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Arte, publico y mercado

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Arte, publico y mercado

  1. 1. Facultad de la Cultura LICENCIATURA EN GESTIÓN CULTURAL Y ECONOMÍA CREATIVA Curso: ARTE I Prof. Fernando Rodríguez Compare
  2. 2. Arte, público y mercado
  3. 3. El arte contemporáneo es más un producto de consumo, de espectáculo encerrado en pleno vector político y económico, encontrándose actualmente en una encrucijada existencial: o recupera la calidad y su singularidad, como forma de expresión de una sociedad también en crisis; o continúa en el uso apelativo del lenguaje de la ley de oferta y demanda, tornándose en arte del “ahora”, de lo irreal, de la mentira, lo ornamental o de un mero producto de mercado, de entre tantos otros. Salete Da Ponte Docente del Departamento de Gestión Turística y Cultural Escuela Superior de Gestión del Instituto Politécnico de Tomar (Portugal)
  4. 4. Lata de Diet Coke diseñada por el dibujante de comics norteamericano Tom Gauld - 2010
  5. 5. El arte es memoria gráfica del tiempo, retrato de cada época, ventana a la historia, símbolo creativo que describe la sociedad que lo vió nacer. ¿Qué decir de nuestra sociedad actual?
  6. 6. Los grandes almacenes, en el siglo XIX, inventaron el “ir de compras” como nuevo entretenimiento y crearon en las clases burguesas la necesidad irresistible de consumir. Más tarde se concibió que el célebre five dollars day de Ford fuese la puerta por la que el obrero accediera a la categoría de consumidor moderno. En los años veinte, la publicidad estadounidense se dedicó a dar forma a un consumidor adaptado a las nuevas condiciones de la producción en serie. El sistema de créditos, en estos mismos años y luego en la posguerra, permitió desarrollar una nueva moral y una nueva psicología por las que ya no era necesario economizar primero y comprar después. Nadie opinó en contra: el éxito fue total, ya que la “domesticación” para el consumo moderno fue más allá de todas las previsiones.
  7. 8. Como consecuencia de la implantación del llamado Estado de bienestar, a partir de fines de la Segunda Guerra Mundial, importantes sectores sociales de los países industrializados aumentaron, considerablemente, el poder adquisitivo. Para mantener esa situación de mejoramiento salarial y de cobertura social, era necesario acrecentar la producción y, en forma paralela, el consumo para que se pudiera absorber todo lo fabricado. Así aumentarían las ganancias de los industriales que, a su vez, dispondrían de más capitales para seguir mejorando la capacidad adquisitiva de las clases medias y bajas, formando un círculo en el cual todos los elementos debían conservar el equilibrio.
  8. 9. Todo esto se hizo posible gracias a los adelantos tecnológicos. El mejoramiento salarial se dio a partir de las negociaciones entre los sindicatos y las organizaciones patronales, y asegurando las mayores ganancias a los empresarios. Para sostener este nivel de vida, era necesario aumentar el consumo, aun de productos superfluos que comenzaron a ser publicitados como imprescindibles.
  9. 10. A fin de lograr ese objetivo, fue creado en los Estados Unidos un nuevo estilo de vida, que comenzó a difundirse como el american way of life (estilo de vida americano). Para ello, se utilizaron dos elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los productos, con el fin de que tuvieran menor vida útil y por lo tanto, fuera necesario reponerlos más rápidamente. Esta nueva forma de vida se basaba en el consumo de todo tipo de artículos, como uno de los principales caminos para la realización individual de los seres humanos. Se dejaban en segundo plano muchos de los valores culturales sostenidos hasta entonces, como el crecimiento intelectual y espiritual.
  10. 11. Desde 1945 hasta los 60 Estados Unidos dominó el mercado de obras de arte. El centro del comercio del arte pasó a ser Nueva York, sin embargo en sus inicios se desarrolló básicamente en París. Después de la segunda guerra mundial, con Europa en ruinas, EE.UU. Tomó las riendas el poder cultural, entonces los coleccionistas empezaron a comprar obras del país del norte.
  11. 12. Andy Warhol fue el primer artista que se proclamó a sí mismo como una marca. A través de su trabajo plástico, fílmico y musical, convirtió en íconos pop objetos de consumo comunes como las latas de sopa Campbell y figuras de Hollywood como Marilyn Monroe.
  12. 13. El arte a partir del siglo XIX, se desarrolló junto con el capitalismo y por lo tanto su producción debía de ser en mayor cantidad , es cuando se piensa en poder producir en masa, pero con une técnica avanzada, y que estos productos en masa, además, sean estéticos y por primera vez, se piensa en que sean funcionales. Es en éste preciso momento cuando surge el diseño.
  13. 15. Gilles Lipovetsky sostiene que: “El primer gran ciclo de racionalización y modernización del consumo ha terminado: ya no queda nada que abolir, todo el mundo está ya formado, educado, adaptado al consumo ilimitado. Comienza la era del hiperconsumismo cuando caen las antiguas resistencias culturales, cuando las culturas locales no representan ya ningún freno al gusto por las novedades. La fase III es esta civilización en que el referente hedonista se impone como evidencia, en que la publicidad, las distracciones, los cambios continuos de ambiente se “introducen en las costumbres cotidianas.” Gilles Lipovetsky (París, 1944) filósofo y sociólogo francés
  14. 16. Arte : Actividad humana específica, para la que se recurre a ciertas facultades sensoriales, estéticas e intelectuales.    Consumo : Utilización de un bien para satisfacer las necesidades.  El hecho artístico, para que se concrete, necesita de dos partes: El productor artístico y el consumidor .  Indiscutiblemente vivimos en una sociedad de consumo por lo tanto el objeto artístico, cualquiera sea, (un libro, una composición musical, una obra de teatro, una escultura, una pintura, una película, un programa de televisión, etc.,) es un producto cultural para ser consumido. Según la definición que nos da el diccionario, de acuerdo a nuestras facultades sensoriales, estéticas o intelectuales, elegiremos cual consumiremos.
  15. 17. El sociólogo francés Pierre Bourdieu ha estudiado el gusto por el arte en relación con la clase socioeconómica y con el “capital educativo”. En sus investigaciones en Francia, descubrió claros vínculos entre clases y preferencias en el arte, música, cine y teatro. Por ejemplo, la gente de un origen social más bajo mostraba menos preferencia por compositores clásicos, que los sectores económicos, profesionales y educativos más altos. Esto se repitió respecto a las preferencias de la gente por el teatro de vanguardia o las películas de cine arte independientes.
  16. 18. Norman Rockwell - 1943 Jackson Pollock - 1947
  17. 19. THOMAS KINKADE -
  18. 20. LOS VARIABLES OBJETIVOS DE UN MUSEO Louvre – el primer museo público - 1793
  19. 21. El contacto cultural genera actitudes que van desde un sincero respeto hasta un grosero mercantilismo. El arte y el dinero se relacionan en diversas instituciones, especialmente en los museos. Los museos conservan, reúnen y educan al público y transmiten criterios acerca del valor y la calidad del arte, pero esto genera una serie de interrogantes: ¿Con que criterios y como? ¿Por qué se desarrollaron y que nos revelan sobre las variables teorías del arte?
  20. 22. <ul><li>Los museos se han formado a partir de diversas razones: </li></ul><ul><li>Origen en colecciones reales: Louvre, Prado de Madrid, Ermitage de San Petersburgo. </li></ul><ul><li>Como reflejo de importantes hallazgos arqueológicos: Museos de Olimpia y de Delfos en Grecia. </li></ul><ul><li>Con el fin de fortalecer la imagen emergente de nuevas naciones como paladines de la cultura: Washington, Ottawa, Johannesburgo, etc. </li></ul><ul><li>Otros dedicados a un solo artista: casa y jardines de Monet en Giverny, de Van Gogh en Amsterdam, de Warhol de Pittsburgh, de Dali en Paris. </li></ul>
  21. 23. Ermitage San Petersburgo Van Gogh Amsterdam
  22. 24. Pero los museos de arte siguen siendo vistos como instituciones elitistas. En toda Europa y EE.UU. No acuden más del 22% de la población a éstos, siendo en su mayoría de niveles económicos altos.
  23. 25. Desde 1965 aproximadamente ha tenido lugar un cambio en la financiación de los museos que ha alejado a los filántropos: en 1992, las corporaciones internacionales dieron casi setecientos millones de dólares para promover la cultura y las artes (por ejemplos las tabacaleras y las petroleras). Estos cambiantes modelos de financiación han llegado a poner en tela de juicio los objetivos y los valores de los museos de arte.

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