1. El movimiento expresionista se
desarrolló principalmente en Alemania.
Die Brücke ( El Puente)
En 1905 se constituye en Drede el grupo Die
Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento
fauvista francés. Mientras los fauves se
movían por intereses meramente plásticos
cuyos temas eran intrascendentes, los
alemanes, con una técnica similar en cuanto a
la intensidad de las siluetas y las masas
cromáticas, prefiriendo los tonos
oscuros, difieren por la plasmación de las
angustias interiores del hombre y sus
preocupaciones existenciales.
En el grupo Die Brücke, influido por
Múnich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas
comprometidos con la situación social y política
de su tiempo.
Kirchner intenta demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos los
oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Mujer del busto
desnudo con sombrero.
Nolde conseguirá pintar la desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las
velas, Susana y los viejos

2. Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul)
El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en
1911, recibió una
importante aportación internacional sobre todo del
cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos
artistas extranjeros. Además del alemán Franz
Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a
August Macke y a Gabriel Münter entre otros.
El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de
la representación que el qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos
del propio espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo
observa determinados sentimientos.
Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso de Kandinsky. La
representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la
simplificación formal.
Paul Klee perteneció al Jinete Azul, pero seguiría su propio camino alejándose de dicho movimiento. Quiere
despojar las cosas de todo formalismo. Su mundo surge de su propia realidad interior. Parte de su obra es
abstracta, aunque conserva en general cierta referencia al objeto. Mantiene el vínculo con la realidad
acercándose a ella por vía simbólica. Frutas en fondo azul, en el estilo de Bach son algunas de sus obras.

3. La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se
extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros
artistas a traducir el dolor provocado.
El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa,
busca la expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento
trasciende lo puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos
interiores a través de sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y
a la mujer amada y refleja la perduración de la pasión amorosa en medio de
circunstancias adversas.
En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al
Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio
en la concepción.
Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada
Escuela de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas
alargadas y nostálgicas que recuerdan al Greco.
A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán del nombre en lo
que se ha
conocido como el Expresionismo Abstracto.

4. EDVARD MUNCH
BIOGRAFÍA
Edvard Munch, considerado precursor de la tendencia expresionista, nació en Loten (Noruega) en 1863. Pasó la mayor parte
de su infancia y adolescencia en Cristiania (la capital de Noruega, que a partir de 1924 se llamará Oslo). Cuando aún no
había cumplido los cinco años, su madre murió a causa de tuberculosis. Nueve años más tarde, su hermana Sophie, dos
años mayor que él, fallece de la misma enfermedad. Estos hechos ejercerán una influencia decisiva en su actividad artística.
Sus tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales abrieron el camino al
desarrollo del expresionismo.
Después de un año en la Escuela Técnica de Arquitectura, en 1880 decide dedicarse a la pintura, se inscribe en la Escuela de
Dibujo de Cristiania y pasará algunos veranos pintando en la academia de pintura al aire libre del paisajista Frits Thaulow,
asimilando un realismo de inspiración francesa.
En 1885 realiza un corto viaje a París y conoce de cerca algunas obras de los impresionistas Monet, Renoir, Degas, Pisarro y
Seurat. Sus pinceladas serán cada vez más audaces, menos atadas a las convenciones del realismo. Lo más importante de
este periodo es la obra La niña enferma, en la que evoca su experiencia personal con la muerte de su hermana y donde ya
aparece la desolada visión de la existencia que caracteriza la mayor parte de su producción.
En 1889, Munch viaja a París de nuevo con una beca del gobierno noruego y durante un breve periodo de tiempo es alumno
del pintor academicista Leon Bonat. Tras realizar obras de carácter impresionista recibe el influjo del postimpresionismo,
concretamente de la obra de Gaugain y Van Gogh, que lo llevan a dar un giro radical a su trabajo.
Poco después de su llegada a París recibe la noticia de la muerte de su padre. En Noche, de 1890, representa la soledad y la
melancolía. El interior oscuro, con la figura solitaria junto a la ventana, queda dominado totalmente por los tonos azules.
Hasta 1908 vive la mayor parte del tiempo en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hace frecuentes viajes a Noruega y a
París. Son años cruciales en su pintura, crea un estilo sumamente personal basado en acentuar la fuerza expresiva de la
línea, reduciendo las formas a su expresión más esquemática y a hacer un uso simbólico, no naturalista del color. Pinta El
grito, Vampiro, La voz, la primera versión de Madonna, comienza un ciclo que el artista llamaría más tarde El Friso de la
vida. Todas ellas expresan sus experiencias personales sobre el amor, la enfermedad, la muerte y la propia naturaleza. A
Munch le interesa lo que se puede captar por el espíritu y no a través de la vista.

5. OBRAS
El grito refleja sus propios temores y tormentos. Su fuerza
expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos
empleados, la estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas.
Se expresa la soledad del ser humano y su pesimismo frente las
adversidades. El grito de terror trae consigo la tensión y el pánico
interior que destruyen la anatomía. Los rasgos de rostro desaparecen
bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el interior y no el
exterior.
La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo
de angustia y desesperación, mientras que en segundo plano aparecen
otras personas frías y distantes como queriendo significar que el
prójimo no nos ayuda en los momentos de desconsuelo.
El paisaje participa en ese malestar. El cielo encendido y los
torbellinos parecen envolver amenazadoramente a la persona
que grita. Las líneas curvadas y sinuosas enlazan con el
Modernismo, tan de moda en la época. Los colores cálidos y
fríos no están compensados, su efecto es agresivo, ofreciendo
una imagen angustiada de la realidad y del mundo interior.
El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en múltiples
retratos de mujeres, representadas alternativamente, como
frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de
la vida.