundación Escultor Berrocal para las Artes, es una iniciativa reciente que nace auspiciada por la propia voluntad del artista y que tiene por objeto velar por la conservación y la difusión del legado artístico de Miguel Berrocal, así como el estudio e investigación del entorno artístico, histórico y social del artista en todo el mundo Su deseo es que Berrocal pueda renacer en su tierra: renacer como idea, modelo y ejemplo de creatividad artística, de inteligencia, cultura y pasión; y que esa imagen de Andalucía vibrante resuene a escala internacional, que cautive las atenciones con la misma fuerza y fascinación que despiertan las esculturas de este malagueño universal<br />
  84. 84. SEVILLA. PLAZA NUEVA DEL 6 DE FEBRERO AL 26 DE MARZO 2.009<br />
  85. 85. CORNELIS ZITMAN“ZITMAN EN EPAÑA”<br />CornelisZitman (Leiden, 9 de noviembre de 1926). Escultor y dibujante holandés. Hijo de una familia de constructores de Leiden, ingresa en la Academia de Bellas Artes de La Haya a los 15 años. Al finalizar sus estudios, en 1947, rehúsa hacer el servicio militar por estar en desacuerdo con las acciones políticas holandesas en Indonesia y abandona el país a bordo de un petrolero sueco que lo llevará a Venezuela. Se instala en la ciudad de Coro, donde encuentra empleo como dibujante técnico en una empresa constructora. En su tiempo libre pinta y hace sus primeras incursiones en el campo de la escultura. Dos años después se traslada a Caracas, donde trabaja como diseñador de muebles para una fábrica de la que más tarde será director. En 1951 recibe el Premio Nacional de Escultura. Comienza a dar clases de diseño en la Universidad Central de Venezuela, continua dibujando y pintando. En 1958 expone un conjunto de pinturas y dibujos en la Galería de Arte Contemporáneo de Caracas. Decide abandonar la vida de empresario y se muda a la isla de Grenada, donde se dedica por completo a la pintura y comienza a afirmar su carácter de escultor. En 1961 viaja a Boston, Estados Unidos, para participar en una exposición de pintura y diseño. Ese mismo año regresa a Holanda con el deseo de estudiar las técnicas de fundición. En 1964 trabaja como aprendiz en la fundición del escultor PieterStarreveld y regresa definitivamente a Venezuela contratado por la Universidad Central como profesor de diseño. Al año siguiente comienza a trabajar de manera más intensiva en la escultura de pequeño formato modelada directamente en cera. En 1971 expone por primera vez en la Galerie Dina Vierny de París y, a partir de entonces, se dedica exclusivamente a la escultura. En los años siguientes lleva a cabo varias muestras individuales en Venezuela, Francia, Suiza, Holanda, Estados Unidos, Japón, etc. y obtiene varios premios nacionales e internacionales. Algunas de sus obras se encuentran en colecciones particulares y museos de varios países, como las de la Galería de Arte Nacional y el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas de Venezuela, y el Musée Maillol de París.<br />Sus esculturas tratan de reproducir y exagerar la morfología de los indígenas de Venezuela, especialmente la figura femenina.<br />Zitman ha participado en varias exposiciones internacionales como la Bienal de Escultura de Budapest y la Bienal de São Paulo, la FIAC de París y la feria ARCO de Madrid. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar las realizadas en la Galerie Dina Vierny de París, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, la GaleriaTokoro de Tokio, el Museo de Arte Moderno de Bogotá y el Museo BeeldenaanZee de Scheveningen, Holanda.<br />CornelisZitman ha obtenido diversos premios, entre los cuales se encuentran el Premio Nacional de Escultura del Salón de Artes Plásticas de Caracas (1951), el Primer Premio de la Bienal de Escultura de Budapest (1971), el Premio Adquisición del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en la Bienal de Artes Visuales (1981) y el Premio Especial del «KotaroTakamura Grand PrizeExhibition» del Museo Hakone, Tokio (1982). En 2005 fue condecorado con la Orden del León Neerlandés.<br />
  86. 86. SEVILLA. CONVENTO DE SANTA INÉS DEL 22 DE ENERO AL 15 DE MARZO DE 2.009 <br />
  87. 87. 5 FOTOGRAFOS<br />TEMA: NATURALEZA VISUAL<br />
  88. 88. KIKE CALVO<br />Kike Calvo, fotógrafo español afincado en Nueva York, retrata la naturaleza viva con un estilo propio. <br />Este un fotógrafo español, afincado en Nueva York, nació en Zaragoza en 1972. Tras cinco años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía. <br />Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua con la cámara de su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historia. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país. <br />Este fotógrafo autodidacta ha refinado su estilo, estudiando formación profesional varias escuelas, entre ellas en la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas. Le han concedido varios premios, como son los caso del galardón de Periodismo en 1999 por su implicación en temas de cooperación y desarrollo. <br />Más imágenes<br />Un fotógrafo español recorriendo el mundo<br />El trabajo de Kike Calvo refleja los escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos españoles que ha podido ser testigo de las Islas Galápagos y de las aguas lejanas del Ártico. También ha recorrido Australia, Israel, Islas Maldivas, Bolivia, Brasil, Hawai, Hong Kong, Egipto, Belice, México, Canadá, Portugal, Tailandia y Costa Rica, entre muchos otros. <br />Su estilo fotográfico se enmarca en un contexto conservacionista. Ha fotografiado la complejidad ambiental, la belleza del páramo y la magnificencia de la diversidad mundial. Su trabajo, una combinación periodística y artística, se muestra en Nueva York, Japón, Francia, el Reino Unido, Hong Kong, Polonia, Austria, Bélgica, Alemania, Países Bajos y Australia, teniendo en todas ellas representación en agencias. <br />Las instantáneas de Kike Calvo han sido expuestas en numerosas ocasiones: en la oficina central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de la Nueva York, de Chicago o de Manila (Filipinas). En nuestro país, su trabajo, además de estar exhibido en su galería propia en Zaragoza, se ha podido disfrutar en el Museo de Pablo Serrano. <br />Premios de fotografía<br />Premios de Fotografía de Conservación Internacional de Wolfe en el año 2008. Categoría Submarina<br />Premio sobre Asuntos Internacionales en 2001 de la Universidad de Nueva York <br />Debido a su compromiso con los asuntos económicos, internacionales y relacionados con la problemática ambiental, Kike Calvo acude con frecuencia a talleres, seminarios y conferencias de fotografía del mundo entero. Su estilo claro y pensativo llamaron la atención de la empresa Coca-cola quien le invitó como conferenciante al Foro Estambul 2007. La organización le definió como un fotógrafo "con la capacidad de inspirar al público por sus palabras e imágenes". <br />
  89. 89.
  90. 90. CHRISTIAN ZIEGLER<br />Christian Ziegler, oriundo de Alemania, es un periodista especializado en temas de historia natural y la ciencia. Un ecólogo tropical de formación, ha trabajado extensivamente en los bosques tropicales en tres continentes.<br />Ziegler es Asociado de comunicación con el Instituto Smithsonian de Investigaciones Tropicales (STRI) en Panamá, donde el foco principal de su trabajo ha sido durante los últimos diez años. Como una tarea de STRI, pasó 15 meses en el campo de tomar las imágenes de un libro sobre la ecología de los bosques tropicales. Un Web Magic, Publicado por Oxford UniversityPress en 2002, fue nombrado el mejor libro de biología por la Asociación Americana de Editores. Se ve a sí mismo como un traductor, compartir la extraordinaria belleza y fascinación científica de los ecosistemas tropicales con el público en general y por lo tanto la sensibilización para su conservación.<br />De trabajo de Ziegler es frecuentemente contratado y publicado internacionalmente en revistas líderes como NationalGeographic, GEO, BBC Wildlife, Nacional de Vida Silvestre, Y otros. Además de su trabajo editorial, Ziegler ha estado trabajando en proyectos educativos con museos y con los grupos ambientalistas como Conservación Internacional y el Fondo Mundial para la Naturaleza. También ha trabajado extensamente con la comunidad científica, principalmente mediante la contribución de miles de imágenes a la Institución Smithsonian, sino también en colaboraciones con la Universidad de Princeton, Instituto Max Plank, y otros.<br />Su trabajo ha sido galardonado con varios premios internacionales, incluyendo a dos ganadores de cada categoría en WPY de la BBC y el EWPY, el Gran Premio del concurso de fotografía anual de la Fundación Nacional de Vida Silvestre, y premios en varias categorías en función de Fotos del Año. Exposiciones individuales de trabajo de Ziegler incluirá una exposición de viajes producido por el Smithsonian Centro de Exposiciones de viajes y una exposición producida por GEO revista. Ziegler es miembro fundador de la Liga Internacional de Fotógrafos de Conservación (ILCP).<br />
  91. 91.
  92. 92. KOLDO BADILLO<br />Fotógrafo de Orduña (Bizkaia): artista especializado en fotografía de paisajes, naturaleza, viajes... Arte y fotos.Así se autodefine Koldo Badillo en una breve reseña de su pagina web.Comienza a hacer fotos con 12 años y 32 años después sigue apasionándole esta afición."Lo poco que sé lo he aprendido por mi cuenta", se declara autodidacta aun habiendo asistido a numerosos cursos.Su profesión, biólogo, marca profundamente su obra, muy paisajista, pero siempre en un estilo artístico ya que cuando hace las fotos le gusta pensar en una exposición y no en una publicación de viajes o de biología.Empezó a viajar para hacer fotos, si no pudiese hacer fotos en un viaje, no lo haría.Viaja para fotografiar.Participó en muchos concursos consiguiendo un centenar de premios.Su obra goza de colores intensos ya que gusta de utilizar filtros polarizadores para saturar y filtros de colores para nivelar contrastes.Así, en sus fotos encontramos simpleza de formas, equilibrio en los colores y armonía entre las masas.Siempre hay unos cielos intensos y abrumadores en sus fotos y siempre hay aire, sensación de libertad, de espacio, salvo en alguna foto más minimalista, donde se recrea en la composición mas técnica en un ejercicio de equilibrio visual.Actualmente su actividad se centra en la realización de exposiciones, de proyecciones-comentadas y en el proyecto de un libro de fotografías.Técnicamente, como dato, utiliza un equipo Nikon 35mm,F100. F801 y F70, Objetivos sigma 28-78 f2.8 y Nikorr 80-200 f2.8. Tambien una ZenzaBronicaETRs con objetivos de 80 y 50 mm. Preferentemente diapositivas FujiSensia.Como no, también tiene sus incursiones en el mundo digital y retoque, que podréis ver en su página web: http://www.koldobadillo.com<br />
  93. 93.
  94. 94. NICK BRANDT<br />Nacido en 1966 y criado en Londres, Inglaterra, Brandt estudió Pintura y, a continuación de Cine de St. Martins School of Art. [<br />Fue durante la dirección de "Eart

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