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La música renacentista power point

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La música renacentista power point

  1. 1. LA MÚSICA RENACENTISTA Curso 2008/2009
  2. 2. INTRODUCCIÓN  El término Renacimiento, usado para designar la época que abarca los siglos XV y XVI, pretende remarcar el intento del hombre de renacer tras el oscurantismo medieval, en el que la sumisión del hombre frente a Dios era total. Su inicio está marcado por el Humanismo, una forma de pensamiento que trata de poner al hombre como centro del universo, al que todo lo demás está supeditado.  En el mundo del arte, el Renacimiento tiene un objetivo claro: la vuelta a los ideales de los cánones de las civilizaciones clásicas (Grecia y Roma): esto es, equilibrio, serenidad y orden.  En el ámbito musical hay una constante búsqueda de la claridad en las líneas melódicas, que conducirá, a finales de esta época, al nacimiento de la monodia acompasada y de la forma vocal por excelencia, la ópera, en un intento de recuperar los antiguos dramas griegos.
  3. 3.  Aunque la música instrumental no puede equipararse aún a la vocal, sí se observa un progresivo interés por este tipo de música: la proliferación de danzas dará lugar a recopilaciones que podemos considerar la antesala de la suite de danzas barrocas, y en Venecia encontramos las primeras incursiones de los instrumentos en la música religiosa, de la mano de los Gabrieli.  Por lo que se refiere a la música vocal, como consecuencia del deseo de poner al hombre en el centro de todas las cosas, el Renacimiento es una época de esplendor de la polifonía profana, que alcanza en importancia a la religiosa. El progresivo interés por la forma musical se puede adivinar observando la evolución de las dos formas más importantes de la época: el motete (religioso) y el madrigal (profano).
  4. 4. ÍNDICE  CONTEXTO SOCIO-CULTURAL Diapositiva 5  CARACTERÍSTICAS Diapositiva 9  ORGANOLOGÍA Diapositiva 11  MÚSICA VOCAL RELIGIOSA Diapositiva 17  MÚSICA VOCAL PROFANA Diapositiva 19  MÚSICA INSTRUMENTAL Diapositiva 22
  5. 5. Contexto socio-cultural   El Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que nace en Italia en el siglo XV y se propaga por el resto de Europa en el siglo XVI. El humanismo nace en Italia, donde el recuerdo de la antigüedad greco-romana era muy fuerte, y lo gótico había tenido muy poca vigencia. La prosperidad de las ciudades italianas en los siglos XIV y XV origina la existencia de nobles y burgueses enriquecidos, que no dudan en convertirse en mecenas de escritores y artistas. El nuevo movimiento intelectual, denominado humanismo, tuvo una gran difusión en Italia y el resto de Europa, gracias en parte a la invención de la imprenta por Gutenberg en 1448, y tuvo entre sus figuras más importantes al holandés Erasmo de Rotterdam o al valenciano Juan Luis Vives. El aspecto más destacado de esta nueva corriente ideológica estriba en que el teocentrismo imperante en la Edad Media se ve sustituido por el antropocentrismo (dicho con otras palabras, Dios deja de ser el centro del Universo, para ceder este espacio al hombre).
  6. 6.     Este hecho se vio acompañado por una serie de corrientes críticas en el seno de la Iglesia, que acabarían provocando el movimiento de transformación en el orden religioso conocido como Reforma. Dicho movimiento fue iniciado por Martín Lutero. La Iglesia católica, como respuesta a estos movimientos reformistas, convocó el Concilio de Trento (iniciado en 1545), en el cual decidió llevar a cabo toda una serie de reformas en su seno a las que se conoce con el nombre genérico de Contrarreforma. La nueva forma de pensar del hombre renacentista motivó un gran interés por el estudio científico, en el cual, se intentaban explicar todas las cosas mediante la razón y la experiencia. Este nuevo enfoque proporcionó grandes descubrimientos, tanto científicos como geográficos. Descubrimientos científicos: citar la teoría heliocéntrica de Copérnico, la invención del telescopio y el descubrimiento de los satélites jovianos por Galileo o los avances en medicina de Vesalio (anatomía), Paré (cirugía) o Servet (descubrió la circulación pulmonar de la sangre). Descubrimientos geográficos: descubrimiento del cabo de Buena Esperanza, que permitió abrir la ruta marítima de las especias a Vasco de Gama en 1498, el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492 (quien perseguía también abrir esta ruta marítima hacia las Indias), o la primera vuelta al mundo, iniciada por Magallanes en 1519 y completada por Elcano tres años después.
  7. 7.     El arte renacentista, donde los cambios son muy evidentes, es una exaltación del mundo y del hombre, con un destacado sentido de la proporción y el equilibrio, así como una gran perfección en el dominio de la perspectiva. El arte del Quattrocento destaca en Florencia, donde bajo la influencia de los Medici surgirán gran cantidad de mecenas que impulsarán el arte. Hay una primera generación en la que sobresalen el escultor Ghiberti, el arquitecto Brunelleschi y el pintor Fra Angelico. A esta primera generación le sucederá otra, que ya podríamos considerar plenamente renacentista, con el escultor Donatello, el arquitecto Michelozzo o el pintor Botticelli. A caballo entre los dos siglos cabría situar a uno de los pintores más importantes del Renacimiento, Leonardo da Vinci, genio de la técnica del sfumato, con obras tan importantes como la Última Cena, la Virgen de las Rocas o la Gioconda. A finales del siglo XV se trasladará el centro artístico a Roma, bajo el mecenazgo papal. La mayor muestra de este nuevo poder lo encontremos en la basílica de San Pedro, proyectada por el arquitecto Bramante, pero en la que los rasgos más sobresalientes son la columnata diseñada por Bernini y la majestuosa cúpula levantada por Miguel Angel.
  8. 8.   Precisamente Miguel Angel será la gran figura del siglo XVI. Destacó como pintor y arquitecto, pero sobre todo como escultor. Entre sus principales obras encontramos las esculturas del David, la Piedad y el Moisés, los frescos de la capilla Sixtina (fundamentalmente la bóveda y El Juicio Final) y la ya mencionada cúpula de San Pedro. Otros centros donde el arte renacentista tuvo una especial importancia fueron Venecia (con Giorgione o Tiziano), Flandes (con Brueghel el Viejo y el Bosco), Alemania (con Durero), Francia (con los palacios de Louvre y los castillos del Loira), o España (con pintores como el Greco, escultores como Berruguete y arquitectos como Juan de Herrera).
  9. 9. Características     Intento de fusión de timbres, homogeneidad de sonoridades. Se conforma definitivamente la escritura vocal a 4 voces (soprano, alto, tenor y bajo), que ha llegado a nuestros días. Es el momento en que se establecen las distintas tesituras vocales. El cantus firmus continúa siendo la base de la polifonía. Pero a diferencia de lo que ocurría en la Edad Media, dicho cantus firmus no debe estar necesariamente en la voz del tenor, pudiendo estar en otras voces, o incluso pasar de una voz a otra (cantus firmus errante). Dicho cantus firmus puede ser religioso, profano o incluso de nueva invención. Ya no se trata de notas tenidas de larga duración, sino motivos que se van desarrollando en relación al movimiento de las voces restantes. La voz más grave, el bajo, tiene sentido tonal, siendo anunciador de la armonía y dando sentido de profundidad . Mientras, las voces más agudas se moverán con mayor libertad. Existe una mayor libertad en el uso de las disonancias. Las sonoridades de terceras y sextas dejan de considerarse disonante, y forman parte habitual de esta música.
  10. 10.     Se empiezan a establecer ciertas cadencias, sobre todo las de V-I, VII-I y VII-VI-I, y cada vez se utilizan más lo que más tarde llamaremos modo mayor y modo menor, en detrimento de los antiguos modos gregorianos. Nace y se desarrolla el fenómeno de la música ficta, que consiste en una serie de reglas para la alteración de ciertas notas, con el fin de evitar intervalos disonantes. La música ficta no estaba nunca escrita, razón por la cual el intérprete debía conocer qué notas debían resultar alteradas a fin de evitar estos intervalos prohibidos. El estilo que impera es el contrapunto imitativo. Las voces, de manera homofónica, se van imitando entre sí. Por último, la relación música-texto: la música tratará de alguna manera de ilustrar aquello que dice el texto.
  11. 11. Organología    En el siglo XV la música instrumental, en comparación con la vocal, apenas tiene importancia , por lo que los cambios en la organología no son significativos. A partir del siglo XVI se desarrolló una música instrumental autónoma. Uno de los aspectos más significativos es el intento de creación de familias instrumentales, compuestas por instrumentos de la misma especie, desde el más agudo al más grave. Con la aparición de estas familias instrumentales se dan los primeros pasos hacia la orquesta. Los instrumentos monódicos continúan ejecutando transcripciones de obras vocales, mientras en la ejecución de las danzas se distingue entre los instrumentos de sonoridad fuerte y los de sonoridad media, según se trate de acompañar las “danzas elevadas” (de pasos saltados y bastante movidas) o las “danzas bajas” (de pasos deslizados y más reposadas). Esta distinción entre instrumentos también era válida según el recinto en el que se interpretaba la música, de tal forma que los instrumentos de sonoridad fuerte se empleaban en las interpretaciones al aire libre, y los de sonoridad media se reservaban para la música en los salones cortesanos.
  12. 12.  Entre estos instrumentos destacan las flautas dulces o de pico (de las que, aunque hacia 1500 solo se conocen cuatro tamaños, en el siglo XVII ,Praetorius cita hasta nueve tamaños distintos), los instrumentos de lengüeta doble, entre los que cabe citar la bombarda, la chirimía (que se convertirá en el oboe), el bajón, el cromorno o la cornamusa, y los instrumentos de metal, entre los que sobresalen el corneto y el sacabuche (que evolucionó hacia el trombón)
  13. 13. INSTRUMENTOS MONÓDICOS Cornamusa Cromorno Sacabuche Corneto
  14. 14.   En cuanto a los instrumentos polifónicos, evolucionan rápidamente a lo largo del siglo XVI, pues responden al deseo de los músicos de poder ejecutar por sí solos las transcripciones de obras vocales, además de aquellas escritas expresamente para estos instrumentos. Los instrumentos polifónicos más importantes son el órgano, el clavicordio y el laúd, y para los mismos se utiliza una escritura especial denominada tablatura, que se sirve de letras o cifras en vez de notas normales. Además de estos instrumentos, cabe citar el uso del arpa, el ravel, la vihuela (que a partir de 1580 desaparece para convertirse en la actual guitarra) y la viola de la que encontramos dos tipos: la viola da braccio (de brazo), más pequeña, y la viola da gamba (de pierna), que al ser más grande debía tocarse apoyada entre las piernas. Clavicordio
  15. 15. INSTRUMENTOS POLIFÓNICOS Laúd Vihuela Viola da braccio Viola da gamba
  16. 16. INSTRUMENTOS DE TECLA  Espineta Virginal También cabe citar dos instrumentos de tecla, que se utilizaron sobre todo en Inglaterra, y que en realidad son variantes del clavicordio: se trata de la espineta y del virginal. Ambos son portátiles, con un solo registro y un teclado de como máximo cuatro octavas y media.
  17. 17. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA  Motete: composición a varias voces (normalmente a 4 y 5 voces, aunque algunos llegaban a 8) sobre textos religiosos en latín y de extensión breve.  Características Principales: Textura polifónica y técnica del contrapunto imitativo. Sobre texto sagrado, e históricamente destinado a interpretarse en los oficios religiosos. Se originó a principios del siglo XIII. Surgió cuando se añadieron palabras (en francés, mots) a las partes vocales superiores. El motete que encontramos en esta época es una pieza que se estructura en frases, que coinciden con las frases del texto. Cada frase conlleva un tema diferente que puede ser tratado de forma contrapuntística u homofónica. Por regla general, estos dos tipos de textura se oponen a cada frase.     
  18. 18. Misa: se desarrolla sobre los textos litúrgicos de esta celebración: Kyrie Eleison (Señor, ten piedad), Gloria, Credo, Sanctus (Santo) o el Agnus Dei (Cordero de Dios), oraciones que se siguen rezando actualmente pero ya en el idioma de cada país , y no en latín. Se observa claramente una diferencia entre ellas: las piezas que contienen mucho texto, como el Credo o el Gloria, eran cantadas principalmente de manera homofónica, mientras que las piezas con muy poco texto eran cantadas de forma más contrapuntística. Libros litúrgicos de la misa             Antiphonal Apostolus Evangelirium Sacramentarium Misal Missale Romanum (Misal romano) Compositores importantes Joaquín des Prez Orlando di Lasso Giovanni Perluigi de Palestrina Cristobal de Morales Francisco Guerrero Tomás Luis de Victoria
  19. 19. MÚSICA VOCAL PROFANA Durante el siglo XV imperará un estilo internacional, originario de Borgoña y también de la zona de Flandes. El género rey será, pues, la “chanson borgognoise”, cultivada por compositores como Binchois o Busnois . Se trata de una canción estrófica, de ritmo marcado, a 4 voces.  A lo largo del siglo XVI comienza a nacer en distintos países de Europa una voluntad de crear una música propia, con la que se sientan identificados, y que además estuviese escrita en su propia lengua. Así nacen los estilos nacionales, entre los que destacan: 1. En Francia el principal género es la chanson , que tiene sus orígenes en las canciones trovadorescas. Se caracteriza por su simplicidad y espontaneidad. Suele ser de carácter descriptivo, y sus temáticas van desde la canción amorosa a la guerrera, pasando por las canciones basadas en la naturaleza, como el célebre Chant des oiseaux de Jannequin . 
  20. 20. 2. En Italia se dará la mayor variedad de géneros. Entre sus principales formas encontraremos la frottola , equivalente a la chanson francesa, a 4 voces, de ritmo marcado y con texto poético estrófico o la villanella, una variación más ligera de la frottola, con un texto más refinado. El género profano por excelencia del siglo XVI será el madrigal Llega a Italia a través de la escuela franco-flamenca, pero es en este país donde experimentará su mayor desarrollo. La forma del mismo solía ser muy similar al motete, pero como no era una música religiosa, se permitían ciertas libertades estilísticas y musicales. Sus textos son habitualmente eruditos (obra de poetas célebres como Petrarca o Bocaccio). Una de las características más importante del madrigal es un uso de las disonancias mucho más acentuado que en el motete. Los compositores buscaban una mayor expresividad por medio de este recurso. La melodía también se veía afectada por esta búsqueda. Encontramos saltos abruptos y giros musicales que refuerzan el significado del texto (los llamados madrigalismos). A finales de siglo se llega a un estilo más dramático y virtuoso, encarnado en los madrigales a 5 voces de Gesualdo , Marenzio y Monteverdi .
  21. 21. 3. En Alemania destacan el lied (la canción alemana), heredera de la tradición de los minnesänger medievales, y los quodlibet, especie de poupurri desordenado y sin sentido de diversas canciones. 4. En España el género rey será el villancico , equivalente a la frottola, pero con estribillo. Solía ser a 3 o 4 voces, donde la más aguda realiza la melodía y el resto podía ser doblada por instrumentos, en especial el laúd y la vihuela. Juan del Encina fue uno de los grandes cultivadores de este género. También cabe citar las ensaladas , género muy similar al quodlibet alemán en el que destacarán especialmente Mateo Flecha "el Viejo" y su sobrino, Mateo Flecha "el Joven". 5. En Inglaterra destaca el madrigal inglés , más tardí-o que el italiano, y en el que hallamos una búsqueda más acentuada del refinamiento, sin tantas disonancias y cromatismos, y con una textura más homofónica.
  22. 22. MÚSICA INSTRUMENTAL Durante el Renacimiento habrá un creciente interés por la música instrumental, perfeccionándose tanto los instrumentos que se llegará a establecer con ellos una comunicación expresiva casi comparable a la de la voz humana.  A principios del siglo XV, la música escrita solo para instrumentos es muy escasa; normalmente, los instrumentos solo intervienen en danzas, o bien doblando o sustituyendo a las voces en piezas vocales.  Conforme avanza el siglo XVI, se producirá un creciente interés por los instrumentos, que conllevará una progresiva independencia de la música vocal. Este hecho trajo consigo una serie de consecuencias importantes para el desarrollo de este tipo de música: - Los artesanos, ante la creciente demanda de instrumentos, los perfeccionaron técnicamente. - Esta mejor técnica animó a los compositores a escribir piezas de una dificultad creciente, lo cual obligó a los músicos a especializarse en un determinado instrumento, lo cual posibilitó el desarrollo de una técnica específica para cada instrumento. 
  23. 23. - Los teóricos idearon nuevos sistemas de escritura musical, a base de cifras, dibujos de las posiciones de los dedos, etc. y crearon tratados para aprender la técnica de los instrumentos (por ejemplo, el Tratado de glosas de Diego Ortiz). Fueron apareciendo nuevas formas exclusivamente instrumentales, como la sonata , la toccata, el tiento , la fantasía o la variación (en España se llamó diferencias).
  24. 24. Por otro lado, la música de danza también fue muy importante teniendo la costumbre de agruparlas, lo que derivará en el Barroco en una de las formas instrumentales más importantes: la suite de danzas. Dentro de este amplio repertorio de danzas podemos citar, entre otras, la pavana , la gallarda, el branle, la allemanda, la courante, el pasamezzo Pavana: Branle: Pasamezzo:
  25. 25. BIBLIOGRAFÍA      Casares Rodicio, Emilio: “Música y actividades artístico-culturales”. ED: Everest. Murcia, Matilde: “Formación musical. Primer curso.” Murcia, Matilde: “Formación musical. Segundo curso.” Varios: “Proyecto Clave B”. ED: Mc Graw Hill. Varios: “Classic. La historia y la música más bella de todos los tiempos”. ED: Reader’s Digest.
  26. 26. DAMIÁN ANTUÑA GONZÁLEZ – 2º A

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