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EBAU APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. IMPRESIONISMO

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BAU APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. IMPRESIONISMO

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EBAU APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. IMPRESIONISMO

  1. 1.                                               EBAU  TEMA  2.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II.   EL  IMPRESIONISMO:  CARACTERÍSTICAS   GENERALES,  CRONOLOGÍA,  AUTORES  Y  OBRAS  
  2. 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   2 TEMA  2.  EL  IMPRESIONISMO:  CARACTERÍSTICAS  GENERALES,  CRONOLOGÍA,  AUTORES  Y  OBRAS     1.  Características  Generales  y  Cronología     Denominamos  Impresionismo  al  movimiento  pictórico  que  surge  en  París  en  el  último  cuarto  del  siglo  XIX.  Se   aplica  no  sólo  a  la  pintura  sino  también  a  la  música  y  a  la  literatura.  Podemos  definirlo  como  un  estilo  que  tiende   a  captar  más  la  impresión  sobre  el  ánimo  que  la  copia  de  la  realidad.  Es  más  sensual  e  inmediato  que  intelectual.   Cronológicamente,  el  Impresionismo  se  fragua  hacia  la  década  de  1860  hasta  1880,  e  incluso  durante  los  años  90   del  siglo  XIX.  La  primera  exposición  del  grupo  impresionista  fue  en  el  año  1874  en  el  taller  del  fotógrafo  Nadar.                         Habitualmente  exponían  al  margen  del  Salón  oficial  parisino,  a  la  sazón,  controlado  por  la  Academia  de  Bellas   Artes  francesa.     Su  marco  geográfico  es  Francia,  concretamente  París  y  sus  alrededores,  aunque  también  podemos  hablar  de  un   impresionismo  americano,  italiano  –los  Macchiaioli-­‐,  etc.     El   contexto   histórico   de   este   estilo   es   la   Francia   de   Napoleón   III-­‐   el   Segundo   Imperio   Francés-­‐   con   hechos   relevantes   como   la   guerra   franco-­‐prusiana   de   1870,   el   fracaso   en   la   Comuna   de   París   (1871)   y   la   posterior   proclamación  de  la  III  República.  Se  producen  avances  científicos,  el  auge  del  capitalismo,  la  industrialización  y  el   proletariado  mientras  se  consolida  definitivamente  la  burguesía  como  clase  rectora  de  la  sociedad.        
  3. 3. 3   El   Impresionismo   nace   como   una   evolución   del   Realismo   y   de   la   Escuela   paisajística   francesa   del   siglo   XIX.   Recordemos  que  la  base  del  Impresionismo  fue  el  Realismo,  una  corriente  cultural  que  surge  como  disyuntiva  al   Romanticismo  ya  desde  mediados  del  siglo  XIX.  De  hecho,  el  término  “realismo”  surgirá  en  1857  en  Francia  y   aglutinará  a  pintores  como  Courbet  o  Millet  y  a  escritores  de  la  talla  de  Flaubert,  Zola  o  Balzac.   El  término  “Impresionismo”  procede  de  un  cuadro  de  Monet  titulado“Impresión,  sol  naciente”.  En  los  primeros   momentos  se  utilizaba  el  vocablo  impresionismo  con  carácter  despectivo.  Se  asociaba  con  la  idea  de  lo  temporal,   lo  efímero,  lo  llamado  a  desaparecer  (sol,  luna,  agua…).     Podemos  considerarla  una  tendencia  pictórica  más  aristotélica  que  neoplatónica  ya  que  hasta  cierto  punto  busca   más  la  imitación  de  la  realidad  que  la  creación.   El  Impresionismo  no  fue  una  escuela,  ni  un  grupo  que  se  uniera  en  torno  a  un  manifiesto  o  programa  concreto.   Ningún  interés  de  tipo  ideológico  o  político  unía  a  los  impresionistas.  Cada  uno  creó  su  propio  estilo.  No  tenían   un  programa  concreto  aunque  coincidían  en:   *Su  aversión  por  el  arte  académico.     *Desinterés  total  por  el  “tema”  entendido  en  un  sentido  tradicional  (mitología,  historia…).  Se  interesan  por  los   motivos  de  la  vida  burguesa  (la  ciudad,  la  noche,  los  cafés,  los  teatros,  las  reuniones  domingueras  las  regatas,  los   paisajes).  Cualquier  objeto  afectado  por  la  luz  y  el  color,  puede  convertirse  en  tema  artístico.   *Preferencia  por  el  paisaje  pintado  al  aire  libre:  plein  air1 .     *Preocupación  por  captar  el  instante,  fijando  lo  móvil  sin  perder  la  movilidad.   *La  luz  es  la  protagonista:  los  objetos  sólo  se  ven  en  la  medida  en  que  la  luz  incide  sobre  ellos.  La  luz  y  sus   efectos   cambiantes   son   los   verdaderos   temas   del   cuadro.   Un   mismo   tema   es   pintado   repetidas   veces   a   diferentes  horas  del  día.  Las  formas  y  los  objetos  cambian  en  función  de  la    intensidad  de  la  luz.  El  cuadro  es   simplemente  un  efecto  de  luz.   *Coloración  de  las  sombras:  desaparecen  los  contrastes  de  claroscuro,  y  el  dibujo  se  extingue  o  se  reduce.  No   utilizan  prácticamente  ni  el  blanco  ni  el  negro  porque  no  existen  en  la  naturaleza.  Emplean  tonos  puros,  usan   solo  colores  complementarios  para  indicar  sombras.     *Pincelada  suelta:  prefieren  la  mancha  pastosa  y  gruesa.  Utilizan  toques  yuxtapuestos  de  colores  para  producir   un  efecto  a  cierta  distancia.  Generalmente  no  hay  un  dibujo  que  proceda  al  cuadro.  Aspecto  inacabado,  aparente   improvisación,  pintura  de  mancha.   *La  influencia  de  la  fotografía.  A  mediados  del  siglo  XIX  se  inventó  la  “fotografía  instantánea”  que  tuvo  un  gran   impacto   en   los   impresionistas.   Influye   en   la   nueva   valoración   del   espacio   y   la   composición   con   ángulos   y   encuadres   más   atrevidos   con   grandes   diagonales,   que   nos   remiten,   también,   a   la   influencia   de   las   estampas   japonesas.    Las  figuras,  a  veces,  no  ocupan  “el  centro”  del  cuadro  y  están  cortadas  por  los  bordes  del  cuadro.   Otorga  una  especie  de  dinamismo  o  flou  a  los  personajes.  Degas  y  Monet  fueron  grandes  fotógrafos,  Monet   incluso  tuvo  un  taller  de  fotografía  en  Giverny.                     En  un  principio,  los  impresionistas  contaron  con  la  oposición  del  público.  Pero  pronto  tuvieron  el  apoyo  de  dos   fuerzas   sociales   emergentes:   la   crítica   de   arte2 ,   que   se   encargará   de   encauzar   el   gusto   del   público;   y   los   marchantes,  los  vendedores  de  arte.  Propiciaron  el  desarrollo  del  marcado  del  arte  y  el  coleccionismo  privado  ya   que  exponían  con  galeristas  como  Vollard  o  Durand  Ruel.   1 Como  señaló  Renoir,  si  no  hubiera  habido  pintura  en  tubo  no  habría  habido  impresionismo,  porque  ello  propició  poder  pintar  al  aire  libre.   2  Las  tertulias,  los  Salones  extra-­‐oficiales  y  el  propio  escándalo  se  convirtieron  en  vehículos  propagandísticos  del  nuevo  estilo.    
  4. 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   4 En  sus  inicios,  la  crítica  de  arte  les  acusaba  de  atacar  las  buenas  costumbres  artísticas,  que  no  respetaban  a  los   maestros,  que  sus  pinturas  no  tenían  “tema”,  que  les  faltaba  dibujo  y  que  dejaban  las  obras  sin  terminar.  Además,   provocaban  grandes  carcajadas  en  el  público  que  asistía  atónito  a  ver  los  cuadros.     El  Impresionismo  cuenta  con  varias  influencias  en  su  configuración:   *los  paisajistas  del  Realismo  francés  del  siglo  XIX  (Escuela  de  Barbizon).   *el  romántico  inglés  Turner.   *las   referencias,   especialmente   de   color   y   composición,   del   Siglo   de   Oro   español   (Velázquez   sobre   todo).   También  Goya  con  la  lechera  de  Burdeos.   *las  estampas  japonesas3 ,  muy  de  moda  en  la  época.     La   pintura   impresionista   es   amable,   hedonista,   alegre,   frecuentemente   de   paisaje,   llena   de   luz   y   color,   con   pinceladas   muy   cortas   que   a   veces   dejan   entrever   el   blanco   del   lienzo.   No   son   cuadros   grandes   puesto   que   responden  a  encargos  privados.  Están  alejados  de  cualquier  compromiso  social  (casi  todos  los  impresionistas  se   fueron  de  vacaciones  al  campo  o  a  Inglaterra  durante  la  represión  de  los  movimientos  obreros  de  la  década  de   1880)  y  no  tardaron  en  ser  refrendados  por  una  amplia  aceptación  social,  de  esta  burguesía  que  se  veía  retratada   en  los  lienzos  impresionistas.   El  Impresionismo  ha  sido  uno  de  los  movimientos  pictóricos  más  valorados  en    toda  la  historia  del  arte.  Algunas   pinturas   impresionistas   han   alcanzado   precios   estratosféricos   en   las   subastas   internacionales   de   arte   y   las   exposiciones  de  sus  obras  suelen  atraer  a  miles  de  espectadores.  Ha  sido  clave  en  el  desarrollo  del  arte  posterior,     especialmente   del   Neoimpresionismo   o   Puntillismo   de   Seurat   y   Signac   y   del   Postimpresionismo   -­‐Toulouse-­‐ Lautrec,  Cézanne,  Van  Gogh,  Gauguin-­‐  y  las  vanguardias  (Nabis,  Fauvismo,  etc.).   Aparte  de  en  colecciones  privadas,  la  pintura  impresionista  se  conserva  en  grandes  museos  de  todo  el  mundo   como   los   Museos   d´Orsay   y   Marmottan   de   París,   el   Musée   des   Impressionnismes   en   Giverny   (Francia),   el   Courtault   Institut   de   Londres,   el   Metropolitan   de   Nueva   York,   la   Phillips   Collection   de   Washington,   el   Museo   Pushkin  de  Moscú  y  el  Hermitage  de  San  Petersburgo,  el  Thyssen  de  Madrid,  etc.     2.  Autores  y  Obras     Los  impresionistas  se  agruparon  en  torno  a  la  figura  de  Édouard  MANET  (1832-­‐1883),  un  artista  eslabón  entre  el   Realismo   y   el   Impresionismo.   Fue   un   excelente   pintor   incomprendido,   aunque   al   final   de   su   vida   el   gobierno   francés   le   concedió   la   condecoración   “Legión   de   Honor”.   No   fue   plenamente   impresionista,   aunque   éstos   le   consideraban  el  cabecilla  del  grupo.  Le  apasionaba  la  temática  española,  y  de  hecho  adoraba  a  Velázquez    “el   pintor  de  los  pintores”  para  él,  y  Goya.  Ambos  le  influyeron  muchísimo.  Un  crítico  de  arte  en  Francia  le  llegó  a   denominar   “el   parisino   español”.4  Manet   rechazaba   la   pintura   pompier   o   academicista   vigente   en   Francia   durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX.  5   Los  principales  representantes  del  Impresionismo  fueron  Claude  Monet,  Pierre-­‐Auguste  Renoir6 ,  Edgar  Degas   (que  nunca  quiso  que  le  llamaran  impresionista),  Camille  Pisarro  (de  origen  español),  Alfred  Sisley  (de  origen   inglés),  Bazille,  Berthe  Morisot,  Mary  Cassatt,  etc.  Degas  fue  el  pintor  de  las  bailarinas  y  caballos  –entre  otros   temas-­‐  con  profundas  diagonales  y  perspectivas  de  influencia  japonesa  y  de  fotográfica.     Édouard  MANET  en  1863  expuso  el  célebre  Almuerzo  en  la  hierba  o  almuerzo  campestre  que  causó  desolación  y   escándalo.  Fue  tachada  de  pornográfica.  El  público  se  preguntaba  ¿dónde  está  el  tema?  No  era  mitológico,  ni   literario.  Si  todas  las  figuras  hubieran  ido  desnudas  no  habría  existido  ningún  problema.  En  la  disposición  de  las   figuras  se  inspiró  en  un  grabado  basado  en  Rafael.   3  Desde   el   punto   de   vista   plástico,   en   estas   estampas   se   utilizaban   principalmente   grandes   masas   planas   de   color,   con   una   casi  completa   ausencia   de   sombras,  una  despreocupación  por  la  perspectiva,  encuadres  asimétricos  de  las  escenas  y  una  gran  capacidad  de  síntesis  por  parte  de  los  artistas  para   plasmar  los  temas.   4  Baudelaire  lo  quería  muchísimo,  decía  de  él:  me  parece  difícil  no  amar  su  carácter  tanto  como  su  talento.   5  Este  arte  normativo  de  raíz  neoclásica  pretendía  basarse  en  el  ideal  de  la  cultura  grecorromana.  El  pintor  Jacques-­‐Louis  David  fue  el  modelo  a  seguir.  Los   pintores  pompier  dibujaban  maravillosamente  pues  dominaban  la  técnica  que  aprendían  en  las  escuelas  de  arte  donde  imperaba  el  ideal  académico.   6  Su  hijo  Jean  Renoir  fue  uno  de  los  más  importantes  cineastas  franceses.  
  5. 5. 5                                       En  este  cuadro  hay  muchos  elementos  nuevos:  la  luz,  el  paisaje  difuminado,  el  contraste  entre  las  carnes  blancas   de    los    desnudos  femeninos  y  las  levitas  oscuras  de  los  caballeros,  y,  en  primer  término,  la  naturaleza  muerta,   que   tiene   protagonismo   por   sí   misma.   Por   otra   parte,   este   lienzo   se   convirtió   en   la   Biblia   estética   de   los   impresionistas   por   su   novedoso   tratamiento   formal.   La   luz   se   difunde   por   el   aire   en   todo   el   cuadro   yuxtaponiendo  zonas  claras  y  oscuras  por  todo  el  lienzo.                                                     Probablemente   el   más   importante   y   representativo   pintor   del   Impresionismo   es   Claude   MONET   (1840-­‐1926).   Nació  en  1840  en  el  seno  de  una  familia  de  comerciantes.  Viajó  a  Londres  y  a  Holanda.  Llegó  a  pintar  cerca  de  tres   mil  cuadros,  la  mayoría  paisajes,  marinas  y  escenas  fluviales.  Es  el  gran  pintor  de  flores  y  del  agua.  Su  máxima   preocupación  es  la  captación  de  la  luz  a  distintas  horas  del  día  como  se  observa  en  la  serie  de  pinturas  sobre  la   catedral  de  Rouan.                                                 En  muchas  de  sus  obras  camina  ya  hacia  la  abstracción.  Los  problemas  económicos  serán  una  constante  durante   buena  parte  de  la  vida  de  Monet.  Afortunadamente,  paulatinamente,  la  fama  de  Monet  va  subiendo  al  igual  que  
  6. 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   6 su  cotización,  y  fue  tomando  parte  en  mayor  número  de  muestras  -­‐  exposiciones  Internacionales,  individuales,   colectivas-­‐.   Sus  pinceladas  eran  muy  sueltas  y  cortas.  Murió  casi  ciego.  Entre  sus  obras  destacamos  Impresión,  sol  naciente;   los  nenúfares;  la  estación  de  San  Lazare;  la  catedral  de  Rouan,  etc.     Impresión,    sol    naciente    es  una  imagen    tomada  directamente  del  natural  por  Monet  en  Le  Havre,  representando   las   neblinas   del   puerto   al   amanecer   mientras   que   el   sol   lucha   por   despuntar,   creando   magníficos   reflejos   anaranjados  en  el  mar  y  en  el  cielo.  Intenta  captar  como  la  luz  incide  sobre  el  mar.  La  sensación  atmosférica   domina    una  escena  en  donde  las  formas  desaparecen  casi  por  completo.  Los  colores  han  sido  aplicados  con   pinceladas  rápidas  y  empastadas,  apreciándose  la  dirección  del  pincel  a  simple  vista,  resultando  una  imagen  de   enorme  atractivo  tanto  por  su  significado  como  por  su  estética.     Pierre-­‐Auguste  RENOIR  (1841-­‐1920)  fue  el  más  popular  de  los  impresionistas  y  también  de  los  más  falsificados.   Quiere  transmitir  la  alegría  del  ambiente  parisino:  escenas  de  la  vida  urbana,  bañistas,  bailes,  etc.     Es  menos  paisajista  y  más  retratista.  Es  el  pintor  de  la  mujer.  Y  nadie  como  él  ha  pintado  a  los  niños.  En  él  tenía  un   fuerte   peso   de   la   tradición   (técnica   que   en   algún   momento   recuerda   a   la   de   Tiziano   y   sus   mujeres   gruesas   a   Rubens).  Es  un  pintor  un  tanto  “almibarado”  que  utilizaba  colores  primarios  para  captar  las  vibraciones  de  la  luz   que  se  tamiza  a  través  de  las  hojas.  Todo  ello  se  puede  admirar  en  su  obra  Le  Moulin  de  la  Galette  donde  sigue  los   principios  del  movimiento  impresionista:  pintura  al  aire  libre,  pincelada  suelta,  colores  puros,  sombras  coloreadas,   disolución  del  dibujo,  captación  de  la  luz  sobre  los  objetos.                                                                                                                                                       Le  Moulin  de  la  Galette  era  un  verdadero  molino  abandonado  situado  en  la  cima  de  Montmartre,  el  paraíso  de  la   bohemia  parisina  habitado  por  artistas,  literatos,  prostitutas  y  obreros.  Los  domingos  y  festivos  eran  días  de  baile   en  Le  Moulin,  llenándose  con  la  población  que  habitaba  el  barrio.  Allí  bailaban  y  merendaban  vino  y  galletas.  En   su  deseo  de  representar  la  vida  moderna  -­‐  elemento  imprescindible  para  los  impresionistas  -­‐  Renoir  inmortaliza   este  lugar  en  uno  de  los  lienzos  míticos  del  Impresionismo.  Su  principal  interés  es  representar  a  las  diferentes   figuras  en  un  espacio  ensombrecido  con  toques  de  luz,  recurriendo  a  las  tonalidades  malvas  para  las  sombras.  El   efecto   de   multitud   ha   sido   perfectamente   logrado,   recurriendo   Renoir   a   dos   perspectivas   para   la   escena:   el   grupo  del  primer  plano  ha  sido  captado  desde  arriba  mientras  que  las  figuras  que  bailan  al  fondo  se  ven  en  una   perspectiva  frontal.  La  composición  se  organiza  a  través  de  una  diagonal  y  en  diferentes  planos  paralelos  que  se   alejan,  elementos  clásicos  que  no  olvida  el  pintor.  Las  figuras  están  ordenadas  en  dos  círculos:  el  más  compacto   alrededor  de  la  mesa  y  otro  más  abierto  en  torno  a  la  pareja  de  bailarines.  La  sensación  de  ambiente  se  logra  al   difuminar  las  figuras,  creando  un  efecto  de  aire  alrededor  de  los  personajes.  La  alegría  que  inunda  la  composición   hace  de  esta  obra  una  de  las  más  impactantes  no  sólo  de  Renoir  sino  de  todo  el  grupo,  convirtiéndose  en  un   testimonio   de   la   vida   en   el   París   de   finales   del   siglo   XIX.   El   propio   Renoir   comentó   que   necesitó   alquilar   una   mansión  rodeada  de  un  gran  jardín  en  Montmartre  para  pintar  el  lienzo,  lo  que  perjudicó  su  precaria  economía.  
  7. 7. 7 Picasso,  entre  otros  pintores,  también  pintó  el  Moulin  de  la  Gallete.     Aunque   menos   conocidas   que   los   impresionistas   mencionados,   Berthe   Morisot   y   Mary   Cassatt   destacaron,   dentro   de   los   presupuestos   estéticos   de   este   movimiento,   especialmente   como   pintoras   de   maternidades,   retratos  y  escenas  intimistas.                                                                   Berthe  MORISOT  (1841-­‐1895)  procedía  de  una  familia  con  una  larga  historia  de  exitosos  pintores.  Fue  la  única   mujer  aceptada  y  respetada  por  el  círculo  impresionista.  Sirvió  con  frecuencia  como  modelo  de  Manet,  que  por  lo   demás,  era  su  cuñado.       Mary   CASSATT   (1844-­‐1926)   fue   una   pintora   impresionista   de   origen   estadounidense.   Viajó   a   Francia   para   formarse   como   artista   y   allí   permaneció   buena   parte   de   su   vida.   Fue   la   única   pintora   americana   que,   ocasionalmente,  expuso  con  los  impresionistas  en  París.  
  8. 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   8                               En  su  paleta,  muy  suelta,  predominan  los  tonos  pastel  y  se  aprecia  la  influencia  del  Japonismo.  Sus  contactos  con   artistas,  marchantes  y  coleccionistas,  propiciaron  la  difusión  y  apreciación  del  Impresionismo  en  Estados  Unidos.                                                 Durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX,  el  impacto  del  Impresionismo  en  España  dio  lugar  a  algunos  seguidores,   que  al  menos,  tangencialmente,  se  dejaron  influir  por  este  estilo  pictórico.  Es  el  caso  de  Aureliano  de  Beruete,   nuestro  más  conspicuo  representante  del  Impresionismo  español,  y  también  de  Darío  de  Regoyos  y  Santiago   Rusiñol,  aunque  estos  últimos  con  menor  medida.  
  9. 9. 9   Aureliano  de  BERUETE  (1845-­‐1912)     Para   Julián   Gállego,   este   pintor   es   el   único   impresionista   español,   vinculado   además,   al   luminismo.   Fue   coleccionista  de  arte  (Miguel  Ángel,  el  Greco…)  y  su  hijo,  con  el  mismo  nombre  y  apellido,  fue  historiador  del   arte  y  el  primer  director  del  Museo  del  Prado  no  artista.   Fue  de  los  pocos  pintores  españoles  de  su  época  que  viajaba  a  París  continuamente.  Allí  conoció  a  Claude  Monet.   Pintaba  paisajes  del  natural  –en  plein  air-­‐  y  su  pincelada,  corta  y  pequeña,  era  muy  matizada.  Pintó  al  Madrid   campestre  de  una  forma  exquisita  como  no  se  veía  desde  Goya.  Imitaba  a  Sisley  pintando  ríos  inundados.  Fue   muy  amigo  de  Sorolla.                       Darío  de  REGOYOS  (1857-­‐1913)     Para   algunos   expertos   como   Juan   San   Nicolás,   Regoyos   fue   el   único   pintor   genuinamente   impresionista   en   España7 .   Nació   en   Ribadesella   (Asturias)   y   se   formó   en   la   Escuela   de   San   Fernando   con   Carlos   de   Haes.   Se   trasladó  a  París  y  a  Bruselas  y  finalmente  se  estableció  en  el  País  Vasco.                 Conoció  el  Impresionismo  al  entablar  contacto  con  Degas,  Monet,  Pisarro  y  Signac  y  usará  las  nuevas  técnicas   para   expresarse   en   un   lenguaje   propio.   Recorrió   toda   la   península   ibérica   buscando   nuevas   temáticas   y   posibilidades  lumínicas  para  su  obra.  Regoyos  fue  fundamentalmente  paisajista,  aunque  en  sus  paisajes  también   aparecen  figuras  humanas  que  se  integran  en  el  entorno  que  las  rodea.     Entre   sus   retratos   destaca   el   de   Doña   Dolores   Otaño   ya   dentro   de   la   técnica   puntillista,   también   llamada   divisionista  o  neoimpresionista.     La  Influencia  del  IMPRESIONISMO  en  Canarias     Aunque  en  Canarias  no  encontramos  artistas  a  los  que  con  propiedad  podríamos  denominar  impresionistas,  si   podemos   detectar   su   influencia   en   algunos   pintores   como   en   Nicolás   MASSIEU     o   incluso   en   el   modernista-­‐ simbolista  NÉSTOR  MARTÍN  FERNÁNDEZ  DE  LA  TORRE.   Massieu  viajó  a  Inglaterra  a  los  18  años,  luego  a  Italia  y  París,  donde  relacionó  con  artistas  del  momento  entre  los   que   sobresalen   los   impresionistas   Manet,   Monet,   Renoir   y   Degas.   Después   de   una   etapa   dedicada   fundamentalmente  a  retratos  y  escenas  costumbristas,  se  enfrentó  a  la  luz  de  su  tierra  plasmando  el  paisaje  en   7  Véase  la  microsite  de  Regoyos  del  Museo  Thyssen  http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688  
  10. 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   10 breves   pinceladas   al   modo   impresionista.   Un   ejemplo   claro   de   esto   lo   tenemos   en   su   cuadro   Almendros   en   flor,    en  la  Casa  de  Colón  de  Las  Palmas  de  Gran  Canaria.                                                     En  el  caso  de  Néstor,  artista  muy  viajero  y  siempre  en  contacto  con  las  tendencias  estéticas  y  los  artistas  de  su   tiempo,  la  influencia  impresionista  es  detectable  en  su  pintura  Calle  Mayor  de  Madrid,  del  Museo  Néstor  de  Las   Palmas.       El  LUMINISMO  de  JOAQUÍN  SOROLLA.  Vidas  paralelas:  SOROLLA  versus  SARGENT8     Joaquín   SOROLLA  (Valencia  1863-­‐Cercedilla  1923)  fue  un  artista  con  un   don  extraordinario,  una  gran  facilidad   para  la  pintura.  Era  un  pintor-­‐pintor,  nada  literario,  que  dominaba  la  técnica.  Su  pintura  es  pintura  en  estado   puro,  con  temas  muy  simples.  En  ocasiones  su  pincelada  –pastosa  y  enorme-­‐  se  acerca  al  Impresionismo.     Ha  sido  denominado  luminista  por  la  fuerza  luminosa  extraordinaria  de  sus  obras.  Es  difícil  encontrar  un  pintor   que  haya  reflejado  mejor  que  él,  la  luz  cegadora  mediterránea.  A  este  respecto  comentaba  Pío  Baroja,  que  los   paisajes  de  Sorolla  le  daban  calor.     Muy   vitalista,   vivió   como   un   príncipe   ya   que   desde   muy   joven   alcanzó   el   éxito   y   tuvo   mucho   dinero.   Fue   un   hombre  feliz,  muy  enamorado  de  su  mujer,  a  la  que  pintaba  continuamente,  y  muy  amoroso  con  sus  hijos,  a  los   que  también  retrató  frecuentemente.  Pintor  muy  prolífico,  era  un  trabajador  incansable,  un  obrero  de  la  pintura.9   Fue  fotógrafo  amateur.10   John   Singer   SARGENT   (1856-­‐1925)   fue   un   pintor   estadounidense,   aunque   nacido   en   Florencia   que   alcanzó   un   enorme  éxito  en  su  época.  Llegó  a  realizar  más  de  900  pinturas  al  óleo  y  cerca  de  2000  acuarelas.  Cosmopolita  y   viajero,  este  pintor  de  extraordinario  talento  ha  sido  comparado  con  el  pintor  español  Joaquín  SOROLLA  con  el   que  guarda  muchas  concomitancias.     Fueron     pintores   de   lenguaje   muy   afín,   que   se   conocían   personalmente   y   sentían   atracción   mutua   por   sus   respectivas  obras,  pese  a  ser  dos  artistas  muy  diferentes  por  su  nacimiento,  educación  y  personalidad.  Los  dos   admiraban   profundamente   a   Velázquez,   referencia   ineludible   de   sus   pinturas,   y   mostraban   influencias   del   Impresionismo  a  su  manera.  Sargent  también  fue  luminista,  sobre  todo  en  sus  acuarelas.   Desde  su  llegada  a  París  en  1874,  el  joven  Sargent  asimiló  con  celeridad  el  lenguaje  artístico  moderno  y  aprendió   a  admirar,  como  su  maestro  Carolus-­‐Durand  y  como  Manet,  la  pintura  de  Velázquez.  Los  retratos  de  entre  1883  y   1885   permiten   apreciar   la   llamativa   libertad   de   encuadre   y   composición   que   caracterizó   el   naturalismo   de   su   primera  madurez.  En  contraste  con  la  precocidad  de  Sargent,  Sorolla,  que  era  siete  años  más  joven,  no  encontró   su  propia  identidad  artística  hasta  bien  avanzada  la  década  de  1890.  Sorolla  además  optó  en  sus  inicios,  por  la   pintura  de  denuncia  social,  en  cuadros  de  gran  formato  con  los  que  cosechó  sus  primeros  éxitos  nacionales  e   internacionales.   8  http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html   9  Se  cuenta  que  cuando  estuvo  en  Estados  Unidos,  mientras  desayunaba,  pintaba  a  la  gente  del  hotel  donde  estaba  hospedado.   10  Al  final  de  su  vida,  en  1920,  tuvo  una  parálisis  en  una  mano  y  sufrió  tres  años  de  agonía  por  ello  hasta  su  muerte.    
  11. 11. 11 Las  trayectorias  de  Sargent  y  Sorolla  se  aproximan  en  el  momento  en  el  que  atendemos  a  la  dedicación  explícita   del  primero  al  estudio  de  Velázquez  y  a  temas  como  el  baile  flamenco  y  la  Alhambra.  El  entusiasmo  de  Sargent   por  el  arte,  la  música  y  la  idiosincrasia  de  nuestro  país  marcaría  de  manera  significativa  su  obra.   Los     cuadros   dedicados   al   mar   y   la   playa   de   la   primera   década   del   siglo   XX   de   Sorolla   ofrecen   los   mejores   ejemplos  de  exaltación  lumínica  y  de  lirismo  exuberante  dentro  de  su  pintura.   El  retrato   fue  el  género  que  más  fama  dio  a  Sargent.  Disfrutó  de  un  enorme  éxito  como  retratista  entre  sus   contemporáneos.   Sargent   puede   ser   apreciado   retrospectivamente   como   el   último   gran   representante   de   la   tradición  clásica  del  retrato.                                                                                                                                                     La  concepción  del  retrato  en  Sorolla  es  menos  meditada  que  en  Sargent.  Sus  retratos  se  confían  más  al  azar  de   las  circunstancias.  Aunque  no  fue  su  especialidad  característica,  Sorolla  hizo  muchos.  Pintaba  a  su  familia  y  a   personalidades  de  su  entorno  artístico  e  intelectual  (incluido  el  rey).           Los   propósitos   pictóricos   y   la   manera   de   alcanzarlos   cuando   Sargent   y   Sorolla   pintaron   retratos   de   grupo   estuvieron  muy  próximos.  Tanto  Sargent  como  Sorolla  trataron  de  llevar  el  retrato  burgués  a  un  terreno  nuevo.   Su  propósito  fue  imbuir  al  género,  si  no  de  solemnidad,  sí  de  la  grandeza  del  retrato  barroco  de  corte.   Las  etapas  finales  de  ambos  artistas  muestran  la  mayor  afinidad  entre  sus  trayectorias.  Revelan  la  proximidad  de   temas  y  factura  en  sus  obras  más  personales.     Sargent   es   valorado   como   uno   de   los   más   formidables   acuarelistas.   El   deslumbrante   virtuosismo   de   sus   acuarelas  nos  descubre,  más  aún  que  sus  lienzos,  la  manifiesta  voluntad  luminista  de  su  obra.     Habiendo  alcanzado  el  éxito  relativamente  pronto,  Sargent  y  Sorolla  pudieron,  con  sus  recursos  y  su  vocación,   dedicarse  a  la  más  moderna  de  las  tareas  artísticas:  pintar  para  sí  mismos.  Fue  durante  los  últimos  doce  o  quince   años  de  sus  vidas  cuando  el  trabajo  de  ambos  pintores  alcanzó  la  culminación  de  pasión  y  excelencia  pictóricas   que   les   ha   granjeado   un   lugar   incuestionable   en   la   historia   del   arte   moderno.   Sorolla,   fue   sin   duda,   el   pintor   español  más  dotado  de  su  generación.    
  12. 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   12 El  Impresionismo  y  otras  Artes     Con   frecuencia   se   aplica   –demasiado   alegremente-­‐   el   término   impresionista   a   otras   artes.   En   rigor,   el   Impresionismo  tuvo  un  desarrollo  cronológico  muy  específico  y  un  carácter  esencialmente  pictórico.   Aún  así,  podemos  señalar  que  el  Impresionismo  impactó  en  la  escultura  –Rodin,  Benlliure-­‐,  la  literatura  –sobre   todo  la  prosa  descriptiva  de  paisajes  del  francés  Guy  de  Maupassant11 ,  del  cántabro  Pereda  en  Peñas  arriba  o  del   valenciano  luminista  Blasco  Ibáñez  en  Entre  naranjos.     Es  posible  detectar  algunos  rasgos  impresionistas  en  la  producción  escultórica  de  Augusto  RODIN  (1840-­‐1917)   que  le  acercan  a  la  estética  de  este  movimiento  artístico.  No  sólo  se  trata  sólo  de  una  vinculación  cronológica,   también  del  acabado  rugoso  y  abocetado  y  de  la  preocupación  por  la  fugacidad  y  lo  efímero  de  buena  parte  de   las   esculturas   de   Rodin.   Lo   mismo   puede   decirse   de   Camille   CLAUDEL   (1864-­‐1943)   una   de   las   pocas   mujeres   escultoras   destacadas   de   esa   época,   olvidada   injustamente   hasta   fechas   muy   recientes.   Durante   unos   años   mantuvo  una  tortuosa  relación  amorosa  con  Rodin,  en  cuyo    taller  trabajó  y  fue  su  musa.             Por  lo  que  se  refiere  a  la  música  se  ha  denominado  al  pintor  y  compositor  francés  Claude  DEBUSSY  (1862-­‐1918)   como  impresionista,  término  que  a  él  le  encantaba.  Su  composición  La  mer  de  Debussy  parece  retrotraernos  a  las   marinas  de  Monet.  Una  tarde  en  Granada  también  ha  sido  calificada  como  impresionista.                         Junto  con  Claude  Debussy,  el  archiconocido  compositor  y  pianista  Maurice  RAVEL  (1875-­‐1937)  fue  la  figura  más   influyente  en  la  música  francesa  de  su  época  y  el  principal  representante  de  la  corriente  del  Impresionismo  a   inicios  del  siglo  XX.  Su  producción  musical,  no  muy  numerosa,  es  fruto  de  la  confluencia  de  complejos  influjos  que   proceden   de   Couperin,   Rameau,   el   ritmo   del   jazz   y   la   música   y   el   folklore   español.   Destacan   entre   sus   composiciones  el  Dafne  y  Chloé  (1909-­‐12)  y    Bolero  (1928).   En  cuanto  a  la  música  española  y  el  Impresionismo,  el  pianista  y  compositor  catalán  Isaac  ALBÉNIZ  (1860-­‐1909)  ha   sido  considerado  como  luminista  en  su  Suite  Iberia  (1905-­‐1909)   El  Impresionismo  no  es  aplicable  a  la  arquitectura  o  las  artes  decorativas.    Por  lo  demás,  no  debemos  olvidar  que   los   impresionistas   reflejaron   en   sus   pinturas   la   moda   de   la   época   –tanto   masculina   como   femenina-­‐,   ya   que   retrataba  a  sus  contemporáneos  en  momentos  cotidianos  de  su  vida  diaria,  tanto  en  la  ciudad  como  en  el  campo.   11  Según  Julián  Gállego,  el  libro  “La  Educación  sentimental”  de  Flaubert  es  preimpresionista  en  sus  descripciones.  
  13. 13. 13 La  moda  se  convierte  en  un  requisito  de  modernidad.  Así  por  ejemplo,  en  sus  cuadros  representan  el  paso  de  la   crinolina  al  polisón.  Representan  a  la  perfección  las  diferentes  texturas:  muselinas,  sedas,  algodón,  etc.  Sobre  el   Impresionismo,  moda  y  modernidad  12  se  celebró  una  exposición  en  el  Museo  d´Orsay  de  París  en  el  año  2013  que   pudo  verse  también  en  Nueva  York  y  Chicago.                   12  Véase  “Impresionismo:  Un  elogio  de  la  Moda”  http://www.rtve.es/alacarta/videos/documenta2/documenta2-­‐impresionismo-­‐elogio-­‐moda/3641527/  y   http://www.metmuseum.org/press/exhibitions/2013/impressionism-­‐fashion-­‐and-­‐modernity  

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