1. 0 A lo largo del siglo xx han ido surgiendo productos, estilos, filosofías y teorías dispares.
Probablemente cuando más se ha notado esta disparidad ha sido en los últimos 50 años.
A continuación presentaré algunos movimientos que más han llamado la atención en este periodo y
han marcado cánones estéticos en esta, la segunda mitad del siglo xx. Presentándolos de manera
consecutiva y siguiendo la siguiente línea de tiempo.
1950 – 1960 – 1970 – 1980 – 1990 - 2000
Pop 1958 - 1972
Diseño Radical 1968 - 1978
High – Tech 1972 - 1985
Posmodernismo 1978 - presente
Desconstructivismo 1978 – presente
Posindustrialismo 1975 – presente
Diseño ecológico 1950 - presente
Diseño Orgánico 1930 – 1960
1990 – presente
. POP DESIGN
El Pop Art
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las
condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro
del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo
Occidental, en especial la de Europa.
Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de
Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un
movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con
el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes
elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno,
auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la
realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja
en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New
York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista
apenas acceden a él.
El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene
aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria;
reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como
característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el
mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su
2. lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar
Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la
vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano,
la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este
proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el
tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras
profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de
esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.
Expresión Popular
Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios,
los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en
temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos
La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el
estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la
juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para
discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los
estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas
las artes.
Peter Blake
Richard
Hamilton
v
Andy Warhol
3. El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en
cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más
importante.
Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las
condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se
generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así
como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la
historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban
factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha
trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como
se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en
la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están
escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan
cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define
la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se
reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y
"Todo es Pop".
Contexto
Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el
término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un
conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la
publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de
comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de
masas de la época.
“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado
a la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco
nos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que
4. comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren su
singular identidad y sus preferencias estéticas.
La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja
con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no
sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas
mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación
estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a
las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo.
Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno
histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad
de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público
consumidores que crea.
El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje
artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial,
para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de
consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han
considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre
todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades
más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta
implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, como
en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma
ante la sociedad que representa.
La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo
5. del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión
o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso
a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa,
coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso
cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes
populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había
sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos
aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel
Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y
subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva,
cuando no directamente apologética.
En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de
las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos
de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de
imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la
simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la
publicidad.
Marcel Duchamp ” “Ready-made” “Ready-made”
Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma.
Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la
búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son
sino un reflejo de la producción masiva capitalista.
El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes
populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el
cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar
singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del
autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra.
Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente
neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece
que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo
parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice
Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión
fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".
El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante
crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a
veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de
ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.
7. LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP :
ANDY WARHOL(1928-
1987). El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la
publicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito
la estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas
imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa
Campbell" etc...
ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad
del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art.
Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor
comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en
personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el
proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de
8. sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de
imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de
sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es
que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate
fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.
A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de
rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría
calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.
Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su
sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos
otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como
tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en
entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la
vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue
siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la
expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su
reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente
tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e
incapacidad para comprometerse.
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de
la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en
Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922),
el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham
(1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en
explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.
En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987),
Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a
inspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad,
embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse
en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un
planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los
cincuenta.
9. Jasper Johns (1930- )
Roy Lichtenstein Jasper Johns
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura
popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros,
entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en
1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson,
fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.
El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo,
puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.
10. A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño.
Movimiento POP
• Plástico
• Mercado joven, productos baratos y poca calidad
• Diseño radical
• Cuestiona los preceptos del buen diseño
“Úselo hoy, tírelo mañana”
Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia
integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la
actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta. La
silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y
encarnaban la extendida cultura de efímero.
silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino
Realizada en material plástico de pvc amarillo,
transparente o rojo. Los jóvenes diseñadores que
idearon esta pieza pretendeían romper con todas
las convenciones del mueble burgués y demostrar
al mismo tiempo que el diseño era algo muy serio.
La firma Zanotta aceptó esta pieza que pasó a
convertirse en un icono de los años 60.
Uno de esos elementos típicos de los años 60 fue
la Blow Chair, diseñada en 1967 por Johnathan de
Pas, Donato Durbino, Paolo Lamazzi y Carlo
Scolari. Está hecha de PVC transparente aunque
posteriormente fue fabricada en múltiples colores,
siendo el amarillo uno de los más usuales. Los
jóvenes diseñadores que hicieron esta silla querían
romper con el clasicismo del mueble burgués y
hacer una silla divertida y versátil. Demostraron
que los jóvenes diseñadores tenían grandes ideas
y convirtieron esta silla en un icono.
El aire es postmoderno Ínflate.
11. “Inflate” nace a fines de los 60’s con la silla Blow, ícono del diseño pop y primer mueble inflable
producido en serie. Una vez lanzado el soplido inicial, este tipo de productos continuó desarrollándose y
con mucho éxito. Barato, fácil de limpiar y brillante, colorido, juguetón, se deja estampar sin problemas.
En Inglaterra fue donde revivió. El responsable fue Nick Crosbie que, como estudiante de diseño
industrial, produjo prototipos pero sin el apoyo de las empresas, así decidió invertir en una máquina
selladora de pvc (plástico con el que se producen este tipo de objetos).
Lo mejor de Ínflate son sus estructuras auto portantes, más vinculadas a la arquitectura, donde se ven
resoluciones interesantes y, al aumentar las dimensiones, la falta de definición de la forma pierde peso. El
hit en esta área es la denominada oficina inflable, que se vende dentro de un balde.
Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde al
concepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.
Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan una
atracción masiva. A pesar de que las estructuras espaciales tienen mayor riqueza formal y funcional,
estos otros parecen haber resuelto el problema de la tosquedad que brilla en los productos. Y lo mejor de
todo, crear un espacio etéreo.
La exitosa marca propone objetos industriales inflables, que van desde un portahuevos hasta una
enorme carpa.
Esta forma que adopta el diseño, tanto de objetos industriales como arquitectónicos, responde al
concepto de movilidad tan desarrollado en la arquitectura moderna.
Encontramos buena presentación, objetos “divertidos” aunque poco funcionales que generan una
atracción masiva.
Los años 60 ha sido la década más cool en cuanto a diseño se refiere, fueron diez años de inventos
maravillosos como la minifalda, el Tupperware, los coches Mini... En decoración se marcaron
grandes hitos y muchos de los diseños de entonces están muy cotizados ahora. Fue una decada
con una explosión de creatividad increible y muchos de los fundamentos de entonces están de
rabiosa actualidad ahora. La carrera espacial marcó el interiorismo y los muebles y objetos fueron
dotados de una forma espacial, futurista.
12. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su
novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez
dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop
elegían el plástico como material de trabajo.
Esta solución se llama Blow Sofá, y se
trata de un sofá inflable que se compone
de dos bolsas que forman un asiento y un
respaldo. Ambas se apoyan en una
estructura metálica y después se fijan
rodeándolas con una correa y unas gomas.
13. En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajus te, como las molduras por
inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris
y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la
posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad
económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un
mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su
prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antítesis de la
“intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.
El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento
moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba
en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia,
misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de
comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un
enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High
Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del
posmodernismo, puesto que cuestionó los proceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento
moderno.
Realizado por Stiletto Studios, perteneciente al
Antidiseño Alemán. Utilizan lo que encuentran
a mano y lo que ha pasado la prueba del
tiempo. No se preocupan por mejorar un
producto, ni por su comercialización ni por su
comodidad.
Costumer`s rest nació en 1990, escogieron un
objeto de uso diario (carrito de compras de
supermercado) y modificaron su forma. Lleva con
sigo una crítica social, ya que es un objeto con una
clara representación del consumismo. Toman un
objeto común y corriente y lo reinterpretan.
El diseño pop asociado al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado del movimiento moderno
“menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta.
Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art,
psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de
comunicación globales.
Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el
diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra.
14. Craft revival.
Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la
conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes
de Gran Bretaña (art & craft).
Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el
diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron
deteriorándose.
Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del
Craft revival actual han conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su
obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se
abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en
1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente
opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.
Wendell Castle
16. High Tech
El estilo High -Tech surgió en la arquitectura a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo
geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller.
El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su
imagen. Se refiere a los edificios que aplican las más avanzadas tecnologías en su construcción y
que las exponen y lucen como concepto estético.
Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como
Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a
sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta.
Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional,
como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y
combinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.
Buckminster Fuller High Tech
17. Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo de
sus predecesores (característica del nuevo movimiento).
La arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma tecnología
del acero, el vidrio y el concreto pero aplicadas de una manera diferente.
Centro Cultural Georges Pompidou Richard Rogers y Renzo Piano
La estructura, el esqueleto, se expone totalmente, y se desechan las paredes y las superficies
estéticamente pesadas.
La transparencia, muy presente en la arquitectura, se logra no sólo por medio del cristal, sino
también a través de otros recursos, como celosías de madera o de metal.
museo nacional de arte moderno - Paris
18. El edificio del Lloyds Bank, proyectado por Richard Rogers, se concluyó en 1986 y es un
paradigma de la llamada arquitectura high-tech. Una de sus principales características es el
empleo de elementos estructurales vistos, fabricados en acero (Londres
Domo geodesico The Millennium Experience in London
Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente
DESPLAZADO por el posmodernismo.
Higt Tech Significa, Alta tecnología y por ende la producción de elementos bajo el rótulo de Higt
Tech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología
transformados también a través de procesos de avanzada.
El segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos,
como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia, que no cualquiera puede lograr, y
que aplicado en mobiliario hace el elemento High Tech.
Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino
más bien a un producto final reflejo de su proceso específico.
19. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores britán icos como
Ron Arad y tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a
partir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.
Silla Lumbar
Una sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la
comodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.
Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la
distribución apropiada del peso del cuerpo.
Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno
laboral de cualquier persona.
20. Diseño Radical
Desde mediados de los sesenta, los diseñadores italianos se lanzaron a
"...una acción
provocadora respecto al gusto dominante en el mercado de
los objetos de decoración".
El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar al
antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de la
modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.
Sus principales exponentes fueron los grupos de diseño y arquitectura SUPERSTUDIO, Alchimia,
ARCHIZOOM, UFO, GRUPPO STRUM, GRUPO 9999 y LIBIDARCH. Atacaban las nociones de lo que
constituía el “buen gusto” y cuestionaban la validez del racionalismo, de la tecnología avanzada,
y, ante todo, del consumismo.
Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los años
sesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno.
En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revista
Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBAL
TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debate
sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidos
desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los
fundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios de
los ochenta.
21. FLOOR LAMP. ▪ "Gherpe"
Design by Superstudio for Poltronova.1967.
Grupo Strumm
'Pratone' by derossi, ceretti, rosso
manufacturer gufram
italy, 1971
Superonda ARCHIZOOM
23. Andrea Branzi
Andrea Branzi Revers
Chair
Andrea Branzi e Archizoom
ANTIDISEÑO
Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño pretende validar la
expresión creativa individual a través del diseño.
El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se formaron
varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la modernidad ya no estaba
en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a
los intereses industriales en la formula descaradamente comercial y consumista.
24. Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la sociedad, el
movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras superestructuras intentaba
demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una
escuela de antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la
creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.
Nació a mediados de la década del 70, y se caracterizó por la utilización de
materiales
modernos, como plásticos de inyección.
Partiendo de la tesis de que era preciso "liberar a la noción de diseño de todo
vínculo disciplinar, atribuyéndole un valor absoluto y omnicomprensivo",
25. El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta,
cuando se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos
consideraban que la modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que
había dejado de ser una fuerza cultural impulsora, sometida a los intereses
industriales en la estratagema descaradamente comercial y consumista.
Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en
la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus
provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo
llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de
antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para
potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.
Mendini’s Mobile Infinito Series of 1981
STUDIO ALCHIMIA: Fundado en Milán en 1977 por el arquitecto
Alessandro Guerriero, el Studio tenía como objetivo ofrecer a los diseñadores una posibilidad de exponer
proyectos que no se habían destinado a la industria. Entre sus miembros se encontraban Alessandro
Mendini, Michele de Lucchi y Andrea Branzi.
Fue un impulso definitivo al movimiento radical italiano, que proponía un diseño caliente frente al diseño
frío del estilo Internacional.
Tomó la decoración y los objetos de la casa como excusas para celebrar la forma, para comunicar con
fuerza humor y, bienestar.
26. Los vanguardistas que podían permitirse ese lujo decoraban casas enteras con estos muebles
extravagantes, nada convencionales, plenos de una desbordante alegría infantil.
Sottsass y algunos diseñadores de su entorno consiguieron que el diseño italiano se convirtiera
en una especie de fuegos artificiales de ideas.
REPRESENTANTES
Alessandro Mendini
Diseñador creativo de objetos llenos de fascinación y emoción, considerado uno de los padres del
neomodernismo italiano, un provocador diseñador rico de inventiva.
Arquitecto y diseñador italiano, estudió arquitectura en el politécnico de Milán, doctorándose en
1959. Entre 1970 y 1976, redactor jefe de “Casabella”. Desde 1977 dirige la revista “Modo”;
paralelamente se integra a Studio Alquimia.
En una de estas exposiciones de Alchimia, Alessandro Mendini presentó en 1978- su silión Proust
y su sofá Kandissi, los primeros resultados de sus investigaciones sobre el kitsch y lo banal.
La multitud de manchas puntillistas que recubría su “Proust” se ha convertido en su marca
personal.
27. Alessandro Mendini dudaba de que fuera posible aún hacer un diseño moderno. Con su
re-diseño lleno de ironía, retorna los grandes productos clásicos de la historia del diseño.
Con banderitas y otros adornos les da una dimensión de kitsch. A su Mobile infinito le
negó una forma definitiva, al hacerlo modificable.
Michele de Lucchi:
Estudió Arquitectura en Florencia hasta 1975.
Después de trasladarse a Milán, tomó contacto
con Andirea Branzi, Alessandro Mendini y Ettore
Sottsass. Colaboró en el Studio Alchimia; desde
1981 es miembro del grupo Memphis.
28. Andrea Branzi
Estudió arquitectura en
Florencia Hasta 1966. Miembro fundador del grupo Archizoom, importante representante del diseño
radical. Trabajó para Alchimia y más tarde para Memphis. Para él el diseño debe cumplir ante todo una
función social y cultural. Pronuncia conferencias en todo el mundo.
“Los diseñadores radicales, no solo consiguieron imponerse ellos mismos, sino que estimularon a todo el
mundo del diseño, sacaron a la bella línea italiana del sopor de “bella durmiente en que había caído. Aún
cuando la industria del mueble echara dicterios sobre los productos “inútiles, feos, sin gusto”, por el
contrario, todos aprovecharon de ellos. Como una lluvia después de un largo periodo de sequía, comenzó
a florecer el diseño en todo el país o “explotó como una supernova”, como dijo Sottsass. Este
“llamamiento emocional” se extendió en todo el Diseño.”
29. POSTMODERNISMO
El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se
discute el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión al movimiento
moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo,
deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura
Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a
producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través
de la decoración aplicada.
Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción
a nivel mundial. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba
intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas
estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la
aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.
Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y
utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.
30. El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la
mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta.
A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el, descontructivismo y
postindustrialismo.
En los noventa se motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL
atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño
de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia
del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e
ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.
31. A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos
decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solían
ser irónicos en su contenido.
Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass,
empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el
movimiento moderno a través de la decoración aplicada. Mas tarde, Memphis produjo
monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al ser
expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy
eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con l aminados de plástico de
motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el
antidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los
ochenta.
Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y
utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.
Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos del
pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia al
surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en
(además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata,
Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseños
para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escala
limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras.
32. Hans Hollein subrayó que, al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo
serian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo
sobre la ideología social, base del movimiento moderno.
El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también
la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado
por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo.
A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el Matt Blanck,
descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa
motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del
posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los
ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del
posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante
e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.
La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como la
transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc.
Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclaman
manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de la
modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo".
Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard y
los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman la
crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artística
postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el fin
de la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989),
estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el
Neoliberalismo
El mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidad
históricosocial, y la realidad sociopsicologica
Características histórico-sociales
1-Las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia.
2-En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se
renuncia a las utopías y a la idea de progreso.
3-Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de
producción hacia una economía del consumo.
4-Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que
duran hasta que surge algo mas novedoso y atrayente.
5-La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con la
compulsión al consumo.
6-Las medios y el marketing se convierten en centros de poder e influyen en diversos factores
como:
6.1-Que ya no importa el contenido del mensaje, sino la forma que es transmitido, y el grado de
convicción que pueda producir.
6.2-Desaparecen las ideologías como forma de elección de los líderes, y es reemplazada por la
33. imagen.
6.3-Se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que
no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad.
6.4-Pero también aleja al receptor de la información recibida sacándole realidad y relevancia,
convirtiéndola en mero entretenimiento.
6.5-Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierten en un show.
Características sociopsicológicas
1-Los individuos solo quieren vivir el presente, el futuro y el pasado pierden importancia
2-Hay una búsqueda del inmediato
3-Se caracteriza por el proceso de pérdida de la personalidad individual.
4-La única revolución que en individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior.
5-Se hace culto al cuerpo y la liberación personal.
6-Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos.
7-Perdidas de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se hace culto a la tecnología.
8-El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que un
subjetivismo en la mirada de la realidad.
9-Perdida de fe en el poder público.
10-Perdida de preocupación ante la injusticia:
11-Desaparición de idealismos.
12-Perdida de la ambición personal de auto superación.
13-Desaparición de la valorización del esfuerzo.
34. Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus
impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección
de Alessandro Mendini.
Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80,
referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a Ettore
Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo su
propio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre
todo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo
radical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas
tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que trabajaban en todos
los campos del interiorismo:
mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.
Memphis
Entre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire,
Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal,
Michele de Luchi y Mateo Thun.
Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán,
cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y
estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el
neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su
característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas,
todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su
función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito
comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se
35. burlaba de lo correctamente establecido.
Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del
postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.
POSTINDUSTRIALISMO
El postindustrialismo es un planteamiento postmoderno del diseño en el que los objetos diseñados se
producen al margen de la corriente industrial.
36.
37. A fines de los setenta y durante los ochenta, las economías occidentales pasaron a depender
menos de la industria y a basarse más en los servicios. Muchos diseñadores empezaron a crear
diseños únicos o en ediciones limitadas que reflejaba el carácter postindustrial del periodo y
permitían a los diseñadores explorar con más libertad su creatividad individual, libres de
restricciones del proceso industrial.
Diseñadores como Ron Arad y Tom Dixon construían artefactos improvisados, consistentemente
distanciados de la precisión de los productos industriales estandarizados. Arad proclamó la noción de
“arte usable” y, como tal, dio lugar a una nueva práctica de diseño, experimental y poética a la vez.
Ron Arad
Ron Arad
42. DESCONSTRUCTIVISMO
Se trata de un movimiento vinculado al postmodernismo, puesto que también cuestiona las premisas
tradicionales de la modernidad. Sin embargo, a diferencia de este, rechaza el historicismo y la
ornamentación.
.
Estilísticamente e incluso filosóficamente
similar al constructivismo ruso de los años
veinte.
Por su carácter básicamente antirradical, del decontructivismo está asociado al antidiseño y ha
ejercido un escaso impacto en el diseño de productos, con excepciones como la radio in a bag de
Daniel Weil (1981- 1983), que al dejar sus componentes a la vista contrarresta las formas
tradicionales y reconstruía la lógica del diseño convencional.
43. radio in a bag de Daniel Weil (1981- 1983)
SOFT DESIGN
A mediados de los años ochenta se acuñó el término soft -tech o soft-design para describir
productos con formas escultóricas redondeadas o “blandas”.
Una de las primeras manifestaciones fue el equipo electrónico de consumo, sobre todo los productos
SHARP y YAMAHA.
Estos diseños posmodernos se oponían al racionalismo y a las buenas formas dominantes
promovidos por fabricantes como BANG & OLUFSEN y en su lugar se inspiraban en estilos de
época, especialmente biomorfismo de los años cincuenta. Este tipo de estilismo retro
estadounidense se convirtió en un fenómeno generalizado en la segunda mitad de los años
ochenta. Sin embargo, a principio de los noventa dio paso a un enfoque más reflexivo, orgánico y
holístico.
44.
45. El diseño blando, como se denominó este nuevo enfoque, que Ross Lovegrove describió como “un
nuevo naturalismo”, era emocional, gestual y antropocéntrico. Es significativo que la industria
automovilística fuera una de las primeras en adoptar esta nueva tendencia, como demostraron los
automóviles TWINGO de RENAULT (1992) y MICRA de NISSAN (1992).
El surgimiento del diseño blando se atribuye a varios factores:
• el rechazo total, a fines de los ochenta del funcionalismo de estilo BAUHAUS
• el perfeccionamiento de la aplicación de datos ergonómicos,
• la realización de formas curvas mas complejas, posibles gracias a programas avanzados
de CAD/CAM,
• y la disponibilidad de nuevos materiales, sobre todo tecno–polimeros, que ofrecían a los
productos una mayor tactilidad potencial.
A fines de los noventa las formas blandas
hicieron avances significativos no solo en el
sector automovilístico, sino también en la
práctica habitual del diseño.
El diseño blando se suele utilizar con fines
estéticos y no debería confundirse con
esencialismo orgánico, ya que, aunque guardan
un parecido visual notable, el primero se rige
solamente por criterios estéticos.
47. Diseño orgánico.
El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a fines
del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existido
unos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños de
Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores del siglo XX. Sus sillones fueron
revolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y
soporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura.
George Nelson
Eero Saarinen
Charles Eeames
Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario,
ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del
48. diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra chapado de Ray y Charles
Eames.
Eero Saarinen - Tulip Chair
Coconut Chair' by George
Nelson
'Swan Chair' by Arne
Jacobsen
Charles Eeames
49. A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometría
y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con más
fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores industriales más
innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicos
desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de alta
tecnología.
50. Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es
plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y
maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la
morfología humana.
Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su persuasivo vocabulario formal
conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio
de la belleza natural.
El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del
biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka,
Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje
orgánico.
Maurice Calka
52. DISEÑO ECOLOGICO
Los objetivos principales del diseño ecológico son minimizar los residuos y reducir la producción de
energía y materiales en nuestra sociedad para ajustarlos a niveles sostenibles. En sus inicios, su defensor
mas celebre fue Richard Buckminster Fuller, que promovió en los años veinte una “ciencia del
diseño” basada en la idea de ofrecer “lo máximo, con lo mínimo”. Fue el, quien en los años cincuenta
acuñó el termino “Speaceship earth”, lo que contribuyó a que la gente pensara en el planeta de un modo
mas holístico. Vance Packard otro de los autores y teóricos que han contribuido a la difusión de un
conocimiento más profundo del diseño ecológico, escribió el libro “los artífices del derroche” (1961), que
condenaba especialmente la practica de la obsolencia planificada (productos desechables), y Victor
Papanek, autor de “diseñar para el mundo real” (1971), que asociaba la conciencia ecológica al proceso
de diseño radicales que respetara el medio ambiente.
Estas ideas fueron muy populares en los setenta, cuando la crisis del petróleo incrementó la
preocupación por el carácter limitado de los recursos naturales de la tierra.
En los años ochenta, varios desastres ecológicos provocados por errores humanos, junto a la idea
cada vez mas patente de la industrialización contribuía al calentamiento del planeta, destacaron la
necesidad urgente de un diseño ecológico.
53. En este tipo de diseño, también llamado diseño verde, se tiene en cuenta el ciclo completo de vida
del producto: la extracción de materias primas y el impacto ecológico de su procesamiento, la energía
consumida en el proceso de fabricación, la generación de subproductos negativos, la energía requerida
para su distribución y el impacto de esta, la duración de la vida útil del producto, la recuperación de los
componentes y la eficacia del reciclaje, y los efectos de los residuos en el medio ambiente, por ejemplo al
acumularse en vertederos o al incinerarse.
Aunque el reciclaje puede reducir el
consumo de energía, no lo minimiza y en cierto modo puede considerarse que en realidad perpetúa la
cultura de los residuos. Por el contrario, una mayor duración de los productos minimiza tanto los residuos
como el consumo de energía; al duplicar la vida útil de un producto, su impacto en el medio ambiente se
reduce a la mitad.
54. El esencialismo
es un enfoque del diseño que se ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmente
necesarios para la realización de un objetivo concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en un
concepto moderno: obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próxima
al diseño ecológico.
El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica + máxima eficacia)
que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus innovadores proyectos subsiguientes
basados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.
El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas
geométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no
posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden
considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales
contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamente
utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética. Otros, como Harri Koskinen, se
interesan por paradigmas regionales de características inherentes esencialistas y los interpretan de
forma actual.
El escencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores industriales del
siglo XX, aunque el vocabulario formal de sus diseños ha variado frecuentemente de forma considerable.
El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas
geométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no
posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden
considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales
55. contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamente
utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética.
El esencialismo, esta cada vez más ligado al diseño orgánico y a un nuevo naturalismo formal, como se
puede ver en la obra de Ross Lovegrove.
El esencialismo, requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los materiales y las
técnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXI.
Diseño retro
El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a la
tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas.
En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte
victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles
pop y en las portadas de discos.
Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los
años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores
papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.
56. La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991
NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es una
representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicleta
ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de la
época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños
claramente retro.
Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología de
punta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.
