Impresionismo

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Impresionismo

  1. 1. Impresionismo
  2. 2. Influencias <ul><li>Realismo de Courbet en el que se forma MANET. Reacción al estilo correcto y académico de los salones. Pero los impresionistas se interesaron por describir su percepción del mundo natural sin mensaje social ni moral. </li></ul><ul><li>Pintores de BABIZON: MILLET que pintaban directamente de la naturaleza y habían sido influenciados a su vez por COROT y los paisajistas holandeses del s. XVII, aunque aquellos glorificaban la vida campesina y los impresionistas reflejan su observación directa del paisaje natural libre de elementos narrativos. </li></ul><ul><li>HONORÉ DAUMIER influyó en DEGAS, caricaturista y crítico social, retrataba lo esencial de la expresión facial humana y el gesto corporal. Expresividad. </li></ul><ul><li>TURNER Paisajista inglés del siglo XIX que aplicaba colores puros que a cierta distancia producían el efecto deseado. </li></ul><ul><li>Fotografía: captación del instante, inmediatez. </li></ul><ul><li>Japonismo: escenas de la vida cotidiana, decorativismo. </li></ul>
  3. 3. Gustave Courbet (1819-1877) <ul><li>Máximo representante del Realismo francés. Llegó a París con 20 años y realizó su formación artística, copiando obras en el Louvre de Cravaggio, Rembrandt, Velázquez, desarrollando un estilo naturalista , representando escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes. Courbet rechazó la idealización del arte, proclamando que sólo el Realismo era genuinamente democrático, debiéndose tomar como modelos a los campesinos y trabajadores. Al participar en la Comuna de París fue encarcelado y multado, por lo que decidió exilarse a Suiza en 1873. Ejerció una notable influencia sobre los pintores impresionistas por su intransigencia frente al academicismo y sus temas. </li></ul>
  4. 4. Courbet. Los picapedreros
  5. 5. Picapedreros <ul><li>Con los Picapedreros, Courbet inaugura la temática socialista en la pintura, según su amigo Proudhon. El lienzo surgió cuando el pintor contempló la dureza del trabajo de estos dos hombres, transmitiendo con su pintura una fuerte carga social. Las figuras ocultan sus rostros, concentrándose en su labor; visten ropas raídas, apreciándose claramente los parches de los pantalones o los agujeros en las camisas. Con esta obra,quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para corregirla ya que el pintor tiene una misión que cumplir. Los dos picapedreros se recortan sobre la oscura loma que hay tras ellos, apreciándose referencias a la naturaleza. Las piedras, la cacerola del fondo, los útiles de trabajo toman un papel protagonista en la composición, recogiendo el pintor con el mayor realismo posible lo que observan sus ojos. Su exhibición en el Salón de 1850 sirvió para exaltar el trabajo públicamente. Obra desaparecida en la II Guerra Mundial. </li></ul>
  6. 6. Courbet: la hiladora
  7. 7. Courbet. Manzanas
  8. 8. Millet 1814 - 1875 <ul><li>La pobreza definirá la vida y la obra de Millet. Se inició en el dibujo en su pueblo natal pero el fallecimiento de su padre provocaría la retirada temporal del mundo artístico hasta que se le otorgó una beca para que estudiase en París. Allí frecuentó el Louvre donde estudia a todos los grandes maestros de la pintura. Trabajó en la temática campesina continuando los dictados realistas de Courbet y Daumier En 1859 se instala en Barbizon, donde permanecerá el resto de sus días, interesado en asuntos rurales. En sus obras describe científicamente el duro trabajo de los campesinos, que acompaña con toques de espiritualidad. Sus escenas del mundo rural francés influirán en Van Gogh y en Dalí </li></ul>
  9. 9. Millet: el ángelus
  10. 10. El Ángelus <ul><li>El Angelus es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al realismo. Millet muestra a dos campesinos orando. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor. La escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra respectivamente, en un contraste lumínico de gran belleza. Este interés por la luz natural acerca a Millet al Impresionismo. Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. La temática empleada por el maestro hizo que los críticos le tacharan de socialista. </li></ul>
  11. 11. Millet: las segadoras
  12. 12. Daumier 1808 - 1879 <ul><li>Daumier será considerado uno de los máximos exponentes del Realismo. En el museo del Louvre se interesó por Rembrandt y Goya. Se inició como caricaturista, realizando más de 4.000 litografías desde su juventud hasta 1872, año en el que su vista disminuyó considerablemente. A partir de ese momento se dedicaría al óleo, quedándonos unos 100 lienzos que fueron expuestos por sus amigos en 1878. Daumier ejecuta sus obras mediante masas de color, sin apenas interesarse por el dibujo, abriendo el camino a impresionistas y expresionistas. Sus temas favoritos se relacionan con la sátira social y especialmente con la crítica al funcionariado de la justicia. También realizó algunas obras relacionadas con textos literarios como el Quijote. </li></ul>
  13. 13. Daumier: el vagón de tercera clase
  14. 14. Daumier. Manifestante.
  15. 15. Turner 1775 - 1851 <ul><li>Acuarelista y pintor al óleo interesado por la luz y el paisaje. Es un pintor romántico que interesa por la filosofía de los sublime: el poder terrorífico de la naturaleza sobre el hombre. Fuegos, naufragios, tempestades, grandes abismos y montañas son sus temas sacados de sus numerosos viajes a los Alpes, Escocia, Italia. Sus fuentes de inspiración estarán en Rembrandt, Poussin y Claudio de Lorena. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en Lluvia, vapor y velocidad pintado en (1844), donde los objetos son vagamente reconocibles. Tuvo influencia en el impresionismo y en la abstracción. </li></ul>
  16. 16. Turner: barco eslavo
  17. 17. Turner: Venecia
  18. 18. Turner: lluvia, vapor y velocidad
  19. 19. Estampas japonesas
  20. 20. Gran Ola
  21. 21. Arbol en flor
  22. 22. Término <ul><li>15 de abril de 1874 un grupo de artistas jóvenes (Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Degas...) expusieron sus obras en el estudio del fotógrafo NADAR. El periodista Louis Leroy calificó la exposición de IMPRESIONISTAS aplicándoles el nombre de la obra de Monet “impresión soleil levant”. </li></ul><ul><li>La palabra impresión se utilizaba para definir la calidad abocetada e inacabada de la obra de un artista y también para definir el impacto visual que recibía el artista cuando comentaba el tema de una pintura. </li></ul>
  23. 23. Monet: impresión sol naciente.
  24. 24. CARACTERÍSTICAS <ul><li>Preocupación por el efecto cambiante de la luz sobre la superficie de los objetos de la naturaleza, sobre todo en movimiento (agua). Estudio de los efectos de la luz sobre los objetos de un modo científico. </li></ul><ul><li>Representación de las sombras con multitud de matices de color que incluyen los complementarios del objeto que la proyecta. </li></ul><ul><li>Análisis del color de la naturaleza bajo la luz cambiante. Estudio de la composición de los colores. </li></ul><ul><li>Pincelada fragmentada y yuxtaposición de colores puros que se mezclan en la retina del espectador. </li></ul><ul><li>Subjetividad del artista y del espectador que es quien mezcla las pinceladas en la retina. </li></ul><ul><li>Se mantienen las convenciones de espacio y volumen. </li></ul><ul><li>Temas de la vida cotidiana pintados al natural en un instante. </li></ul>
  25. 25. Monet: Álamos. Luz y sombras. Pincelada
  26. 26. Monet: campo de amapolas. Color puro
  27. 27. Monet: Jardín en flor
  28. 28. Precursor: Edouard Manet 1832-1883. <ul><li>Miembro de la burguesía acomodada. Viajó a Madrid donde le influyeron Velázquez y Goya. Sus pinturas fueron criticadas por falta de cabado y por la pobre base de dibujo. Influyó en los impresionistas pero no se consideró uno de ellos. </li></ul><ul><li>Ambigua lealtad a la tradición académica y a su propia concepción realista. Fue alejados de los círculos de los salones. </li></ul><ul><li>Se puede considerar impresionista por </li></ul><ul><ul><li>Carácter subjetivo de su pintura. </li></ul></ul><ul><ul><li>Realismo sin crítica social. </li></ul></ul><ul><ul><li>Pincelada suelta y ausencia de dibujo. </li></ul></ul><ul><ul><li>Pintura en el exterior e instantánea (sin bocetos ni retoques) </li></ul></ul><ul><li>Almuerzo en la hierba presentado al salón de 1863 que rechazó la obra “salon des refusés”. Influencia de la fiesta campestre de Tiziano ¿Giorgione? Hombres vestidos y mujeres desnudas que escandalizó a los contemporáneos. Son retratos: su modelo, su hermano, un escultor y una venus indefinida. Composición en un triángulo. Estudio de la luz. Significación erótica. Insinuación del paisaje y efecto de inacabado. </li></ul>
  29. 29. Almuerzo en la hierba
  30. 30. Tiziano o Giorgione concierto campestre
  31. 31. Almuerzo en la hierba <ul><li>Presentado al salón de 1863 que rechazó la obra. Las obras rechazadas se expusieran en el &quot;Salón des Refusés&quot;. Escandalizó a sus contemporáneos. </li></ul><ul><li>Influencia en la composición de la &quot;Fiesta campestre“.   Retrata a su modelo favorita (desnuda), Eugene Manet (su hermano), Ferdinand Leenhoff (escultor y futuro cuñado) y una Venus agachada, en un paisaje. La composición se basa en un primer triángulo que enmarca a todas las figuras y todas ellas describen nuevos triángulos. Estudio de luz y oscuridad creado por la planta del pie de la mujer desnuda y el zapato del escultor y la mano y el traje del mismo. La significación erótica de la pintura se indica mediante el entrelazamiento de piernas que encierran formalmente el grupo del primer plano dentro del plano pictórico. En las zonas de color anchas y planas (especialmente en la figura central) Manet prescinde del acabado académico y de modelar el volumen y las formas ( a pesar de utilizar los tradicionales contrastes de luces y sombras) están simplificadas. Esto era inaceptable para los académicos. El fondo del paisaje, las hojas y los reflejos del agua están simplemente insinuados con pinceladas flojas; y otras formas como la orilla del riachuelo en el centro de la composición y los troncos de los árboles, están definidos solo por contrastes tonales . </li></ul>
  32. 32. Otras obras de Manet <ul><li>Olimpia: una mujer desnuda recostada en actitud provocativa sobre una cama en tonos blancos, en contraste con el fondo oscuro; una criada negra le entrega unas flores de un amante. Inspirada en las Venus clásicas de Tiziano y Velázquez y en las Majas de Goya, Olimpia es, sin embargo, una prostituta. Tras un viaje a España en 1865 queda fascinado por los temas españoles, como vemos en sus cuadros El balcón, La ejecución de Maximiliano, El pífano en los que es patente la influencia de Goya y Velázquez. Posteriormente se observa en su obra influjo de los temas y técnicas impresionistas, como en El bar del Folies-Bergére , pintando al aire libre escenas de la vida moderna con una paleta clara, aunque no quiso arriesgar su creciente fama exponiendo con ellos. </li></ul>
  33. 33. Manet: olimpia
  34. 34. Manet: El balcón
  35. 35. Ejecución de Maximiliano I
  36. 36. Manet: el tocador de pífano
  37. 37. Manet. Folies Bergèr
  38. 38. Monet 1840-1926 <ul><li>Nacido en Le Havre, llegó a París en 1859. Su obra es fiel a la impresión visual. Realiza series de obras de un mismo tema para captar los efectos cambiantes de luz y color en horas y estaciones diferentes. </li></ul><ul><li>Le interesa el paisaje más que la representación de personas. </li></ul><ul><li>Sus pinceladas son manchas de color, anticipándose a la abstracción. </li></ul><ul><li>En 1867 ya es rechazado en el salón. Vive una temporada en Londres donde le influyen las obras de Turner. </li></ul><ul><li>En 1872 pinta la impresión del amanecer que dará nombre al movimiento impresionista. </li></ul><ul><li>En la década de 1870 participa en cuatro exposiciones imoresionistas. </li></ul><ul><li>En 1879 participa en la Bienal de Venecia. </li></ul><ul><li>1893 comienza el jardín de nenúfares de Giverny. </li></ul><ul><li>Viaja a Madrid en 1904 </li></ul>
  39. 39. Monet: Puente de Argenteuil. Japonesismo
  40. 40. Puente de Argenteuil <ul><li>El paisaje fluvial de esa ciudad pasó a ser su motivo predilecto hasta 1878: los toques y trazos de color podían ser aplicados con máxima soltura con el fin de evocar los movimientos de la luz sobre el paisaje, así como el desplazamiento de las blancas nubes en el cielo azul. Los puentes reconstruidos después de la devastación de la guerra pasaron a ser motivos predilectos, en los cuales se podía experimentar con la composición de superficies mediante coordenadas o la estructuración del espacio recurriendo a diagonales. </li></ul>
  41. 41. Monet: tren en la nieve
  42. 42. Monet. Catedral de Rouen
  43. 43. Monet. Catedral de Rouen
  44. 44. Monet. Catedral de Rouen
  45. 45. Monet catedral de Rouen
  46. 46. Catedral de Rouen <ul><li>La serie sobre la catedral de Rouen refuerza las teorías de Monet iniciadas años antes. Según éstas, los objetos varían dependiendo de la luz que se les aplique. No es lo mismo una iluminación matutina que vespertina cuando incide sobre un mismo elemento. La fachada de la catedral a pleno sol hace que las líneas de sus contornos se difuminen y casi desaparezcan. Los arcos de las portadas, el rosetón o la decoración gótica son absorbidos por el sol, provocando profundos contrastes de luz y sombra, sombra que ahora es más oscura aunque dominan en ella las tonalidades malvas. La rapidez del trazo refuerza la idea de inmediatez y especialmente la impresión que causa esta magnífica catedral gótica a Claude. </li></ul>
  47. 47. Monet. Estación de Saint lazare
  48. 48. Monet. Bulevar de los Capuchinos
  49. 49. Monet. Parlamento de Londres
  50. 50. Monet parlamento de Londres
  51. 51. Monet. Nenúfares
  52. 52. Monet. Nenúfares
  53. 53. Monet. Nenúfares
  54. 54. Nenúfares <ul><li>Cuando Monet se construyó un impresionante jardín en su casa de Giverny decidió cultivar en él nenúfares que son los protagonistas de los últimos cuadros de Claude quien había planeado revestir una habitación circular con una serie de estas plantas. A pesar de las cataratas que dificultaban su visión, Monet realizó una de las obras más espectaculares que en conjunto recibe la denominación de Capilla Sixtina del Impresionismo. La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas. </li></ul>
  55. 55. Renoir 1841-1919 <ul><li>Nació en Limoges hijo de un sastre pobre. A los 13 años ya trabajaba como pintor de porcelanas en París, actividad que le influyó en su pintura posterior, dándole la luminosidad propia del Rococó. En 1861 conoció a Monet y Sisley, con lo que expone en todas las exposiciones impresionistas. </li></ul><ul><li>Le interesa la figura humana, la reproducción de calidades y texturas de los ropajes y objetos. Tonos pastel, calidades y texturas influidas por su oficio de decorador de porcelanas </li></ul><ul><li>Tras visitar Italia se deja influir por los grandes maestros y le alejaron de la corriente principal del impresionismo. Al final de sus días se acercó al fauvismo y a Matisse. </li></ul>
  56. 56. Renoir. Baile en Le moulin de la Galette
  57. 57. Baile en Le moulin de la Galette <ul><li>Popular local al aire libre ubicado en las colinas del barrio de Montmartre, donde se habían instalado despachos de bebidas en dos molinos en desuso y se bahía iluminado el jardín con farolas de gas. Durante el fin de semana, era el centro de diversión para trabajadores, ciudadanos, artistas jóvenes y señores que venían a París desde provincias. El cuadro tiene el atractivo de una impresión incidental pero, sin embargo, fue planificado y cuidadosamente compuesto. Las figuras en el espacio frontal, delimitado por respaldos de bancos y sillas, se reúnen en grupos circulares, están unidas por un intercambio de miradas. Los blancos faroles trazan una red de coordenadas sobre la superficie del cuadro. En los vestidos de algunas muchachas se refleja la moda del siglo XVIII. Renoir hizo posar para el cuadro a amigos y modelos, pues la pintura fue realizada al aire libre. </li></ul>
  58. 58. Renoir. Los grandes boulevares
  59. 59. Renoir. Paseo por el campo
  60. 60. Renoir. El desayuno
  61. 61. Renoir en el palco
  62. 62. Renoir. Después del baño
  63. 63. Renoir. Bañistas
  64. 64. DEGAS 1843-1917 <ul><li>De familia rica se unió pronto a los impresionistas. Como no estaba obligado a vender sus obras para subsistir hizo retratos sin que le fueran encargados y tuvo libertad para representar temas de sus grandes pasiones: la danza y los caballos. </li></ul><ul><li>Dominaba muchas técnicas, incluyendo el pastel y la escultura. </li></ul><ul><li>Le interesó más la luz artificial de los locales de la noche que la luz solar . </li></ul><ul><li>También se interesó por el movimiento y las posturas extrañas y composiciones inestables y diagonales. </li></ul><ul><li>No pintaba de un modo inmediato, sino que observaba intensamente y los transportaba a las obras en el estudio. En esto difería de sus compañeros de estilo. </li></ul>
  65. 65. Degas. La absenta
  66. 66. La absenta <ul><li>En el Café de la Nouvelle-Athénes posan la actriz y modelo Ellen André y el grabador Marcel Desboutin. Ambos se sitúan tras una típica mesa de café y delante de los espejos que adornaban las paredes del local. Encima de las mesas una bandeja con la botella de absenta, la copa de licor y un vaso. El gesto de desprecio y ausencia de la dama es una de las notas características de la pintura. Junto a ella contemplamos al hombre, indiferente ante la mujer que le acompaña. Lo que aparentemente parece una obra realizada de manera rápida y casi sin pensar resulta una escena sumamente estructurada: Las líneas verticales y diagonales organizan la composición, preocupándose por la profundidad al reflejar a las dos figuras en el espejo y situar las mesas en sucesivos planos. Los colores también han sido estudiados, con el ya contraste entre los tonos oscuros del traje y los colores claros de la blusa y el sombrero. La luz resbala por los modelos y crea tibias sombras. Los reflejos de luz en el mármol y en los cristales se consiguen gracias a un ligero toque de color blanco. La pincelada es bastante suelta, apreciándose los rápidos toques del pincel. </li></ul>
  67. 67. Degas: cabaret
  68. 68. Degas: carreras de caballos
  69. 69. <ul><li>Los hipódromos estaban de moda en aquellos momentos entre los burgueses de París, por lo que Degas busca en ellos su inspiración. Bien es cierto que su atracción por los caballos le llevó a copiar estampas inglesas de hípica, así como los equinos que aparecían en los cuadros de Delacroix. Una de las mayores atracciones del artista serán los colores de las camisas de lis jinetes, empleando en este caso unas tonalidades brillantes para conseguir un efecto más atrayente para el espectador. </li></ul>
  70. 70. Degas: la estrella
  71. 71. La Estrella <ul><li>En La estrella sitúa a la bailarina en el centro del escenario, ofreciéndonos una posición privilegiada al espectador al mostrarla desde un palco. Por eso emplea una perspectiva de arriba hacia abajo. Al fondo podemos contemplar los decorados con algunas bailarinas descansando o charlando entre ellas; también vemos a un hombre vestido con un elegante traje negro, posiblemente el protector de la bailarina a la que espera entre bastidores. Al ser la cinta que lleva la muchacha en el cuello del mismo color que el traje del caballero y señalar hacia él, refuerza indirectamente esta idea. La rapidez de ejecución no impide destacar la genialidad del dibujo de Degas como podemos apreciar en la delicada figura de la estrella, a pesar de la pincelada suelta que se adueña del conjunto. No deja de sorprender el estudiado juego de luces, creando diferentes zonas de sombra de distintos tonos dependiendo de cómo incide en ella la luz de los focos del teatro. </li></ul>
  72. 72. Degas: clase de baile
  73. 73. Degas. Pequeña bailarina
  74. 74. Bailarinas <ul><li>Degas conocía bien el teatro de la Ópera debido a sus frecuentes visitas y parece probable que contratara a algunas bailarinas para que posaran en el estudio, puesto que con seguridad él no pudo contemplar estos ensayos previos. El color predominante es el blanco de los vestidos, mientras que el rosa de las zapatillas y de las cintas ocupa un papel secundario. A ese predominio del blanco contrasta el color negro del traje del maestro y los sienas de suelo y paredes, que crean un pronunciado contraste entre las tres tonalidades. No hay que olvidar la magnífica sensación atmosférica creada por Degas en la estancia, que diluye los contornos de las figuras, como ya hizo el gran Velázquez . Para ello aplica una pincelada más suelta, sin olvidar una perfecta base de dibujo. </li></ul>
  75. 75. Neoimpresionismo
  76. 76. Características <ul><li>Reacción desde para acabar con la pura intuición del impresionismo. </li></ul><ul><li>Integración entre la intuición y la disciplina científica y racional para recuperar la forma y conseguir una pintura sometida al orden y la armonía. </li></ul><ul><li>Fragmentación consciente de la pincelada, que adquiere un mayor protagonismo como elemento artístico, para llegar al punteado. </li></ul><ul><li>Estructuración de la composición. </li></ul><ul><li>Formas geometrizantes. </li></ul><ul><li>Alejamiento del naturalismo impresionista. </li></ul>
  77. 77. Georges Seurat 1859-1891 <ul><li>Influido por los impresionistas. </li></ul><ul><li>Unió la composición equilibrada clásica con las ideas científicas sobre el color. </li></ul><ul><li>Creó pinceladas como puntos uniformes. Esta técnica se llama divisionismo o puntillismo. Supone la aplicación de puntos de colores primarios puros puestos unos al lados de los otros que se juntan en la retina del espectador creando los colores secundarios y los matices. Todos los puntos tienen un tamaño uniforme que queda determinado por el tamaño de la pintura y la distancia desde donde debe contemplarse para conseguir la mezcla óptica adecuada. Los puntos continúan por el marco para incorporarlo a la composición. </li></ul><ul><li>Investigó la relación existente entre color, línea, composición y emoción. </li></ul><ul><li>Pinturas muy organizadas y meticulosa ejecución. </li></ul>
  78. 78. Tarde de domingo en la isla Grande Jatte
  79. 79. Tarde de domingo en la isla Grande Jatte <ul><li>Ejemplifica la pincelada distintiva de Seurat y la gran firmeza de construcción que logró mediante este procedimiento, además de la miríada de puntos, las posturas rígidas de frente y de perfil, los marcados elementos verticales y horizontales, y la disposición de los grupos de figuras en planos recesivos. La utilización de la perspectiva múltiple -el espectador no ve le cuadro desde un punto de vista único- contribuye a la calidad plana y como congelada de la composición y quita importancia a la figura del niño vestido de blanco situado ene el centro. El blanco es una unión de los tres colores primarios y de colores compuestos, por lo cual, esta pequeña figura se convierte en un punto de resolución, y su posición central refuerza la impresión de momento congelado que sugiere el cuadro. </li></ul>
  80. 80. Seurat: baño en Ansiers
  81. 81. Seurat: el circo
  82. 82. Postimpresionismo <ul><li>Cubre el periodo entre la último exposición impresionista en 1886 y el nacimiento del cubismo en la primera década del siglo XX. </li></ul><ul><li>El nombre fue acuñado por Roger Fry en su exposición de 1910 “Manet y los post-impresionistas” en la que piensa que la nueva pintura no aspira a representar objetos como hacía el impresionismo...sino que pretende expresar ideas transfiriéndolas a otro lenguaje. </li></ul>
  83. 83. Paul Gauguin 1848-1903 <ul><li>Nació en París, pasó parte de su infancia en Lima (Perú) y murió en la Dominique (islas Marquesas). </li></ul><ul><li>Comenzó a pintar en 1874 por influencia de la primera exposición impresionista, tras una carrera de marino mercante y corredor de bolsa, integrándose en el grupo en 1879. </li></ul><ul><li>En 1883 se instaló en Bretaña (Pont-Aven) donde desarrolló sus teorías del simbolismo. </li></ul><ul><li>Tras un viaje a Panamá y a Martinica y un intento fallido de trabajar con Van Gogh en Arlés, marchó a Tahití buscando la unidad con la naturaleza y allí murió. En Tahití su pintura se centró en la vida sencilla del pueblo. </li></ul><ul><li>Sus pinturas se caracterizan por la utilización del dibujo, la ausencia de modelado, colores brillantes contorneados por colores oscuros o negros que combinan su interés por el arte primitivo y el arte japonés y por las artes decoraticas y el cloissoné (compartimentos estancos). Se define la pintura como una superficie plana cubierta con colores que siguen un diseño, creándose el concepto de pintura contemporánea. </li></ul><ul><li>SIMBOLISMO: búsqueda del significado de la vida a través de la espiritualidad. Las pinturas simbolistas expresan su preocupación por la muerte, el sexo, la maldad y el espíritu, además de la unión con la naturaleza. </li></ul>
  84. 84. Gauguin. Crucificado amarillo
  85. 85. Gauguin. Visión después del sermón
  86. 86. Lucha de Jacob con el ángel (1888) <ul><li>Las mujeres bretonas que retornan de la iglesia y su párroco ubicados en primer plano, son espectadores del suceso. Aquí lo percibido, la lucha de Jacob con el ángel aparece únicamente en su fantasía. La escena bíblica está separada de los espectadores por el tronco diagonal de un árbol -influencia japonesa- y emplazada sobre un fondo irreal de color rojo. El manzano y la vaca son símbolos de Bretaña. Jacob es una figura simbólica de enajenación y regeneración . </li></ul><ul><li>Para transmitir la sensación de aparición, presenta a los grupos en escala desproporcionada: la vaca es demasiado pequeña y los bretones demasiado grandes. La nueva estructura viene dada por la ausencia de sombra y las formas planas, llenas de color y definidas claramente. Este cuadro, incomprendido por la mayoría, inauguró el nuevo estilo. </li></ul>
  87. 87. Gauguin. Autorretrato
  88. 88. Pintura en Tahití <ul><li>En Tahití ensalzaba en sus cuadros la belleza de los &quot;cuerpos dorados&quot; y la indolente gracia de los maoríes así como el incandescente colorido de la naturaleza tropical. El pintor titulaba sus cuadros con palabras del lenguaje maorí. Las posturas, en general distendidas, de los desnudos o semidesnudos personajes irradiaban una profunda serenidad. Las figuras se integran armónicamente en el entorno, pintado de forma ornamental y sin volumen. Los contornos, las proporciones y los detalles evidencian la simplificación y la desmañada tosquedad características del arte &quot;primitivo&quot;. El simplificado manejo de la pincelada y el intenso contraste de la coloración conservan un modelado impresionista gracias al proyectado de las sombras, los efectos de luz y el frecuente empleo del verde. </li></ul>
  89. 89. Gauguin. Orana María
  90. 90. Gauguin Arearea
  91. 91. Gauguin. Mujeres tahitianas en la playa
  92. 92. Paul Cezanne 1839-1906 <ul><li>Nació en Aix en Provence hijo de un rico banquero, abandonó el derecho por la pintura. Conoció a los impresionistas y expuso con ellos, pero continuó estando aislado de ellos. Su estilo es más analítico y geométrico, influyendo en los pintores cubistas. </li></ul><ul><li>Le interesa más la estructura y composición muy ordenada y armónica de la obra y contar con tiempo ilimitado para su plasmación en el lienzo. </li></ul><ul><li>La observación de la naturaleza, el pigmento como material, la aplicación del color y la pincelada son sus preocupaciones. Solo pintaba del natural en su estudio y en sus constantes paseos por Aix. </li></ul>
  93. 93. Cezanne. Bodegón
  94. 94. Cezanne. Bodegón
  95. 95. Bodegones <ul><li>Para Cézanne la obra de arte es un producto creado en contacto con la realidad a base de percepción visual, teoría y segura mano artesana. Es difícil fechar sus cuadros porque el resultado nunca le satisfacía, firmaba muy pocos cuadros y si lo hacía era por complacer al comprador. En Los bodegones podía ordenar los objetos según sus propios criterios formales y observarlos por más tiempo que al retratar a las personas. No trazaba contornos: las pinceladas de colores distintos van diferenciando a cada uno de los objetos y a la vez van ligando al conjunto en un continuo. En esta obra se inclinó por una composición exuberante, dinámica, casi barroca, pero lejos de la pura reproducción naturalista. </li></ul>
  96. 96. Cezanne. Bañistas
  97. 97. Bañistas <ul><li>Uno de los temas más repetidos de Cézanne serán las bañistas. Se interesaría por emplear el color como sistema de modelado, basándose para ello en el arte clásico. Estas primeras bañistas tienen aún reminiscencias impresionistas como el interés por el estudio lumínico y la utilización de sombras coloreadas. Sin embargo, Cézanne aplica las tonalidades con una rápida pincelada, sin detalles, ni siquiera en los rostros de las figuras. La pintura se hace cada vez más intelectual y deja de lado el puro goce estético. </li></ul>
  98. 98. Cezanne. Jugadores de cartas
  99. 99. Jugadores de cartas <ul><li>Durante la década de 1890 Cézanne pintó una serie de cuadros con la temática de los jugadores de cartas. Los protagonistas de las telas son los campesinos de Aix. Las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa sobre la que apoyan los codos. Una alta botella nos da paso hacia la cristalera del fondo, por la que se intuye un abocetado paisaje. Los dos hombres están concentrados en el juego, interesándose el maestro en captar sus expresiones, y se presentan tocados con sendos sombreros típicos de las clases sociales humildes de la Provenza. La iluminación artificial se manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de la botella. El color inunda todo: chaqueta de tonalidades grises amarillentas que tiene su continuidad en el pantalón de su compañero, vestido éste con una chaqueta de tonalidades malvas que se mezclan con diversos colores. El fondo se obtiene gracias a una mezcla de tonos aunque abunden los rojizos, en sintonía con la mesa y el mantel. La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que conforman facetas, elementos identificativos del cubismo. </li></ul>
  100. 100. Cezanne. Montaña de Santa Victoria
  101. 101. Montaña de Santa Victoria <ul><li>Entre los paisajes más apreciados por Cézanne es la montaña Sainte-Victoire su preferida, realizando numerosas composiciones en las que la protagonista es la montaña contemplada desde diferentes puntos de vista. En todas ellas se presenta majestuosa en el centro de la composición, erigiéndose sobre los bosques de su alrededor. Un entramado de líneas organiza la composición, líneas que son cubiertas por una amplia variedad de tonalidades aplicadas de manera rápida y contundente, distribuyendo las pinceladas en trazos amplios que paulatinamente se acercan a las facetas que tanto utilizarán los cubistas. El colorido es tremendamente intenso, utilizando malvas, azules, verdes, amarillos y naranjas, convirtiéndose el color en el auténtico protagonista de la composición. </li></ul>
  102. 102. Vicent Van Gogh 1835-1890 <ul><li>Hijo de un pastor protestante, estudió para sacerdote y fue misionero de mineros en Bélgica, dedicándose a la pintura en 1880. Sus primeras obras eran naturalistas con mensaje social. Son obras oscuras y retratan la vida campesina, tiene influencias de Daumier y de Millet. </li></ul><ul><li>1886 se reúne con su hermano Theo en París y descubrió a los impresionistas, pero tuvo además influencias de Rubens, del grabado japonés y de Gauguin. En este momento empieza a iluminar su paleta. </li></ul><ul><li>1888 se instaló en Arlés, y Gauguin compartió con él un tiempo hasta que se enemistaron (incidente de la oreja). Pero le influyó en el perfilado de las figuras y en los tonos vibrantes. Pasó por crisis emocionales y estancias en el manicomio, durante esa época pinta paisajes, cuadros de flores y autorretratos de colores intensos, con una gran luminosidad que refleja sus sentimientos (19 meses 255 cuadros). Luego se instaló en una pensión de Auvers donde tuvo un periodo de calma y optimismo </li></ul><ul><li>1890 se suicidó por una recaída en su enfermedad por los problemas que su hermano Theo tuvo con su galería de arte y por una pelea con el doctor Gachet. </li></ul>
  103. 103. Van Gogh. Cena de las patatas
  104. 104. Van Gogh. Habitación de Arles
  105. 105. Van Gogh. Autorretrato
  106. 106. Van Gogh. Iglesia de Auvers
  107. 107. Van Gogh. Doctor Gachet
  108. 108. Doctor Gachet <ul><li>Fue su primer modelos en Auvers. Actitud melancólica del personaje sentado (novelas en versión francesa sobre la mesa) y estilización decorativa. En su retrato, el doctor lleva un gorro marinero blanco y está pintado con un fondo de abstractas colinas. Él era un doctor homeópata un tanto excéntrico y Van Gogh alude a su profesión incluyendo la planta dedalera. No buscaba un parecido fotográfico sino reflejar la expresión, Con este retrato, influido por el simbolismo de Gaugin buscaba la &quot;apenada expresión de nuestra época&quot;. </li></ul>
  109. 109. Van Gogh. La noche estrellada
  110. 110. Noche estrellada <ul><li>Mantiene una conexión formal con Gaugin en el perfil de las colinas, la casa, la iglesia; mientras que las formas turbulentas y los remolinos de colores intensos contra la noche sombría crean un obsesionante estado de ánimo ajeno a la sensibilidad del simbolismo. Su pincelada es ondulante, larga y pastosa. Le atraían los cambiantes contrastes de colores primarios y complementarios. </li></ul>
  111. 111. Van Gogh. Los lirios
  112. 112. Van Gogh. Los girasoles
  113. 113. Girasoles <ul><li>Los girasoles (1889) Realizado para decorar la habitación de Gaugin. Realizó 4 lienzos, de los que firmó dos y se los envió a su hermano para que los exhibiera. Fueron también expuestos en Bruselas en 1889 donde fueron un éxito. Utilizó dos estilos dispares: las pinceladas &quot;sin punteado ni nada, sólo un toque variado&quot; y un estilo decorativo que esperaba produjera &quot;el efecto de las vidrieras de una iglesia gótica&quot;. La pared posterior produce un efecto de sombreado, mientras que la superficie que soporta el jarrón queda lisa. El mismo efecto se ve en la parte superior e inferior del jarrón. Las flores se hicieron con toques suaves, mientras que las hojas y tallos se realizaron con pinceladas más fuertes. </li></ul>
  114. 114. Toulouse-Lautrec 1864-1901 <ul><li>Hijo de un conde de la aristocracia del sur de Francia. De pequeño se rompe el fémur en ambas piernas quedando tullido y enano. </li></ul><ul><li>De 1882 a 1886 completa en París su formación pictórica con clases privadas. Conoce a Van Gogh. Su primer cliente fue Theo van Gogh. Comienza a frecuentar los locales de diversión nocturna donde también expone sus cuadros. Los veranos los pasa en la playa. Es un gran viajero por España, Inglaterra, Portugal, Bélgica y Francia. </li></ul><ul><li>1899 le ingresan en una clínica mental porque es alcohólico y en 1901 queda paralizado por una apoplejía muriendo en el castillo de su madre en Albi. </li></ul><ul><li>Pinta con estilo crítico-realista que deriva hacia lo caricaturesco. La tipología de sus personajes es expresiva y deformante de la realidad, que es una superación técnica y formal de los planteamientos impresionistas. </li></ul><ul><li>Tiene influencias de las propuestas decorativas del modernismo, pero en lo temático mantiene el realismo testimonial del París de fin de siglo. </li></ul><ul><li>Es también cartelistas de los locales que frecuenta (cabarets, editoriales, galerías de arte) a base de grandes superficies de color. </li></ul>
  115. 115. Toulouse-Lautrec. <ul><li>Este cartón es un estudio preparatorio para el gran cuadro de El salon de la rue des Moulins, eligiendo como protagonista a Rolande, la prostituta de la izquierda que era una de las favoritas de Toulouse-Lautrec. La Hollandaise es su compañera, diferenciándose por su pose más natural frente al hieratismo de Rolande, como si de una esfinge se tratara. El color rojo domina en la composición, aplicado con empastados toques que no llegan a ocultar el poderoso dibujo que sirve para trazar los contornos. </li></ul>
  116. 116. Toulouse Lautrec. Yvette Guilbert saludando al público <ul><li>Retrato de la diva en el que Toulouse-Lautrec ha sabido sintetizar al máximo los elementos para manifestar el carácter que caracterizaría a la cantante. Sería uno de los numerosos estudios elaborados por Lautrec para formar uno de los dos álbumes de litografías que dedicó a la Guilbert. A pesar de esta dedicación, la cantante despreció continuamente al pintor, criticando con contundencia sus trabajos, eligiendo para sus encargos a Steinlen </li></ul>
  117. 117. Jeanne Avril <ul><li>Una de las grandes musas de Toulouse-Lautrec será Jane Avril, bailarina del Moulin Rouge desde 1891. En esta composición la vemos en un momento de su nerviosa danza, bailando sola . A Toulouse-Lautrec le interesa la figura y el movimiento por lo que parte del cartón está sin pintar; sin embargo, para crear sensación de profundidad, ha esbozado dos figuras al fondo. De nuevo destaca el interés otorgado por el pintor a la línea frente al color, empleando gamas frías. </li></ul>
  118. 118. El reservado del Au Rat Mort (Lucy Jordan)
  119. 119. Reservado <ul><li>El &quot;Rat Mort&quot; era uno de los restaurantes más caros de París; sus salones privados eran visitados por algunas cortesanas acompañadas de ricos clientes, como en este cartón que contemplamos. Toulouse-Lautrec nos presenta a Lucy Jordain sentada a la mesa junto a un rubio caballero. Contrario a su técnica habitual en la que otorga una mayor importancia a la línea y al dibujo, en esta composición resalta su interés por los tonos y las luces artificiales que iluminan el reservado, como bien se aprecia en el cabello de la joven. El óleo está aplicado en largas y empastadas pinceladas aunque se interese en algunas zonas por detalles como en los platos, copas o el frutero de la izquierda. Estas figuras sentadas a una mesa serán muy habituales en la pintura de fines del siglo XIX. </li></ul>
  120. 120. Cartel
  121. 121. Le Chat Noir

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