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Memoria sumergidos

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Memoria de Miguel Alcocer. Escuela de Arte Dionisio Ortiz de Córdoba, España. Curso 2016-17

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Memoria sumergidos

  1. 1. 1 índice 1. enunciado y objeto 02 2. motivación 03 3. contextualización histórica 04 4. el proyecto 4.1. descripción del proyecto 12 4.2. croquis y bocetos 12 5. el proceso 5.1. materiales 18 5.2. proceso de ejecución 19 6. conclusión 28 7. bibliografía 28 8. anexo_documentación gráfica original 29
  2. 2. 2 1. enunciado y objeto En la presente memoria se desarrollarán los diversos aspectos relativos a la realización de una obra escultórica en bulto redondo. Se analizarán los antecedentes, la motivación y origen, la contextualización de la obra, así como el proceso de ejecución y finalmente, una evaluación de resultados. El objeto de la obra se encuadra dentro de los trabajos incluidos en la programación del módulo de Volumen del primer curso de Técnicas Escultóricas de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz de Córdoba. Cristina Román Escutia, es la docente que imparte y dirige este módulo en el actual curso 2016/17. La escultura ejecutada en arcilla roja, responde al enunciado que pide la realización de un torso realista de género fantástico. Torso, entendido como tronco del cuerpo humano sin extremidades, esto es, sin brazos, piernas y sin cabeza. Está compuesto por el tórax y la columna vertebral y contiene la gran parte de los órganos más importantes del cuerpo humano. Para nuestro proyecto, al torso se le une la cabeza como licencia artística, entendiendo a la escultura como un fragmento sesgado por un plano horizontal, que es la base de apoyo, de la totalidad de la figura. A la temática enunciada, se une las dimensiones máximas propuestas. Estas quedan limitadas a una dimensión máxima lineal de sesenta centímetros. La obra propuesta, se engloba en una forma cúbica de dimensiones no mayores a las establecidas. De esta forma, se obtiene un prisma cúbico de dimensiones en planta 60x60 cm y de una altura de 50 cm. La postura adoptada está a medio camino entre la figura erguida y la yacente. Se encuentra en una posición de ascenso vertical sumergida. Esta disposición, unida a su forma de paralelepípedo, hace que no presente una visión predominante. Esto es, se persigue la multiplicidad de puntos de vista, sin que haya vistas principales frente a otras subordinadas. Invitando, por tanto, al espectador a rodearla.
  3. 3. 3 2. motivación Sumergidos forma parte de una serie de obras propuestas que arranca con la presente y que persigue mostrar una doble faceta de las personas que, inmersos en un mar resultan ahogados. La primera visión viene motivada directamente, por la dramática situación que, ante los ojos de Europa, se vive en el Mediterráneo en los últimos años. Se trata de la continua sangría a la que se enfrentan personas que abandonando sus lugares de origen se arrojan a una travesía en la que, en numerosas ocasiones, se alcanza la tragedia. Procedentes de diversos países del África subsahariana, y con distintas motivaciones para realizar su particular éxodo, los inmigrantes anhelan alcanzar el continente europeo. En los últimos años este fenómeno ha aumentado en número, en parte por situaciones de guerra como en Siria, la negativa de países vecinos a seguir acogiendo a más refugiados o por la expansión del Estado Islámico. Y desgraciadamente también ha aumentado proporcionalmente el número de vidas que se ahogan en el Mediterráneo. Por un lado, debido a políticas continentales restrictivas y de cierre y por otro por el incremento de mafias y por las malas condiciones en las que realizan el traslado de estas personas. Según el Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (Acnur) y la Organización Internacional para las Migraciones (OIM), una media de catorce personas
  4. 4. 4 mueren al día, y parece que va en aumento. Sólo en el pasado año 2016, más de cinco mil vidas quedaron sumergidas para siempre en este mar nuestro. Es en este contexto en el que surge la intención de estas obras, como testigo de lo que sucede en la orilla de nuestra casa. Una segunda visión, metafórica, nos adentra en los mares particulares del individuo. Sumergidos es también una reflexión sobre el abandono que el hombre puede sentir en el propio viaje personal de su existencia. La figura inerte, se encuentra boca abajo, semierguida, presentando un movimiento ascendente, hacia la superficie. Hacia la redención o aceptación de la realidad que le ha tocado. Con la esperanza de que, al otro lado, el mar que le espera sea el lugar deseado, los anhelos alcanzados. 3. contextualización histórica Las referencias históricas en las que se apoya esta obra recorrer desde el mundo antiguo hasta nuestros días. En especial dos grandes etapas de la historia de la escultura. En primer lugar, la mirada hacia la Grecia clásica y en especial la helenística y, por otro lado, las vanguardias de finales del XIX y principios del XX. Con el período clásico de la escultura griega que abarca la segunda mitad del siglo V y el siglo IV a.C., se persigue la idealización de la figura, dotándola de más movimiento. Llevando a cabo, además, la fijación de cánones y alcanzando la máxima perfección técnica y estética. De la primera época detenemos la mirada en el escultor griego más famoso, Fidias y de la segunda a Scopas. Fidias recoge y profundiza el movimiento de las figuras y pone en valor al vacío, en el espacio hueco entre volúmenes.
  5. 5. 5 Scopas, precursor del helenismo lleva a cabo figuras con una enorme capacidad de expresión. Y aunque esta no es la componente directa que se traslada a la obra, en este caso inerte, si hay cierto patetismo inherente perseguido. Asimismo, nos interesa, a partir de la torsión de la figura de la Ménades, la aparición de la multiplicidad de los puntos de vista, dotando a la figura de mayor dimensionalidad.
  6. 6. 6 Con el período helenístico, Grecia echa la mirada hacia oriente, aumentando la capacidad expresiva en la escultura. Se persigue mayor realismo, exagerando el movimiento, con mayor drama y tensión. En la Escuela de Atenas se realizan figuras que adquieren posturas corporales no vistas hasta este momento. Es el caso de la Afrodita agachada, concebida para estar rodeada y reflejarse en agua. Esta nueva y tan sugerente forma de posicionar a la escultura se refleja en nuestro proyecto. Nuevas posiciones y movimientos que también queda reflejado en el Torso de Belvedere. Obra que además introduce la puesta en valor del fragmento. El entendimiento de movimiento en la figura, así como la idea de que la obra puede ser concebida terminada a partir de una porción de la figura total, nos acompaña en la realización de nuestro propio proyecto.
  7. 7. 7 Esto enfoque contemporáneo de La Escuela de Atenas, influye directamente en la producción de artistas como Miguel Ángel en el Renacimiento, en obras como el Moisés o La Creación para la capilla Sixtina. Pero también deja su impronta en artistas contemporáneos como Rodin a finales del XIX. Y de la mano del renacimiento, nos detenemos en Donatello. Y de su producción, señalamos la María Magdalena, obra realizada al final de su trayectoria y en un momento de crisis personal, donde se cuestiona sobre todo la religión, pero también la riqueza, el humanismo y la propia estética. No hay un rechazo del ideal clásico de belleza, sino más bien una evolución hacia una escultura más expresiva y naturalista.
  8. 8. 8 Es aquí donde desarrolla un extraordinario trabajo de libertad creativa tanto en el enfoque temático como en la materialización física de la misma. La figura se presenta estilizada, con ropa ajada y con el rostro y cuerpo demacrados por el ayuno y abstinencia de la penitente. Lleva a cabo un recurso en la captación del drama y el abandono del personaje. Así como un tratamiento expresivo del material, donde se confunden piel, cabello y tejidos, y que la sitúa en una contemporaneidad incontestable. Nos interesa el desdibujado de las formas, así como el recurso que posteriormente incorporará Miguel Ángel del “non finito”. Aquí se plantea una cuestión inicial sumamente interesante que es la definición del momento en que la obra se acaba. Pero, además, ese intencionado inacabado ofrece una enorme capacidad expresiva en la texturación y la puesta en valor de lo inacabado. Miguel Ángel inicia el proceso de trabajo desbastando con el puntero, luego utiliza cinceles. En concreto el cincel dentado, de diferentes cortes y dientes, y a medida que avanzaba, el rayado se hacías más menudo, se acercaba a la emoción de la piel. Los abrasivos suavizarían luego la superficie, borrando esa huella. Pero el artista, percibió que con la huella
  9. 9. 9 del cincel dentado la obra latía, y por ello, en ciertas esculturas, detuvo el proceso; continuó alisando ciertas partes, pero dejó en otras la evidencia del desbastado y el cincelado. Hoy nos acercamos a esos fragmentos con veneración. Y a finales del siglo XIX, Auguste Rodin, lleva a cabo una de las esculturas más conocidas en la historia del arte, El pensador. Esta obra impresionista, de referencias clásicas, presenta a un hombre en actitud reflexiva, que simboliza la expresión del pensamiento torturado en abandonarse del trágico destino de la humanidad. Involucra todo su cuerpo en la acción de pensar. Junto con el propio significado de la obra, nos interesa sobremanera la capacidad dialéctica que la postura del cuerpo establece. Así como la factura poco pulida de la estatua, que provoca, en su superficie, juego de luces y sombras. Esa rugosidad de la fundición en bronce, hace que la escultura gane más intensidad y fuerza. Asimismo, señalamos también, la referencia a la multiplicidad de puntos de vista que incorpora El Pensador.
  10. 10. 10 En relación directa con Rodin, la obra de la torturada escultora Camile Claudel, se sumerge también en un universo expresivo, donde el movimiento del cuerpo, torsiones y fragmentaciones de las piezas son elocuentes. Y nos detenemos, en otra escultora contemporánea, Käthe Kollwitz.
  11. 11. 11 Pintora, escultora, escritora y pacifista, fue una de las figuras más importantes del realismo crítico de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX. Nos sugiere directamente la posición que adaptan sus obras, figuras encorvadas, alejadas de la linealidad. Empleo también de figuras inertes en su temática. Por último, y en relación a la temática desarrollada, destacamos la obra de dos autores actuales. Ambos presentan una escultura hiperrealista y retratan a personas ahogadas. Una refleja el propio ahogamiento individual del autor, y la otra la denuncia de una vergonzante realidad. En el primer caso, Jeremy Millar, lleva a cabo una instalación donde el centro es su propio cuerpo inerte que el mar ha devuelto. Con detalle, se reproduce a sí mismo, con la huella de la erosión y el desgaste en su ropa y en su propia piel.
  12. 12. 12 El artista finlandés Pekka Jylhä, representa al niño sirio ahogado en una playa del suroeste de Turquía, Aylan Kurdi en 2015. 4. el proyecto 4.1. descripción del proyecto El proyecto escultórico planteado, se enmarca dentro de una serie “Sumergidos”, y que como se ha expuesto anteriormente, retrata personajes ahogados en el mar. Esta obra se titula Mediterráneo I y forma parte inicial de un conjunto que trata esta temática. Se presentan a continuación croquis y dibujos, donde se refleja esa idea de conjunto como idea inicial, y la posterior materialización en una figura concreta, objeto del presente trabajo. Mediterráneo I es la representación en forma de autorretrato, de una figura inerte que presenta una posición vertical, semierguida, de ascenso. El cuerpo se secciona por un plano horizontal. De esta forma, tanto el tronco como los brazos se encuentran cortados y sirven de apoyo a la escultura. Presenta una dimensión en planta de 60X60 cm y una altura de 50 cm. 4.2. Croquis y bocetos
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  18. 18. 18 5. proceso 5.1. materiales El material empleado es arcilla roja para cocer a baja temperatura. Comercialmente se presenta envasado en paquetes de 12,5Kg. A continuación, la ficha técnica: Junto el material base, se ha empleado diversos tipos de palillos en madera, vaciadores, tableros conglomerados y elementos metálicos para la estructura base.
  19. 19. 19 5.2. proceso de ejecución En primer lugar, se parte del análisis las ideas iniciales que se plasman gráficamente mediante los bocetos y dibujos preliminares. Posteriormente se realiza el levantamiento de los bocetos definitivos con el objetivo de realizar a escala una maqueta previa de trabajo en arcilla. La escala de la maqueta es la 1:3. La maqueta sirve para la realización de los volúmenes generales de la obra, como comprobación y como corrección tanto de aspectos que el dibujo no abarcaba, como de mejoras de cara a la ejecución final. Tras la realización de la maqueta, se trasladan a la información gráfica las correspondientes modificaciones y se realizan los dibujos definitivos a escala natural.
  20. 20. 20 En los dibujos se marcan líneas y ejes principales que posteriormente se trasladaran al modelo en barro. A continuación, se plantea la construcción de una estructura interna que sirva de soporte al modelo a escala 1:1. Se realiza en mediante barras de acero corrugado de 16mm y pletinas también de acero para la base, todo unido mediante soldadura. A la estructura, y para aumentar la superficie de agarre, se le enrolla alambre realizando lazos. Dicha estructura se ancla a una base de aglomerado mediante clavos en dos direcciones. La estructura, situada en el interior de la figura, y que se muestra en la figura adjunta, se representará asimismo en los planos a escala natural, para que sirva de referencia para la comprobación del traslado de medidas. A continuación, se procede a recubrir el acero con pellas de arcilla, bien presionadas mediante paletas de madera.
  21. 21. 2 1. enunciado y objeto En la presente memoria se desarrollarán los diversos aspectos relativos a la realización de una obra escultórica en bulto redondo. Se analizarán los antecedentes, la motivación y origen, la contextualización de la obra, así como el proceso de ejecución y finalmente, una evaluación de resultados. El objeto de la obra se encuadra dentro de los trabajos incluidos en la programación del módulo de Volumen del primer curso de Técnicas Escultóricas de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz de Córdoba. Cristina Román Escutia, es la docente que imparte y dirige este módulo en el actual curso 2016/17. La escultura ejecutada en arcilla roja, responde al enunciado que pide la realización de un torso realista de género fantástico. Torso, entendido como tronco del cuerpo humano sin extremidades, esto es, sin brazos, piernas y sin cabeza. Está compuesto por el tórax y la columna vertebral y contiene la gran parte de los órganos más importantes del cuerpo humano. Para nuestro proyecto, al torso se le une la cabeza como licencia artística, entendiendo a la escultura como un fragmento sesgado por un plano horizontal, que es la base de apoyo, de la totalidad de la figura. A la temática enunciada, se une las dimensiones máximas propuestas. Estas quedan limitadas a una dimensión máxima lineal de sesenta centímetros. La obra propuesta, se engloba en una forma cúbica de dimensiones no mayores a las establecidas. De esta forma, se obtiene un prisma cúbico de dimensiones en planta 60x60 cm y de una altura de 50 cm. La postura adoptada está a medio camino entre la figura erguida y la yacente. Se encuentra en una posición de ascenso vertical sumergida. Esta disposición, unida a su forma de paralelepípedo, hace que no presente una visión predominante. Esto es, se persigue la multiplicidad de puntos de vista, sin que haya vistas principales frente a otras subordinadas. Invitando, por tanto, al espectador a rodearla.
  22. 22. 22 consistencia. Todo el peso de la figura se situaba en la parte inferior delantera, alejada de la barra de acero, que se encontraba casi superficialmente con respecto a la espalda. Para su reparación se procedió a descubrir la barra de acero, implementarla con alambre en forma de lazada y coser todo el barro separado. En la segunda ocasión, en la cuarta sesión, se produjeron grietas en cabeza, cuello y brazos, tal como se aprecia en las imágenes. Se produjeron como consecuencia de la combinación de un exceso de humedad y elevado peso de los paños mojados que se utilizaron para conservar la pieza. Esta vez la reparación fue más rápida y sencilla, consistiendo en el cosido de las piezas mediante palillos de madera que mezclan material a uno y otro lado de la grieta y con incorporación de más material en la misma. El trabajo se continuó durante varias sesiones en las que se iba ajustando el volumen y se utilizaron fotografías del natural y material gráfico de anatomía para la comprobación de formas. Finalmente, se dio por finalizada la escultura. Alcanzada la forma, la textura final de la superficie quedó marcada por la huella y marcas de los palillos utilizados para la realización de la misma. En determinadas zonas, como en la parte delantera del tronco o en especial el rostro, se optó por un desdibujado intencionado del volumen. Antes de proceder al vaciado, la imagen que presentaba la obra es la siguiente:
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  24. 24. 24 Antes de realizar el vaciado, se analizaron previamente los cortes a realizar mediante hilo de acero. Para la retirada del material interior sobrante se utilizaron los correspondientes vaciadores o ahuecadores. A continuación, se presentan las imágenes de la obra una vez vaciada y cosida. Para coser las distintas piezas se realizaron hendiduras de pequeña profundidad en distintas direcciones con palillos de madera, en las distintas piezas a unir y se empleó la barbotina como material de unión.
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  27. 27. 27 Las imágenes finales de la obra terminada una vez cocida se presentan en el anexo gráfico.
  28. 28. 28 6. conclusión En primer lugar, señalamos que los problemas técnicos ocurridos durante el proceso de ejecución y que se señalan en el punto anterior, así como las alternativas y soluciones, fueron afortunadamente resueltos en el aula con la ayuda de la profesora. Como trabajo académico ha sido completamente satisfactorio, ya que se han podido poner en práctica los conocimientos adquiridos durante todo el curso. Asimismo, se trata de un ejercicio completo a nivel de proyecto, ya que, partiendo de un trabajo de investigación, apoyado en el aula con imágenes y obras, se ha procedido a la realización gráfica del mismo mediante los correspondientes croquis, la maqueta a escala y finalmente la obra a escala natural. Y mayor satisfacción a nivel personal. El proceso de trabajo ha sido fluido y enormemente gratificante. Este trabajo, como finalización de todo lo visto en el módulo de Volumen, da sentido a mi interés personal en el estudio de este ciclo. Muchas gracias Cristina. 7. bibliografía NAVARRO LIZANDRA, J.L. (2011). Maquetas, modelos y moldes. Materiales y técnicas para dar forma a las ideas. Castelló de la Plana : Publicaciones de la Universitat Jaume I. FLYNN, T. (2002). El cuerpo en la escultura. Madrid : Akal. CIVARDI, G. (2009). Modelado de la cabeza humana y de la figura. Madrid : El Drac. RAFOLS, J.F. (2000). Historia del arte. Barcelona : Óptima. JARRASSÉ, D. (1993). Rodin, la passion du mouvement. París : Pierre Terrail. MARTÍN GONZÁLEZ, J.J. (1995). Las claves de la escultura. Barcelona : Planeta. ÁLVAREZ COLLADO, I. (2017). Apuntes de historia de la escultura. Córdoba. PEÑALVER GARCÍA, R. (2017). Tuitearte. Blog de historia del arte. https://tuitearte.es/2013/10/10 [Consulta: 29 de mayo 2017]
  29. 29. 29 8. anexo_documentación gráfica original

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