1. El Fauvismo.

2. El expresionismo siempre ha sido considerado como un fenómeno teutónico y nórdico, pero su aparición en la pintura moderna es el resultado de una liberación del color y de la forma que tuvo lugar en Francia y que culminó en el estilo conocido como el fauvismo.

3. En 1906 el grupo liderado por Henri Matisse (1869 – 1954) expuso en el Salon de los Independientes. Es en esta exposicion donde el critico de arte Louis Wauxcelles los describió como “fauves” (bestias salvajes). Este grupo tuvo una breve existencia, la mayoría de sus miembros pasaron a otros estilos. El fauvismo represento el nacimiento de la escuela de Paris y compartió la responsabilidad de crear un arte del siglo XX.

4. La primera exposición retrospectiva de las obras de Vincent Van Gogh en 1901 tuvo un impacto en la formación del grupo por el fervor de su color y la fuerza emotiva de sus formas.

5. Otra influencia importante seria Paul Gauguin, que en 1889 se estaba acercando a un estilo que combinaría la espontaneidad, el misticismo y un completo desdén por la fidelidad a la naturaleza” con el uso de colores no descriptivos.

6. Hay una total independencia del artista respecto de cualquier punto de referencia que no fuera el de su propia sensibilidad. No tiene ninguna relación exclusiva con ninguna clase especial de temática, sino que se ocupa del uso directo del color y la forma, no para sugerir sino para expresar.

7. Liberación del arte de la descripción literal. El fauvismo se llegó a conocer como el uso nada inhibido del color afín de definir la forma y expresar el sentimiento.

8. Henry Matisse, desde la época de 1906 comenzaría a producir sus obras más espectaculares, con una evolución continua del color y su emancipación de las convenciones perceptivas.

9. Entre los vinculados a Matisse a principios de siglo, el más íntimo fue Albert Marquet (1875 – 1947 ) . Marquet evitaba los colores brillantes y puros de Matisse y se mantenía más próximo a las fuente figurativas.

10. André Derain (1880 - 1954) dio aportes a los fauves, usó el color directamente del tubo aplicando en líneas cortadas por pinceladas rápidas e impetuosas.

11. Su descubrimiento del uso emotivo del color debe tanto a los puntillistas como a Van Gogh, creando obras de una lucidez organizada, admirables por su coherencia emocional.

12. En Dama en camisa (1905) representa lo que es la esencia del fauvismo: multiplicidad de colores y tonalidades, un pincel fluctuante y parecido a llamas, exageración del rostro y los ojos, la mano izquierda colgante y distorsionado y el uso parcial de una línea de contorno para definir aquellas partes de la figura que tenían un papel dominante en la composición.

13. La experiencia Fauve representó para numerosos artistas un periodo de liberación. El escape de las convenciones del realismo y de los limites de la paleta convencional. Esto produjo una toma de conciencia, sobre lo cual se construirían las futuras carreras: la que el artista debía dedicarse a su propia visión personal y a la creación de un mundo que fuera controlado por él mismo.

14. George Braque (1882 - 1963), durante unos tres años, entre 1904 y 1907, produjo una serie de obras, que aunque vívidas en color y exuberantes en la línea, son reflexivas en la composición. Ya tenia implícita una preocupación por la construcción, una tendencia a las superficies planas en la composición, elementos que prefiguraban la aparición del cubismo.

15. Georges Rouault, jamás sintió una simpatía por el movimiento fauve, aunque el también se interesaba en expresar, con el color, una angustia retorcida, y en usar el arte como un medio de manifestar un punto de vista personal y antirrealista.

16. Rouault construyó un estilo que varió poco en el transcurso de toda su carrera. Con sus intereses sociales y religiosos, desarrollo una iconografía que trató temas religiosos.

17. Incorporó prostitutas y payasos y todo lo que representaba las grandezas y las miserias de la condición humana. Rouault fue en el fondo un fauve por la pasión estilística, los salvajes latigazos de color y la necesidad de vehemencia.

18. Expresionismo nórdico

19. Edvard Munch (1863 – 1944) fue un ser profundamente neurótico. Su madre murió cuando el tenia cinco años, su padre era un medico que practicaba su profesión en un barrio misérrimo.

20. Creció en un ambiente dominado por las ideas de la muerte, la enfermedad y la ansiedad. Las imágenes que conoció en este periodo de su vida permanecieron en su interior.

21. A Munch le sedujo la idea de la muerte y la enfermedad. Las luchas agónicas, las habitaciones de enfermos y los elementos de la moralidad le intrigaban.

22. Edvard Munch tenía problemas de personalidad. Sus neurosis son evidentes de tal manera que su obra a menudo es la expresión grafica de la expresión real. Él era conciente de ello y en su diario confiesa la experiencia que creó uno de sus temas más sintomáticos, El Grito .

23. “ estaba caminando por un camino con dos amigos. Se puso el sol. Sentí un ataque de melancolía. De pronto el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoye en una barandilla, muerto de cansancio, y miré las nubes llameantes que colgaban como sangre… Mis amigos continuaron caminando. Me quedé allí temblando de miedo. Y sentí que un grito agudo e interminable penetraba en la naturaleza”.

24. Munch forjó una técnica visual admirablemente expresiva, combinando la línea curva y latigueante con colores que iban de los agresivo a lo sentimental, recuerda mucho las composiciones de Van Gogh. En 1899 Munch había viajado a París con una beca y se había puesto en contacto con Van Gogh y Gauguin, teniendo este último una fuerte influencia sobre él.

25. Durante años vivió una vida cosmopolita, aunque se vio obligado a pasar periodos ocasionales en un sanatorio. En 1908 sufrió un colapso y se paso un año en el hospital en Copenhague. En 1909 retorna a Noruega y allí paso el resto de su vida en una relativa reclusión.

26. Edvard Munch se interesó mas en los sentimientos que en los objetos y sobre todo en los efectos de los sentimientos en la gente y en las relaciones humanas .

27. En especial esto salta a la vista cuando se compara su obra con la de su contemporáneo belga James Ensor. Ambos eran extáticos en el enfoque, ambos se interesaron en los aspectos oscuros de la existencia.

28. James Ensor (1860 – 1949) crea un universo propio, habitado por figuras absurdas, vistosas, emocionantes y sorprendentes que atrapan la imaginación, estimulan la fantasía y producen ese shock en la susceptibilidad del espectador que es el primer objetivo del expresionismo.

29. Siempre hay implicaciones literarias y sociales en sus obras mas importantes. Esto es verdadero en La entrada de Cristo en Bruselas que mete en una composición masiva toda una serie de episodios y situaciones grotescas y satíricas.

30. Una gran masa de rostros feos y distorsionados. Ensor atacó la primacía del elemento figurativo en el arte y se inspiró en gran parte en un campo que nunca había tenido un papel importante: la caricatura.

31. La vida y la muerte, la grandeza absurda de la condición humana fueron temas que le obsesionaron.

32. Las figuras enmascaradas fueron casi un cliché en el arte simbolista, pero Ensor fue el primero en otorgarles el estatus de entidades independientes, sugerentes signos de interrogación en el carnaval de la vida. Ensor no empezó a recibir un verdadero reconocimiento hasta 1920, año en que había realizado lo mejor de su obra.

33. Expresionismo alemán: Die Brücke.

34. Aunque el expresionismo era un fenómeno europeo, fue en Alemania donde logro su hegemonía. Fue allí donde se convirtió casi en un estilo de vida y donde asumió sus formas más radicales e influyentes.

35. El grupo Die Brücke (el puente) fue fundado en 1905 por cuatro refugiados de la escuela de arquitectura de Dresden. No tenían una experiencia pictórica, aunque vieron en la pintura un medio de liberación, un medio de expresar un mensaje social.

36. Influenciado por Van Gogh, por los grabados en madera alemanes de la Edad Media y por la escultura africana y de Oceanía, Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938) se interesó en explotar todas la técnicas pictóricas y de composición que pudieran transmitir una sensación de experiencia vivida e inmediata.

37. En 1911, Kirchner y sus amigos se trasladarían a la atmósfera metropolitana de Berlín, para entonces ya había adquirido considerables habilidades técnicas, inventadas para sus propios propósitos.

38. Los expresionistas se enamorarían del bajo mundo de Berlín con sus prostitutas, sus rufianes y gángster .

39. Dos mujeres en la calle (1911). Figuras oscuras, con cuerpos siniestros y largos, y sus sombreros fantásticos, están ubicadas contra un fondo verde. Es virtualmente abstracto y de una considerable complejidad en la composición.

40. Erich Heckel (1883 – 1970). Sus primeras pinturas tienen la vehemencia descontrolada del iniciado. Los colores y las formas se arremolinan juntos en una especie de tormenta pictórica. El pigmento puro y no diluido tiene la misma vehemencia que la de algunos cuadros de Van Gogh.

41. En 1909 Heckel viajó a Italia, donde le impresionó el arte etrusco; se fascino con la idea de la luz y se dedicó a expresar en sus obras esas cualidades. El primer fruto de esta nueva inclinación fue Desnudo en un sofá (1910) que ejemplifica de forma perfecta la clarificación que hizo Kirchner de la declaración original del Brücke.

42. “ la pintura es un arte que representa un fenómeno de sentimiento sobre una superficie plana. El medio empleado en la pintura es el color. El pintor transforma un concepto procedente de sus propias experiencias en una obra de arte. La pintura recupera la libertad de acción. La transfiguración instintiva de la forma, en el mismo instante del sentimiento, es plasmada impulsivamente en la superficie plana”.

43. Karl Schmidt Rottluff (1884 – 1976). Las figuras apenas aparecieron en sus pinturas. Su tratamiento vigoroso y simple, sus colores fuertemente saturados y las grandes áreas de composición indefinibles, lo llevaron al borde de la abstracción pura.

45. Su traslado a Berlín fue lo que le alejó de los paisajes y le acercó a las figuras y a las naturalezas muertas. La composición es compleja y fragmentada. Las figuras humanas aparecen casi como estatuas prístinas.

46. Expresionismo alemán: Der Blaue Reiter.

47. Der Blaue Reiter (El jinete azul). El nombre del grupo tuvo su origen en una conversación mantenida entre dos de sus fundadores: Wassily Kandinsky y Franz Marc. Kandinsky recordaría: “ Franz Marc y yo elegimos ese nombre cuando un día estábamos tomando café… A los dos nos gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mi para los jinetes. Entonces el nombre salió por si mismo”.

48. En 1911 Kandinsky y Marc fundaron Der Blaue Reiter. Realizaron una serie de exposiciones en Munich y Berlín. Los miembros de Der Blaue Reiter Exploraron el espacio imaginario y declararon su independencia de los limites del mundo visible.

49. Wassily Kandinsky (1866 - 1944) nació y se educó en Rusia; en 1895, convertido al arte al ver una exposición de impresionistas franceses en Moscú, fue a Munich a dedicarse a la pintura.

50. Su pintura era en sus comienzos predominantemente Art Nouveau con acentos simbolistas, pero ya poseía cualidades alusivas y emocionales.

51. Influencia de Cezanne, Matisse y Picasso. Las formas visuales empezaron a perder sus cualidades descriptivas

52. La temática ya no tiene mayor importancia. Lo que importa es la sensación de dinamismo y los colores de fuertes contrastes

53. A partir de 1910, Kandinsky continuó pintando cuadros en los que aun eran discernibles los elementos figurativos, pero al mismo tiempo hizo obras en la que tanto las formas como los colores pertenecen a un mundo propio y deben poco a cualquier fenómeno visual reconocible.

54. Kandinsky utiliza la palabra GEISTIG, traducido como “espiritual” para describir los elementos irreal de su pintura. Deseo de lograr una síntesis de pensamiento y sentimiento, ciencia y arte, de lógica e intuición.