Este documento presenta el portafolio de Lilibeth Rojas, una artista plástica venezolana de 22 años que estudia licenciatura en artes plásticas. Su trabajo artístico se centra en acuarelas abstractas inspiradas en la naturaleza, con el objetivo de atraer al espectador hacia los retratos y miradas profundas representadas. Incluye información personal, de contacto, una descripción de su proceso creativo y una galería de imágenes de sus obras.
El documento resume la evolución del arte en diferentes períodos históricos, desde la antigua Roma hasta el siglo XX. Describe los orígenes del arte romano y su influencia del arte etrusco y griego. Más adelante, aborda el Renacimiento en Italia y el surgimiento de figuras como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. También habla sobre el Barroco, el Impresionismo, el Expresionismo y otros movimientos artísticos.
Ppt - el cuerpo como referente en el arte-- ii medio-- jeveline pizarroJeveline Pizarro
El documento describe la evolución de la representación del cuerpo humano a través de la historia del arte, desde el arte rupestre hasta el arte de vanguardia. Comienza con el arte rupestre y el arte egipcio, donde las figuras tienen formas rígidas y estáticas. Luego pasa al arte griego que enfatiza la belleza física y espiritual a través de figuras con movimiento. Finalmente, analiza el arte renacentista, barroco y de vanguardia, donde la representación del cuerpo humano se vuelve más realista y libre.
Coyoacán es un barrio de la Ciudad de México conocido por ser el hogar de importantes figuras artísticas como Diego Rivera y Frida Kahlo. Conserva tradiciones mexicanas a través de sus calles estrechas y parques llenos de artesanos. Rivera fue un destacado muralista cuyo arte expresaba ideas políticas de forma controvertida. Kahlo produjo numerosos autorretratos que expresaban sus emociones y sentimientos, especialmente sobre su accidente y matrimonio con Rivera. Otros artistas importantes de la época
El cuerpo como referente en el arte jeveline pizarroJeveline Pizarro
Este documento describe la evolución de la representación del cuerpo humano a lo largo de la historia del arte, desde el arte rupestre hasta el arte de vanguardia. Comienza con el arte rupestre y su representación de animales, plantas y objetos. Luego describe el arte egipcio, griego, romano y renacentista, enfocándose en sus características estilísticas y temáticas particulares. Finalmente, aborda el arte barroco y de vanguardia, destacando su mayor libertad en la representación del cuerpo humano.
Introducción al tema principal del curso Taller II, perteneciente al programa de Diseño de Vestuario de la Universidad de San Buenaventura, seccional Cali. Esta asignatura se enfoca en la importancia de la Ergonomía en el Diseño de Vestuario.
Este documento presenta el portafolio de Lilibeth Rojas, una artista plástica venezolana de 22 años que estudia licenciatura en artes plásticas. Su trabajo artístico se centra en acuarelas abstractas inspiradas en la naturaleza, con el objetivo de atraer al espectador hacia los retratos y miradas profundas representadas. Incluye información personal, de contacto, una descripción de su proceso creativo y una galería de imágenes de sus obras.
El documento resume la evolución del arte en diferentes períodos históricos, desde la antigua Roma hasta el siglo XX. Describe los orígenes del arte romano y su influencia del arte etrusco y griego. Más adelante, aborda el Renacimiento en Italia y el surgimiento de figuras como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. También habla sobre el Barroco, el Impresionismo, el Expresionismo y otros movimientos artísticos.
Ppt - el cuerpo como referente en el arte-- ii medio-- jeveline pizarroJeveline Pizarro
El documento describe la evolución de la representación del cuerpo humano a través de la historia del arte, desde el arte rupestre hasta el arte de vanguardia. Comienza con el arte rupestre y el arte egipcio, donde las figuras tienen formas rígidas y estáticas. Luego pasa al arte griego que enfatiza la belleza física y espiritual a través de figuras con movimiento. Finalmente, analiza el arte renacentista, barroco y de vanguardia, donde la representación del cuerpo humano se vuelve más realista y libre.
Coyoacán es un barrio de la Ciudad de México conocido por ser el hogar de importantes figuras artísticas como Diego Rivera y Frida Kahlo. Conserva tradiciones mexicanas a través de sus calles estrechas y parques llenos de artesanos. Rivera fue un destacado muralista cuyo arte expresaba ideas políticas de forma controvertida. Kahlo produjo numerosos autorretratos que expresaban sus emociones y sentimientos, especialmente sobre su accidente y matrimonio con Rivera. Otros artistas importantes de la época
El cuerpo como referente en el arte jeveline pizarroJeveline Pizarro
Este documento describe la evolución de la representación del cuerpo humano a lo largo de la historia del arte, desde el arte rupestre hasta el arte de vanguardia. Comienza con el arte rupestre y su representación de animales, plantas y objetos. Luego describe el arte egipcio, griego, romano y renacentista, enfocándose en sus características estilísticas y temáticas particulares. Finalmente, aborda el arte barroco y de vanguardia, destacando su mayor libertad en la representación del cuerpo humano.
Introducción al tema principal del curso Taller II, perteneciente al programa de Diseño de Vestuario de la Universidad de San Buenaventura, seccional Cali. Esta asignatura se enfoca en la importancia de la Ergonomía en el Diseño de Vestuario.
Este documento resume la evolución de la representación humana en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras pinturas rupestres de la prehistoria y continúa explorando el arte egipcio, griego, romano y de la Edad Media. Luego describe los estilos renacentista, barroco, neoclásico y romántico, entre otros, hasta llegar a las vanguardias del siglo XX. El documento analiza características clave de cada período y ofrece ejemplos representativos de obras de arte.
El documento habla sobre el cuerpo humano y su relación con el diseño. Explica que el cuerpo funciona como una máquina perfecta y ha inspirado formas estéticas, proporciones de belleza, lenguajes artísticos, deportes y avances científicos. También describe cómo el diseño se ha adaptado al cuerpo a través de la ergonomía, la moda, las joyas, los tatuajes y las pinturas corporales para cubrir, adornar y comunicar.
El documento habla sobre el autorretrato como uno de los ejercicios más profundos para un artista, implicando escrutar su propio rostro y expresión. Explica que no necesariamente debe ser realista y puede ser literario o en otras formas. También menciona uno de los primeros autorretratos conocidos, hecho por el escultor Bek en la antigüedad. Luego da instrucciones para realizar un autorretrato propio en el colegio, incluyendo técnicas y evaluación.
El documento resume la representación humana en el arte a través de la historia, desde las primeras representaciones en el Paleolítico Superior hasta las vanguardias del siglo XX. Aborda estilos como el paleocristianismo, el gótico, el Renacimiento, el Barroco y el Romanticismo, describiendo obras representativas de cada época y sus características estilísticas.
El documento describe la representación de la figura humana en diferentes períodos artísticos. En el arte prehistórico, las representaciones humanas no mostraban claramente el sexo o rasgos físicos. En el arte mesopotámico y egipcio, las figuras se representaban de forma frontal o de perfil sin mostrar movimiento. En el arte griego, el cuerpo humano era muy importante y las esculturas lo representaban claramente, mientras que en el arte romano se caracterizaba por un realismo extremo en la figura humana.
Este documento describe cómo el cuerpo humano sirve como referente fundamental para el diseño de objetos, vestuario y ornamentación. Explica que el diseño responde a las necesidades culturales y funcionales del cuerpo, y que áreas como la ergonomía estudian la relación entre objetos y el cuerpo humano. También analiza cómo diferentes culturas a lo largo de la historia han utilizado el cuerpo como soporte para la pintura, tatuajes y joyería con fines estéticos y de expresión cultural.
El documento habla sobre el análisis de la figura humana y sus proporciones. Explica que la proporción se refiere a la relación de medidas entre las diferentes partes del cuerpo y con la altura total. Luego discute cómo las proporciones varían entre personas de diferentes edades, sexos y alturas. Finalmente, cubre temas como el movimiento del cuerpo humano, lenguaje corporal y la representación de figuras en comics.
El documento resume la representación del cuerpo humano en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras representaciones en la prehistoria y continúa explorando las culturas egipcia, griega y romana. Luego analiza la Edad Media y el Renacimiento, enfocándose en artistas como Miguel Ángel, Da Vinci y Boticelli. El documento también cubre el Barroco, con Bernini, y el siglo XX, con artistas como Picasso, Matisse y Munch. En general, traza la evolución de la figura humana en el arte
El documento habla sobre el diseño y cómo se ha inspirado en el cuerpo humano a lo largo de la historia. Explica que los objetos se han diseñado para ser extensiones de nuestros cuerpos y mentes para satisfacer necesidades como sentarse, beber o moverse. También describe cómo la ergonomía estudia la interacción entre personas y objetos para lograr un diseño que sea más seguro y fácil de usar, adaptándose al cuerpo. Finalmente, resume las funciones estéticas, prácticas y sociales del diseño.
El movimiento Pop Art surgió en 1948 en Estados Unidos e Inglaterra y se caracterizó por elevar los objetos de la vida cotidiana al nivel de obras de arte. Artistas destacados incluyeron a Andy Warhol, Jasper Jones, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg. Sus obras a menudo representaban productos de consumo masivo y contenido de la cultura popular como cómics y películas. El Pop Art buscaba reflejar la cultura de masas y el cambio cultural de la época.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana en el arte a través de la historia. Comienza en la prehistoria, donde las figuras humanas eran menos realistas que los animales y a menudo simbólicas. Luego pasa a Egipto, donde las figuras estaban reguladas por proporciones y tenían un propósito mágico y simbólico. Finalmente, cubre períodos como Roma, la Edad Media, el Renacimiento, el Romanticismo e Impresionismo, mostrando cómo los estilos y técn
Este documento describe la historia de los estudios sobre las proporciones ideales del cuerpo humano a través de las épocas. Los egipcios, griegos y artistas del Renacimiento como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci desarrollaron cánones de proporción utilizando la medida de la cabeza. En el siglo XIX, Stratz determinó que 8 cabezas era la proporción ideal para figuras humanas atléticas. El documento también presenta las medidas específicas para figuras masculinas e ideales femeninas.
Guía para la unidad IV.
La idea es que los alumnos trabajen de forma individual o grupal de no mas de 4 alumnos.
La guía es para la presentación de un producto final tangible por lo cual se recomienda especificar claramente los plazos de entrega.
El documento presenta información sobre grandes artistas chilenos contemporáneos como Mario Toral, José Balmés, Gracia Barrios, Claudio Bravo, Matilde Pérez, Nemesio Antúnez, Gonzalo Cienfuegos y Roberto Matta. Para cada artista se incluye el nombre de algunas de sus obras más destacadas, la técnica artística empleada y en algunos casos la colección donde se encuentra.
El documento describe la historia y características del arte clásico griego y romano. Explica que el arte clásico se desarrolló entre los siglos VIII a.C. al I d.C. y reflejaba las culturas griega y romana. Describe los principales períodos artísticos como el arcaico, clásico y helenístico, y características de la arquitectura clásica como los órdenes dórico, jónico y corintio.
El documento describe la evolución histórica de la representación de la figura humana en el arte, desde las primeras Venus prehistóricas hasta artistas modernos. Explica los diferentes cánones de proporción utilizados por las culturas egipcia, griega y renacentista, así como técnicas de estilización y desproporción empleadas por artistas posteriores.
2ºmed.la figura humana a través de la historiawladimirims
Un repaso visual por la evolución de la representación de la Figura Humana a lo largo de la Historia del Arte (Culturas, Períodos, Movimientos y Estilos).
El documento proporciona consejos e instrucciones para representar figuras humanas, incluyendo el rostro, manos y pies. Explica elementos como la ubicación de los ojos, boca y nariz en el rostro, así como consejos para dibujar manos, pies y peinados de manera estilizada pero reconocible. Finalmente, solicita como ejercicio que los estudiantes realicen bocetos aplicando estos consejos.
El documento describe las características del arte a través de las diferentes épocas prehistóricas y eras históricas, desde el Paleolítico hasta la era actual. El Paleolítico se caracterizó por pinturas rupestres en cuevas, mientras que en el Neolítico las figuras humanas y animales se exageraban. La era clásica griega se distinguió por representaciones naturalistas de la figura humana.
El documento presenta cuatro objetivos de aprendizaje relacionados con la identificación de necesidades, propuestas de soluciones y comunicación para reducir los efectos perjudiciales del uso de recursos energéticos y materiales desde una perspectiva de sustentabilidad, evaluando también los impactos éticos, legales y ambientales. Asimismo, se describen dos unidades de aprendizaje centradas en mejorar el uso de recursos y analizar de forma crítica el avance tecnológico y sus efectos en la sociedad y el ambiente.
El documento describe cómo elaborar un taumatropo, un juguete óptico que involucra pegar dos imágenes en sentidos opuestos, una mirando hacia arriba y la otra hacia abajo, en un disco delgado que gira y hace parecer que las imágenes se fusionan. También incluye instrucciones para dibujar tu propio taumatropo.
Este documento resume la evolución de la representación humana en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras pinturas rupestres de la prehistoria y continúa explorando el arte egipcio, griego, romano y de la Edad Media. Luego describe los estilos renacentista, barroco, neoclásico y romántico, entre otros, hasta llegar a las vanguardias del siglo XX. El documento analiza características clave de cada período y ofrece ejemplos representativos de obras de arte.
El documento habla sobre el cuerpo humano y su relación con el diseño. Explica que el cuerpo funciona como una máquina perfecta y ha inspirado formas estéticas, proporciones de belleza, lenguajes artísticos, deportes y avances científicos. También describe cómo el diseño se ha adaptado al cuerpo a través de la ergonomía, la moda, las joyas, los tatuajes y las pinturas corporales para cubrir, adornar y comunicar.
El documento habla sobre el autorretrato como uno de los ejercicios más profundos para un artista, implicando escrutar su propio rostro y expresión. Explica que no necesariamente debe ser realista y puede ser literario o en otras formas. También menciona uno de los primeros autorretratos conocidos, hecho por el escultor Bek en la antigüedad. Luego da instrucciones para realizar un autorretrato propio en el colegio, incluyendo técnicas y evaluación.
El documento resume la representación humana en el arte a través de la historia, desde las primeras representaciones en el Paleolítico Superior hasta las vanguardias del siglo XX. Aborda estilos como el paleocristianismo, el gótico, el Renacimiento, el Barroco y el Romanticismo, describiendo obras representativas de cada época y sus características estilísticas.
El documento describe la representación de la figura humana en diferentes períodos artísticos. En el arte prehistórico, las representaciones humanas no mostraban claramente el sexo o rasgos físicos. En el arte mesopotámico y egipcio, las figuras se representaban de forma frontal o de perfil sin mostrar movimiento. En el arte griego, el cuerpo humano era muy importante y las esculturas lo representaban claramente, mientras que en el arte romano se caracterizaba por un realismo extremo en la figura humana.
Este documento describe cómo el cuerpo humano sirve como referente fundamental para el diseño de objetos, vestuario y ornamentación. Explica que el diseño responde a las necesidades culturales y funcionales del cuerpo, y que áreas como la ergonomía estudian la relación entre objetos y el cuerpo humano. También analiza cómo diferentes culturas a lo largo de la historia han utilizado el cuerpo como soporte para la pintura, tatuajes y joyería con fines estéticos y de expresión cultural.
El documento habla sobre el análisis de la figura humana y sus proporciones. Explica que la proporción se refiere a la relación de medidas entre las diferentes partes del cuerpo y con la altura total. Luego discute cómo las proporciones varían entre personas de diferentes edades, sexos y alturas. Finalmente, cubre temas como el movimiento del cuerpo humano, lenguaje corporal y la representación de figuras en comics.
El documento resume la representación del cuerpo humano en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras representaciones en la prehistoria y continúa explorando las culturas egipcia, griega y romana. Luego analiza la Edad Media y el Renacimiento, enfocándose en artistas como Miguel Ángel, Da Vinci y Boticelli. El documento también cubre el Barroco, con Bernini, y el siglo XX, con artistas como Picasso, Matisse y Munch. En general, traza la evolución de la figura humana en el arte
El documento habla sobre el diseño y cómo se ha inspirado en el cuerpo humano a lo largo de la historia. Explica que los objetos se han diseñado para ser extensiones de nuestros cuerpos y mentes para satisfacer necesidades como sentarse, beber o moverse. También describe cómo la ergonomía estudia la interacción entre personas y objetos para lograr un diseño que sea más seguro y fácil de usar, adaptándose al cuerpo. Finalmente, resume las funciones estéticas, prácticas y sociales del diseño.
El movimiento Pop Art surgió en 1948 en Estados Unidos e Inglaterra y se caracterizó por elevar los objetos de la vida cotidiana al nivel de obras de arte. Artistas destacados incluyeron a Andy Warhol, Jasper Jones, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg. Sus obras a menudo representaban productos de consumo masivo y contenido de la cultura popular como cómics y películas. El Pop Art buscaba reflejar la cultura de masas y el cambio cultural de la época.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana en el arte a través de la historia. Comienza en la prehistoria, donde las figuras humanas eran menos realistas que los animales y a menudo simbólicas. Luego pasa a Egipto, donde las figuras estaban reguladas por proporciones y tenían un propósito mágico y simbólico. Finalmente, cubre períodos como Roma, la Edad Media, el Renacimiento, el Romanticismo e Impresionismo, mostrando cómo los estilos y técn
Este documento describe la historia de los estudios sobre las proporciones ideales del cuerpo humano a través de las épocas. Los egipcios, griegos y artistas del Renacimiento como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci desarrollaron cánones de proporción utilizando la medida de la cabeza. En el siglo XIX, Stratz determinó que 8 cabezas era la proporción ideal para figuras humanas atléticas. El documento también presenta las medidas específicas para figuras masculinas e ideales femeninas.
Guía para la unidad IV.
La idea es que los alumnos trabajen de forma individual o grupal de no mas de 4 alumnos.
La guía es para la presentación de un producto final tangible por lo cual se recomienda especificar claramente los plazos de entrega.
El documento presenta información sobre grandes artistas chilenos contemporáneos como Mario Toral, José Balmés, Gracia Barrios, Claudio Bravo, Matilde Pérez, Nemesio Antúnez, Gonzalo Cienfuegos y Roberto Matta. Para cada artista se incluye el nombre de algunas de sus obras más destacadas, la técnica artística empleada y en algunos casos la colección donde se encuentra.
El documento describe la historia y características del arte clásico griego y romano. Explica que el arte clásico se desarrolló entre los siglos VIII a.C. al I d.C. y reflejaba las culturas griega y romana. Describe los principales períodos artísticos como el arcaico, clásico y helenístico, y características de la arquitectura clásica como los órdenes dórico, jónico y corintio.
El documento describe la evolución histórica de la representación de la figura humana en el arte, desde las primeras Venus prehistóricas hasta artistas modernos. Explica los diferentes cánones de proporción utilizados por las culturas egipcia, griega y renacentista, así como técnicas de estilización y desproporción empleadas por artistas posteriores.
2ºmed.la figura humana a través de la historiawladimirims
Un repaso visual por la evolución de la representación de la Figura Humana a lo largo de la Historia del Arte (Culturas, Períodos, Movimientos y Estilos).
El documento proporciona consejos e instrucciones para representar figuras humanas, incluyendo el rostro, manos y pies. Explica elementos como la ubicación de los ojos, boca y nariz en el rostro, así como consejos para dibujar manos, pies y peinados de manera estilizada pero reconocible. Finalmente, solicita como ejercicio que los estudiantes realicen bocetos aplicando estos consejos.
El documento describe las características del arte a través de las diferentes épocas prehistóricas y eras históricas, desde el Paleolítico hasta la era actual. El Paleolítico se caracterizó por pinturas rupestres en cuevas, mientras que en el Neolítico las figuras humanas y animales se exageraban. La era clásica griega se distinguió por representaciones naturalistas de la figura humana.
El documento presenta cuatro objetivos de aprendizaje relacionados con la identificación de necesidades, propuestas de soluciones y comunicación para reducir los efectos perjudiciales del uso de recursos energéticos y materiales desde una perspectiva de sustentabilidad, evaluando también los impactos éticos, legales y ambientales. Asimismo, se describen dos unidades de aprendizaje centradas en mejorar el uso de recursos y analizar de forma crítica el avance tecnológico y sus efectos en la sociedad y el ambiente.
El documento describe cómo elaborar un taumatropo, un juguete óptico que involucra pegar dos imágenes en sentidos opuestos, una mirando hacia arriba y la otra hacia abajo, en un disco delgado que gira y hace parecer que las imágenes se fusionan. También incluye instrucciones para dibujar tu propio taumatropo.
El documento describe el arte digital como una disciplina creativa que utiliza tecnologías digitales en el proceso de producción y exhibición de obras. Explica que surgió con la incorporación de computadoras en la industria visual a finales del siglo XX. Además, señala que el arte digital puede ser una forma de diversión que fomenta la iniciativa y autoestima. Finalmente, propone una actividad para que los estudiantes diseñen un lugar imaginario, creen un personaje y los combinen en una composición digital de una ciudad imaginaria.
2° Medio Problemáticas Juveniles y Medios Contemporáneos(1).pptxRuth Rodriguez
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Un afiche es un texto no literario persuasivo que usa imágenes y slogans breves para promover una idea o producto. Tiene un título, imagen y slogan. Existen afiches publicitarios que intentan convencer a la gente de comprar un producto y afiches propagandísticos que pretenden modificar conductas o mantener conductas positivas.
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proyección digital en espacio exterior.pptxRuth Rodriguez
This document discusses digital projections in outdoor spaces that do not interrupt the natural environment. It aims to understand people's reactions to seeing images projected without disrupting nature.
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