Tema 22.El Expresionismo abstracto. El Informalismo. El Minimal Art, ...

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Tema 22 de Historia del Arte en Castilla y León. A través de esta presentación podemos estudiar el expresionismo abstracto, el informalismo, el minimal art, las tendencias neofigurativas (pop art) y el hiperrrealismo.

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Tema 22.El Expresionismo abstracto. El Informalismo. El Minimal Art, ...

  1. 1. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO.EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Surge después de la Segunda Guerra Mundial. Peculiar elaboración de las obras: pintura en acción: la action painting. El artista pinta con las manos, deja gotear, arrastra, esculpe materiales que se secan en la tela. Se buscan texturas y combinación de materiales, collages. Nuevas técnicas como el dripping: administrar directamente la pintura desde el tubo.
  2. 2. J. POLLOCKJ. POLLOCK La obra de Picasso despertó gran admiración en Pollock. De los muralistas mexicanos tomo la obsesión por el gran formato y la intensa expresividad. Los surrealistas le ayudaron a explorar nuevos caminos pictóricos . Hacia 1947 había concretado su estilo: abstracciones libres, informales, basadas en una técnica de goteo y manchones sobre el lienzo. Para entender su lenguaje pictórico hay que conocer al artista: fue un rebelde empeñado en triunfar con la abstracción pura, un neurótico que sufrió importantes depresiones, un mujeriego y un alcohólico violento, grosero e irreverente.
  3. 3. J. POLLOCKJ. POLLOCK Máximo representante de la Action Painting, según la cual hay que realizar la pintura en un mínimo tiempo, gracias al desarrollo de una acción gestual rápida sobre el lienzo. Para conseguir este resultado empleaba la técnica del dripping (goteo), que consiste en hacer gotear o salpicar la pintura sobre la tela sin tensar, colocada en el suelo. Y en lugar de pinceles, utilizaba palos, cucharas y botes agujereados. En el momento de pintar, Pollock ejecutaba una especie de ballet onírico y salvaje en torno a una tela mientras escuchaba música a todo volumen. Después de la II Guerra Mundial, con Pollock y De Kooning, la capitalidad artística mundial se desplazó de París a Nueva York; era la primera vez que se situaba fuera de Europa.
  4. 4. Composición núm. 1. J. Pollock En Composición núm. 1 se aprecia cómo las líneas negras y blancas, que parecen adquirir velocidad, se entrecruzan con diversa intensidad sobre un fondo de manchas de diferentes colores (ocres, grises,…). Los trazos son enérgicos, producto de la violencia gestual con que han sido realizados. La pintura se distribuye en formas siempre irrepetibles: siluetas, grumos, gotas … Esta tela es un rico arabesco de complicadas filigranas que crean masas de diferente densidad.
  5. 5. Composiciónnúm.1.J.Pollock Proceso de creación.
  6. 6. Composición núm. 1. J. Pollock
  7. 7. Composición núm. 1. J. Pollock Esta obra se ejecuta como estilo all-over, denominado así porque llena toda la superficie del soporte y evita la existencia de un único centro de atención y de una jerarquía de formas. La obra está constituida por un trazado de finas líneas que se superponen unas encima de otras, de manera que el cuadro no parece tener límites. Pollock titulaba sus cuadros al final del proceso creativo y para no influir en el espectador, prefería darles un número, llamarlos sin ti tulo o referirse a ellos por la fecha de creación.
  8. 8. Ritmo de Otoño nº 30. J. Pollock
  9. 9. Untitled nº 2. J. Pollock
  10. 10. EL INFORMALISMO . (M. Millares)EL INFORMALISMO . (M. Millares) El Informalismo es una corriente que surge en Francia y luego se extendería por toda Europa, ejerciendo una muy fuerte influencia en España. Las diversas teorías existencialistas que plantearon Jean Paul Sartre y Martín Heidegger, resaltando la libertad completa del artista para expresar sus vivencias y emociones revolucionarían el arte a mediados del siglo XX. Este movimiento pictórico se oponía a las tendencias existentes, como el cubismo, donde el rigor geométrico es el eje central de las obras. Por el contrario, el informalismo lo rechaza completamente, prescindiendo de la voluntad formal y proponiendo la creación según los ritmos que nuestro instinto nos dicta, plasmándolo en manchas de color y gran cantidad de líneas entremezcladas entre sí. La forma no importa lo que importa es la materia, su consistencia, su textura y los cambios que se puedan conseguir con ella. Grupos de artistas como El Paso: Saura, Millares.
  11. 11. M. MillaresM. Millares El arte de Millares es ante todo el de la transmutación de la materia, pues lacera, mutila y perfora la tela, mientras sus «arpilleras» simbolizan una humanidad tan cínica como violenta. Costuras, suturas y nudos transforman al cuadro en receptáculo de un univer­so de desechos y desperdicios donde se patentiza la acusación contra el univer­so humano e industrial. El cromatismo, limitado al negro, al rojo y al blanco, exaspera las tensiones plasmadas sobre el lienzo perforado.
  12. 12. Cuadro 57, M. Millares
  13. 13. Cuadro 77, M. Millares
  14. 14. Arpillera, M. Millares
  15. 15. Serie de Homúnculos, M. Millares
  16. 16. Serie de Homúnculos, M. Millares
  17. 17. Serie de Homúnculos, M. Millares
  18. 18. Serie de Homúnculos, M. Millares
  19. 19. Grande Équerre, A. Tàpies
  20. 20. Litografía/Collage, A. Tàpies
  21. 21. Crucifixión, A. Saura
  22. 22. El Grito núm. 7, A. Saura
  23. 23. Retrato imaginario de Brigitte Bardot, A. Saura
  24. 24. EL MINIMAL ART. R. MORRIS.EL MINIMAL ART. R. MORRIS. Abstracción geométrica. Inspirados en Mondrian. Se tiende a reducir al máximo los elementos de la obra. Colores planos, formas geométricas, repetición de formas. Sencillez en la composición. El minimal-art es, básicamente, una tendencia escultórica, en la que se tiende a reducir al máximo los elementos de la obra. En pintura se utilizan colores planos, formas geométricas y composiciones sencillas. En la escultura se consigue reduciendo el cuerpo escultórico a simples formas, también geométricas, de colores planos, y repitiendo sistemáticamente la forma elegida. Se prefieren materiales industriales, como el acero inoxidable, la formica, los plásticos o los conglomerados, aunque siempre buscando la mínima expresión compositiva.
  25. 25. Robert Morris.
  26. 26. Robert Morris.
  27. 27. Labyrinth, R. Morris.
  28. 28. R. Morris.
  29. 29. Observatory, R. Morris.
  30. 30. Observatory, R. Morris.
  31. 31. Observatory, R. Morris.
  32. 32. Observatory, R. Morris.
  33. 33. Installation in the Green Gallery, New York, R. Morris.
  34. 34. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.
  35. 35. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.
  36. 36. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.
  37. 37. Donald Judd
  38. 38. Donald Judd
  39. 39. El pop-art quiere recuperar lo cotidiano, el vocabulario de los símbolos ya familiares para el gran público, y aplicarlo al campo del arte. Los seguidores del movimiento recurren a una figuración objetiva, una simplificación y rejuvenecimiento de los contenidos, y un espíritu divertido y juvenil. Utilizaron los recursos que ponían a su disposición los modernos medios de comunicación de masas. La publicidad, el comic, la fotografía, etc., fueron usados con decisión y sin prejuicios. TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.
  40. 40. Todos los artistas de esta corriente tienen en común una figuración fría, de acabado pulido hasta situarse en la antítesis del gesto expresionista. Pero entre ellos existen diferentes fuentes de inspiración, así mientras Warhol se concentra en los objetos cotidianos y la imágenes extraídas de la publicidad, Lichtenstein parte de viñetas del cómic y Wesselmann del desnudo femenino. TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.
  41. 41. R. Lichtenstein
  42. 42. Lichtenstein
  43. 43. Wesselmann
  44. 44. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol. En sus primeros cuadros, Warhol representa botes de sopa Campbell. Los temas más recurrentes de su producción artística fueron los productos comerciales (sopa Campbell, Coca-Cola . . .), las estrellas del espectáculo (Marylin Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley . . .), los líderes políticos (Mao, el Che . . .) y algunos símbolos de la cultura norteamericana (estatua de la Libertad . . .) Su objetivo era romper la frontera entre arte y vida, y conseguir que los objetos de uso popular y cotidiano entraran en los museos. A partir de 1962 utilizó la serigrafía, con un potencial creativo superior al permitir imprimir fotografías del tamaño deseado sobre lienzos u otros soportes.
  45. 45. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol. El artista llamó a su estudio The Factory (La Fábrica) para recalcar que lo que él producía era arte en serie, y que la obra de arte había perdido su carácter de única. Uno de los aspectos más sorprendentes en la pintura de A. Warhol es la utilización variada y altamente expresiva del color. Una visión de la obra de Warhol revela una serie de temas centrales en su obra, entre los cuales destacan la fama, el glamour, la muerte, la violencia, los desastres y el dinero.
  46. 46. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Bote de sopa Campbell, 1965. Reprodujo en multitud de ocasiones, y siempre de manera diferente, los botes de sopa Campbell, en esta versión cambia los colores originales. El color rojo de la etiqueta de la lata original queda relegado a las partes metálicas. El azul sustituye al rojo habitual en la parte superior de la etiqueta; el verde ácido, al blanco en la inferior; el rosa al amarillo en el escudo de la Exposición Universal, en la sombra de las letras soup y en la cenefa inferior; y las palabras Campbell’s y condensed aparecen de color amarillo, en lugar de blancas y silueteadas por un filete negro.
  47. 47. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol La lata está representada en perspectiva sobre un fondo de color que permite resaltar su contorno con nitidez. Aparte de la elección y disposición arbitraria de los colores, la lata reproduce fielmente el original. El lienzo es una reproducción gráfica de un bote de sopa, la preferida de Warhol, con grandes variaciones de los colores del original, presentada como medio para desmitificar el arte. Uno de los objetivos de pop art era explorar las relaciones entre el arte y la cultura popular, y exaltar la cotidianidad y la banalidad.
  48. 48. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Liz Taylor.
  49. 49. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Liz Taylor.
  50. 50. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Liz Taylor.
  51. 51. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Liz Taylor.
  52. 52. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol A. Hepburm
  53. 53. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Elvis Presley
  54. 54. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Mao Zedong
  55. 55. Mao Zedong
  56. 56. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Che Guevara.
  57. 57. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol. Coca-Cola
  58. 58. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol Marylin Monroe
  59. 59. EL HIPERRREALISMO. ANTONIO LÓPEZEL HIPERRREALISMO. ANTONIO LÓPEZ El hiperrealismo o realismo radical o fotográfico, es una corriente artística desarrollada en la costa oeste de los Estados Unidos a finales de los años 60, y que llega a Europa diez años más tarde. Esta particular forma artística se propone reproducir la realidad de la manera más verosímil posible partiendo de una fotografía. Es decir, se trata de conseguir con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detalle que la cámara ofrece. Por esto mismo, el hiperrealismo se ha caracterizado por la obsesión por los detalles que para muchos es exagerada. Lo que caracteriza al hiperrealismo de América del norte es la reproducción de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. La producción artística europea que no parece influenciada por el pop-art, sino por el surrealismo -destacando el artista español Antonio López.
  60. 60. ANTONIO LÓPEZANTONIO LÓPEZ Antonio López, (1936) es uno de los grandes artistas españoles de todos los tiempos. Al margen de cualquier tendencia, corriente o moda, ha llevado a cabo desde los mismos inicios de su carrera, una obra prodigiosa basada no sólo en una capacidad técnica privilegiada y única, sino también en una sensibilidad exquisita. Antonio López no es simplemente un realista. Su pintura (y también su escultura), al igual que la del siglo XVII español, parte de la realidad cotidiana, el entorno más familiar y los objetos más vulgares, para trascenderlos hasta una experiencia espiritual. Su pintura se convierte en la más plena, intensa y sobrecogedora vivencia emocional de la que es capaz el ser humano.
  61. 61. ANTONIO LÓPEZANTONIO LÓPEZ
  62. 62. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Lavabo.Lavabo. Su plasmación de la realidad no parte de imágenes fotográficas ni resulta frío, sino que es fruto de un lento proceso de aproximación, que cuida minuciosamente los detalles y que se interesa por su entorno más inmediato. La ciudad, objetos de uso cotidiano, los familiares, etc. Por muy vulgares que sean los objetos que pinta, el artista siempre los trata con lirismo, dándoles una trascendencia de la que aparentemente carecen.
  63. 63. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Lavabo.Lavabo.
  64. 64. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Gran VíaGran Vía
  65. 65. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. NeveraNevera
  66. 66. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Mis padresMis padres

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