Kandysky

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SEP T IEMBRE 23, 2012
PRINCIPALES REPRESENTANTES: WASSILY KANDINSKI
Nació en Moscú en 1866. En 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú.
En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiarArte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el
provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los
primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula,en un principio sombríos, para luego adquirir
una intensidad casi fauve; también pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad
Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso
del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente,iluminada desde atrás. La
consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo,
resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías.
En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, Áfricay visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de
Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera
exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauserde Múnich ese mismo año. Hacia el final de la
década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad
de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros
de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al
igual que otras referencias espaciales.
OBRAS
IMPROVISACIÓN 1914

Kandinsky pintó su primera acuarela abstracta en 1913 pero entre 1910 y 1914 crea simultáneamente obras
figurativas y cuadros abstractos.Muchos otros pintores en esas fechas de 1910 eran considerados abstractos
habiendo renunciado totalmente al arte figurativo, pero es Kandinsky el que está considerado fundador del
Arte que iba a serconsiderado una revolución.

TENSIÓN EN ROJO 1923
El fue el maestro en la liberación del color y la fuerza de las formas geométricas que dan lugar al Arte
Abstracto.
Posiblemente tiene mucho que ver el hecho de que dio un fundamento teórico a su práctica. Y así fue
considerado también: un gran teórico del Arte Abstracto.

SIN TITULO 1920
EN EL AZUL 1925

EN EL OVALO CLARO 1925
COMPOSICIÓN VII. 1913
Es un cuadro totalmente abstracto pero no por eso carece de significado. El siempre dijo que su idea era crear
un arte espiritual para un mundo materialista y enfermo. Que el espectadorpudiera “entrar” y “pasearse” por
el cuadro.
El tema es apocalíptico y alude al diluvio pero también a un renacimiento jubiloso. Era un grito esperanzador
ante la violencia de la primera guerra mundial y la revolución en su país.
Durante estos años previos a la Primera Guerra fueron muchos los artistas que racionalizaron a través de la
creación los cambios que se avecinaban.

DE LAS FRIAS PROFUNDIDADES 1928

TAZA Y PLATILLO. Pintura sobre porcelana. 1922

Amarillo-rojo-azul
Cuadrados con círculos concéntricos (1913)

Negro y violeta (1924)
entre otras…
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MINIENT RADA SEP T IEMBRE 23, 2012
PAUL KLEE
Pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte
moderno. Siguiendo un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de
ensueño fantástico,ingenio e imaginación. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza.
Nació en Münchenbuchsee,cerca de Berna, Suiza, el 18 de diciembre de 1879, pero en 1898 se trasladó a
Munich donde estudió arte en una escuela privada y en la Academia de Bellas Artes de la ciudad.

Entre los años 1920 y 1931 Klee fue profesor en la Bauhaus,la escuela alemana de arte más vanguardista.
Un viaje que realizó a África en 1914 le hizo descubrir definitivamente el color y marcó el comienzo de su
estilo maduro, en el que llegó a declararse poseído por el color. Durante los siguientes 20 años,sus pinturas y
acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño,que generalmente usó
para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos, como en
Pastoral (1927, Museo de Arte Moderno de Nueva York).
Klee fue también un maestro del dibujo y muchos de ellos son complicadas líneas con un contenido que
deriva de una imaginería fantástica o ensoñada,describió la técnica de estos dibujos como sacar a pasear una
línea. En Máquina temblorosa (1922, Museo de Arte Moderno de Nueva York), por ejemplo, con sus

elementos fluidos, metálicos, como pájaros, creó una composición de formas lineales y circulares
interconectadas,con un efecto evocadormucho más importante que lo que la propia obra significa.
Klee murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940. Su obra influyó en los surrealistas posteriores,
así como en los artistas no objetivos,y fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del
expresionismo abstracto.
OBRAS
Red bridge
Red bridge

PAUL KLEE
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PIET MONDRIAN
(Amersfoort 1872-Nueva York 1944), pintor holandés.
Estudió arte en diversas escuelas, y en 1909 tuvo su primera retrospectiva; ese mismo año ingresó a la
Sociedad Teosófica holandesa.
Las ideas de este grupo lo van a influenciar durante muchos años.En1910 colaboró con la fundación de una
sociedad progresista que organizaba exposiciones. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la
abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir
Malévich.

Junto con ellos funda la revista De Stijl, en la que publica ensayos sobre la naturaleza y el sentido del arte
abstracto.
Finalizada la guerra vuelve a París; los primeros tiempos son duros, de mucha pobreza, pero luego Piet
Mondrian adquiere reconocimiento y realiza muchas exposiciones.
Con motivo de la II Guerra Mundial, Mondrian se traslada a Nueva York, ciudad a la que se adapta con
facilidad.
Continua trabajando disciplinadamente y realiza su última obra maestra, Broadway Boogie- Woogie, cuadro
que elimina las líneas negras que habían sido su sello y se concentra en los colores primarios puros, en un
intento por plasmar el carácter frenéticamente jovial de la vida estadunidense.
Murió de neumonía el 1 de febrero.
OBRAS

Cuadro nº 2 (1925)
Descripción: Óleo sobre tela. 75 x 65 cm.
Localización: Colección Max Bill. Zurich
Autor: Piet Mondrian
Para Mondrian el lienzo como superficie plana sólo puede contenerotras formas planas,por ello admitió sólo
líneas y ángulos rectos que forman la retícula característica de sus obras.Quería expresar lo universal de la
realidad y para ello se valió de los colores primarios (rojo, azul y amarillo), que consideraba los colores
elementales del universo, y los no-colores (blanco, que es una mezcla de todos los colores, y negro, que es la
falta de ellos). Su teoría puede resumirse en una frase dicha por él: Solo cuando estemos en lo real absoluto el
arte no será ya más necesario.
Bodegón con jarra de jengibre II (1912)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 95,2 x 120 cm.
Localización: Guggenheim Museum. Nueva York
New York City (1942)

Localización: Colección Harry Holtzman. Nueva York
Molino al sol (1911)

Localización: Gemeentemuseum. La Haya
PIET CORNELIS MONDRIAN
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Joan Miró

Joan Miró nació en Barcelona el 20 de Abril de 1893. Pintor, escultor, grabador y ceramista español.Estudió
comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó
a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.
De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las
últimas tendencias artísticas europeas.Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal
con influencias fauvistas y cubistas,centrada en los paisajes, retratos y desnudos.
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como
Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a
evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los
contrastes.En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy
personal aunque de raíces populares,que marcaría toda su trayectoria posterior.
OBRAS
Sus primeras obras,entre 1915 y 1918, están influidas por Van Gogh, el brillante fauvista y las formas
fragmentadas del Cubiso. En ellas, muestra ya su gusto por las figuras y personajes relacionados con el
mundo rural de sus veranos en Mont-roig.
LA MASIA

Pintada en 1922, presenta la granja de su familia. Cada trazo ha sido pintado con el deseo de mostrar sus
partes más importantes. Para conseguirlo, altera la disposición convencionalde las figuras, elimina la pared
del establo para dejar ver lo que hay dentro y varía las perspectivas de los objetos de forma que unos aparecen
de frente y otros de perfil.
Todos los elementos están representados con claridad, con precisión y nitidez, imprimiéndoles solidez onírica.
La crítica ha calificado a esta etapa como detallista, por la minuciosidad descriptiva con que trata los objetos y
personajes relacionados con las labores del campo.
El campesino catalán de la guitarra, El carnaval del arlequín oInterior holandés I

Responden a una visión fantástica, con imágenes distorsionadas de animales jugando,formas orgánicas
retorcidas o extrañas construcciones geométricas.Las figuras se disponen sobre fondos neutros y planos de
colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. Posteriormente desarrolló obras más
etéreas en las que las formas y la figuras orgánicas se reducen a puntos,líneas y explosiones de color,
abriéndose paso en la abstracción.Elabora su pintura inspirado en Paul Klee, que pertenece a la escuela
surrealista, aunque se vincula con la abstracción.
Naturaleza muerta con zapatos viejos

Realizada también para el Pabellón español, reproduce la sensación de angustia,de dolor y de pánico que se
estaba viviendo en España. Los objetos utilizados adquieren carácter simbólico, como por ejemplo, el zapato
que se hace enorme y el tenedorque pincha de forma salvaje una patata.
Constelaciones
Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía,
Miró se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de
«Constelaciones» realizadas en formato de 38×46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con
gasolina y lo fregaba hasta conseguiruna superficie con una textura rugosa.A partir de aquí ponía el color
manteniendo una transparencia para crear el aspecto final deseado.Sobre este color del fondo, Miró dibujaba
con colores puros para lograr el contraste.
En las constelaciones,la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen
referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos.

Mujer, pájaro y estrella es una de sus obras más conocidas.La identificación de los personajes depende de
la imaginación de quien contempla la pintura, y es el título el que da las pistas de lo que representa.Se
observa la facilidad de Miró para combinar los colores y las formas geométricas.

ESCULTURAS
Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e
imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.
El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de
la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la
poesía surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están
pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro.
En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con
líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas.

Mujer y Pájaro La obra fue inaugurada en 1983 sin la presencia de su autordebido a los graves problemas
de salud que padecía, muriendo meses después de la inauguración a la edad de 90 años. Mujer y Pájaro fue
una de las primeras expresiones de arte público de la ciudad condal de la era democrática.
Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura fue realizada en
hormigón y con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de
un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada.Por todo su exterior se
encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules.

Pajaro Lunar
JOAN MIRÓ
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ESCULTURA ABSTRACTA
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado porla abstracción. La escultura
abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta.Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán
es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte
de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica,
en la que se trata de representarlo orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna
desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio.El artista
españolEduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus
estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el
punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Hans (Jean) Arp

Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo, y formó parte de varias de
las más destacadas vanguardias artísticas del siglo XX. Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909 y
después permaneció pintando en Suiza varios años.En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich
Der Blaue Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices
de motivos angulares y totalmente abstractos,así como a los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del
revolucionario movimiento dadá en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de
formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente. En 1924 Arp se trasladó a
París, donde se unió a los surrealistas y elaboró bajorrelieves de madera pintada y construcciones de cartón
humorísticas. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los
más diversos materiales. Ejemplo de sus formas suaves y biomórficas es Concreción humana (1935; versión
en piedra, 1949, Museo de Arte Moderno,Nueva York). Trabajó al mismo tiempo en gouache,collages,
grabados y litografías. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo.Al ser bilingüe, utilizaba el nombre
de Jean cuando escribía en francés y el de Hans cuando lo hacía en alemán.
OBRAS

Constelación con 5 formas blancas
ANTOINE PEVSNER: (18 de enero de 1888 – 12 de abril de 1962) fue un escultornacido en Orel, Rusia,
hijo de un ingeniero.
Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de
investigación con el que toda su obra se desarrolla.
En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos
de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a
Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la guerra permaneció en Oslo; volvió a Rusia
en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú.
En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor
absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad.En 1923 visitó Berlín, donde

conoció a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandonó la pintura y se
volcó en la escultura constructivista.Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía
francesa en 1930. En París, Pevsnery Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo
de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto.En los años treinta, las obras de Pevsner se
expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.
OBRAS
Construcción dinamica

Visión aspectral
Proyeccion en el espacio

NAUM GABO
Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. Nació en
Briansk y cambió su nombre (Naum Pevsner) para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner,
que también era artista. Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a
crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide.
Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú,que abogaba por la
construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra
o vaciado en bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la
utilización de formas artísticas nuevas,basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales
de lo que se conocería como constructivismo; al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes
dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí
ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923, Museo
de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico. Durante la II Guerra Mundial continuó
produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943, Colección
Phillips, Washington),en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez,
están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon. En 1946 se afincó en
Estados Unidos. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de
árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos
durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la
fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.
OBRAS
Cabeza de Mujer

EDUARDO CHILLIDA
Escultor y grabador españolnacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado
del siglo XX, continuadorde la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonarsus estudios de
arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En 1948, se trasladó a París donde trabó
amistad con Pablo Palazuelo y comenzó a modelar obras figurativas, en terracota, temática que abandonó
pronto para, a partir de 1950, concentrarse en la abstracción. Su primera exposición individual fue en Madrid,
en 1954, en la galería Clan y fue la primera muestra de escultura abstracta que se realizó en España. Tras ésta,
es invitado por el arquitecto Ramón Vázquez Molezún a participar en el pabellón españolde la Trienal de
Milán de ese año, en la que obtuvo el Diploma de Honor. En sus comienzos utilizó preferentemente el hierro
y la madera, e introdujo posteriormente otros materiales como el hormigón, el acero, la piedra e incluso el
alabastro, que le interesaba por su cualidades lumínicas. A partir de los años 1970 Chillida observa la
naturaleza y busca en ella la inspiración para sus formas. Desde la década de 1980, se ha especializado en la
instalación de piezas de grandes dimensiones, que se integran en espacios urbanos o en inmensos espacios
naturales abiertos, y que contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una sencilla
geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan dinamismo con estaticidad. En su
destacada faceta de grabador —procedente de su interés continuado por la obra sobre papel, a la que ha
conferido en ocasiones volumetrías propias de la escultura—, destacan las estampas realizadas para el
poemario de Jorge Guillén, Más allá. O las que realizó para una obra del filósofo Martin Heidegger, en 1959,
año en el que participó en la II Documenta de Kassel. Posee el Premio de las Artes de Francia, el Premio
Príncipe de Asturias,concedido en 1987, y es académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
OBRAS
El peine de los vientos
AUTORES

El elogio al horizonte
Yunque de sueño
ESCULTURA ABSTRACTA

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La Pintura abstracta es una rama del arte abstracto que genera sensaciones desde las formas y no desde la
imitación de lo real. Inicialmente La pintura abstracta la expuso Kandinsky profundizando en ella en Uber das
Geistige in der Kunst (1911) junto con Boccioni quien escribió acerca de la abstracción expresiva: “Mi ideal
era un arte que expresara la idea de sueño sin representar ninguna cosa durmiente”. El mayor auge de la
pintura abstracta vino con el expresionismo abstracto que desarrolló entre 1945 y 1955 la escuela de New
York.
Es considerado una de las primeras pinturas más representativa de los fenómenos artísticos contemporáneos,
enfatizado en la Pintura contemporánea de los siglos XX y XXI.
Se desarrollaron varias vertientes de esta Pintura:
Pintura abstracta expresiva
 Subjetiva y espontánea
 Métodos de creación impulsivos e improvisados
 Expresividad en los elementos visuales
 Composición asistemática y falta de estructura
 Vaguedad y ambigüedad

Pintura abstracta geométrica
 Objetiva y universal
 Planificación de la obra sobre principios racionales, previa a la creación.
 Prohíbe la expresividad de los elementos visuales,defendiendo el uso de los elementos normalmente
geométricos.
 Elimina la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales.
 Composición sistemática y lógicamente estructural
 Claridad, precisión y objetividad

Pintura abstracta Postpictórica
 Repudian la pincelada expresiva
 Suprimen la calidad táctil.
 Suprimen la calidad de tipo ilusionista.
 Enfatizan el realismo de los materiales artísticos.
 Tienen como objetivo alcanzar un arte de colores ópticos.
 Identifican la obra física de arte con la imagen del cuadro.
 Eliminan ciertas asociaciones.
PINTURA ABSTRACTA

Kandysky

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