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Escultura contemporánea

Escultura contemporánea para Historia del Arte 2º Bachillerato

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Escultura contemporánea

  1. 1. ESCULTURA CONTEMPORÁNEA
  2. 2. • La escultura sufre en el siglo XX una revolución radical, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde mediados del siglo anterior. • Su evolución, más lenta que la pintura, quizá se deba a su mayor supeditación al encargo y a los costosos materiales necesarios, actuando como un freno a la experimentación. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  3. 3. Se produce la pérdida del humanismo, sustituido por el afán tecnicista y experimental, y por otra parte, surge un fuerte individualismo que se aparta de las normas tradicionales y de todo aquello que suponga relación con una escuela o modo de hacer determinado http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  4. 4. LOS ORÍGENES
  5. 5. El lenguaje de la escultura que fue definido en la Grecia clásica había permanecido más o menos invariable hasta finales del siglo XIX. La gran muestra de las obras de Auguste Rodin, en la Exposición Universal de París del año 1900, representó un punto de inflexión que empezaba a romper con los planteamientos clásicos de la tradición escultórica y suscitaba el espíritu experimental que llevaría a nuevos comportamientos artísticos. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Friné. James Pradier
  6. 6. Rodin, influenciado por las formas idealistas a la manera de Miguel Ángel, evolucionó desde un estilo idealista romántico a uno crudo y más realista, que persigue la expresión más libre e individual. Pionero de la escultura impresionista, desdeñó la mímesis dominante en favor de las imperfecciones y desproporciones expresivas. El principal componente en sus esculturas es el movimiento y después la luz. En él se funde una técnica impresionista que, con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos causada por el movimiento, obtiene efectos de luz cambiante. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  7. 7. • Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica, expresada a través del modelado y la textura. • En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista, que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz, la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-contempornea-rodin.html
  8. 8. • En los primeros años del siglo XX se manifiesta la influencia de Rodin en numerosos escultores, de tendencia más bien conservadora y clásica (predominio de la figuración o realismo en las formas, uso de técnicas y materiales tradicionales). http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  9. 9. • Antonio Bourdelle (1861-1929), discípulo de Rodin, mostró gran interés por la escultura arcaica griega y la románica, su escultura es naturalista y clásica. Se caracteriza por el culto a la fuerza y su interés por representar el volumen, de formas geométricas y proporcionadas. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  10. 10. Arístides Maillol (1861-1944), también francés, se mueve dentro de la tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse por los detalles y elementos accesorios. Se distingue por su concepción del volumen: simple, redondeado y de modelado liso. Su tema central es el desnudo femenino, robusto, de formas opulentas, compactas y pesadas. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  11. 11. • Seguidores de Maillol son los españoles Josep CLARÁ, Josep LLIMONA y Manuel HUGUÉ. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  12. 12. RASGOS GENERALES
  13. 13. • El arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX, en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. • Casi toda la escultura desde la Antigüedad expresaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos. • Pues bien, en el siglo XX, al igual que había sucedido en pintura (son movimientos o fenómenos paralelos), la obra escultórica expresará algo totalmente distinto. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  14. 14. • El hueco. • La deformación. • La incorporación del espacio. • La abstracción. • El movimiento. • La luz. • Nuevos materiales. • Nuevas técnicas. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf Algunas de las principales innovaciones de la escultura del siglo XX son:
  15. 15. El hueco: crea formas como el silencio en la obra musical (Gargallo). El escultor fragmenta y cuartea el volumen de la masa escultórica para penetrar en las formas de las figuras mediante el hueco http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  16. 16. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • Durante casi dos milenios la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un volumen de un determinado material, ahora se concede especial importancia al vacío, a los huecos, como al silencio en la música.
  17. 17. • La Deformación: constituye un recurso tradicional del artista, en el que descubren nuevas posibilidades (Moore, Giacometti). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  18. 18. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • La búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las figuras, humanas o animales, despersonalizándolas para destacar la naturaleza del material. • La deformación del modelo, un recurso tradicional del artista con el que se descubren nuevas posibilidades expresivas
  19. 19. • La incorporación del espacio: la escultura se funde con su contorno mediante el desarrollo de las superficies en el espacio (Pevsner). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  20. 20. • La abstracción: las formas sin apoyo en la realidad han renovado el léxico escultórico (Chillida, Oteiza, constructivistas…). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  21. 21. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf • Mediante la abstracción, el uso de formas sin apoyo en la realidad, se produce una renovación del lenguaje escultórico que ya no será más un “arte de imitación”.
  22. 22. • La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende igual que la pintura a la abstracción y al uso de nuevos materiales. • Se desentiende progresivamente de las apariencias realistas, sobre todo por influencia del cubismo, del futurismo y del impresionismo (Lipchitz, Duchamp-Villon). http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
  23. 23. La evolución escultórica actual pasa por la abstracción y, dentro de ella, la escuela denominada Constructivismo busca la forma al margen de la masa, prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio, como si la obra creciera sobre sí misma encerrando espacios. Por eso, esos artistas se prefieren formas ahuecadas antes que los volúmenes cerrados. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  24. 24. En contraste con esas formas abiertas, también se presentan, tanto en esculturas figurativas como abstractas, formas compactas, cerradas, resaltando el valor plástico de la materia. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  25. 25. • El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas- máquinas (Futuristas, Calder). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  26. 26. • La escultura tradicional había reflejado el movimiento fijo, como en una instantánea. • Al principio del siglo XX los escultores futuristas superponen láminas o deshacen las superficies rugosas para presentar posiciones sucesivas de una figura. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  27. 27. El siguiente paso es incorporar espacio en el interior de la escultura, el volumen abierto produce formas de continuidad en el espacio, posiciones sucesivas en las que la figura “conquista” fragmentos de espacio. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  28. 28. El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de obras que se sostienen de manera inestable sobre un precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos. Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Calder. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  29. 29. Importancia de la luz. Muchos artistas realizan obras para ser situadas al aire libre y estudian cuidadosamente la ubicación en su entorno; otros buscan efectos en el contraste de luz y sombra producido por el juego de vacíos y de masas escultóricas (Gargallo); algunos, como Chillida, hacen que la luz penetre a través de los huecos dentro de la obra y formen parte de ella. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  30. 30. Contrastes de texturas. Algunos escultores buscan superficies cuidadosamente pulidas…pero muchos otros basan su obra en texturas non finitas o intensamente contrastadas, que producen efectos expresivos. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  31. 31. • La aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  32. 32. Experimentación del valor expresivo de nuevos materiales, incluso de desecho, y realización de obras escultóricas empleando objetos apenas manipulados, como hicieron los dadaístas (Duchamp), los surrealistas (Dalí) y otras tendencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  33. 33. Si bien se mantienen materiales tradicionales como el mármol, la madera y el bronce, toman auge nuevos materiales, como el hierro, el acero, vidrio, materiales reciclados, nuevos materiales sintéticos e industriales (hormigón, plásticos, resinas, poliéster, polietileno, látex…), o incluso objetos reciclados.
  34. 34. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  35. 35. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  36. 36. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  37. 37. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  38. 38. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  39. 39. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  40. 40. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  41. 41. http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834
  42. 42. Nuevas técnicas: Junto a las tradicionales técnicas de modelado, tallado o fundido, aparecen otras propias del mundo industrial, tales como: • Vaciado en cemento u hormigón • Forja • Soldadura • Collage • Ensamblaje • Instalación
  43. 43. http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169
  44. 44. http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169
  45. 45. Integración de formas tridimensionales y superficies pictóricas, en busca de una obra de arte integral. Escultura y pintura pierden su autonomía en aras de la libertad del artista que es quien decide lo que se puede y lo que no se puede hacer. Los primeros pasos están ligados al movimiento Dadá, como, por ejemplo, los relieves coloreados de Jean Arp. http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
  46. 46. Nuevos temas: • Se empiezan a abandonar los temas basados en la Naturaleza y en la humanidad e incorporan otros temas más transcendentales. Expresan los grandes conceptos que tanto ha preocupado al individuo. • La obra de arte empieza a ser expresión de algo más profundo que en otros tiempos: representa conceptos filosóficos. • Formas semejantes a signos con multiplicidad de significados, de metáforas, de asociaciones, de interpretaciones que reflejan la personalidad del artista, su concepción del mundo, su visión interior, su ideología, su subjetividad y sus aspiraciones. • Son expresión del yo individual del artista. http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm
  47. 47. Nuevos temas: Ahora las nuevas esculturas expresan: dolor, sufrimiento, angustia, desesperación, terror, soledad, opresión, los gritos de protesta, el padecimiento de los oprimidos y la tortura de las guerras, la ironía, la resignación, las ambiciones, la fugacidad de la vida y del tiempo, la pasión y la muerte, la ingenuidad, la fantasía, las reivindicaciones políticas o feministas o las críticas hacia lo tradicional... http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm
  48. 48. http://www.taringa.net/post/arte/17905986/El-Arte-en-el-Siglo-XX.html
  49. 49. Nuevos temas: O bien alegrías y optimismo, el ansia de libertad, los avances científicos o los cambios democráticos, las interrogaciones y las reflexiones, las investigaciones conceptuales, las contradicciones, las ambigüedades, las relaciones en tensión, los conflictos, las paradojas mentales y contrastes sexuales o políticos, los sentimiento libidinosos de los seres y el amor físico y brutal, la perfección formal, la racionalidad mental, la ley y el orden y el cálculo racionalista, la deformación física. http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm
  50. 50. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  51. 51. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  52. 52. Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas: . http://www.arsgravis.com/?p=142
  53. 53. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  54. 54. LA ESCULTURA Y LAS VANGUARDIAS
  55. 55. • Las vanguardias históricas de las primeras décadas del siglo XX abren de par en par las posibilidades expresivas ampliando el lenguaje escultórico hasta límites insospechados. • Los escultores vanguardistas experimentan con todo tipo de ideas, conceptos, técnicas y procedimientos, y explotan las posibilidades de los nuevos materiales que la industria pone a su alcance. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  56. 56. En este sentido, las aportaciones del cubismo, del expresionismo, del constructivismo, del futurismo, del surrealismo, del dadaísmo, etc., han sido fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en día. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  57. 57. El Cubismo supone la ruptura definitiva con la tradición. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. Pero, además de esta, la otra gran característica de la escultura contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del hombre actual. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Picasso, Tête de femme (Fernande), 1909, bronze, 41 x 24 x 26, Paris, Musée Picasso
  58. 58. Estas dos líneas, la geometrización, la abstracción y la inclusión de espacios por un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las dos grandes líneas de la escultura, al igual que pasó en la pintura. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  59. 59. • Las repercusiones del cubismo en la escultura no fueron menos importantes que en la pintura. • Desaparecen los últimos restos realistas y, de modo paralelo al collage en dos dimensiones, surge la escultura construida, a veces, con materiales de desecho. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  60. 60. http://http://es.slideshare.net/carmentejera/tema-13a-el-siglo-xx-arquitectura-y-escultura-13184017?qid=39016560-8a06-4878-8821-172bebec446b&v=&b=&from_search=15
  61. 61. Como la obra no procede de un bloque homogéneo de piedra o mármol, el resultado presenta huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva estética de la ausencia de masa. El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende idealmente a parecerse cada vez más al de los arquitectos. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Mujer desnuda con guitarra Autor: Jacques Lipchitz Fecha: 1928 Museo: Tate Gallery (Londres)
  62. 62. Pablo Picasso rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura, que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Pablo Picasso. Cabeza.
  63. 63. Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación: Cabeza de Fernande, Guitarra... Más tarde hará obras como Mujer con cochecito, La cabra... http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  64. 64. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  65. 65. Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a la escultura fueron Alexandre Archipenko (1887-1964), Jacques Lipchitz (1891-1973) y Pablo Gargallo (1881-1934). En la obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la síntesis de formas propias del cubismo. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  66. 66. Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa escultórica, al mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en la concepción de la escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose, Carrusel Pierrot... http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  67. 67. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  68. 68. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  69. 69. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  70. 70. Jacques Lipchitz es uno de los pioneros del Cubismo en la Escultura . Recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=296
  71. 71. Jacques Lipchitz: Mujer recostada. Descomposición de la figura en volúmenes geométricos, presencia del vacío en la escultura, geometrización. Formas simples, de influencia del cubismo sintético.
  72. 72. Henri Laurens. Explora al máximo las posibilidades expresivas de los materiales, resaltando las formas geométricas, las masas y los volúmenes. Realizó numerosas “naturalezas muertas” y esculturas femeninas que parecen surgir desde la materia bruta. Con el tiempo sus esculturas tienden a formas curvas, más orgánicas.
  73. 73. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  74. 74. Raymond Duchamp-Villon incorpora el dinamismo y el maquinismo propios del futurismo a las formas volumétricas características del cubismo, así como va abriendo camino hacia la abstracción, como en su famoso “Caballo”, en el que ha estudiado fotográficamente su movimiento, lo descompone y sustituye algunas de sus partes por elementos con aspecto de máquinas, empleando geometrizaciones retorcidas. Caballo Energía Máquina Movimiento ¿Guerra?
  75. 75. Es una escultura-atajo, una extraordinaria contracción en bronce de la esencia' del caballo: la selección de ciertos músculos e índices característicos que una biela arrastra a un impetuoso movimiento sin cambiar de lugar. Caballo-motor, escultura- máquina en la que triunfa lo que.su creador llamaba el "pensamiento sintético". La relinchante montura de Duchamp-Villon galopa entre el esquematismo de Archipenko y el futurismo de Boccioni (1882-1916). http://www.historiadelarte.us/arte-contemporaneo/desmantelamiento-de-la-forma-compacta.html
  76. 76. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  77. 77. Futurismo: la escultura del futurismo italiano aportó dinamismo y percepción de movimiento a los principios cubistas de descomposición de perspectivas. El más destacado escultor futurista fue Umberto Boccioni (1882- 1916). http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  78. 78. • BOCCIONI (1876-1942) es el mejor representante de la escultura futurista. Sus obras tratan de representar el movimiento a partir de posiciones sucesivas, en las que la figura "conquista" fragmentos del espacio. • El manifiesto futurista defiende que “Un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia”, basa su arte en el movimiento aerodinámico, la velocidad y las formas variables. • En Formas únicas de continuidad en el espacio, los planos acentúan el movimiento. • Intenta dar movimiento en la escultura, para dar a la obra de arte dinamicidad y agitación. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html
  79. 79. • La forma de conseguirlo es romper las líneas cerradas en las que la escultura tradicional envolvía su volumen, de tal forma que sus límites queden imprecisos e indeterminados para el espectador. • La escultura podría contemplarse como una figura que avanza imparable a gran velocidad, sensación que se transmite abriendo el contorno de la pieza a base de multiplicar planos y ángulos de visión. • Los planos de desarrollan en el espacio como en una fotografía estroboscópica. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo
  80. 80. http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx
  81. 81. http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx
  82. 82. Constructivismo: • Los escultores del constructivismo ruso adoptaron preceptos semejantes, aunque orientados hacia el maquinismo y el uso de materiales industriales. • En esta corriente sobresalieron Anton Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890- 1977). http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx Naum Gabo: "Cabeza de mujer" (1917-1920). Nueva York.
  83. 83. El origen de la escultura abstracta habría que buscarlo en los experimentos de los artistas del Constructivismo del período de entreguerras, que persiguen la forma al margen de la masa, prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio. El Constructivismo profundizaba en la belleza objetiva y las formas puras. El concepto de masa tradicional era abandonado en pos de una nueva valoración de la profundidad del espacio y, por ende, del vacío. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://www.faena.com/aleph/es/articles/el-manifiesto-constructivista-el-arte-como-expresion-de- la-vida/
  84. 84. Los máximos representantes son los hermanos Pevsner. Naum Gabo aplica teoremas matemáticos de ingeniería a sus superficies alabeadas (Construcción nº 2), siendo el primero en hacer la primera escultura cinética del mundo, consistente en una lámina que vibra por el impulso de un motor, y que demuestra como una superficie se convierte virtualmente en un volumen. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Naum Gabo. Columna desarrollada. 1923.
  85. 85. Anton Pevsner se distingue por los desarrollos helicoidales de superficies curvas formadas por varillas de bronce (anillos envolventes): Columna desarrollada, La Columna de la paz. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Anton Pevsner. Proyección en el espacio. 1924. Museo de Baltimore.
  86. 86. Anton Pevsner exploró nuevos conceptos escultóricos centrándose sobre todo en el desarrollo de formas en el espacio. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pevsner_anton.htm
  87. 87. CONSTANTIN BRANCUSI
  88. 88. Constantin Brancusi es una de las grandes personalidades de la escultura del siglo XX. De espíritu independiente, este rumano experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. A pesar de llegar a una extraordinaria estilización no acepta el arte no-figurativo; el punto de partida es siempre algo real. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  89. 89. CONSTANTIN BRANCUSI (1876-1957). Es uno de los más grandes de los innovadores del lenguaje escultórico. Rumano, se traslada a París donde busca formas puras frente a las obras de Rodin y sus seguidores. Se ve influido por el Cubismo y sus seguidores, sobre todo en algunas cabezas de 1907 y 1909. Trabaja en los años siguientes la piedra (formas pulidas) y la madera (formas rugosas). Además del Cubismo se siente influido por el Expresionismo, movimientos que sintetiza en algunas de sus obras. De esta época es su Pájaro en el espacio, hecha en 1925, que nos transmite no la imagen de pájaro sino la de su poder para levarse en lo alto. Le atrae el volumen cerrado. Trabajó el bronce, la piedra y la madera. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  90. 90. Evolucionó progresivamente hacia una mayor esencialidad formal para crear formas puras y elementales. En sus obras, Brancusi buscaba una belleza pura y espiritual, expresada a través de sus figuras favoritas (el pájaro, el huevo, las cabezas femeninas) http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm
  91. 91. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  92. 92. A diferencia de la mayoría de los maestros del siglo XX, le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida de forma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. Sus mejores obras han ido en una línea de depuración formal hasta alcanzar lo absoluto en cuanto a perfección y despojamiento anecdótico. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Torso mujer joven. Material: Onyx.
  93. 93. Experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida de forma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. En su obra convergen los principios escultóricos clásicos, refundidos en clave de vanguardia, aunque sin vinculación a un movimiento concreto. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx Foca I. 1930-32. Caliza y Mármol
  94. 94. Podría decirse que Brancusi buscaba las pureza de las formas, pero que éstas no eran más que un pretexto para mostrarnos el espíritu, lo inmaterial, lo permanente. Tal vez ello explique porqué muchas de sus esculturas presentan esas formas alargadas tan características, como si quisieran soltarse de sus pedestales y romper a volar, libres de toda atadura. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Columna al infinito.
  95. 95. http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html Lo primordial, lo salvaje y lo arcaico constituyen, en efecto, un componente esencial de la rebelión de los vanguardistas contra el arte oficial. Es justamente en la época en que Brancusi llega a París, cuando los artistas de avanzada estaban descubriendo el arte negro, los fetiches y las máscaras de Oceanía, lo que influye en el vuelco brancusiano de pasar desde una cultura fervorosamente guiada por las huellas de Rodin hacia las formas de un sintetismo plástico primitivo. Margit Pogany - 1913-1915
  96. 96. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  97. 97. http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html El beso: la imagen del hombre y la mujer que se abrazan uniendo estrechamente frente con frente, ojo con ojo, boca con boca, no transmite a un simple episodio, ni a un gesto, es un símbolo concreto de la génesis. Especialmente en esta escultura puede notarse una característica estilística que se irá tornando cada vez más dominante en la evolución de su arte: la comprensión de la forma hacia su interior, la concentración de la energía plástica dentro de un núcleo cerrado, compacto.
  98. 98. http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm Es la obra maestra en la que Brancusi logra por primera vez el equilibrio perfecto entre fondo y forma, la síntesis de los cuerpos y el bloque en el que están esculpidos. Son dos figuras abrazadas, que se besan. La unión entre ambas es completa. En la cara destacan los ojos, casi simétricos y la boca, que es la misma para los dos. El pelo es un movimiento de líneas paralelas onduladas, los brazos están pegados a las figuras y el cuerpo solamente es insinuado por la línea que los divide y los une, la misma para ambas. La textura es tosca, evita el pulido para evidenciar la talla directa y los instrumentos empleados.
  99. 99. http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm El rasgo que destaca en esta obra es la unión de dos personas al besarse, que está determinada por el bloque de piedra en el que se representan. Se fundamenta en componentes escultóricos, en aspectos que pertenecen la propia naturaleza de la escultura como son el volumen, la masa, la textura y la sencillez compositiva. Tiene una fuerte influencia del primitivismo en el modo de representar los ojos, la incisión del cuerpo, el cabello ondulado, los brazos, etc. En el beso se aprecia la búsqueda de la esencia y la simplificación de la forma.
  100. 100. http://es.slideshare.net/manolo1952/152-vanguardias-histricas-futurismo-dadaismo-surrealismo-38817419
  101. 101. http://es.slideshare.net/manoloavila/escultura-9432037
  102. 102. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  103. 103. PABLO GARGALLO
  104. 104. Pablo Gargallo (1881-1934) Es un gran artesano que trabaja con chapas de hierro dándoles formas cubistas, aprovechando los espacios vacíos, dotándolos de fuerza, al igual que las aristas. El cubismo le suministra la metodología y él le aporta una gran visión expresiva. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  105. 105. Formado en el Modernismo y luego influido por la obra del escultor Maillol, mantuvo en su obra dos opciones, una tradicional de volúmenes plenos (Torso de gitano y Bañista) y otra más ligada al Cubismo. Descubre en las planchas de hierro su configuración geométrica, pero más tarde aprovecha los espacios vacíos para dotarlos de fuerza, lo mismo que a las aristas. El Profeta es su obra más conocida, de formas cubistas pero con un lenguaje expresionista. Sus huecos, aristas y placas curvadas nos sugieren músculos, rasgos faciales, volumen. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  106. 106. A principios de siglo frecuentaba las tertulias de Els Quatre Gats donde conoció, entre otros, a Picasso, Nonell y Manolo Hugué. En 1903 una beca le permitió ir a París. Después de volver a Barcelona, en 1906, expone por primera vez individualmente en la Sala Parés. En 1912 se establece por dos años en París, donde reencuentra nuevamente a Picasso, Juan Gris y Manolo Hugué, entabla amistad con Modigliani y descubre el arte primitivo y el cubismo analítico de Picasso y Braque. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  107. 107. Proveniente del Modernismo, pronto lo abandona para aproximarse a la tradición realista cuando trabaja con materiales tradicionales, piedra o mármol. Pero durante su estancia en París toma contacto con el Cubismo y en particular con Picasso y comienza a emplear nuevos materiales como el hierro, el plomo o el cobre. Sus primeras obras en metal datan de 1913. Su inclusión de la forma abierta y el vacío, así como la introducción de la línea en escultura le sitúan entre los creadores europeos de un nuevo lenguaje escultórico. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  108. 108. Gargallo se deja llevar también por algunas de las concepciones de las vanguardias escultóricas que lo llevaron a sintetizar las formas y a utilizar el espacio como un elemento constitutivo de sus obras. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  109. 109. El estilo de Gargallo es un estilo personal con influencias cubistas y expresionistas: • Descomposición del volumen en planos geométricos yuxtaponiendo formas geométricas cóncavas y convexas, con apenas unas líneas mediante la incorporación de varillas curvadas o planchas o láminas de bronce o hierro que se ensamblan con las que crea formas simbólicas y estilizadas • Considerar la forma escultórica no como imitación de la realidad sino como un nuevo volumen formado por macizos y vacíos. http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html
  110. 110. Se basa en la búsqueda de una síntesis formal de la figura en planos geométricos siempre fluidos y en la valoración de los huecos y los macizos. Sustituye los materiales convencionales como el mármol o el bronce por las láminas de hierro forjado. Crea un nuevo lenguaje escultórico introduciendo el vacío como volumen y dotando a sus figuras de gran dramatismo expresivo. http://www.arteespana.com/pablogargallo.htm
  111. 111. Gargallo trabajó con todo tipo de materiales: el mármol, la piedra, la madera, el cartón; pero sobre todo se expresó a través del hierro y del bronce, sin olvidar el barro, en el que modeló gran parte de sus ideas (dadas las penurias económicas que le acompañaron gran parte de su vida). http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html
  112. 112. En un momento determinado se sintió atraído por los metales. Esta atracción lo condujo a buscar nuevas soluciones técnicas y nuevos planteamientos formales aunque continuó haciendo obras figurativas con materiales tradicionales como la terracota, la piedra o el mármol. Entre 1920 y 1923 incorpora la chapa de plomo a la construcción de sus esculturas modelando los volúmenes en negativo e incorporando el espacio vacío a sus obras. También realiza una especie de máscaras metálicas cóncavas, a menudo con características caricaturescas, en las que el espacio interior alcanza un gran protagonismo. Después aparecerán las figuras de pie hechas con recortes soldados de hierro u otros metales. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  113. 113. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  114. 114. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/gargallo-pablo/a5f1c2b0-a693-483b-aba8-1b9207cb137d Aprende de su amigo Julio González la técnica de la soldadura autógena y en 1929 inicia su época del hierro, material en el que realiza primero en chapa y después en plancha, numerosas esculturas.
  115. 115. Entre sus obras más conocidas podemos citar, por ejemplo, los tres retratos de la actriz Greta Garbo (1930-1931), en los que las chapas de hierro recortadas tan sólo dibujan perfiles, algunos elementos aislados (un ojo, un tirabuzón del pelo, la nariz, etc.) o contornos del rostro y donde el espacio se convierte en la materia constitutiva de la obra. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  116. 116. Modelos y retrato de Greta Garbo
  117. 117. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  118. 118. Otra de las piezas más famosas es el 'Gran profeta' (1933), una obra contradictoria que se debate entre la figuración y la abstracción formal. Se trata de una escultura monumental que quiere aparentar estar construida con fragmentos añadidos a la manera del 'collage' pero que responde, más bien, a los conceptos del modelado tradicional; una obra que pretende ser vanguardista y experimental pero que conserva un regusto académico que hace que algunos críticos perspicaces la califiquen de manierismo vanguardista http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  119. 119. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  120. 120. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  121. 121. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  122. 122. En “El Profeta” combina la lámina plana, el tubo ondulado y el hueco, creando multiplicidad de planos en el más puro estilo cubista pero introduciendo espacio interno y líneas de canto vivo, con una enorme expresividad. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  123. 123. JULIO GONZÁLEZ
  124. 124. Julio González es quizá el principal escultor del periodo en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y herreros, familiarizados con la forja y los diseños ornamentales de joyería modernista, reside en País desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html Dafne
  125. 125. • Es junto con Gargallo el gran innovador de la escultura en hierro. • Julio González parte de planteamientos cubistas pero llega a la abstracción pura, modelando poliedros abruptos, formas contrapuestas y líneas y espacios puntiagudos, como en sus obras Mujer sentada, Mujer ante el espejo y Mujer peinándose http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Mujer ante el espejo
  126. 126. Aunque nació en 1876 sólo se dedicó a la escultura a partir de 1927, actualizando la forja como técnica e incorporando el sistema de la soldadura autógena. Su producción se inicia con chapas recortadas y soldadas de vinculación cubista para ir abandonando las referencias figurativas hasta componer figuras con delgados hierros casi abstractos o de ecos surreales. Sólo en alguna ocasión (Guerra Civil) vuelve a un realismo con chapa desgarrada, Montserrat gritando. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf Mujer sentada. Hierro y madera pintada. Forja y soldadura
  127. 127. Se formó en la metalistería artística de su padre y en la escuela Llotja, de Barcelona, y se marchó a París el año 1899 como muchos otros jóvenes artistas catalanes del momento. Vivió en Francia hasta su muerte. En la capital francesa tuvo relación con artistas como Brancusi, Magnelli, Joaquim Torres i García, Manolo Hugué o Picasso. Con este último mantuvo amistad toda la vida y colaboraron en la realización de diversas esculturas, una colaboración que fue muy provechosa para ambos artistas. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  128. 128. La formación artesanal (forja, repujado, fundición, etc.) y, sobre todo, el dominio de la soldadura autógena, técnica que aprendió en una fábrica francesa durante la Primera Guerra Mundial, son las bases sobre las cuales González edifica su particular lenguaje escultórico convirtiéndose en un maestro de la escultura moderna en hierro. Su obra es calificada a menudo de abstracta aunque siempre se mueve entre la figuración y la abstracción con añadidos del cubismo y del surrealismo. La obra de González representa una nueva manera de entender la escultura con la fusión expresiva entre la materia y el espacio, con el juego entre lo vacío y lo lleno, que él definía con la idea de 'dibujar en el espacio'. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES Monsieur Cactus
  129. 129. • En 1927 se replantea su trabajo artístico y se orienta hacia el cultivo de la escultura. • En esta época realiza sus primeras obras en hierro. • Son piezas de dimensiones más bien reducidas y hechas con planchas recortadas, forjadas, repujadas o curvadas que giran en torno a representaciones de la figura femenina. • Más adelante, además de utilizar planchas, empieza a utilizar también barras de hierro curvadas y soldadas que le permitirán construir formas abstractas que nunca dejan de hacer referencia, de una u otra manera, a la figura humana http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  130. 130. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  131. 131. Entre sus esculturas más destacadas hay que citar 'Mujer con espejo' (1936-1937), que se encuentra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona. Se trata de una obra de estructura vertical, de apariencia abstracta, hecha con diversos recortes de hierro soldados, que parte del esquema simplificado de una mujer peinándose. Es una obra donde la materia y el espacio se complementan de manera especialmente sugerente y expresiva. Su gestualidad pone en relación, de manera integradora, las formas orgánicas y antropocéntricas con la abstracción. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  132. 132. Hay que mencionar también 'La Montserrat' (1936-37), una obra más figurativa y naturalista que representa a una mujer con una criatura en brazos y que se ha convertido en un icono del rechazo a la guerra y a sus horrores. La pieza se presentó en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París del año 1937, junto con las pinturas del 'Guernica' de Picasso y el 'Segador' de Miró. 'La Montserrat' es una obra que puede ser considerada también una representación mítica de Cataluña, un testimonio del padecimiento del pueblo catalán ante la agresión fascista y un manifiesto a favor de la libertad. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  133. 133. http://http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  134. 134. http://http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  135. 135. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  136. 136. El escultor norteamericano David Smith (1906-1965) fue uno de los primeros en subrayar el importante papel que representa el lenguaje personal de González en la historia de la escultura moderna. La escultura de González ha influido, de una manera u otra, en la obra de escultores posteriores como David Smith, el británico Anthony Caro, los vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza o el valenciano Andreu Alfaro. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
  137. 137. David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor del minimal art. Tras observar las fotografías publicadas de las esculturas en hierro de Pablo Picasso y Julio González, realizó su primera escultura en metal a partir de piezas de maquinaria agrícola y otros diferentes objetos de metal. La pintura abstracta de las vanguardias europeas y las aportaciones del constructivismo ruso también fueron objeto de su interés de Smith. Con la técnica de la soldadura encontró una libertad que, unida a la explosión de la doctrina surrealista, le permitió plasmar de forma espontánea las imágenes de su inconsciente con resultados de una enorme calidad estética. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx http://www.epdlp.com/pintor.php?id=373 http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/06/david-smith.html http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=smith-david "El héroe" (1951-52)
  138. 138. El expresionismo es, lo mismo que en pintura, una constante del lenguaje escultórico. Los artistas descubren pronto la intensidad expresiva de las deformaciones y el vitalismo de los gestos crispados. Los escultores insisten en las deformaciones y en los gestos de angustia, o en las formas geométricas gesticulantes. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  139. 139. El movimiento expresionista trata de presentar en sus esculturas figuras deformadas, esquemáticas, corroídas y arrugadas, tal y como debe ser el alma del hombre que vive en soledad y en total incomunicación. Emplean la deformación y el propio tratamiento de los materiales como elemento expresivo. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  140. 140. Wilhelm Lehmbruck, autor de figuras lánguidas y adelgazadas, postradas y abatidas física y mentalmente (Mujer arrodillándose, Hombre abatido). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  141. 141. Wilhelm Lehmbruck: • Personajes estilizados, aislados, reflexivos. • Distorsión. • Cierta melancolía. • Agonía, miseria. • Rostros inexpresivos o incluso ausentes. • Desnudos angulares, que expresaban tanto dignidad como desesperación http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  142. 142. La intensificación expresiva del realismo mediante deformaciones ofrece a principios de siglo una tendencia dramática en las esculturas de Ernst Barlach, el cual consigue convertir sus mensajes en muecas punzantes. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  143. 143. Ernst Barlach • Las formas angulosas y la estilización remiten a la influencia del expresionismo medieval nórdico, pleno de misticismo. • Realizó numerosas tallas en madera. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html El mendigo. Catedral de Ratzeburg.
  144. 144. El suizo Alberto Giacometti, buen conocedor de la escultura africana, de Oceanía y del cubismo, realizó varias obras de carácter surrealista. Posteriormente acentuará su vena expresionista con figuras que no parecen cuerpos sino la mínima expresión humana, almas que caminan, rugosas y deformadas. En su obra se muestran las influencias tanto del surrealismo como del expresionismo. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx 7 figuras y una cabeza,
  145. 145. En sus obras investiga las formas: “La mujer cuchara” y “Cabeza plana” son dos de sus obras más destacadas en su primera época. Surrealistas serán sus obras a partir de 1933: “Palacio a las cuatro de la mañana” es todo un mundo de sueños y fantasías. La Segunda Guerra Mundial y sus horrores y consecuencias propicia una vuelta al Expresionismo cuyas posibilidades expresivas no se habían agotado. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  146. 146. “Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran de tamaño sin parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura, pero iban adelgazando, adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas.” Así contaba Giacometti su propia evolución hacia las figuras hiperestilizadas. En estos años, presenta estas figuras formando conjuntos interrelacionados sobre planchas de bronce, que interpretan lugares urbanos y espacios naturales http://www.hoyesarte.com/evento/2013/06/terrenos-de-juego-una-aproximacion-original-a-la-obra-de-giacometti/
  147. 147. La presencia inquietante de fragilidad en sus esculturas es un recordatorio de la vida como evolución creadora, un pasaje que se transita y que tiene un final. En estas creaciones, que representan la soledad y el aislamiento del hombre, se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. http://notaalpie.org/2011/11/el-vacio-como-forma-alberto-giacometti/ http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm
  148. 148. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx Las esculturas y pinturas de ésta época nos muestran figuras frágiles y melancólicas, a través de las cuales el artista pretende reflejar la debilidad de la existencia del ser humano, como si sus personajes estuvieran continuamente amenazados por el medio que les rodea. Standing woman (Mujer en pie, 1948) y Walking man (Caminante, 1947) reflejan perfectamente ese característico estilo de Giacometti.
  149. 149. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  150. 150. Son los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial cuando Giacometti ha consolidado su estilización característica y realiza sus plazas, en las que las figuras se disponen relacionándose entre sí, caminantes que reanudan la marcha después de la gran devastación, serie de bronces. http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
  151. 151. http://www.elmundo.es/cultura/2014/05/05/536746f1ca4741dc398b4573.html Son seres descarnados, hechos sólo de piel y huesos, paradigma en bronce del hombre que ha atravesado la peor de las tormentas, que ha bajado a los infiernos. Espectros reducidos a su más triste condición material, casi cadáveres, individuos solos, anónimos. Seres "a mitad de camino entre la nada y el ser", según los definió el filósofo Jean Paul Sartre. Se han convertido en metáforas existenciales de la terrible experiencia que fue la II Guerra Mundial
  152. 152. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  153. 153. Su Hombre que camina—de impresionante presencia—surge en estos momentos como metáfora de la búsqueda y del progreso asociados a lo humano. La interrelación entre las figuras, sus modelos emblemáticos—el caminante, la mujer de pie—formarán parte de otros proyectos esenciales como el conjunto realizado para el Chase Manhattan Bank en la plaza donde tienen su sede neoyorquina, en un interés por lo urbano que acompañó al artista a partir de entonces, como campo abonado para mostrar su visión de las relaciones humanas. “La gente confluye y se separa, después se aproxima para acercarse unos a otros. De este modo, se forman y se transforman sin cesar composiciones vivas de una complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que me gustaría representar en todo lo que emprendo”. http://http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
  154. 154. Giacometti representó una figura masculina en sus formas más simples. Aparece con las piernas abiertas como si estuviera caminando y los brazos pegados al cuerpos, su cuerpo se inclina hacia adelante provocando una gran inestabilidad; mientras su rostro y facciones no aparecen si quiera definidos. Sus brazos y piernas son demasiado largos, distorsionados y se han reducido a formas demasiado simples, al igual que el resto de la musculatura. Pese a todo el personaje representa como pocas esculturas lo han hecho el dinamismo y el movimiento; parece como si los talones del caminante se despegaran del suelo para avanzar en un paso casi sonámbulo hacia el espectador. http://arte.laguia2000.com/escultura/hombre-que-camina-giacometti#ixzz462IApgXu
  155. 155. Desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea. Estamos, pues, frente a una obra de gran carga existencialista, ya que no se representa a un hombre concreto, sino al “Hombre”. La obra está dotada de gran expresividad y transmite fragilidad y debilidad, como si el hombre representado sintiese una amenaza de destrucción por el medio que le envuelve. Parecería como si con estas figuras el autor quisiera mostrarnos los aspectos más trágicos y desoladores de la existencia humana, influenciado a fondo por los acontecimientos de la época que le había tocado vivir.http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2009/09/revisa-tus-comentarios-de-escultura.html
  156. 156. La espantosa tragedia de la II Guerra Mundial, con toda la lacra de horrores que llevó consigo, provocó de nuevo una vuelta al Expresionismo o Neoexpresionismo, ahondando los escultores en las deformaciones y en los gestos de angustia y en formas geométricas gesticulantes, como nuevas obras de Lipchitz (Hagar), o en el ruso Ossip Zadkine (ambos parten de la estética cubista, movimiento al que habían pertenecido anteriormente), cuya obra El Grito es un monumento conmemorativo a la destrucción de la ciudad holandesa de Rotterdam, a la vez que un testimonio de la capacidad de destrucción del hombre. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  157. 157. Pablo Serrano. Aún siendo posterior, parte de la obra de este artista aragonés es un ejemplo de escultura de enorme potencial expresivo. Aborda los temas que le preocupan (el hombre, la muerte, la vida, Dios, la comunicación…) y en sus retratos emplea una técnica expresionista, dotándoles de enorme hondura psicológica, tratando de reflejar el alma de la persona retratada. Para ello emplea contrastes de formas, texturas, aristas… tratando de que la escultura sea un reflejo del interior, de la personalidad interior del retratado. Miguel de Unamuno. San. Fco. Javier
  158. 158. El Dadaísmo: Su carácter inconformista, irónico, radical y revolucionario influyó poderosamente en la escultura. Frente al arte convencional y sus técnicas y materiales elevan a la categoría de arte objetos y materiales de uso cotidiano o de desecho. La escultura-objeto, el ready- made son alguna de sus principales aportaciones y una profunda crítica al arte convencional y un rechazo a los valores del arte.
  159. 159. Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su célebre Fuente (1917). http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  160. 160. Se inicia como pintor, pero cambiará su trayectoria a escultor, concretada en la realización de su primer "objeto encontrado", la "rueda de bicicleta" denominado por la crítica como ready-made (listo y hecho: el proceso de tomar objetos cotidianos y a menudo fabricados en serie y añadiendo la firma de DuChamp), una verdadera innovación escultórica. Con ello pasa a convertir objetos cotidianos, que no poseen ningún valor específico y a los que él añade una mínima transformación, en obras de arte, sacándolas de su contexto habitual. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html
  161. 161. • La aportación más importe al dadaísmo son los Ready mades. • Son objetos de uso cotidiano, generalmente fabricados de forma industrializada, elevados a la categoría de obra de arte por voluntad del artista. • Concepto nuevo de la voluntad del autor. • El dadaísmo se plantea quien es el que marca la obra de arte y abre paso al arte conceptual. http://www.elarteporelarte.es/el-dadaismo-marcel-duchamp/
  162. 162. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  163. 163. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  164. 164. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019
  165. 165. http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual
  166. 166. Dedica ocho años a realizar su obra más conocida: "el Gran Vidrio", que no podemos considerar únicamente como pintura; es más bien una máquina virtual disparatada y genial. En el Gran Vidrio eso se percibe con claridad, la complejidad, suma de los muchos intereses que el autor tuvo a lo largo de su vida, y llegó a publicar, en 1934, un manual, a la manera de un libro de instrucciones de esos que vienen con cualquier aparato, que había que leer al mismo tiempo que se contemplaba la obra. En 1926, durante un traslado de la obra el vidrio sufrió desperfectos y en ese momento Duchamp la declaró concluida. http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Gran Vidrio: La novia puesta al desnudo por su solteros, incluso.
  167. 167. Todos los componentes insertos en los cristales actúan como subconjuntos relacionados entre sí, impulsando una verdadera máquina erótica y conceptual que se activa imaginariamente siguiendo las instrucciones contenidas en las notas, planos y estudios preliminares para El Gran Vidrio. La mitad superior es de dominio femenino, donde se encuentra el personaje principal: La Novia, también llamada Motor-Deseo. En el plano inferior encontramos a los solteros, también llamados, Nueve Moldes Machos, Cementerio de Libreas. Con su virilidad intacta de solteros, esperan casarse con la novia en el plano inferior, mientras se mueve espontáneamente el Molino de chocolate. http://www.mac.uchile.cl/content/documento/2015/septiembre/ficha_digital_la_mariee_mise_a_nu_par_ses_celibataires_meme.pdf Gran Vidrio: La novia puesta al desnudo por su solteros, incluso.
  168. 168. http://arte.laguia2000.com/escultura/el-gran-vidrio-duchamp El Gran Vidrio se nos presenta como un gran enigma visual, en la que su significación queda abierta a la imaginación del propio espectador aun contando con un manual de instrucciones para observarla escrito por el propio autor.
  169. 169. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019
  170. 170. http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019
  171. 171. Kurt Schwitters (1887- 1948) fue, junto a Duchamp, el otro gran exponente de la escultura dadaísta. Alcanzó su mayor dimensión creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a partir de los cuales obtenía piezas de notable belleza. Rompe las fronteras entre escultura, pintura y poesía. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  172. 172. Realizó collages y assemblages con materiales de desecho, que denomina Merz, nombre derivado de la mutilación fortuita de la palabra Kommerz, que había utilizado en uno de sus collages. Merz se convertiría en sinónimo del nuevo arte multidisciplinar que realizará. http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/520
  173. 173. Utilizaba lo viejo como material para una nueva obra de arte, entendiendo ésta como una experiencia que integraba y establecía relaciones entre cualquier tipo de materias, tanto las tradicionalmente utilizadas por los artistas, como las pertenecientes al mundo cotidiano. La técnica del ensamblaje de objetos varios será una de sus aportaciones al arte contemporáneo, si bien ya la habían iniciado desde el collage artistas como Picasso o Braque. http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters
  174. 174. Schwitters recorría su ciudad natal, Hannover, de la misma manera que lo habían hecho los primeros creadores del collage cubista: rescatando los objetos humildes y desechados por la sociedad para darles nueva vida en otro contexto muy diferente, el territorio del artista. Acogió a estos retazos de la vida real y les dio el mismo valor que a los tradicionales materiales del arte, el color al óleo, el lienzo, el empaste y la veladura http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters
  175. 175. Sus creaciones de vanguardia a base de objetos encontrados serían calificadas por los nacionalsocialistas como «arte degenerado» y, por tanto, perseguidas. En fases sucesivas fue ganando terreno la abstracción plena. «Mi aspiración última es la unión del arte y el no-arte en la visión total del mundo Merz». http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters
  176. 176. Jean Arp (1887-1966) En contacto con los dadaístas y los surrealistas, realiza relieves en madera pintada los cuales, más que suponer un trabajo puramente escultórico, son como collages tridimensionales a los que en algunos casos denomina constelaciones. Arp no dejó de experimentar con este tipo de formas en las que lo que denominaba "leyes del azar" jugaban un papel fundamental. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html “Constelación con cinco formas blancas y dos negras (variación 3)". 1931, Nueva York "Lágrimas de Enak (formas terrestres)". 1917, Nueva York
  177. 177. A partir de la década de los años veinte introdujo sustanciales novedades en sus esculturas, que ahora adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las aristas brillan por su ausencia. Es lo que el mismo llamó "esculturas biomórficas“, queriendo hacer alusión con ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre la pura creatividad artística y la creación en la misma naturaleza. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html
  178. 178. Jean Arp (1887-1966) Evolucionó hacia formas de aspecto monumental en las que el volumen, las superficies curvas, la belleza de la materia y la unidad de conjunto son los valores esenciales. Se inspira en la morfología de elementos naturales (cantos rodados, conchas pulidas) que sugieren elementos orgánicos humanos. Anticipa el informalismo o la pura abstracción http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
  179. 179. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  180. 180. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  181. 181. El surrealismo también influyó en la escultura, si bien no de un modo tan importante como en la pintura. Diversos artistas surrealistas, más conocidos como pintores, también realizaron obras escultóricas en las que muestran algunos de los principios de este movimiento, como la asociación automática, las visiones oníricas, el mundo del inconsciente… Los escultores en general mantuvieron una relación más libre con el surrealismo que los pintores, pudiendo encontrarse algunas de sus características en obras que comparten otro tipo de estilos.
  182. 182. http://es.slideshare.net/cnavime/tcnicas-y-tendencias-escultricas
  183. 183. http://slideplayer.es/slide/21663/
  184. 184. http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html El rey jugando con la reina se puede entender como una representación simbólica del «otro lado» de la vida del individuo, como la imagen de un poder superior no controlable racionalmente, que dirige y decide sin que la conciencia individual advierta esta manipulación radical. Despierta asociaciones eróticas además de románticas, dada la circunstancia de que el monarca, que protege a la reina y la abraza posesivamente, lleva cuernos. Evoca al Minotauro con su violencia sensual. Cabe interpretar El rey jugando con la reina como una imagen del juego del poder en el gran escenario de la historia. El año de su realización (1944), la escultura se presentaba marcada por enfrentamientos dramáticos y bélicos
  185. 185. http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html Alberto Giacometti: “La bola suspendida” Con esta obra “móvil” Giacometti aborda los temas del deseo y de la frustración por no alcanzarlo, con un cierto componente sexual. Aborda el tema del deseo insatisfecho. Consiste en una bola suspendida sobre una cuña que el espectador desea, pero no puede, balancearla completamente sobre la cuña, dado que la longitud de la cuerda no lo permite.. Es un objeto de funcionamiento simbólico- automático. Introduce el movimiento en la escultura.
  186. 186. Alberto Giacometti: “Mano aprisionada”. 1932 Un objeto de vinculación surrealista que muestra el brazo y la mano de un maniquí trabados en un artificio de poleas. http://luisantoniodevillena.es/web/articulos/giacometti-siempre-extrana/
  187. 187. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html Hans Bellmer: “La Muñeca” Inspirado en los recuerdos nostálgicos de su jardín secreto la diseña para cumplir con su necesidad de escapar de la realidad y para despertar deseos relacionados con los encuentros sexuales secretos de su adolescencia.
  188. 188. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html Hans Bellmer: “La Muñeca” La muñeca es un simulacro femenino, de una “mujer que no existe”. Es una escultura construida con la ayuda de su hermano, con palos de escoba, varillas de metal, de madera tallada y yeso de París, que representa a tamaño casi real (1,40 m.), una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta. Es un objeto con pretensiones eróticas, una “criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas”, una “criatura irreal”, mediante la cual Bellmer intenta descubrir “la mecánica del deseo” y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna.
  189. 189. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html http://www.gunsserif.com/2011/10/la-muneca-hans-bellmer.html Hans Bellmer: “La Muñeca” Después Bellmer la coloca en bosques y jardines para comenzar a realizar una serie de fotografías. La Muñeca va a adoptar poses en situaciones eróticas, dramáticas y sadomasoquista, imponiéndole toda clase de metamorfosis. Trataba de explorar el inconsciente humano a través de un erotismo morboso que revela los bajos instintos humanos.
  190. 190. https://vitaminagrafica.wordpress.com/2013/07/24/los-objetos-surrealistas-y-salvador-dali/ Salvador Dalí: “El objeto surrealista es un objeto absolutamente inútil desde el punto de vista práctico y racional, creado únicamente con el fin de materializar de un modo fetichista, con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de carácter delirante.” Objeto surrealista. 1936 Assemblage: Formado por caja recortada conteniendo pisapapeles, figura cónica, figura erótica y figura de gallina, guantes de chocolate, zapato, caja de cerillas, molde de pie y piedra calcárea con inscripción (originalmente incluyó un pan y más objetos). Caja de cartón, piedra, barro policromado, cristal, alpaca, cuero, chocolate, papel de aluminio, caja de cerillas y escayola
  191. 191. http://www.artehistoria.com/v2/obras/9553.htm Salvador Dalí: Zapato y vaso de leche, Objeto surrealista de funcionamiento simbólico A Dalí se le ocurre la creación de objetos surrealistas, dando lugar a una de las etapas más fructíferas del movimiento. "Un zapato de mujer en cuyo interior se ha colocado un vaso de leche, en el centro de una pasta dúctil del color de los excrementos. El mecanismo consiste en dejar caer un terrón de azúcar en el que se ha pintado un zapato con objeto de ver primero el terrón y luego el zapato deshacerse en la leche. Diversos accesorios (un mechón de vello púbico pegado a otro terrón, una pequeña fotografía erótica) completan el objeto, que incluye también una caja de terrones de azúcar de repuesto y una cuchara especial que sirve para remover los perdigones que hay dentro del zapato”
  192. 192. https://www.salvador-dali.org/serveis/premsa/noticias/295/exposicion-sobre-escultura-en-pubol Salvador Dalí: Busto de mujer retrospectivo La pieza está formada por un busto de bronce que incorpora a distintos elementos mediante la técnica del ensamblaje: una barra de pan, dos panochas de maíz, plumas, un zoótropo o tira de papel pintado, un tintero con figuras del Ángelus con dos plumas y arena. De forma provocativa contribuye al surrealismo con objetos que apelan al deseo, al sexo y a la perturbación. El mismo Dalí define objeto surrealista en Vida Secreta con las siguientes palabras: "desconcertantes a primera vista, pero gracias a los cuales la gente ya no debía limitarse a hablar de sus fobias, manías, sentimientos y deseos, sino que podía tocarlos, manipularlos y hacerlos funcionar con sus propias manos".
  193. 193. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  194. 194. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
  195. 195. Joan Miró: El interés de Miró por la escultura deriva de una voluntad de superar los límites estrictos de la pintura. La primera pieza realizada por él en 1931, a base de objetos ensamblados, en el más puro espíritu provocador del surrealismo, resulta ya muy significativa, pues proclama con rotundidad el papel fundamental que le atribuye al objeto como generador de sentidos. Personaje con paraguas -1931- madera, hojas secas y paraguas https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/
  196. 196. http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5 En su obra como escultor, Joan Miró muestra las constantes de su mundo personal. • Inspiración en el arte primitivo. • Presencia de formas orgánicas semiabstractas. • Objetos oníricos y fantásticos. • Presencia de los seres habituales en el universo mironiano (estrellas, lunas, pájaros, mujeres, formas curvilíneas, infantiles). • Personajes y objetos como pertenecientes a una galaxia mágico-religiosa • Incorporación del color
  197. 197. https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/ La luna y el sol, el principio femenino y el principio masculino, la noche y el día, fuerzas a la vez opuestas y complementarias, son referencias constantes en la obra de Miró. Pájaro (lunar) presenta, al igual que Pájaro (solar), un modelado austero y una superficie pulida y el aspecto general evoca ciertas figuras arcaicas o votivas. Pájaro (solar) guarda más la apariencia de un pájaro, mientas que Pájaro (lunar) parece más próximo a los personajes mironianos ligados al mundo terrestre. El primero es más horizontal, más estático; el segundo, más vertical y dinámico.
  198. 198. https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/ Entrado el año 1967, Miró introduce el color en la escultura. En las esculturas de bronce pintadas, el metal queda disimulado bajo una capa de color intenso. A pesar del volumen, las obras tridimensionales de Miró dejan entrever la mirada del pintor: el color marca una diferencia entre cada componente y el punto de vista frontal se impone a los otros. La caricia de un pájaro
  199. 199. http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
  200. 200. Alberto Sánchez, hombre de pueblo formado a sí mismo en contacto con las formas naturales. Abandona los ecos realistas para hacer figuras erguidas y misteriosas con curvas sinuosas e incisiones enigmáticas. Su organicismo abstracto posee una fuerza casi geológica. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  201. 201. HENRY MOORE
  202. 202. Henry Moore desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes. Abundan los perfiles curcos, las formas ondulantes, los espacios vacíos, las composiciones cerradas… Es un artista original, difícilmente encajable, aislado de cualquier escuela. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  203. 203. Realizó numerosas obras de gran tamaño para ser expuestas en espacios públicos, con una concepción monumental de la escultura. http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html
  204. 204. De origen británico, en él influye el románico inglés, Juan Pisano, Massacio, Miguel Ángel, el Surrealismo, Brancusi, Picasso... así como las referencias al arte precolombino o etrusco, a la escultura de a islas Cícladas o de Oceanía. Sus figuras adquieren un carácter monumental. Se destacó por la aplicación del hueco a la escultura y el empleo de formas orgánicas deformadas. http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
  205. 205. http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html
  206. 206. Obras de Henry Moore
  207. 207. http://es.slideshare.net/marujin/escultura-ciclada-4041277
  208. 208. http://es.slideshare.net/Educamus/museo-britanico
  209. 209. Obras de Henry Moore Tótems de diferentes culturas
  210. 210. Para él es más importante la fuerza que la belleza convencional. La figura es tratada como si fuera arquitectura, adquiere un aire monumental, incluso cuando es de pequeño tamaño. Su profundización en los secretos de la forma- expresión se mueve entre la abstracción, la figuración y la semifiguración. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  211. 211. Algunas de sus características: • Gran concepción de la masa y el volumen. • La exageración de las formas. • El empleo del hueco como medio fundamental de expresión. • El claro predominio de la línea curva • Monumentalidad. • Fuerza vital, como en los tótems primitivos. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2010/02/henry-moore.html
  212. 212. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Representa, por tanto, una línea más amable y más clásica, con tendencia a las formas orgánicas y humanísticas. En sus maternidades, la línea curva, sinuosa, las composiciones cerrada trasmiten una sensación de protección. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  213. 213. Uno de sus temas preferidos es la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer asociada a la fertilidad, de inspiración prehistórica. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Figura recostada y Madre reclinada e hijo. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html
  214. 214. Influido por todas las vanguardias, su obra alcanza madurez a partir de 1935. Su humanismo se concreta en una serie de temas recurrentes: grupo familiar, la maternidad, el guerrero herido, personas echadas. Es un artista original, difícilmente encajable, aislado de cualquier escuela. Una de las obras más conocidas de Moore, junto con La familia, es esta la Figura Reclinada, donde se observa una evolución hacia formas cada vez más abstractas. Las deformaciones de los miembros y la potencia sugestiva de los espacios vacíos que separan las figuras anticipa los huecos o espacios internos de la escultura posterior. http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
  215. 215. http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html
  216. 216. ALEXANDER CALDER
  217. 217. Alexander Calder. Es una figura singular, inventor de la escultura móvil, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. Sus "objetos libres", apoyados o colgantes, hechos con alambres y láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire. Fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  218. 218. En plena ebullición de las vanguardias, reinventó las posibilidades de la escultura, al forjar retratos en alambre de colegas como Joan Miró o Fernand Léger, de figuras del espectáculo como la cantante y bailarina Josephine Baker, de acróbatas y otros personajes del circo, del teatro y la danza. . http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
  219. 219. https://mgarquitectura.wordpress.com/2013/09/25/alexander-calder/
  220. 220. De origen americano, fue el más importante escultor cinético. Aplicó sus conocimientos de ingeniería a los objetos y así consiguió una escultura que se moviese. Al moverse se consigue el volumen, sus obras están en equilibrio y, a veces, disponen de un pequeño motor que es lo que hace que se muevan. Su obra está en conexión con la vanguardia abstracta. En su obra destacamos los mobiles, es decir lo móvil, lo ligero; y los estabiles, lo pesado. http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  221. 221. La obra ya no es una masa sólida y expuesta sobre un pedestal, sino que cuelga del techo conformando delicadas líneas en el espacio. El reto de combinar la abstracción con el movimiento se convirtió en una obsesión. La creación de formas abstractas, tridimensionales y cinéticas, Calder fue el escultor del movimiento, el pionero del arte cinético e inventor de los móviles, un término acuñado por su amigo Marcel Duchamp para describir sus primeras piezas mecánicas propulsadas por un motor se mueven y transforman constantemente gracias al impulso de un motor, de una ligerísima corriente de aire o incluso por los efectos cambiantes que les imprime la luz. http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
  222. 222. Sus "objetos libres" o "móviles", apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire. Los más originales son los móviles aéreos, hechos de materiales ligeros y unidos por varillas de alambre, suspendidos del techo, que giran, se mueven, suben y bajan y emiten sonidos metálicos. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  223. 223. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  224. 224. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  225. 225. http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
  226. 226. POP ART
  227. 227. La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada. En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su creación en los vaciados en diversos materiales de modelos humanos propios de la era de la publicidad. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  228. 228. Robert Rauschenberg: En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte pop http://www.epdlp.com/pintor.php?id=344
  229. 229. http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html Rauschenberg introdujo lo que él llamaba “pinturas combinadas”, cuyos últimos ejemplos presentan la tridimensionalidad de la escultura, incorporando chatarra y objetos encontrados a la superficie del lienzo.
  230. 230. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf Claes OLDENBURG (1919), estadounidense de origen sueco, es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema frecuente en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.
  231. 231. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  232. 232. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  233. 233. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  234. 234. http://es.slideshare.net/Havimejia/ha27-escultura-e-instalacion?qid=aafacfb3-f53a-44f2-b804-86efaf5982bd&v=&b=&from_search=2
  235. 235. George Segal hace vaciados en yeso del natural y es lo que expone, de modo que el espectador no puede percibir los rasgos naturales http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html George Segal. Bus Riders. 1964. Hirshhorn Museum. Street Crossing (1992) Montclair State University
  236. 236. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  237. 237. Jasper Johns, discípulo de Duchamp, hizo una escultura en bronce a base de latas de cerveza, Bronce pintado (1960, colección privada), en la que planteaba el problema estético de la utilización de objetos cotidianos como forma artística. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  238. 238. HIPERREALISMO
  239. 239. http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html Las composiciones de Kienholz en técnica mixta, tales como El hospital estatal (1964-1966, Museo Moderno, Estocolmo) que representa a los pacientes postrados en camas, llaman la atención de modo gráfico sobre los aspectos más terribles de la sociedad contemporánea.
  240. 240. http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf Duane HANSON (1925- 1996) destaca por sus esculturas hiperrealistas de personajes a escala natural, hechas de resina de poliéster, con ropa y objetos reales, que producen sorpresa y cierta incomodidad en el espectador. Concebía sus esculturas para denunciar las injusticias sociales, pero también para exponer con ironía el arquetipo de la clase media norteamericana.
  241. 241. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  242. 242. http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin
  243. 243. John De Andrea trabajó especialmente las figuras humanas desnudas en resina de color carne, con cabello y vello reales, dotándolas de un potente erotismo y morbosidad http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  244. 244. Ron Mueck. Esculturas hiperrealistas, con silicona y otros materiales, a veces de dimensiones colosales.
  245. 245. OTRAS NUEVAS TENDENCIAS
  246. 246. El arte Conceptual es un vasto movimiento que tiene como denominador común la supremacía de la idea, del concepto sobre el objeto. Aquí el artista solo elabora propuestas y es el espectador el que tiene que materializar o intervenir sobre ellas, por tanto responde a una preocupación por los problemas de comunicación. La materia sobe la que trabaja el artista es la realidad misma (construye con ella, agrega, rebaja, excava...), considerándose potencialmente estético todas las intervenciones operativas que sobre la realidad se efectúen (enriquecimiento de nuestros actos cotidianos); Precisamente lo que pretende el arte conceptual es romper las barreras entre el arte y la vida (nuevo dadaísmo o Neodadaísmo). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  247. 247. Son obras que ponen énfasis no en los aspectos formales sino en los componentes mentales del arte y de su recepción: lo material queda en segundo plano al pasar al primero la teoría y la actividad reflexiva http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html?pfstyle=wp Cildo Meireles Insertions into Ideological Circuits: Coca-Cola Project 1970
  248. 248. El arte conceptual es una contestación al sistema de la sociedad de consumo, por la vía de evadir los circuitos del mercado estético, las galerías y los marchantes, que convierten a la obra de arte en una mercancía: el arte no es mercancía, sólo creatividad y ésta es necesaria para nuestra vida. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  249. 249. Joseph Kosuth presenta en 1965 su obra Una y tres sillas, donde hay una silla en la realidad, su fotografía y un texto del diccionario donde se define la palabra silla. Juntos configuran el concepto de silla, lo que es mucho más completa que la representación de la imagen de la silla. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  250. 250. http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual
  251. 251. http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual
  252. 252. La escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como: • La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos de todo tipo. • El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones provisionales. • El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para emplearla como medio de expresión. • La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de soporte de la obra escultórica. http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
  253. 253. El Arte Povera (arte pobre) nació en Italia a finales de los sesenta, y buscaba un lenguaje emotivo, íntimo, alejado del enfoque comercial del arte, siendo efímero, antiformal y trivial, dando todo el protagonismo a los materiales y a sus cualidades físicas y a su mutabilidad o transformación. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  254. 254. Sencillez de los medios y materiales utilizados, materiales orgánicos, pobres en un mundo tecnológicamente rico. (plantas e hierbas, sacos, cuerdas, trapos viejos, grasas, tierras, leña, minerales...) siendo una crítica a la sociedad consumista del momento http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
  255. 255. De este grupo destacan autores como Michelangelo Pistoletto (Venus de los trapos), Mario Merz (autor de varios iglus) o Jannis Kuonellis (quién colocó en 1969 doce caballos vivos en la galeria L´Attico de Roma). http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html M. Pistoletto. Venus de los trapos.Richard Serra. Fulcrum. Londres. Mario Merz. Iglú de piedra Untitled', Jannis Kounellis
  256. 256. En escultura, el Minimal Art se concretó en formas geométricas simples que no representaban ninguna imagen. Los escultores minimalistas encargaban sus obras a industriales y trataban de no participar en el proceso para que en la pieza no hubiera «ningún rastro de humanidad». La obra de los minimalistas podía captarse en su totalidad de una sola vez y de forma inmediata. Su propia presencia era todo lo que había que ver en los objetos. Cualquiera podría entenderlos a primera vista. Los minimalistas Robert Morris, Sol LeWitt, Donald Judd y Dan Flavin destacan por la sencillez geométrica y la repetición modular a gran escala, y Richard Serra por sus enormes instalaciones con planchas de metal. http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  257. 257. http://www.slideshare.net/RFA2009/arte-siglo-xx-pintura-y-escultura?ref=http://historiarteymas.blogspot.com.es/p/clase-extra-de-los-lunes-siglo-xx.html
  258. 258. Características: • Obras tridimensionales • Con partes idénticas y repetidas • Superficies monócromas y neutras, otras veces coloridas. • Materiales industriales (hormigón, aluminio, PVC, nuevos materiales…) • El espacio real es tan importante como el espacio representado (la obra en sí). • Las obras y el entorno interactúan generando así un todo artístico y real donde el espectador se envuelve y forma parte de él, cambiando así el concepto de obra contemplativa y rompiendo al mismo tiempo con el sentido de interpretación tradicional. http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  259. 259. Donal Judd (3/06/1928 – 12/02/1994) Su obra se caracteriza por el empleo de figuras sólidas simétricas, normalmente cubos o figuras cuadrangulares. La repetición de elementos idénticos tiene como resultado la ausencia de jerarquía visual Utilizaba las paredes o el suelo y jugaba con el espacio creado por los diferentes elementos de sus obras. Uso de nuevos materiales, como metales industriales o plexiglás http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  260. 260. Carl Andre (16/09/1935) Su estilo se caracteriza por la utilización de ladrillos cuadrados ordenados a modo de cuadrícula Utilizaba principalmente el suelo como soporte (algunas obras incluso pueden pisarse) También escribió poemas que consistían en diseños formados con palabras, que no respondían a un orden gramatical sino a un orden visual. http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  261. 261. Sol LeWitt (09/09/1928- 08/04/2007) Se caracteriza por mezclar sus pasiones artísticas creando estructuras escultóricas hechas con la fotografías o que incluían la pintura Normalmente utiliza estructuras abiertas y modulares el cubo http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  262. 262. Dan Flavin (01/04/1933) Se caracteriza por la creación de estructuras mediante tubos de neón El uso de la luz crea diferentes ambientes y propicia los cambios en la percepción visual http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html
  263. 263. Anthony Caro y Richard Serra (también participa del arte Póvera), hacen grandes obras de hierro y otros metales, en espacios públicos, pero también de manera ordenada y racionalizada, donde el material sigue siendo el protagonista. http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html Anthony Caro. Promenade
  264. 264. http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html LAND ART Durante los últimos años de la década de 1960 varios escultores se dedicaron a la creación de espacios naturales. Entre estos artistas estaban Robert Morris, Michael Heizer y Robert Smithson, quienes abandonando sus talleres se volcaron en la investigación de temas geológicos y minerales.
  265. 265. http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169
  266. 266. http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169

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