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Bloque 3 técnicas de pintura

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técnicas de pintura, gouache, acuarela, óleo, acrílico, fresco, encáustica

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Bloque 3 técnicas de pintura

  1. 1. GOUACHE Bloque 3: Técnicas de Pintura
  2. 2. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES • Técnica polícroma húmeda magra • El gouache fue probablemente descubierto por un monje en el siglo XI añadiendo blanco de zinc a las acuarelas con las que ilustraba manuscritos. Su opacidad hacía que cuando se usaba para las ilustraciones resaltase el pan de oro. Debido a que su nombre procede de la palabra italiana guazzo, se supone que su origen está en este país. A lo largo de su historia ha permanecido en la sombra, considerándose una variante más de las acuarelas. En España se le llama témpera ( los ingleses llaman tempera al temple al huevo). • El aglutinante del Gouache es la goma arábiga • Utiliza un color o pincelada más pastosa que la acuarela, y, a diferencia de esta, tanto las luces como las tonalidades claras se consiguen por medio del color blanco.
  3. 3. MODO DE EMPLEO Se presenta a la venta en tubos o en botes, contienen mas glicerina y resultan mas solubles que las acuarelas • Una de las dificultades que presenta el gouache es la realización del modelado de las formas, es decir, la paulatina transición de claro a oscuro en el color de las superficie representadas y que es la causa de la visión volumétrica de las mismas.
  4. 4. Sin embargo pintando al gouache, no cabe modelar mediante la mayor o menor disolución del color porque aunque el gouache tiene posibilidades de transparencia parecidas a las de la acuarela, su calidad se encuentra en el color opaco y cubriente. Por otro lado, la rapidez de secado del gouache, impide que el artista pueda trabajar los fundidos de color a la manera del óleo.
  5. 5. Por otro lado, la rapidez de secado del gouache, impide que se pueda trabajar los fundidos de color. Trabajando con gouache, el artista tiene que servirse exclusivamente de las tintas planas. Su acabado final es totalmente mate. No admite repintes para realizar cambios en el trabajo. Una capa superior remueve la inferior aunque este seca Esto puede ser aprovechado para crear efectos. No admite capas gruesas porque la pintura se cuartea
  6. 6. Es interesante trabajar con guache sobre papeles de color
  7. 7. Es interesante trabajar con guache sobre papeles de color
  8. 8. Guache sobre papeles de color
  9. 9. Guache sobre papeles de color
  10. 10. ÚTILES pinceles pelo fino, paleta o recipiente para mezclas. Las pinturas deben conservarse cerradas para evitar que se sequen. Pueden también barnizarse, pero solo con el barniz especial para gouache, que es el único que no las deteriora ya que son muy frágiles. .
  11. 11. SOPORTES El soporte principal para pintar será el papel, pero tiene que cumplir algunos requisitos como que la superficie debe de estar encolada para que no absorba toda la humedad, así como que debe de ser un poco dura para que soporte las aguadas, las insistencias y los restregados del pincel. No se deberá de utilizar en ningún caso un papel satinado, porque esto hará que el color pierda intensidad una vez seco. Debe ser un papel sólido a la luz y no amarillear con facilidad. Aunque todas estas características serán comunes para todo tipo de procedimientos acuosos. El cartón será otros soporte muy utilizado para este tipo de técnica, sobre todo para obras de gran envergadura. Además presenta las ventajas de ser moderadamente absorbente y no alabearse demasiado con la humedad del color, ni aún cuando se trabaja insistentemente. Además la calidad mate y ligeramente aterciopelada de la pintura al gouache, casa muy bien con la textura característica de los cartones. Alberto Durero - (gouache on paper)
  12. 12. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • Renacimiento: en el siglo XV Alberto Durero en Alemania • En segunda mitad del siglo XVIII: Boucher Francia Rococó. En el Género de Paisajismo Inglés J.M. W. Turner • En los carteles, el gouache ha encontrado un lugar natural dentro del mundo de las artes: Toulouse- Lautrec o Pierre Bonnard y Alfonse Mucha fines del XIX y principios del XX • En el siglo XX cuando grandes artistas como el fauvista Matisse, los cubistas: Picasso, Juan Gris, George Braque y surrealistas como Joan Miró, hallan en esta técnica un procedimiento que se adaptaba perfectamente a sus intenciones coloristas y formales.
  13. 13. Alberto Durero - An Iris (w/c & gouache on paper) Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer) (Núremberg, 1471 - 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Realizó las primeras acuarelas y gouaches importantes en la Historia del Arte Occidental
  14. 14. Alberto Durero - (gouache on paper) Entre los numerosos estudios del natural que efectuó Alberto Durero destacan las acuarelas y otros dibujos que realizó sobre diferentes animales, entre ellos su célebre liebre, el dibujo de un ala de carraca o el del pequeño búho. Es sorprendente la perfección con la que el pintor realiza estas obras, que se consideraban carentes de valor por sí mismas en su época. Eran herramientas de trabajo, que le servían para estudiar la naturaleza y enriquecer sus grandes cuadros o grandes composiciones para grabados.
  15. 15. Alberto Durero - (gouache on paper)
  16. 16. Alberto Durero - (gouache on paper)
  17. 17. Alberto Durero - (gouache on paper)
  18. 18. Alberto Durero - (gouache on paper)
  19. 19. François Boucher French, about 1743 Black chalk and gouache François Boucher (París, 1703 1770) fue un pintor francés, que gustó del estilo galante, propio de la época rococó. Fue famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alegorías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour
  20. 20. Adoration, ca. 1760–70François Boucher (French, 1703– 1770)Gouache over black chalk on paper
  21. 21. El temerario remolcado a dique seco, (1839). Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775, 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela y gouache. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz” y su trabajo es considerado como un antecedente romántico al impresionismo.
  22. 22. J. M.William Turner Lluvia, vapor y velocidad, (1844)..
  23. 23. Joseph Mallord William TurnerLe Havre: The Quayside close to the Tour de François Ier circa 1832
Gouache and watercolour on paper 1856.
  24. 24. Joseph Mallord William TurnerThe Folies-Siffait, with Oudon beyond, from the West circa 182
6-8Watercolour, gouache and pen and watercolour on paper
  25. 25. Joseph Mallord William TurnerA Village with a Tower beside the Loire, Possibly Béhuard, close to Angers circa 182
6-8 Watercolour, gouache and pen and watercolour on paper Bequeathed by the artist 1856
  26. 26. Joseph Mallord William TurnerParis from the Barrière de Passy circa 1833Gouache and watercolour on paperBequeathed by the artist 1856
  27. 27. Joseph Mallord William TurnerMelun circa 1833Gouache and watercolour on paperBequeathed by the artist 1856
  28. 28. T. Lautrec, Yvette Guilbert, 1894, gouache sobre cartón, 48 x 28 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec. Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa, conde de Toulouse-Lautrec-Montfa , conocido simplemente como Toulouse Lautrec o Lautrec (1864 -1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.
  29. 29. T. Lautrec, Mujer poniéndose las medias, 1894, Gouache sobre cartón, 64´5 x 44´5 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.
  30. 30. Henri de Toulouse-Lautrec Jane Avril bailando, 1893.Estudio para cartel, "Jardin de Paris".Gouache sobre cartón, 99 x 71 cms.París. Colección Stavros Niarchos.
  31. 31. Portrait of the Artist by Himself 1930 Pierre Bonnard (1867-1947/French) Gouache Pierre Bonnard (1867- 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística. Se le suele considerar líder del movimiento de los Nabis. Todos fueron influidos por Paul Gauguin y el japonismo. La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta.
  32. 32. Artist: Pierre Bonnard.1943 Style: Post-Impressionism gouache paper Dimensions: 64 x 48 cm
  33. 33. Pierre Bonnard.
  34. 34. Alphonse Mucha, Mars, 1899, pencil and white gouache on paper Alfons Maria Mucha (1860 -1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
  35. 35. Alphonse Mucha
  36. 36. Georges Braque Fruit Dish.1913. Oil, gouache, and charcoal on canvas. 81 x 60 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre Georges Pompidou. París. Francia.. Georges Braque (1882 -1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo.
  37. 37. Georges Braque Still Life on a Table 'Gillette.' 1914. Charcoal, pasted paper, and gouache.
  38. 38. Georges Braque 1913 Synthetic Cubism Technique: charcoal, collage, gouache Material: paper Dimensions: 73 x 100 cm Gallery: Musée Picasso, Paris, France
  39. 39. JUAN GRIS THE GUITAR, 1914, PAPIER COLLE, GOUACHE, FUSAIN, José Victoriano González-Pérez (Madrid, 1887 - 1927), conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.
  40. 40. Juan Gris
  41. 41. Henri Émile Benoît Matisse (1869 -1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.
  42. 42. Snow Flowers, 1951Henri Matisse (French, 1869– 1954)Watercolor and gouache on cut and pasted papers
  43. 43. Henri Matisse (French, 1869–1954) La Tristesse du roi (Sorrows of the King), 1952
  44. 44. Joan Miró, Gouache Joan Miró i Ferrà (* Barcelona, 1893 — 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
  45. 45. Joan Miró, Pastel y gouache sobre papel1944
  46. 46. Joan Miró, La estrella matinal, 1940. Gouache, óleo y pastel sobre papel. Fundació Joan Miró, Barcelona. © Successió Miró, Palma de Mallorca.
  47. 47. Remedios Varo. Creación de las aves, 1957. María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga (1908 -1963 ) más conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista hispano-mexicana. Estudió en El instituto San Isidro de Madrid entre los años 1921-1926
  48. 48. Remedios Varo. Hacia la torre
  49. 49. Acuarela
  50. 50. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES • Técnica polícroma húmeda magra • Acuarela, etimológicamente, deriva del latín "aqua" y el diccionario nos lo define como "pintura realizada con colores diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel" o "colores con los que se realiza la pintura". • Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga glicerina o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes.
  51. 51. MODO DE EMPLEO Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas. La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.
  52. 52. La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela. Fabricación casera de unas acuarelas http://sagopo.blogspot.com/2011/01/acuarelas_23.html
  53. 53. Extraer color
  54. 54. Esponjas
  55. 55. MATERIALES: COLORES
  56. 56. ÚTILES acuarela en tubo o pastillas, pinceles, recipiente o paleta para mezclas, goma arábiga para extraer color, Esponja, goma de enmascarar, bisturí cintas de papel adhesivo, trapos
  57. 57. SOPORTES El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar: Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela. Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos. Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel. El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo.
  58. 58. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA, ÉPOCA ARTISTAS DESTACADOS: • La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de 100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492. • En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. • Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776- 1837). • En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre de la acuarela británica. • Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850), que fue precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento. • Utilizan la acuarela los impresionistas como Monet y neoimpresionistas como Cezanne • Expresionistas como Emil Nolde, Wasily Kandinsky, Paul Klee • En la Actualidad: Barceló
  59. 59. Alexander Cozens (San Petersburgo, 1717 - Londres, 1786) fue un dibujante y acuarelista, y un teórico del arte, inglés de origen ruso. En 1746 realizó un viaje a Italia, donde trabajó en el taller de Horace Vernet. Posteriormente se estableció en Londres, donde trabajó como profesor de dibujo. En 1785 publicó un tratado sobre pintura de paisaje que recogía las nuevas aportaciones realizadas en el terreno de la estética por los filósofos empiristas, en especial en relación con la categoría de lo pintoresco. Cozens introdujo la idea de la “invención” de la naturaleza: en vez de imitarla, el artista recrea una noción ideal de la naturaleza, que es el medio expresivo de la emotividad del artista. Influido por la pintura china, elaboró obras donde, a partir de unas manchas de tinta sobre el lienzo, elaboraba un paisaje de naturaleza fantástica
  60. 60. Pintor británico. De 1740 a 1748 residió en Londres, donde se formó con el grabador francés H. F. Gravelot, y en 1752 se estableció en Ipswich como retratista..Sus paisajes (cuadros y numerosos dibujos) parecen realistas, porque están inspirados en lugares concretos, pero constituyen en realidad una transformación poética del dato real; entre los más conocidos se encuentran El abrevadero y Carreta para el mercado. Su vena creativa se manifestó también en las denominadas fancy pictures, de tema campesino idealizado, al igual que los paisajes.
  61. 61. (Nottingham, 1725- Londres, 1809) Acuarelista británico. Trabajó como topógrafo del Estado y pintó acuarelas entre las que destacan Vista del castillo de Bothwell y El bosque de Windsor. Está considerado el creador de la acuarela inglesa.
  62. 62. Füssli nace en Zúrich en 1741, hijo de un pintor retratista, Johann Caspar Füssli. Sus inicios fueron en el terreno de la literatura, tan sólo a partir de 1764, en Inglaterra, se dedicará de lleno a la pintura. En su juventud en Zürich se vinculó al Sturm und Drang, movimiento prerromántico que, en contraposición a la Ilustración, vuelve a la emoción y la fantasía, a la expresión de los sentimientos, los instintos y las pasiones del hombre.
  63. 63. William Blake (1757 –1827) fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido»
  64. 64. Joseph Mallord William Turner (1775 - Chelsea, 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.2 Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz” y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo
  65. 65. Constable fue uno de los primeros en pintar paisajes al aire libre. En 1810 pintó el primero. En 1819 viajó a Venecia y Roma, ciudades en las que conoce los paisajes clasicistas de Claudio de Lorena y de Nicolas Poussin. Frecuentaba también Hampstead, donde, entre 1821 y 1822, hizo una serie de estudios de nubes anotando la hora y la fecha exacta de la realización, incluso a veces el tiempo que hacía.Incomparable maestro de los verdes y de los reflejos de la lluvia sobre los árboles, Constable se muestra al mismo tiempo realista minucioso y romántico exaltado, y cuando estas tendencias se equilibran nacen sus obras maestras. Nadie ha sabido captar como él el aspecto húmedo de la campiña inglesa y su cielo plomizo.
  66. 66. Claude Monet Claude Orayan Monet (1840 1926) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.
  67. 67. Paul Cézanne, 1.904. Santa Victoria. Acuarela Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.
  68. 68. Paul Cézanne, 1.882. Paisaje en Médan. Acuarela, 33x49. Kunsthaus, Zürich.
  69. 69. Paul Cézanne. Botella, garrafa, jarro y limones, 1902- 1906. Lápiz y acuarela sobre papel, 44 x 58cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
  70. 70. Wassily Vasílievich Kandinsky (ruso:) (Moscú, 1866 - 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
  71. 71. Paul Klee
  72. 72. Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 1957) es un pintor español. Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.
  73. 73. Mikel Barceló
  74. 74. Óleo
  75. 75. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES Técnica polícroma, húmeda, grasa. El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de linaza, aunque también se utiliza el aceite de nuez y el de adormideras. Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado al sol. El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100. Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc. La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.
  76. 76. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO : SECADO
  77. 77. CARÁCTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO: PERMANENCIA
  78. 78. TÉCNICA: COLOCACIÓN DE LOS COLORES DE LA PALETA Colores: es importante que la colocación de los colores en la paleta favorezca que se mezclen con facilidad y que no se ensucien unos con otros. Los colores se pueden mezclar en la paleta y en el propio cuadro:
  79. 79. BLANCO DE ZINC VERDE ESMERALDA AZUL COBALTO AZUL ULTRAMAR VIOLETA COBALTO NEGRO MARFIL PARDO VAN DYCK AMARILLO DE CADMIO AMARILLO DE NÁPOLES ROJO DE CADMIO CARMÍN DE GRANZA ROJO MARTE OCRE AMARILLO MI PALETA DISPOSICIÓN DE LOS COLORES PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN DISOLVENTE SECATIVO DE COBALTO LOS PINTORES Y SUS PALETAS LA FORMA http://www.ucm.es/BUCM/bba/48048.php LOS COLORES http://enkaustikos.blogspot.com/2010/06/la-paleta-del-pintor-huella-digital-del.htm
  80. 80. TÉCNICA: ELEGIR LOS COLORES PARA LA PALETA PREPARAR TUS PROPIOS ÓLEOS http://www.educathyssen.org/tcnicas_artsticas_leo_i
  81. 81. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN Preparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea madera o tela se pueden utilizar distintos aparejos: las modernas: al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo español a la gacha. Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:
  82. 82. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
  83. 83. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
  84. 84. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
  85. 85. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
  86. 86. TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA
  87. 87. TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA
  88. 88. LA TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO
  89. 89. TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO
  90. 90. TÉCNICA: SUPERPONER COLORES: VELADURAS, ESFUMADO, COLORES ADYACENTES
  91. 91. Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente sobre una base de otro color, utilizado disolventes y barnices para aumentar las transparencia del color. Muy utilizada por los pintores desde el renacimiento podemos destacar a Rubens
  92. 92. TÉCNICA: IMPASTO La palabra "empaste" es el italiano significa "masa" o "mezcla", el verbo "impastare" se traduce también como "amasar", o "pegar" El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del soporte (o el lienzo) muy gruesa, son visibles los trazos de pincel o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en el lienzo. Una vez seco, empaste proporciona textura, la pintura parece estar saliendo de la tela. Ej Goya, Rembrant, Auerbach, Saura
  93. 93. TÉCNICA: MÉZCLA ÓPTICA Mezcla óptica, puntillismo: los colores se utilizan puros y el efecto de mezcla se produce al alejarse del cuadro y percibir los colores juntos, técnica iniciada en el impresionismo, destaca Seurat.
  94. 94. TÉCNICA: PINTAR ALLA PRIMA Pintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con pincelada suelta y expresiva, es muy utilizada por pintores de paisaje ejemplo Sargent, Sorolla
  95. 95. Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci.
  96. 96. ÚTILES 1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano. Los acuarelistas utilizan paletas de porcelana o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil; algunos pintores flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de material sintético blancas y de aluminio lacadas en blanco mate. 2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones; los de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los de pelo largo sirven para extender el color. Los pinceles planos , muy utilizados, tienen una práctica más general, sirviendo, puestos de lado, para realizar perfiles. Y los pinceles cuadrados son muy apreciados para manipular pinturas muy cremosas. 3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semi-rígida o flexible, y de mango con distintos fines: -para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa pictórica o para pintar. Muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela. 4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten directamente el color, trozos de tela para el "frottage" …. Aunque también se utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso más generalizado es para barnizar. 5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el cuadro en posición vertical a la altura que desee el pintor. 6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el disolvente: esencia de trementina o aguarrás , el barniz y el secativo. 7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo
  97. 97. SOPORTES Los soportes o los materiales sobre los que se aplica la pintura al óleo pueden ser diversos. Las maderas más empleadas como soporte son la tabla maciza (pino, caoba...), contrachapado de madera, el aglomerado (DM) de madera... Las telas o lienzos son tejidos de hilos cruzados perpendicularmente, formando la trama y la urdimbre. Las más usadas en la pintura son las telas de lino, algodón, cáñamo y yute, en especial las dos primeras. La tela puede adquirirse ya preparada y montada sobre bastidor, pero también puede comprarse por metros y después ser montada. Cornelius Gijsbrecht, Reverso de una pintura enmarcada (1670-1672)
  98. 98. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV, pero hoy se sabe que ya existía con anterioridad. 1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes. 2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo 3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés 4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos con la aplicación de empastes. 5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en el siglo XIX. Ingres, Goya 6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los pigmentos hasta entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso de los empastes. Sorolla, Sargent 7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de colores brillantes. Seurat, Monet 8-Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas, aumentando las texturas con arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista del siglo XX: Saura, Dubuffet, Pollock, Rothko, Raughchemberg
  99. 99. 1-Van Eyck investigó el óleo dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes. Giovanni Arnolfini y su esposa o El matrimonio Arnolfini Jan van Eyck, 1434 Óleo sobre tabla • Gótico 82 cm × 60 cm National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido
  100. 100. En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo San Jerónimo en su Estudio Antonello da Messina Fecha:1456 Museo:National Gallery de Londres Características:46 x 36,5 cm Material:Oleo sobre tabla
  101. 101. Rafael Sanzio, Retrato de Cardenal
  102. 102. Leonardo da Vinci, Sanjuán
  103. 103. Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés Autorretrato de Tiziano, pintado hacia 1567 (Museo del Prado). Nombre completo Tiziano Vecellio
  104. 104. Acrílico
  105. 105. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES   Técnica polícroma húmeda magra La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Características técnicas: -Se destaca especialmente por la rapidez del secado. -Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. -Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada, utilizando incluso una técnica diferente. -El acrílico es estable, resistente a la oxidación, eso explica por qué las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil. -A diferencia del óleo, el acrílico permite empastes de mejor resistencia, el primero, con el paso de los años tiende a cuartearse; -Puede trabajarse sobre cualquier superficie que sea absorbente de forma directa o como imprimación. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.
  106. 106. Origen: La necesidad de llevar a cabo grandes pinturas murales   Los grandes muralistas mexicanos: Orozco, Siqueiros se dieron cuenta de que utilizar óleos no sería posible debido a su corta expectativa de vida y por eso trataron con el fresco, pero tampoco resultó. Se necesitaba un tipo de pintura que secase de forma rápida y no se viera alterada por los cambios climáticos; el material que ellos estaban buscando existía ya desde hace tiempo pero se utilizaba únicamente en el plano industrial, nos referimos a las resinas plásticas. Así fue como tuvo origen la pintura con acrílico, se comenzó a buscar colores de aplicación artística; los pigmentos eran los mismos que los pintores utilizaban solo que ahora se agregaban los polimerizados para poder aglutinarlos. El término polímero alude a la unión de moléculas pequeñas e idénticas para formar una más grande, lo que hace que posea como propiedad fundamental una gran resistencia. Se desarrollaron entonces dos resinas sintéticas adaptadas para ser utilizadas en la rama del arte: el acetato de polivinilo y la resina acrílica. Estas últimas se logra a partir de ácidos acrílicos y metacrilatos; la gran importancia de las pinturas con acrílico es que éstas una vez finalizadas se secan instantáneamente y una vez que esto ocurre se le permite al artistas añadir más pintura a la superficie. Mexico City. Palacio de Bellas Artes: Mural "El Hombre en la encrucijada" ( 1934 ) by Diego Rivera.
  107. 107. MODO DE EMPLEO La emulsión de polímero acrílico es soluble al agua cuando esta húmeda una vez seca proporciona una película flexible resistente al agua, que no amarillea. Hay diversos mediums en el mercado para producir impasto y veladuras que se mezclan muy bien con la pintura: medio mate, medio tipo gel, agentes humectante, retardadores de secado, pastas para añadir textura (piedra pómez, marmolina, arena)
  108. 108. BLANCO DE ZINC VERDE ESMERALDA AZUL COBALTO AZUL ULTRAMAR VIOLETA COBALTO NEGRO MARFIL PARDO VAN DYCK AMARILL O DE CADMIO AMARILLO DE NÁPOLES ROJO DE CADMIO CARMÍN DE GRANZA ROJO MARTE OCRE AMARILLO MI PALETA DISPOSICIÓN DE LOS COLORES PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN AGUA
  109. 109. La versatilidad del acrílico permite emplearlo con las técnicas que hemos estudiado: 1.Transparente y aguado como la acuarela. 2.Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como el óleo. 3.Opaco sobre fondos de colores como Guache. 4.Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace en el fresco. Además permite el empleo de otras técnicas que favorecen esta plasticidad: 5.Dripping o chorreados. 6.Aerógrafo. 7.Uso de plantillas o máscaras. 8.Raspados. 9.Estarcidos. estampados,
  110. 110. 1. Transparente y aguado como la acuarela.
  111. 111. 2-Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como el óleo
  112. 112. 3. Opaco sobre fondos de colores como Guache.
  113. 113. 4. Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace en el fresco
  114. 114. 5. Dripping o chorreados.
  115. 115. 5. Dripping o chorreados.
  116. 116. 6. Aerógrafo.
  117. 117. 7. Plantillas o máscaras.
  118. 118. 8. Raspados.
  119. 119. 8. Raspados.
  120. 120. 8. Raspados.
  121. 121. 9. Estarcidos Roy Lichtenstein Hopeless Acrilico
  122. 122. 9. Estampados. Ives Klein
  123. 123. 10 Otras técnicas
  124. 124. ÚTILES Acrílico en tubo o botes, pinceles, recipiente para el agua y los mediums, paleta para mezclar colores caballete y trapos
  125. 125. SOPORTES: Se puede trabajar sobre cualquier soporte, papel, madera, tela, muro. En algunos casos es necesario preparar el soporte IMPRIMACIÓN ACRILICA DE GESSO Contiene polímero acrílico y blanco de titanio se puede extender con brocha, imprimador,  espátula, o raspador limpia cristales
  126. 126. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • El desarrollo de la pintura con acrílico como un medio artístico tuvo lugar en los años 20’ del  Siglo XX, para ese entonces un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente  Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros deseaban pintar grandes murales para  edificios públicos, muchos de estos muros estaban al aire libre. • En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado,  particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas  originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo  Abstracto Americano. Estos pintores aplicaban sus colores de diferentes maneras; Pollock,  por ejemplo, utilizaba una gran cantidad de veladuras e impasto, Nolan construía áreas  uniformes de color con contornos definidos; Rothko, por su parte, manchaba enormes  tableros con lavados delgados y transparentes. • Los Artistas Pop americanos y británicos también utilizaron los acrílicos un medio que se  acercaba a los presupuestos artísticos de arte popular y de masas como David Hockney  contribuyeron muchisimo a la enorme popularidad de que gozo este tipo de pintura en el  mundo del arte plastico. Otro de los artistas de esta epoca que utilizo la pintura acrílica fue  Roy Lichtenstein ,un pintor americano del arte>>pop>>.En 1960 comenzó a basar sus obras  en las tiras de los tebeos. El imitaba la prensa ,colocando una pantalla metálica que tenia  agujeros a espacios equidistantes sobre el lienzo y pasaba la pintura sobre ella con un cepillo  de pasta de dientes.
  127. 127. Dominique Ingres El muralismo es un movimiento artístico  mexicano de principios del siglo XX que se  distingue por tener un fin educativo, el cual  se consideró esencial para poder lograr  unificar a México después de la revolución.  Gran parte de estos artistas, debido al  contexto que se vivía en la post-revolución,  tuvieron una gran influencia de las ideas  marxistas por eso, a través de los murales se  proyectó, la situación social y política del  México  .Ello fue pensado con fines  educativos y era empleado en lugares  públicos a los que todo tipo de gente sin  importar raza y clase social pudiera acceder.  Algunos de los temas eran la conquista, la  Revolución Mexicana, la industrialización,  los personajes principales de la cultura  popular,  Por ejemplo, se puede decir que los  muralistas vivieron tres etapas primordiales:  los 20's, los 30's, y la etapa desde los 40's  hasta 1955. En cada etapa, tanto los temas  como las técnicas van a variar y en este  modo el muralismo trataría de encontrar  una definición más clara como movimiento.  José Clemente Orozco Muralismo Mexicano
  128. 128. José Clemente Orozco
  129. 129. José Clemente Orozco
  130. 130. Diego Rivera
  131. 131. Diego Rivera
  132. 132. Diego Rivera Mural Presencia de América Latina, ubicado la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, en Chile.
  133. 133. José Clemente Orozco
  134. 134. Kenneth Noland En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo Abstracto Americano Entre 1946 y 1948, Noland asistió a clases del Black Mountain College. Se identifica como un expresionista abstracto. Amigo de Morris Louis, ambos adoptaron la técnica de Helen Frankenthaler que dejaba que la pintura acrílica chorrease sobre la tela. Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica. Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas, dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la composición. Se interesa por la adaptación de las zonas de color a los límites del marco del cuadro. En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos rectangulares a base de franjas de color superpuestas.
  135. 135. Kenneth Noland. "Este-Oeste" (1963)
  136. 136. (Morris Louis, ”claustral", 1961) Ésta se caracteriza por sus entramados de lavados de color, que tiñen el lienzo virgen, haciendo que fondo y color sean una misma cosa, uno dentro del otro, generando una fusión innovadora. Las bandas de color se superponen, invaden a otras, juegan entre sí, penetran la superficie. El color no es una mancha en la tela, es parte de. Se pueden ver estas obras como una composición de la descomposición de la luz al pasar por un prisma. Colores nítidos pero suaves, sutiles.
  137. 137. (Morris Louis, "Crown" (1958))
  138. 138. (Morris Louis, "Untitled", 1959-1960)
  139. 139. (Morris Louis, "Seal", 1959)
  140. 140. Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956) Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. Estilo: Espresionismo abstracto Cronología: 1950 Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York
  141. 141. Jackson Pollock Dripping
  142. 142. Jackson Pollock Dripping
  143. 143. Jackson Pollock Me
  144. 144. Tom Wesselmann Su primera muestra individual, en la Tanager Gallery de Nueva York, tuvo lugar en 1961. Ese mismo año inició su extenso ciclo de Great American Nudes (Grandes desnudos americanos). Los primeros eran collages de formato reducido, pero los posteriores los realizó al óleo y con colores acrílicos en grandes formatos. En algunos de ellos incorporó objetos reales.
  145. 145. Tom Wesselmann Life #121962 acrylic and collage of fabric, photogravure, metal, etc. on fiberboard
  146. 146. James Rosenquist Su especialidad es coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas y combinarlas, superponerlas, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias visuales. Escoge objetos simples que se identifican con facilidad y que no portan ningún significado simbólico. Y los trata en grandes formatos (cuadros, environments) con un lenguaje propio de la publicidad. A veces una figuración realista, amplificada como en los grandes carteles publicitarios, acaba siendo, si se mira muy de cerca, una forma abstracta. Eso hace Rosenquist: tomas fragmentos de la realidad y representarlos a gran tamaño.
  147. 147. James Rosenquist
  148. 148. James Rosenquist
  149. 149. James Rosenquist
  150. 150. James Rosenquist
  151. 151. James Rosenquist
  152. 152. James Rosenquist
  153. 153. Roy Lichtenstein A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.Escultura en el Centro de Arte Reina Sofia en Madrid, EspañaSus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.
  154. 154. Roy Lichtenstein ¡Olvídalo! ¡Olvídame! Roy Lichtenstein (1962) Óleo y acrílico sobre lienzo. 203,2 x 172,7. Rose Art Museum, Waltham, Massachusetts
  155. 155. Roy Lichtenstein Mujer en el baño.
  156. 156. Roy Lichtenstein Crak.
  157. 157. David Hockney (Bradford, Reino Unido, 1937) Pintor y grabador británico. Es el exponente más destacado de la segunda generación del pop art inglés. Con una mezcla de formas figurativas y abstractas plasmadas mediante pinceladas gestuales, signos infantiles y graffiti, a los que añadía su particular toque humorístico. En cuanto a la temática de sus obras, destacan sus series de Piscinas, tratadas a partir de superficies frías y colores lisos; el figurativismo sirve en estas obras para explorar el terreno de la abstracción. En Matrimonios de estilo, otro de sus trabajos más conocidos, extrae imágenes de revistas populares con distintas parejas posando en su entorno doméstico.
  158. 158. David Hockney
  159. 159. Temple Tema 15
  160. 160. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES   En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas.Consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental. Temple de huevo: La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. (Hay también temples de clara de huevo y de huevo completo) Temple a la Caseína: conocido desde la Antigüedad y ha resultado tener un comportamiento más estable que el resto de las emulsiones. El temple de caseína es muy resistente al agua, muy estable y de gran poder adhesivo. El fondo que mejor se comporta es el de caseína. Otra característica importante de la caseína es su gran claridad e intensidad luminosa. Temple a la Cola: Tiene como aglutinante cola de animal, la pintura tiene un acabado mate, empleada por Andrea Mantegna
  161. 161. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES   Pigmentos: Algunos de los pigmentos usados por pintores medievales, como el bermellón (hecho de cinabrio, un mineral de mercurio), son altamente tóxicos. La mayoría de artistas modernos usan pigmentos sintéticos, que son menos tóxicos pero tienen propiedades de color similares a los pigmentos antiguos. Aun así, muchos (sino casi todos) los pigmentos modernos son peligrosos si no se toman las precauciones adecuadas, lo que incluye guardarlos húmedos para evitar respirar su polvo Aplicación del temple: La pintura al temple se seca rápido. Normalmente se aplica en capas finas, semi-opacas o transparentes. Permite gran precisión cuando se usa con técnicas tradicionales que requieren la aplicación de pequeñas y numerosas pinceladas aplicadas en técnica de hachura o regatino (dibujo a líneas o puntos). Una vez seco, produce un acabado fino y mate. Como no puede ser aplicada en capas gruesas como el óleo, la témpera rara vez tiene la profundidad de color y la saturación a la que el óleo puede llegar. En este respecto, los colores de una témpera sin barnizar se asemejan al pastel, aunque el color depende de si se aplica un barniz. Por otro lado, los colores de la pintura al temple no cambian a lo largo del tiempo, mientras que el óleo se oscurece, amarillea y se transparenta con la edad.
  162. 162. MODO DE EMPLEO Preparación del temple al huevo
  163. 163. Los trazos
  164. 164. Los trazos
  165. 165. Pintura Preliminar
  166. 166. Pintura Preliminar
  167. 167. Pintura Preliminar
  168. 168. ÚTILES Pigmentos en polvo, huevo, caseína, cola de conejo, barniz dammar, pinceles, espátula , mortero para moler la mezcla, huevera para mezclar cada color con el aglutinante Como fabricar los colores http://www.youtube.com/watch?v=LHtJNeiksU8
  169. 169. SOPORTES La témpera se adhiere mejor a un soporte absorbente que tenga menor contenido en aceite que el aglutinante usado para la mezcla (la regla tradicional es "graso sobre magro", y nunca al revés) EL fondo usado tradicionalmente es gesso italiano y el soporte suele ser más bien rígido. Históricamente se usaron soportes de paneles de madera y más recientemente se están usando tablex y compuestos modernos. También se suele usar papel grueso.
  170. 170. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • La pintura al temple ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto.  Muchos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple, a veces en  combinación con pintura encáustica.  •  La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrollo desde la  pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de  manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos. •  Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Duccio, Giotto, Cimabue y sus  contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco.  • Los Grandes pintores del siglo XV Piero de la Franchesca, Mantegna y Sandro Botticelli, Fray  Angélico usaron el Temple. Todas las pinturas de tabla conservadas de Michelangelo son de  temple al huevo. • El óleo reemplazó a la pintura al temple como principal medio artístico durante el siglo XV en  la pintura Holandesa del norte de Europa. Al rededor del año 1500, reemplazó a la témpera  en Italia.  • En los siglos XIX y XX ha habido revivals intermitentes de la pintura al temple en el arte  occidental, entre los pre-rafaelitas (Marianne Stokes), realistas sociales y otros. La pintura al  temple se sigue usando en Rusia y Grecia donde es el medio requerido para los iconos  ortodoxos.
  171. 171. Algunos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple
  172. 172. Guido da Siena, Iglesia de San Regolo, Siena, Témpera y oro en panel, 1285-1295
  173. 173. Artist Duccio di Buoninsegna Year c. 1300 Type Tempera
  174. 174. Artist Duccio di Buoninsegna Year c. 1300 Type Tempera Dimensions 27.9 cm × 21 cm (11.0 in × 8.3 in) Location Metropolitan Museum of Art, New York
  175. 175. Artist Duccio di Buoninsegna Última Cena Year c. 1300 Type Tempera
  176. 176. Artist Duccio di Buoninsegna Calvario Year c. 1300 Type Tempera
  177. 177. Primavera, tempera on wood by Sandro Botticelli, c. 1477–82; in the Uffizi Gallery, Florence..
  178. 178. Miguel Ángel Buonarotti Santo Entierro, en la National Gallery de Londres (1500-1501).
  179. 179. Miguel Ángel Buonarotti Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia (1504- 1505)..
  180. 180. Marianne Stokes, Melisande (Stokes), Témpera en lienzo, 1895-1898
  181. 181. Marianne Stokes, Isabel de Hungría Témpera en lienzo,
  182. 182. Marianne Stokes,
  183. 183. Marianne Stokes, pinturas al gesso y temples,
  184. 184. Encáustica
  185. 185. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES  Técnica húmeda grasa La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección)
  186. 186. MODO DE EMPLEO La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar. La técnica de encáustica solo con cera debe trabajarse en caliente puesto que la cera rápidamente se endurece al enfriarse. Esta mezcla permite pintar con más tiempo, pues la pintura tarda en secarse y tiene la facilidad del óleo. Procedimiento: La resina de Dammar se mete en un bote de cristal con aguarrás (hasta que esté toda mojada solo) y se calienta al baño maría (se pone el bote dentro de una cazuela con agua y esta al fuego).La cera se prepara troceándola primero, se mete en un cacharro apretándola y se cubre con aguarrás. Se calienta al baño maría también puesto que el aguarrás es muy inflamable y debe hacerse con un control del calor. Una vez están disueltos cera y dammar, se meten en un mismo bote y se remueven. Si queda muy espeso como una cola para zapatos es que falta resina. Si queda como un caramelo es que falta cera. Debe quedar como la miel. http://www.youtube.com/watch?v=_7Yph7eCzeM
  187. 187. La técnica en la antigüedad
  188. 188. La técnica de la encaústica
  189. 189. La técnica de la encaustica De capas múltiples
  190. 190. La técnica de la encaustica Raspado, esgrafiado
  191. 191. ÚTILES Cera de abejas Pinceles Brocha de cerdas duras Pigmentos de colores Secador de mano Esencia de trementina Recipientes Espátula Infernillo eléctrico Trapos de lino para pulir y sacar brillo Cartulina gruesa, tabla o lienzo para pintar.
  192. 192. SOPORTES: Se utiliza como soporte la tabla de madera, la tela y las paredes de albañilería. Se puede pintar directamente sobre madera imprimada o sin imprimar (pero preparada con un fijador). Y por supuesto, en lienzos preparados con creta.
  193. 193. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • Es una técnica conocida y utilizada desde la Antigüedad.  • Los romanos la usaban sobre todo en tablas. Plinio el Viejo, enciclopedista romano del siglo I  describe el uso de la encáustica sobre el marfil, técnica a la que ya entonces se consideraba  antigua. Da cuenta de que el inicio de la técnica derivaría de la pintura de los barcos con cera para  impermeabilizarlos, a los que se agregó color en épocas de guerra. La cera conseguía  impermeabilizar la madera consiguiendo con esto que fuese resistente a la sal y a los rigores del  tiempo. • En la región de El-Fayum, al norte de Egipto se descubrieron unos retratos de gran fuerza  expresiva, en sarcófagos de madera, realizados en encáustica. Son de los siglos I y II.  • Los murales de Pompeya luego de mucho tiempo de especulaciones se ha llegado a la conclusión  de que no fueron pintados a la encáustica. • Su uso es común hasta los siglos VI y VII, y son ejemplos de esta etapa los iconos bizantinos del  Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí.  • Durante los siglos siguientes y a partir del VIII y el IX esta técnica cae en desuso hasta que  reaparece a los comienzos de la Edad Media. Un buen ejemplo de icono pintado a la encáustica es  el de la Virgen con niño entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto. • Vuelve a ser amplia su utilización en el siglo XVIII y XIX, especialmente en Inglaterra y Francia. El  pintor francés Eugène Delacroix (1798–1863), utiliza en muchas de sus obras unos colores  previamente desleídos con cera. •  En el siglo XX el pintor, escultor y artista gráfico estadounidense Jasper Johns realiza encáusticas  sobre tela en obras que anuncian ya el Pop Art
  194. 194. Encausto da Solunto - siglo. I a.C.  Pintura mural al encausto
  195. 195. Virgin and Child with angels and Sts. George and  Theodore.  encaustic icon on panel Fecha c.600 Saint Catherine's Monastery Autor Anonymous.
  196. 196. Retrato de momia de mujer. Encaústica sobre  madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55- 70. British Museum.
  197. 197. Retrato de momia de mujer. Encaústica sobre  madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55- 70. British Museum.
  198. 198. Retrato de momia de mujer. Encaústica sobre  madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55- 70. British Museum.
  199. 199. Retrato de momia. Encaústica sobre madera.  Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-70. British  Museum.
  200. 200. Retrato de momia. Encaústica sobre madera.  Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-70. British  Museum.
  201. 201. George Stubbs. Dama y caballero en un carruaje. Encáustica de cera, aceite secante y colofonia. 1787. 82x101 cm. National Gallery, Londres. En realidad, un óleo con adición de ceras y resinas.
  202. 202. Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847. Para sus obra mural, Delacroix hizo pruebas en su taller con fresco y encáustica. Finalmente utilizó colores al óleo con adición de cera disuelta en esencia de trementina, una fórmula que conoció por Reynolds y que algunos autores han considerado como encáustica.
  203. 203. Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847
  204. 204. Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847
  205. 205. Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847.
  206. 206. Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847.
  207. 207. Jasper Johns. Flag. 1955. 106x152. Ceras pigmentadas aplicadas en estado de fusión aplicadas sobre recortes de periódico en lienzo. A pesar de las dificultades de empleo de la encáustica de ceras derretidas, han sido muchos los pintores contemporáneos que han trabajado con este procedimiento, atraídos por las cualidades ópticas de la cera y por el misterio de la técnica.
  208. 208. White Flag, 1955Jasper Johns (American, born 1930)Encaustic, oil, newsprint, and charcoal on canvas
  209. 209. Jasper Johns, Three flags, 1958, encaustic on canvas
  210. 210. Jasper Johns Encaustic, oil on canvas
  211. 211. El fresco
  212. 212. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES   Para tratar de explicar con claridad como se pinta al fresco creo que es importante hacerlo desde el principio, desde el momento en que el pintor se enfrenta al muro desnudo EL SOPORTE de la pintura mural, como es evidente, es un muro. La pared que tradicionalmente era de piedra o de ladrillo, no es un a superficie apropiada para pintar y necesita ser preparada. Esta preparación se compone de varias capas de enlucidos (realizados con argamasas en las que se mezcla cal, arena y agua) El primer enlucido que se aplica sobre el muro tiene la finalidad de regularizar la superficie, se extiende sobre el muro húmedo para que este no absorba el agua de la masa y, por norma general, no lo aplica el pintor, sino un ayudante. A esta capa se la denomina enfoscado. El grosor del enfoscado o arriccio es mayor que el de las siguientes capas que se le superpondrán y en su composición predominará la arena sobre la cal (en relación 3:1 suele decirse). El proceso de endurecimiento de esta superficie se produce en un primer momento por evaporación del agua y de una forma más lenta por el proceso químico de carbonatación de la cal. Sobre el enfoscado es necesario aplicar una nueva capa de enlucido: se denomina revoco o intonaco. El revoco es más delgado que el enfoscado y la proporción de cal aumenta respecto a la de arena (además la arena suele ser de un grano más fino). Esta es la superficie sobre la que el artista pintará, por eso su acabado y textura es muy importante.
  213. 213. MODO DE EMPLEO •En la pintura al fresco se debe de pintar sobre el revoco aún húmedo (de ahí el nombre de la técnica), los pigmentos se mezclan tan solo con agua y una vez depositados sobre el revoco serán fijados o aglutinados por la cal de este al carbonatar. •La diferencia básica del fresco con otras técnicas como el temple o el óleo es que en estas se aplican los pigmentos ya aglutinados (con huevo, cola o aceite) mientras que aquí se aplica primero el aglutinante (cal) y luego el pigmento. • •La cal tras el proceso de carbonatación aglutina los colores y estos pasan a formar parte del muro, que presenta una superficie lisa y cristalina que envuelve los pigmentos. •La cal al carbonatar se convierte en carbonato cálcico (de idéntica composición que la piedra caliza) lo que hace que los colores al fresco sean insolubles y que presenten un aspecto, color y textura únicos. El inconveniente del fresco, y lo que ha hecho que se les resistiera a muchos pintores es que no permite rectificar, salvo que se elimine el enlucido y se vuelva a pintar o que se retoque con otra técnica. •Como el revoco debe de estar húmedo al aplicar el color tan solo se enluce la superficie que se va a pintar ese mismo día, por eso a esta zona se la denomina jornada o giornata, su tamaño variará en función de la dificultad de lo que haya que pintar: las jornadas serán pequeñas en los rostros y muy grandes en los fondos. Por eso lo más sencillo para saber si un mural está pintado al fresco será intentar encontrar los bordes de las jornadas.
  214. 214. -Antes de empezar el traslado del calco, esperar que el revoque sea bastante seco para resistir a la presión de un dedo. -- Para trazar las líneas que sirven para encuadrar el dibujo y a determinar su exacta posición sobre el muro, se puede utilizar una cuerda empapada en el color que se tira como un elástico entre dos puntos de referencia dejando una huella de color sobre el revoque. -- La técnica de traslado del dibujo sobre el soporte es el calco perforado. Con un mango de pincel se trazan las líneas del dibujo a través el papel comprimiendo ligeramente, sin ir demasiado en profundidad para dejar un ligero surco en el revoque fresco. O también con carbón en polvo. -La puesta en obra del fresco solicita una buena organización: hacer de modo que los colores y los pinceles estén todos al alcance sobre una mesa o sobre un plan de trabajo estable; - Disponer varios recipientes de agua limpia para lavar los pinceles, preparar con antelación los diferentes tintes y sus aclaradores en recipientes etiquetados, - Iniciar con el trabajo en alto para evitar rebabas.Cuando se pinta hace falta tener en mente que el fondo tenderá a destacarse con los colores claros y que el revoque, cuando está húmedo aparece gris, será blanco una vez seco y por lo tanto aclarará los tonos. Hacer pruebas sobre papel para tener una idea de los colores secos.
  215. 215. ÚTILES Arena , cal, polvo de mármol, gaveta, llana, paleta, espátulas, agua, pigmentos, brochas de cerdas, botes para los distintos colores, andamios, pala, pico… Papel para preparar el boceto, muñequilla con carboncillo en polvo para transferir el dibujo al muro
  216. 216. SOPORTE Proceso De  carbonatación
  217. 217. PINTURA MURAL EL SECO Los mayores inconvenientes para la pintura mural en exteriores son la humedad, el polvo, la contaminación El SISTEMA DE PINTURAS MINERALES PERMANENTES KEIM 1877. -Aplicación de pigmentos minerales resistentes a los alcalis desleidos en agua destilada sobre una pared con revoco de sílice. -Pulverizando posteriormente un fijativo a base de silicato de potasio
  218. 218. ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS • La pintura al fresco era conocida por los antiguos egipcios, cretenses y griegos. También la practicaban los  romanos, según demuestran los extraordinarios ejemplos encontrados en Herculano y Pompeya.  • Entre las culturas prehispánicas de Mesoamérica, los mayas y los teotihuacanos, por ejemplo, usaron tanto la  técnica de pintura al temple, como la del fresco, en sus dos versiones. Ejemplos de frescos son los murales de  Tetitla, Tepantitla y Atetelco, en México. •  Al principio de la era cristiana (siglo II) se decoraban con pinturas al fresco los muros de las catacumbas o de las  cámaras mortuorias subterráneas. En la iglesia de San Isidoro de León (siglo XI) se encuentra el mejor conjunto de  pinturas murales del románico español.  • El arte del fresco resurgió con fuerza en Italia durante los siglos XIII y XIV de la mano de los pintores florentinos  Cimabue y Giotto, quienes han dejado bellos ejemplos en las iglesias de Asís, Florencia y Pisa. En el siglo XV, el  resurgimiento de esta técnica se produjo en Florencia, especialmente con las obras de Masaccio, Benozzo Gozzoli  y Ghirlandaio. •  La pintura al fresco alcanzó su culminación en el siglo XVI con el soberbio trabajo de Rafael en el Vaticano y con El  juicio final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La influencia italiana tuvo un papel decisivo en el resurgimiento de  la pintura mural en España. • Los frescos de la iglesia de San Antonio de la Florida, en Madrid, obra del pintor Francisco de Goya, constituyeron  la obra cumbre de la pintura española en este género. • En el siglo XVIII, la práctica de la pintura al fresco estaba muy extendida en Europa y en América, sustituyendo la  nobleza de estilo por la elegancia y los efectos ilusionistas. Uno de los principales exponentes de esta técnica  durante ese periodo fue Giovanni Battista Tiepolo, en Italia. •  En el siglo XIX, se produjo un resurgimiento de este arte, destinado sobre todo al embellecimiento de edificios  públicos. El núcleo más importante de pintura al fresco, en el siglo XX, ha sido México, donde Diego Rivera, José  Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros muralistas, han creado notables frescos monumentales en  edificios gubernamentales y privados
  219. 219. Detalle pintura al fresco de la tumba de Nakht, donde vemos a un grupo de mujeres con joyas, s.XV a.C.
  220. 220. Se encuentra en el palacio de Cnosos. No se sabe quién es, pero se cree que pudiera ser el rey Minos. Es un rey-sacerdote. Tiene cuerpo joven y atlético con una cintura muy fina, por lo que a estas figuras de las denomina "figuras de cintura de avispa". Lleva la mano derecha sobre el pecho, probablemente como símbolo de poder, y con la izquierda arrastra algo, probablemente un grifo. Va caminando entre un campo de lises y hay una mariposa revoloteando. Lleva collar y una tiara con plumas y adornado con formas helicoidales. Tiene zonas en relieve.
  221. 221. Mujer sentada tocando una cítara. Pintura al fresco de la Sala de la Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale, alrededor de los años 40- 30 a.C. finales época República
  222. 222. Pintura al fresco de la villa de P. Fannio Sinistore in Boscoreale, de Pompeya, actualmente en el The Metropolitan Museum of Art, NY.
  223. 223. Detalle pintura al fresco romana, de Oplontis donde vemos un cesto lleno de higos, año 79 d.C.
  224. 224. Detalle de la pintura mural del tlalocan en el palacio de Tepantitla Teotihuacan.
  225. 225. Cristo Pantocrátor de San Clemente de Taüll (Lleida) Pintura mural al fresco: Arte románico,1123. S. XII..
  226. 226. Anunciación del ángel, Cripta de San Isidoro, León
  227. 227. Pinturas de San Baudelio de Berlanga, Museo del Prado
  228. 228. Pinturas del Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista
  229. 229. Pintural Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista
  230. 230. Pintural Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista
  231. 231. Miguel Angel Buonarotti Capilla Sixtina
  232. 232. Giovanni Battista Tiepolo: Fresco from the Royal Palace of Madrid, 1762-66
  233. 233. Giambattista and Domenico Tiepolo, Apollo and the Continents, 1750-1753, Fresco (Residenz Palace, Würzburg, Germany)
  234. 234. Giambattista Tiepolo Título Jacob's Dream Fechaentre 1726 y 1729 Palacio de Udine (italia)
  235. 235. Goya, Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida, Madrid

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