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Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo xx

Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo XX. Historia del Arte. 2º Bachillerato LOMCE

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Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo xx

  1. 1. EXPLICA LA RENOVACIÓN TEMÁTICA, TÉCNICA Y FORMAL DE LA ESCULTURA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX
  2. 2. • La escultura experimenta en el siglo XX una revolución radical, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde finales del siglo anterior. • Su evolución, más lenta que la pintura, quizá se deba a su mayor supeditación al encargo y a los costosos materiales necesarios, actuando como un freno a la experimentación. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  3. 3. Frente a la escultura tradicional, normalmente de una figura humana y con una función conmemorativa, simbólica, sometida a normas academicistas y con temas heroicos, de personajes célebres, mitológicos… y una intención narrativa Surgirá una nueva escultura con un nuevo lenguaje plástico, que no solo abandonará esos temas, sino también sus técnicas y que valorará más los aspectos meramente escultóricos (modelado, volumen, luz…) y expresivos que su relación con un tema o con la realidad, llegando incluso a la abstracción.
  4. 4. LOS ORÍGENES
  5. 5. El lenguaje de la escultura, definido en la Grecia clásica y renovado en el Renacimiento y neoclasicismo, había permanecido más o menos invariable hasta finales del siglo XIX. La gran muestra de las obras de Auguste Rodin, en la Exposición Universal de París del año 1900, representó un punto de inflexión que empezaba a romper con los planteamientos clásicos de la tradición escultórica y suscitaba el espíritu experimental que llevaría a nuevos comportamientos artísticos. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM10000 00b0c1e0aRCRD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang= es_ES James Pradier: Friné Rodin: El beso
  6. 6. Rodin, influenciado por Miguel Ángel, fue pionero en una nueva escultura, llena de expresión y fuerza interior y que comenzó a valorar los aspectos plásticos de la escultura frente a la mera mímesis academicista. Desdeñó la mímesis dominante en favor de las imperfecciones y deformaciones expresivas. Los principales elementos de sus esculturas serán la luz, el movimiento, el análisis de los planos, así como los valores meramente escultóricos. En él se funde una técnica impresionista que, con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos causada por el movimiento, obtiene efectos de luz cambiante. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  7. 7. • Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica, expresada a través del modelado y la textura. • En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista, que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz, que subrayan la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-contempornea-rodin.html
  8. 8. • En los primeros años del siglo XX se manifiesta la influencia de Rodin en numerosos escultores, de tendencia más bien conservadora y clásica (predominio de la figuración o realismo en las formas, uso de técnicas y materiales tradicionales). http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  9. 9. • Antonio Bourdelle (1861-1929), discípulo de Rodin, mostró gran interés por la escultura arcaica griega y la románica, su escultura es naturalista y clásica. • Se caracteriza por el culto a la fuerza y su interés por representar el volumen, de formas geométricas y proporcionadas. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  10. 10. Arístides Maillol (1861-1944), también francés, se mueve dentro de la tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse por los detalles y elementos accesorios. Se distingue por su concepción del volumen: simple, redondeado y de modelado liso. Su tema central es el desnudo femenino, robusto, de formas opulentas, compactas y pesadas. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  11. 11. RASGOS GENERALES
  12. 12. • El arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX, en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. • Casi toda la escultura desde la Antigüedad expresaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos, siempre en el sentido de mímesis. • Pues bien, en el siglo XX, al igual que había sucedido en pintura (son movimientos o fenómenos paralelos), la obra escultórica expresará algo totalmente distinto. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf Naum Gabo: Columna, 1923
  13. 13. • El alejamiento de la realidad. • El hueco. • La deformación. • La incorporación del espacio. • La abstracción. • El movimiento. • La luz. • Nuevos materiales. • Nuevas técnicas. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf Algunas de las principales innovaciones de la escultura del siglo XX son: Jean Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932
  14. 14. El hueco: crea formas, como el silencio en la obra musical (Archipenko, Gargallo). El escultor fragmenta y cuartea el volumen de la masa escultórica para penetrar en las formas de las figuras mediante el hueco, explotando sus posibilidades expresivas. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm Pablo Gargallo: El Gran Profeta Pablo Gargallo: Greta Garbo
  15. 15. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • Durante más de dos milenios la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un volumen de un determinado material, ahora se concede especial importancia al vacío, a los huecos, como al silencio en la música. Jacques Lipchitz: Mujer reclinada con guitarra Alexander Archipenko: Mujer andando
  16. 16. Surgirán nuevas formas. El antinaturalismo, la deformación y la estilización serán recursos fundamentales del artista, mediante las que explorarán nuevas posibilidades expresivas (Moore, Giacometti). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Henry Moore: Figura reclinada, 1938 Alberto Giacometti: El hombre que camina, 1960
  17. 17. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • La búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las figuras, humanas o animales, para destacar la naturaleza del material o su forma más esencial. • La deformación del modelo, un recurso tradicional del artista con el que se descubren nuevas posibilidades expresivas. • La descomposición y geometrización del volumen y la forma. Henry Moore: Grupo familiar, 1948-49 Constantin Brancusi: Pájaro, 1912 Picasso: Cabeza de mujer, 1909/10
  18. 18. • La incorporación del espacio: la escultura se funde con su entorno mediante el desarrollo de las superficies en el espacio (constructivistas rusos, Pevsner). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf Anton Pevsner: Superficie desenrollable, 1936 Anton Pevsner: Mundo, 1947
  19. 19. En contraste con esas formas abiertas, que se desarrollan hacia el espacio, otros artistas explorarán formas compactas, cerradas, resaltando el valor plástico de la materia. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Constantin Brancusi: El comienzo del mundo (1920) y El beso (1912)
  20. 20. • En estos procesos de geometrización, estilización y depuración formal, será fundamental la influencia de las máscaras del arte africano, de Oceanía y otros artes primitivos, al igual que el arte griego de las islas Cícladas, por su capacidad expresiva mediante el empleo de formas simples. Constantin Brancusi: El primer paso, 1913
  21. 21. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  22. 22. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  23. 23. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  24. 24. • La abstracción: Se desarrollarán formas expresivas sin apoyo alguno con la realidad y renovarán el léxico escultórico (constructivistas rusos, Calder, Hans Arp…). Serán los constructivistas rusos los que comenzarán a realizar las primeras esculturas sin referencia alguna con la realidad. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Vladimir Tatlin: Contrarrelieve en esquina, 1914
  25. 25. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • Mediante la abstracción, el uso de formas sin apoyo en la realidad, se produce una renovación del lenguaje escultórico que ya no será más un “arte de imitación”. Alexander Calder : Trampa para langostas y cola de pez, 1939
  26. 26. En cualquier caso, y aunque no se llegue a la abstración: • La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o de un ambiente determinado, no tiene porqué referirse directamente a un tema y tiende, igual que la pintura, a la deformación y se valoran sus aspectos plásticos y expresivos. • Se desentiende progresivamente de las apariencias realistas, de la mímesis, sobre todo por influencia del cubismo, del futurismo y el constructivismo. http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html Julo González: Hombre cactus, 1939
  27. 27. • La plasmación del movimiento: representación del dinamismo, unión de la energía y la forma, llegando a las esculturas-máquinas (Futuristas, Calder). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Umberto Boccioni: Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913 Alexander Calder: Mobile-Stabile
  28. 28. • La escultura tradicional había reflejado el movimiento fijo, como en una instantánea. • Los escultores futuristas superpondrán láminas, emplearán líneas dinámicas de fuerza o descompondrán las superficies y los volúmenes para presentar posiciones sucesivas de una figura. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Umberto Boccioni: Guerrero con lanza, 1915
  29. 29. El siguiente paso será la incorporación del espacio en movimiento en la propia escultura. El volumen abierto genera formas de continuidad en el espacio, posiciones sucesivas en las que la figura “conquista” fragmentos de espacio. Las formas se diluyen por efecto del movimiento. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Umberto Boccioni: Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913
  30. 30. El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de obras que se sostienen de manera inestable sobre un precario punto de apoyo, que cuelgan y que giran con el viento o que se mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos. Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Alexander Calder, aunque ya la primera escultura cinética la crearon los constructivistas rusos. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  31. 31. Importancia de la luz: Muchos artistas realizan obras para ser situadas al aire libre y estudian cuidadosamente la ubicación en su entorno; otros buscan efectos en el contraste de luz y sombra producido por el juego de vacíos y de masas escultóricas (Gargallo), estudiando los efectos de la luz a través de los huecos dentro de la obra y haciéndola parte de la obra escultórica. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm Pablo Gargallo: Homenaje a Chagall, 1933
  32. 32. Contrastes de texturas: Los escultores explotarán las cualidades expresivas de los materiales y del acabado, así como el contraste entre las superficies (algunas cuidadosamente pulidas, otras con texturas rugosas, empleando el non finito y los contrastes de materiales, incorporando a veces la peana a la propia escultura. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm Constantin Brancusi: Princesa X (1920) y El beso (1907)
  33. 33. Si bien se mantendrán materiales tradicionales como el mármol, la madera y el bronce, toman auge nuevos materiales, como el hierro, el acero, vidrio, materiales reciclados, nuevos materiales sintéticos e industriales (y posteriormente hormigón, plásticos, resinas, poliéster, polietileno, látex…, especialmente en la segunda mitad del siglo), o incluso objetos reciclados.
  34. 34. Picasso y Julio González serán los primeros en emplear el hierro no mediante técnicas de fundición, sino usando el hierro forjado y soldado como material escultórico, a través de la técnica industrial de la soldadura autógena. Picasso: Proyecto de monumento a Guillaume Apollinaire, 1929 Picasso y Julio González: Mujer en el jardín, 1929-32
  35. 35. Incluso, algunos artistas iniciarán el empleo de nuevos materiales sintéticos, que tanto éxito tendrán en la segunda mitad del siglo, como hace Naum Gabo en su Columna (1923), con acero inoxidable y plexiglás. Picasso y Julio González: Mujer en el jardín, 1929-32
  36. 36. Experimentación del valor expresivo de nuevos materiales, incluso de desecho, y realización de obras escultóricas empleando objetos apenas manipulados, como hicieron los dadaístas (Duchamp), los surrealistas (Dalí) y luego otras tendencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm Picasso: Cabeza de toro, 1942 Kurt Schwitters Merz Picture 46 A Skittle Picture, 1921 ¿Pintura, escultura?
  37. 37. • La aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador: los ready- made dadaístas o los ensamblajes de Picasso y, los futuristas y los dadaístas harán que cualquier objeto se pueda convertir en obra de arte. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf Marcel Duchamp. Fuente, 1922 Picasso: Guitarra, 1912
  38. 38. • También se combinarán diferentes materiales, dando lugar a los llamados ensamblajes, que ya había iniciado Rodin. Umberto Boccioni: Fusión de una cabeza y una ventana, 1911-12. Madera, yeso, pelo, vidrio. Picasso: Guitarra, 1912. Cartón, alambre, cuerdas
  39. 39. Integración de formas tridimensionales y superficies pictóricas, en busca de una obra de arte integral. Escultura y pintura pierden su autonomía en aras de la libertad del artista que es quien decide lo que se puede y lo que no se puede hacer. Los primeros pasos están ligados al movimiento Dadá, como, por ejemplo, los relieves coloreados de Jean Arp o los Merz de Kurt Schwitters. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  40. 40. Nuevas técnicas: Junto a las tradicionales técnicas de modelado, tallado o fundido, se desarrollarán otras, muchas propias del mundo industrial o moderno, tales como: • Esculpido o talla directa, sin modelados previos. • Forja de hierro, dando formas a planchas o piezas. • Soldadura autógena, que permitirá unir piezas de metal, sobre todo hierro. • Ensamblaje de diferentes materiales ya existentes para crear una nueva obra. • Ready-made. • Vaciado en cemento u hormigón. • Irán surgiendo también lo que luego se llamarán Instalaciones. Dalí: Busto de mujer retrospectivo, 1933
  41. 41. Nuevos temas: • Se desarrollarán nuevos temas, abandonando los tradicionales de carácter heroico, mitológico, simbólico o el retrato, todos aquellos basados en la imitación de la naturaleza y se incorporarán otros, muchas veces vinculados a los sentimientos internos del artista o a los problemas del hombre del siglo XX… o, incluso, no tendrán un tema concreto y serán solo formas plásticas. http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm Julio González: La Montserrat gritando, 1938/39 Henry Moore: Óvalo con puntas, 1968-70
  42. 42. Nuevos temas: No serán extrañas las esculturas que expresen dolor, sufrimiento, angustia, desesperación, terror, soledad, opresión, la fugacidad de la vida y del tiempo…o las críticas hacia lo tradicional... propios de los convulsos tiempos del siglo XX. http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm Julio González: La Montserrat, 1936/37 Alberto Giacometti
  43. 43. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  44. 44. CONSTANTIN BRANCUSI
  45. 45. Constantin Brancusi es una de las grandes personalidades de la escultura del siglo XX. De espíritu independiente, este rumano, influido por el arte primitivo africano y el tradicional rumano, experimenta cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando al máximo las formas, buscando formas puras. A pesar de llegar a una extraordinaria estilización no acepta el arte no- figurativo; el punto de partida es siempre algo real. Trabajó el bronce, la piedra y la madera. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html El beso , 1907 El recién nacido, 1920
  46. 46. Evolucionó progresivamente hacia una mayor esencialidad formal para crear formas puras y elementales. En sus obras, Brancusi buscaba una belleza pura y espiritual, expresada a través de sus figuras favoritas (el pájaro, el huevo, las cabezas femeninas…) reducidas a sus formas más elementales. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm Musa dormida, 1910 El pájaro, 1925. Princesa X, 1925
  47. 47. Es uno de los grandes de los innovadores del lenguaje escultórico. Su estilización formal se lleva al máximo en su Pájaro en el espacio (1925), que no transmite la imagen de un pájaro, sino la de su poder para elevarse en lo alto, la esencia del vuelo Depura al máximo la forma, la estiliza hasta parecer una pluma que no pesa… los reflejos parecen desmaterializarla. Empleará volúmenes cerrados y será muy habitual incluir el pedestal en la propia escultura, contrastando la pesadez de la piedra con la ligereza del metal del pájaro. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf El pájaro, 1925. Maiastra, 1910
  48. 48. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  49. 49. A diferencia de la mayoría de los maestros del siglo XX, le atrae el volumen cerrado, tradicional, simbolismo y estilización. Busca la máxima depuración formal hasta alcanzar lo absoluto en cuanto a perfección y despojamiento anecdótico: http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Torso mujer joven. Material: Onyx. Mademoiselle Pogany II- 1920 “La realidad interior, oculta, la esencia inherente a las cosas en su naturaleza invariable.” Obra seleccionada EBAU
  50. 50. http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html Lo primordial, lo salvaje y lo arcaico constituyen, un componente esencial de los vanguardistas contra el arte oficial. Es justamente en la época en que Brancusi llega a París, cuando los artistas de vanguardia estaban descubriendo el arte negro, los fetiches y las máscaras de Oceanía, lo que influye en Brancusi para avanzar hacia formas de un sintetismo plástico primitivo. Mademoiselle Pogany I- 1913-1915 Obra seleccionada EBAU Mademoiselle Pogany II- 1920
  51. 51. https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx Obra seleccionada EBAU
  52. 52. Podría decirse que Brancusi buscaba las pureza de las formas, pero que éstas no eran más que un pretexto para mostrarnos el espíritu, lo inmaterial, lo permanente. Tal vez ello explique porqué muchas de sus esculturas presentan esas formas alargadas tan características, como si quisieran soltarse de sus pedestales y romper a volar, libres de toda atadura. Columna al infinito, 1938 http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html
  53. 53. La unión de dos personas al besarse, que está determinada por el bloque de piedra en el que se representan. Se fundamenta en componentes escultóricos, en aspectos que pertenecen la propia naturaleza de la escultura como son el volumen, la masa, la textura y la sencillez compositiva. Tiene una fuerte influencia del primitivismo en el modo de representar los ojos, la incisión del cuerpo, el cabello ondulado, los brazos, etc. En El Beso se aprecia la búsqueda de la esencia y la simplificación de la forma. Realiza la talla directa sobre la piedra, acentuando el primitivismo y la simplicidad. http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm El beso (1912)
  54. 54. http://es.slideshare.net/manoloavila/escultura-9432037
  55. 55. LA ESCULTURA Y LAS VANGUARDIAS
  56. 56. • Las vanguardias históricas de las primeras décadas del siglo XX abren de par en par las posibilidades expresivas, renovando el lenguaje escultórico hasta límites insospechados. • Los escultores vanguardistas experimentan con todo tipo de ideas, conceptos, técnicas y procedimientos, y explotan las posibilidades de los nuevos materiales que la industria pone a su alcance. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Picasso: Guitarra, 1912. Cartón, alambre, cuerdas
  57. 57. En este sentido, las aportaciones del Cubismo, del Expresionismo, del Constructivismo, del Futurismo, del Surrealismo, del Dadaísmo, etc., han sido fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en día. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  58. 58. El Cubismo supone la ruptura definitiva con la tradición. La representación tradicional pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas, al análisis desde diferentes puntos de vista, a la superposición de planos, a la visión simultánea. Picasso descompone geométricamente en facetas el busto de la mujer, como en la pintura, fragmenta el objeto y lo sustituye por planos geométricos que se yuxtaponen: formas cóncavas y convexas, como las facetas en pintura, crean el objeto escultórico. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Picasso: Cabeza de mujer (Fernande), 1909
  59. 59. La descomposición en planos cubista abre nuevas posibilidades de explorar el espacio, los volúmenes, geometrizando formas, jugando con los contrastes entre espacios llenos y vacíos… jugando con las formas y el vacío, con las luces… El espectador debe recrear la obra de arte contemplándola desde diferentes puntos de vista, reconstruyendo las formas y volúmenes en que se ha descompuesto la forma. Jacques Lipchitz: Bañista, 1917
  60. 60. La escultura presentará huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva estética de la ausencia de masa. Los escultores cubistas introducirán el vacío. El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende idealmente a parecerse cada vez más al de los arquitectos. Artistas como Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko descubrirán el valor plástico del espacio vacío: el hueco y la masa escultórica se relacionan dinámicamente, se interpenetran. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Jacques Lipchitz: Mujer reclinada con guitarra, 1928 Alexander Archipenko: Mujer caminando, 1912
  61. 61. • Las repercusiones del cubismo en la escultura no serán menos importantes que en la pintura. • Desaparecen los últimos restos de naturalismo y, de modo paralelo al collage en dos dimensiones, surge la escultura construida, a veces, con materiales de desecho: son los comienzos del ensamblaje. • Picasso introducirá nuevos materiales (chapa, cartón, alambre, cordeles), que cobrarán vida propia con su manipulación. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Picasso: Guitarras
  62. 62. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5 Picasso: La cabra, 1950
  63. 63. Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a la escultura fueron Alexander Archipenko (1887- 1964) y Jacques Lipchitz (1891-1973). En sus obras se percibe la articulación de planos y la síntesis de formas propias del cubismo, así como la incorporación del espacio al lenguaje escultórico. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  64. 64. Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa escultórica, al mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en la concepción de la escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose, Carrusel Pierrot... http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  65. 65. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  66. 66. Jacques Lipchitz es uno de los pioneros del Cubismo en la escultura . Recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. Descomposición de la figura en volúmenes geométricos, presencia del vacío en la escultura, geometrización. Formas simples, de influencia del cubismo sintético. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=296 Jacques Lipchitz: Mujer recostada con guitarra, 1928
  67. 67. LOS ESCULTORES DEL HIERRO
  68. 68. JULIO GONZÁLEZ
  69. 69. Julio González es una figura fundamental en el periodo en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres, se traslada a París desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. Será el primero en utilizar el hierro de forma sistemática, que le permitirá explotar al máximo la descomposición formal en planos y el juego de espacios compactos y vacíos iniciado por el cubismo, mediante la técnica de la soldadura autógena. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html Dafne, 1937
  70. 70. Es el iniciador de la forja como técnica e incorpora el sistema de la soldadura autógena, que aprendió trabajando como soldador. Su producción se inicia con chapas recortadas y soldadas de vinculación cubista para ir abandonando las referencias figurativas hasta componer figuras con delgados hierros casi abstractos o de ecos surreales. Sólo en alguna ocasión (Guerra Civil) vuelve a un realismo desgarrado, como en Montserrat gritando. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf Mujer sentada. Hierro y madera pintada. Forja y soldadura, 1935
  71. 71. La formación artesanal (forja, repujado, fundición, etc.) y, sobre todo, el dominio de la soldadura autógena, técnica que aprendió en una fábrica francesa, son las bases sobre las cuales González edifica su particular lenguaje escultórico convirtiéndose en un maestro de la escultura moderna en hierro. Su obra es calificada a menudo de abstracta, aunque siempre se mueve entre la figuración y la abstracción con añadidos del cubismo y del surrealismo. Crea una nueva manera de entender la escultura con la fusión expresiva entre la materia y el espacio, con el juego entre lo vacío y lo lleno, que él definía con la idea de 'dibujar en el espacio'. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Monsieur Cactus, 1939
  72. 72. • Es el gran innovador de la escultura en hierro, a la que se unirá más tarde Gargallo • Julio González parte de planteamientos cubistas pero llega prácticamente a la abstracción, modelando poliedros abruptos, formas contrapuestas y líneas y espacios puntiagudos, como en sus obras Mujer sentada, Mujer ante el espejo y Mujer peinándose http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Obra seleccionada EBAU Mujer ante el espejo, 1934
  73. 73. Consideraba que la escultura es “dibujo en el espacio” y realizó esculturas muy depuradas, estilizadas, compuestas por formas y planos de hierro fundidas con delgadas varillas metálicas. Sus esculturas se fundamentan en la síntesis esquemática de formas del natural y evolucionan hacia la abstracción. https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx Mujer ante el espejo, 1934 Obra seleccionada EBAU
  74. 74. Entre sus esculturas más destacadas hay que citar 'Mujer con espejo' (1936-1937). Se trata de una obra de estructura vertical, de apariencia semi-abstracta, realizada con diversos recortes de hierro soldados, que parte del esquema simplificado de una mujer peinándose. Es una obra donde la materia y el espacio se complementan de manera especialmente sugerente y expresiva. Su gestualidad pone en relación, de manera integradora, las formas orgánicas y antropocéntricas con la abstracción. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Obra seleccionada EBAU
  75. 75. Hay que mencionar también 'La Montserrat' (1936-37), una obra más figurativa y naturalista, pero de intenso expresionismo que representa a una mujer con una criatura en brazos y que se ha convertido en un icono del rechazo a la guerra y a sus horrores. Se presentó en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937, junto con el 'Guernica' de Picasso y el 'Segador' de Miró. Puede ser considerada también una representación mítica de Cataluña, un testimonio del padecimiento del pueblo catalán ante la agresión fascista y un manifiesto a favor de la libertad. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  76. 76. El escultor norteamericano David Smith (1906-1965) fue uno de los primeros en subrayar el papel fundamental que representa el lenguaje personal de González en la historia de la escultura moderna. La escultura de González ha influido, de una manera u otra, en la obra de escultores posteriores como David Smith, el británico Anthony Caro, los vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza o el valenciano Andreu Alfaro. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  77. 77. PABLO GARGALLO
  78. 78. Pablo Gargallo (1881- 1934) Es un gran artesano que trabaja sobre todo con el metal y, especialmente, con chapas de hierro dándoles formas cubistas, aprovechando los espacios vacíos, las aristas, dotándolas de fuerza. El cubismo le suministra la metodología y él le aporta una gran visión expresiva. Será uno de los que mejor experimentará el efecto expresivo del hueco en la escultura, del espacio vacío. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Gran Bailarina, 1929 Arlequín con flauta, 1931 Bacante, 1932
  79. 79. Formado en el Modernismo y luego influido por la obra de Maillol, mantuvo en su obra dos opciones: una tradicional de volúmenes plenos y otra más ligada al Cubismo. Descubre en las planchas de hierro su configuración geométrica, y aprovecha los contrastes entre los espacios vacíos y los macizos, las aristas, para dotar de fuerza a sus obras. El Profeta es su obra más conocida, de formas cubistas pero con un lenguaje expresionista. Sus huecos, aristas y formas curvadas sugieren músculos, rasgos faciales, volumen y una enorme fuerza interior. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  80. 80. Viaja a París y descubre el arte primitivo y el cubismo de Picasso y Braque. Comienza a emplear nuevos materiales como el hierro, el plomo o el cobre. Sus primeras obras en metal datan de 1913. Su inclusión de la forma abierta y el vacío, así como la introducción de la línea en escultura le sitúan entre los creadores de un nuevo lenguaje escultórico. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Pablo Gargallo: Homenaje a Chagall, 1933
  81. 81. Descompone y sintetiza las formas y utiliza el espacio vacío, el hueco, como un elemento constitutivo y expresivo de su escultura. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Detalles de El Gran Profeta y la Gran Bailarina
  82. 82. El estilo de Gargallo es un estilo personal con influencias cubistas y expresionistas: • Descomposición del volumen en planos geométricos yuxtaponiendo formas geométricas cóncavas y convexas, con apenas unas líneas mediante la incorporación de varillas curvadas o planchas o láminas de bronce o hierro que se ensamblan con las que crea formas simbólicas y estilizadas • Considera la forma escultórica no como imitación de la realidad sino como un nuevo volumen formado por macizos y vacíos. http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html
  83. 83. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/gargallo-pablo/a5f1c2b0-a693-483b-aba8-1b9207cb137d Aprende de su amigo Julio González la técnica de la soldadura autógena y en 1929 inicia su época del hierro, material en el que realiza primero en chapa y después en plancha, numerosas esculturas, hechas con recortes soldados de hierro u otros metales. Gran Bailarina, 1929
  84. 84. Entre sus obras más conocidas podemos citar los Tres retratos de la actriz Greta Garbo (1930- 1931), en los que las chapas de hierro recortadas tan sólo dibujan perfiles, algunos elementos aislados (un ojo, un tirabuzón del pelo, la nariz, etc.) o contornos del rostro y donde el espacio se convierte en la materia constitutiva de la obra. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  85. 85. Modelos y retrato de Greta Garbo, 1930-31
  86. 86. Su obra más famosa es el 'Gran profeta' (1933). Se trata de una escultura monumental que quiere aparentar estar construida con fragmentos añadidos a la manera del 'collage' pero que responde, más bien, a los conceptos del modelado y fundido tradicional; una obra que pretende ser vanguardista y experimental pero que conserva un regusto académico. Integra el vacío como elemento plástico y expresivo, jugando con volúmenes y líneas rectas y curvas, con lo macizo y el hueco. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextch annel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Obra seleccionada EBAU
  87. 87. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx Obra seleccionada EBAU
  88. 88. En “El Profeta” combina lo positivo y lo negativo, la masa y el hueco, lo cóncavo y lo convexo, creando multiplicidad de planos, volúmenes y contravolúmenes en el más puro estilo cubista pero sirviéndose del espacio interno, con una enorme expresividad. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Obra seleccionada EBAU
  89. 89. Futurismo: La escultura del futurismo italiano aportará dinamismo y percepción de movimiento a los principios cubistas de descomposición del objeto y de visión múltiple. El más destacado escultor futurista fue Umberto Boccioni (1882-1916). http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx Umberto Boccioni: Guerrero con lanza, 1915
  90. 90. • Boccioni es el mejor representante de la escultura futurista. Sus obras tratan de representar el movimiento a partir de posiciones sucesivas, en las que la figura "conquista" fragmentos del espacio. • El manifiesto futurista defiende que “Un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia”, basa su arte en el movimiento aerodinámico, la velocidad y las formas variables, lo moderno, la máquina. • En Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), los planos y formas descompuestas acentúan el movimiento. • Intenta dar movimiento en la escultura, para dar a la obra de arte dinamicidad y agitación. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Obra seleccionada EBAU
  91. 91. • La forma de conseguirlo es romper las líneas cerradas en las que la escultura tradicional envolvía su volumen, de tal forma que sus límites queden imprecisos e indeterminados para el espectador. • La escultura podría contemplarse como una figura que avanza imparable a gran velocidad, sensación que se transmite abriendo el contorno de la pieza a base de multiplicar planos y ángulos de visión. • Los planos se desarrollan en el espacio, de descomponen, figura, ropas, espacio se diluyen en el espacio… como en una fotografía “movida” por la velocidad. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo Obra seleccionada EBAU
  92. 92. http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx Obra seleccionada EBAU
  93. 93. http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx Obra seleccionada EBAU
  94. 94. En su afán por un arte nuevo, que rompa con toda la tradición anterior, experimentarán nuevos materiales, a ser posible propios del mundo moderno (frente a los tradicionales mármol o bronce), ensamblándolos. Umberto Boccioni: Cabeza+ Casa +Luz, ensamblaje, 1912
  95. 95. El constructivismo ruso, en su afán por crear un nuevo lenguaje para la nueva sociedad rusa, orientado al maquinismo y al uso de materiales industriales aportará a la escultura el alejamiento total de la realidad y –por primera vez- aparecerá la escultura abstracta, basada en formas geométricas simples. Vladimir Tatlin: Contrarrelieve en esquina, 1914 Naum Gabo: "Cabeza de mujer" (1917- 1920).
  96. 96. Pretenderán realizar un arte nuevo para el pueblo y el nuevo sistema soviético, fundiendo en formas abstractas arquitectura y escultura, como el enorme y no construido Monumento a la III Internacional (1920). Una doble estructura helicoidal aloja un cubo, una pirámide, un cilindro y una semiesfera, que rotarían cada uno a un ritmo distinto. Iba a construirse empleando los materiales modernos (hierro, vidrio, acero y cristal) mediante formas geométricas simples en el nuevo lenguaje del mundo socialista, como homenaje. Vladimir Tatlin: Proyecto Monumento a la III Internacional 1920
  97. 97. Los hermanos Anton Pevsner y Naum Gabo explorarán las posibilidades de esa formas abstractas geométricas, la belleza objetiva de las formas puras. Se interesarán por la forma al margen de la masa, del volumen tradicional, prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio. Se abandona el concepto de masa tradicional escultórica en pos de una nueva valoración de la profundidad del espacio y del vacío, por la interrelación entre la obra y el espacio que le rodea. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://www.faena.com/aleph/es/articles/el-manifiesto-constructivista-el-arte-como-expresion-de-la-vida/ Naum Gabo. Construcción lineal nº 2
  98. 98. Naum Gabo realizará formas puras, empleará los nuevos materiales y llegará a aplicar teoremas matemáticos de ingeniería a sus superficies, siendo el primero en realizar la primera escultura cinética del mundo, consistente en una lámina que vibra por el impulso de un motor, y que demuestra cómo una superficie se convierte virtualmente en un volumen. Parece que incorpora la dimensión del tiempo a las tres tradicionales dimensiones de la escultura. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Naum Gabo. Columna. 1923. Naum Gabo. Construcción cinética, 1920
  99. 99. Anton Pevsner se interesará por el desarrollo geométrico de líneas y superficies en el espacio, que configurarán una escultura abierta, normalmente mediante construcciones helicoidales, de aspecto ligero y que exploran la proyección de formas escultóricas simples hacia el espacio. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Anton Pevsner. Proyección en el espacio. 1924 Anton Pevsner. Superficie desarrollable, 1938-39
  100. 100. El expresionismo será una constante del lenguaje escultórico, muy explorada en el siglo XX. Los artistas descubren la intensidad expresiva de la deformación y del gesto crispado, formas angulosas, para expresar su visión angustiosa de la realidad. Emplearán la deformación y el propio tratamiento de los materiales como elemento expresivo. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Julio González: Montserrat gritando, 1937 Wi lhem Lehbruck: Hombre caído, 1915 http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  101. 101. Wilhelm Lehmbruck: • Personajes estilizados, aislados, reflexivos. • Distorsión. • Cierta melancolía. • Agonía, miseria. • Rostros inexpresivos o incluso ausentes. • Desnudos angulares, que expresaban tanto dignidad como desesperación http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  102. 102. La intensificación expresiva mediante deformaciones, con tendencia al dramatismo, con formas angulosas y estilizadas (influencia del expresionismo medieval nórdico) se aprecia en las esculturas de Ernst Barlach, que realizó numerosas tallas en madera http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Ernst Barlach: El mendigo. Catedral de Ratzeburg, 1930 Ernst Barlach: El vengador. 1914 Ernst Barlach: El ángel flotante, 1927
  103. 103. La tragedia de la II Guerra Mundial provocó de nuevo una vuelta al Expresionismo o Neoexpresionismo, ahondando los escultores en las deformaciones y en los gestos de angustia y en formas geométricas gesticulantes, como el ruso Ossip Zadkine (que parte de la estética cubista), cuya obra La ciudad destruida (1951) es un monumento conmemorativo a la destrucción de la ciudad holandesa de Rotterdam, a la vez que un testimonio de la capacidad de destrucción del hombre. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  104. 104. Pablo Serrano. Aún siendo posterior, parte de la obra de este artista aragonés es un ejemplo de escultura de enorme potencial expresivo. Aborda los temas que le preocupan (el hombre, la muerte, la vida, Dios, la comunicación…) y en sus retratos emplea una técnica expresionista, dotándoles de enorme hondura psicológica, tratando de reflejar el alma de la persona retratada. Para ello emplea contrastes de formas, texturas, aristas… tratando de que la escultura sea un reflejo del interior, de la personalidad interior del retratado. Pablo Serrano: Miguel de Unamuno, 1968
  105. 105. El Dadaísmo: Su carácter inconformista, irónico, radical y revolucionario influyó poderosamente en la escultura. Frente al arte convencional y sus técnicas y materiales elevan a la categoría de arte objetos y materiales de uso cotidiano o de desecho. La escultura-objeto, el ready- made, el ensamblaje, los cuadros tridimensionales son alguna de sus principales aportaciones, una profunda crítica al arte convencional y un rechazo a los valores del arte.
  106. 106. Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su famosa Fuente (1917). http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx Obra seleccionada EBAU
  107. 107. Crea el llamado "objeto encontrado", o ready-made. Con ello pasa a convertir objetos cotidianos, que no poseen ningún valor específico y a los que él añade una mínima transformación, en obras de arte, sacándolas de su contexto habitual. El dadaísmo se plantea qué es la obra de arte y abre paso al arte conceptual, a la reflexión sobre el proceso de creación artística más que al producto final. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Obra seleccionada EBAU
  108. 108. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019 Obra seleccionada EBAU
  109. 109. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019
  110. 110. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019 Ensamblaje
  111. 111. Kurt Schwitters (1887- 1948) fue, junto a Duchamp, el otro gran exponente de la escultura dadaísta. Con sus merz alcanzó su mayor dimensión creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a partir de los cuales obtenía piezas de notable belleza. Rompe las fronteras entre escultura, pintura y poesía. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx Kurt Schwitters: Merz Picture 46 A Skittle Picture, 1921
  112. 112. Schwitters recorría su ciudad natal, Hannover, de la misma manera que lo habían hecho los primeros creadores del collage cubista: rescatando los objetos humildes y desechados por la sociedad para darles nueva vida en otro contexto muy diferente, el territorio del artista. Recoge estos retazos de la vida real y les dio el mismo valor que a los tradicionales materiales del arte, el color al óleo, el lienzo, el empaste y la veladura http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters Kurt Schwitters: Merz Picture 25A: The Star Picture, 1920
  113. 113. Jean Arp (1887-1966) En contacto con los dadaístas y surrealistas, realiza relieves en madera pintada los cuales, más que suponer un trabajo puramente escultórico, son como collages tridimensionales a los que en algunos casos denomina constelaciones. Arp no dejó de experimentar con este tipo de formas en las que lo que denominaba "leyes del azar" jugaban un papel fundamental. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html Jean Arp: Constelación con cinco formas blancas y dos negras (variación 3), 1931 Jean Arp: Lágrimas de Enak (formas terrestres), 1917
  114. 114. El surrealismo también influyó en la escultura, si bien no de un modo tan importante como en la pintura. Diversos artistas surrealistas también realizaron obras escultóricas en las que muestran algunos de los principios de este movimiento, como la asociación automática, las visiones oníricas, el mundo del inconsciente… Crearán objetos extraños, misteriosos, imposibles, muchas veces basados en la asociación casual o incoherente de objetos concretos, en su desnaturalización, manipulación o descontextualización. Meret Oppenheim: Plato, taza y cucharilla forrados con piel, 1936 Meret Oppenheim: Mi niñera, 1936
  115. 115. Su aportación fundamental serán los objetos surrealistas, ideados por Salvador Dalí. Son ensamblajes, derivados del ready- made dadaísta, en los que diversos objetos se asocian y se modifican de modo automático e incoherente, recreando imágenes oníricas, inquietantes, fruto de las pulsiones y represiones más ocultas. "Un zapato de mujer en cuyo interior se ha colocado un vaso de leche, en el centro de una pasta dúctil del color de los excrementos. El mecanismo consiste en dejar caer un terrón de azúcar en el que se ha pintado un zapato con objeto de ver primero el terrón y luego el zapato deshacerse en la leche. Diversos accesorios (un mechón de vello púbico pegado a otro terrón, una pequeña fotografía erótica) completan el objeto, que incluye también una caja de terrones de azúcar de repuesto y una cuchara especial que sirve para remover los perdigones que hay dentro del zapato” Dalí: Zapato y vaso de leche, Objeto surrealista de funcionamiento simbólico, 1931
  116. 116. https://vitaminagrafica.wordpress.com/2013/07/24/los-objetos-surrealistas-y-salvador-dali/ “El objeto surrealista es un objeto absolutamente inútil desde el punto de vista práctico y racional, creado únicamente con el fin de materializar de un modo fetichista, con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de carácter delirante.” Salvador Dalí. Dalí: Objeto surrealista. 1936. Assemblage: Formado por caja recortada conteniendo pisapapeles, figura cónica, figura erótica y figura de gallina, guantes de chocolate, zapato, caja de cerillas, molde de pie y piedra calcárea con inscripción (originalmente incluyó un pan y más objetos). Caja de cartón, piedra, barro policromado, cristal, alpaca, cuero, chocolate, papel de aluminio, caja de cerillas y escayola
  117. 117. https://www.salvador-dali.org/serveis/premsa/noticias/295/exposicion-sobre-escultura-en-pubol Un busto de bronce que incorpora distintos elementos mediante la técnica del ensamblaje: una barra de pan, dos mazorcas de maíz, plumas, un zoótropo o tira de papel pintado, un tintero con figuras del Ángelus con dos plumas y arena. De forma provocativa realiza una asociación extraña de objetos que apelan al deseo, al sexo, a las obsesiones y a la perturbación. El mismo Dalí define objeto surrealista en Vida Secreta con las siguientes palabras: Dalí: Busto de mujer retrospectivo, 1933 “Desconcertantes a primera vista, pero gracias a los cuales la gente ya no debía limitarse a hablar de sus fobias, manías, sentimientos y deseos, sino que podía tocarlos, manipularlos y hacerlos funcionar con sus propias manos".
  118. 118. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  119. 119. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  120. 120. Joan Miró: También realizará escultura en su estilo tan personal. La primera pieza realizada por él en 1931, a base de objetos ensamblados, en el más puro espíritu provocador del surrealismo, resulta ya muy significativa, pues proclama con rotundidad el papel fundamental que le atribuye al objeto como generador de sentidos. Joan Miró: Personaje con paraguas -1931- madera, hojas secas y paraguas https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/
  121. 121. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5 En su obra como escultor, Joan Miró muestra las constantes de su mundo personal. • Inspiración en el arte primitivo y en formas infantiles. • Presencia de formas orgánicas semiabstractas. • Objetos oníricos y fantásticos. • Presencia de los seres habituales en el universo mironiano (estrellas, lunas, pájaros, mujeres, formas curvilíneas, infantiles). • Personajes y objetos como pertenecientes a una galaxia mágico-religiosa • Incorporación del color
  122. 122. https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/ La luna y el sol, el principio femenino y el principio masculino, la noche y el día, fuerzas a la vez opuestas y complementarias, son referencias constantes en la obra de Miró. Pájaro (lunar) presenta, al igual que Pájaro (solar), un modelado austero y una superficie pulida y el aspecto general evoca ciertas figuras arcaicas o votivas. Pájaro (solar) guarda más la apariencia de un pájaro, mientas que Pájaro (lunar) parece más próximo a los personajes mironianos ligados al mundo terrestre. El primero es más horizontal, más estático; el segundo, más vertical y dinámico.
  123. 123. https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/ Entrado el año 1967, Miró introduce el color en la escultura. En las esculturas de bronce pintadas, el metal queda disimulado bajo una capa de color intenso. A pesar del volumen, las obras tridimensionales de Miró dejan entrever la mirada del pintor: el color marca una diferencia entre cada componente y el punto de vista frontal se impone a los otros. La caricia de un pájaro
  124. 124. http://slideplayer.es/slide/21663/ 1948
  125. 125. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html Hans Bellmer: Inspirado en los recuerdos nostálgicos de su jardín secreto la diseña para cumplir con su necesidad de escapar de la realidad y para despertar deseos relacionados con los encuentros sexuales secretos de su adolescencia. Intenta descubrir “la mecánica del deseo” y desenmascarar el inconsciente que nos gobierna. Luego la coloca en bosques y jardines para comenzar a realizar una serie de fotografías en posiciones provocativas y sado-masoquistas, explorando –a través de un erotismo morboso- los instintos humanos y el inconsciente. Hans Bellmer: La muñeca, 1933
  126. 126. http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html Otros artistas, como Alberto Giacometti realizarán tanto esculturas como objetos ensamblados. Con esta obra “móvil”, Giacometti aborda los temas del deseo y de la frustración por no alcanzarlo, con un cierto componente sexual. Aborda el tema del deseo insatisfecho. Consiste en una bola con una arista inferior suspendida sobre una cuña que el espectador desea, pero no puede, balancear completamente sobre la cuña, dado que la longitud de la cuerda no lo permite. Es un objeto de funcionamiento simbólico-automático en el que introduce el movimiento en la escultura. Alberto Giacometti: La bola suspendida, 1931
  127. 127. Alberto Giacometti: Mano aprisionada, 1932 Alberto Giacometti: Mesa surrealista, 1933
  128. 128. Con el tiempo, Alberto Giacometti, buen conocedor de la escultura africana, de Oceanía y del cubismo, combinará ese carácter surrealista con una acentuada vena expresionista, con figuras que no parecen cuerpos, sino la mínima expresión humana, almas que caminan, rugosas y deformadas. En su obra posterior se aprecian las influencias tanto del surrealismo como del expresionismo. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx Alberto Giacometti: El Bosque, siete figuras y una cabeza, 1950
  129. 129. Así contaba Giacometti su propia evolución hacia las figuras hiperestilizadas. En estos años, presenta estas figuras formando conjuntos interrelacionados sobre planchas de bronce, que interpretan lugares urbanos y espacios naturales http://www.hoyesarte.com/evento/2013/06/terrenos-de-juego-una-aproximacion-original-a-la-obra-de-giacometti/ “Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran de tamaño sin parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura, pero iban adelgazando, adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas.”
  130. 130. La presencia inquietante de fragilidad en sus esculturas es un recordatorio de la vida que se transita y que tiene un final. En estas creaciones, que representan la soledad y el aislamiento del hombre, se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas. http://notaalpie.org/2011/11/el-vacio-como-forma-alberto-giacometti/ http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm Alberto Giacometti: El hombre que cae, 1950
  131. 131. http://www.elmundo.es/cultura/2014/05/05/536746f1ca4741dc398b4573.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx Son seres descarnados, hechos sólo de piel y huesos, paradigma en bronce del hombre que ha atravesado la peor de las tormentas, que ha bajado a los infiernos. Figuras frágiles y melancólicas, a través de las cuales el artista pretende reflejar la debilidad de la existencia del ser humano. Parecen espectros reducidos a su más triste condición material, casi cadáveres, individuos solos, anónimos. Seres "a mitad de camino entre la nada y el ser", según los definió el filósofo Jean Paul Sartre. Se han convertido en metáforas existenciales de la terrible experiencia que fue la II Guerra Mundial Alberto Giacometti: Desnudo de pie, Annete tomada del natural,1954
  132. 132. Su Hombre que camina surge como metáfora de la búsqueda y del progreso asociados a lo humano… Figura masculina en sus formas más simples, distorsionada y sin rostro definido. Como si estuviera caminando y los brazos pegados al cuerpos, su cuerpo se inclina hacia adelante. El personaje representa el dinamismo y el movimiento; parece como si los talones del caminante se despegaran del suelo para avanzar en un paso casi sonámbulo hacia el espectador. http://http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html “La gente confluye y se separa, después se aproxima para acercarse unos a otros. De este modo, se forman y se transforman sin cesar composiciones vivas de una complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que me gustaría representar en todo lo que emprendo”.
  133. 133. A partir de la década de los años treinta, Jean Arp introdujo novedades en sus esculturas, que adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las aristas brillan por su ausencia. Es lo que él mismo llamó "esculturas biomórficas“, queriendo hacer alusión con ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre la pura creatividad artística y la creación en la misma naturaleza. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html Hans Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932
  134. 134. Frente a la rigidez derivada de la abstracción geométrica de herencia constructivista, trata de recrear formas abstractas, que recuerdan las formas que se encuentran en la naturaleza. Habitualmente serán formas redondas, rotundas, de aspecto globular, orgánico, como células, cantos rodados… De ahí que a este tipo de escultura se le llame biomórfica. Jean Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932 “No intentamos imitar la naturaleza…queremos crear, como la planta crea su fruto, y no imitar”. Hans Arp: Pastor de nubes, 1953
  135. 135. HENRY MOORE
  136. 136. Henry Moore desarrolló sobre premisas muy personales una obra, encuadrada habitualmente dentro de la llamada la escultura biomórfica. Sin embargo, en su obra adquiere especial importancia la figura humana, deformada, muchas veces a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes. Abundan los perfiles curvos, las formas ondulantes, los espacios vacíos, las composiciones cerradas… Es un artista original, difícilmente encajable, fuera de cualquier escuela, aunque algunos lo encasillan en la llamada Escultura biomórfica. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Henry Moore: Rey y reina, 1952-53
  137. 137. Realizó numerosas obras de gran tamaño para ser expuestas en espacios públicos, con una concepción monumental de la escultura. http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html Henry Moore: Grupo familiar, 1949-50 Henry Moore: Óvalo con puntas, 1968-70
  138. 138. Uno de sus temas preferidos será la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer, asociada a la fertilidad y maternidad, de inspiración prehistórica, y los grupos familiares. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html Obra seleccionada EBAU
  139. 139. Obra seleccionada EBAU "La figura de Chacmol, asumida fuente de inspiración para sus mujeres reclinadas, aparece en reposo. Inexpresiva, la escultura no muestra la menor evidencia de ser un dios de la lluvia ligado al sacrificio y a la guerra. Pero parte de la atracción reside en la violencia que rodea a la cultura azteca, junto con su manera de disfrazar la brutalidad mediante la impavidez. Numerosas esculturas de Moore, ya sean mujeres reclinadas, máscaras o madres e hijos, no revelan ninguna emoción. Los rostros se hunden en la asimetría y el vacío como si fueran víctimas golpeadas. Otros expresan dolor y horror. ( ... ) Quienes sintieron el horror de la guerra en su carne vieron borradas sus emociones." Jeremy Lewison: “Moore". Edit. Taschen Se inspirará en figuras del arte maya y azteca, en el arte griego de las islas Cícladas (3000-2000 a. C.) y en los tótems de culturas del Pacífico y América. Henry Moore: Figura reclinada, 1938
  140. 140. Henry Moore: Figura reclinada, 1938 Obra seleccionada EBAU
  141. 141. http://es.slideshare.net/marujin/escultura-ciclada-4041277
  142. 142. http://es.slideshare.net/Educamus/museo-britanico
  143. 143. Obras de Henry Moore Tótems de diferentes culturas
  144. 144. Algunas de sus características: • Gran concepción de la masa y el volumen. • La exageración y deformación de las formas. • El empleo del hueco como medio fundamental de expresión. • El claro predominio de la línea curva • Monumentalidad. • Fuerza vital, como en los tótems primitivos. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2010/02/henry-moore.html
  145. 145. Realizará obras de aspecto orgánico, en general plenas de curvas, siendo habituales los temas de la figura recostada y la mujer con hijo. Inicialmente adoptará formas muy cerradas, rotundas, que muestran el volumen y la masa escultórica, realizadas mediante talla directa. Con el tiempo, esas figuras se irán progresivamente estilizando y deformando, descomponiéndose al concebirse desde diferentes puntos de vista, e incorporarán el hueco y el espacio vacío. La expresividad de las mismas se verá reforzada mediante esos contrastes hueco/lleno, cóncavo/convexo, materia/vacío, independientemente de su potencial relación con la realidad. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.htm https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xxl Henry Moore: Figuras reclinadas 1929 1938 1951
  146. 146. Representa, una línea más amable y más clásica, con tendencia a las formas orgánicas y humanísticas, aunque en ocasiones realizará obras abstractas de aspecto biomórfico. En sus maternidades, la línea curva, sinuosa, las composiciones cerradas, así como los contrastes entre superficies cóncavas y convexas trasmiten una sensación de protección. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  147. 147. ALEXANDER CALDER
  148. 148. Alexander Calder Es una figura singular, creador de la escultura móvil, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. Sus "objetos libres", apoyados o colgantes, elaborados con alambres y láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire. Fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética (tras las experiencias de los constructivistas rusos). http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  149. 149. En plena ebullición de las vanguardias, reinventó las posibilidades de la escultura, al forjar retratos en alambre de colegas como Joan Miró o Fernand Léger, de figuras del espectáculo como la cantante y bailarina Josephine Baker, de acróbatas y otros personajes del circo, del teatro y la danza. http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html Alexander Calder: Josephine Baker, 1927 Alexander Calder: Joan Miró, 1930
  150. 150. Es conocido como el mayor representante de la escultura cinética. Aplicó sus conocimientos de ingeniería a los objetos y así consiguió una escultura que se moviese. Al moverse se consigue el volumen; sus obras están en equilibrio y, a veces, disponen de un pequeño motor que es lo que hace que se muevan. En su obra destacan los mobiles, es decir lo móvil, lo ligero; los stabiles, lo pesado y los stabile-mobile. Los realiza con chapas planas de hierro/acero/aluminio, de aspecto abstracto, pintadas con colores vivos, unidas por delgados alambres metálicos. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  151. 151. La obra ya no es una masa sólida y expuesta sobre un pedestal, sino que cuelga del techo o sobre el soporte, conformando delicadas líneas en el espacio. El reto de combinar la abstracción con el movimiento se convirtió en una obsesión. El movimiento suave al azar recrea cada vez posiciones distintas en la escultura. http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html Obra seleccionada EBAU Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939
  152. 152. Los más originales son los móviles aéreos, hechos de materiales ligeros y unidos por varillas de alambre, suspendidos del techo, que giran, se mueven, suben y bajan y emiten sonidos metálicos., movidos por las ligeras corrientes de aire de la habitación. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939 Obra seleccionada EBAU
  153. 153. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  154. 154. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  155. 155. OTRAS REFERENCIAS • http://es.slideshare.net/Sayriiiita/escultores-del-siglo-xx • http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html

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