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Arte del siglo XIX (I): El Romanticismo

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Apuntes Fundamentos del Arte II

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Arte del siglo XIX (I): El Romanticismo

  1. 1.                         FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II. TEMA  1.  ARTE  DEL  SIGLO  XIX  (I):  EL   ROMANTICISMO
  2. 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   2 TEMA  1.  ARTE  DEL  SIGLO  XIX  (I):  EL  ROMANTICISMO     1.Introducción   al   Romanticismo.   Contexto   histórico-­‐cultural.   Concepto   y   significación.   2.   Las   bellas   artes   y   el   Romanticismo.  3.  La  música,  la  ópera  y  la  danza  en  el  Romanticismo.  4.  Los  orígenes  de  la  fotografía.  5.  Joyería,   indumentaria  y  mobiliario  de  la  etapa  romántica.                               1.INTRODUCCIÓN  AL  ROMANTICISMO.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL.  CONCEPTO  Y  SIGNIFICACIÓN       Con   el   siglo   XIX   nos   situamos   de   pleno   en   la   época   contemporánea1 ,   etapa   devoradora   de   novedades   y   de   grandes  transformaciones  sociales,  económicas,  políticas…   La   burguesía   o   clases   medias   se   van   reafirmando   como   la   clase   rectora   del   siglo   XIX   (protagonizan   varias   revoluciones),   mientras   toman   gran   auge   los   movimientos   obreros,   surgiendo   una   nueva   clase   social:   el   proletariado.  Es  también  el  tiempo  de  los  nacionalismos,  tanto  en  su  vertiente  unificadora  (Alemania  e  Italia)   como  independentista  (Grecia).                 En  el  siglo  XIX  se  producen  grandes  adelantos  técnicos  y  científicos:  avances  en  la  astronomía,  química,  medicina   (vacunas…);   surgen   inventos   como   el   teléfono,   el   telégrafo   o   la   lámpara   eléctrica,   produciéndose   progresos   espectaculares   en   las   comunicaciones.   Además   del   ferrocarril,   se   construyen   los   grandes   transatlánticos   de   vapor,   y   ya   a   inicios   del   siglo   XX   aparecen   los   primeros   automóviles.   Asimismo   se   desarrolla   la   Revolución   Industrial  en  Europa.  Había  surgido  ya  en  Inglaterra  en  el  siglo  XVIII.  Las  consecuencias  del  desarrollo  industrial   fueron   profundas   en   la   sociedad,   la   economía   o   el   arte.   En   el   terreno   del   arte   y   la   cultura   el   siglo   XIX   es   extraordinariamente   rico   con   el   surgimiento   de   diversos   movimientos   artísticos   como   el   Romanticismo,   el   Realismo,   el   Impresionismo,   el   Postimpresionismo   y   toda   una   serie   de   revivals   e   historicismos   (neogótico,   neobarroco,  etc.)   Por   último,   y   muy   en   relación   con   la   industrialización,   los   países   europeos   inician   una   frenética   lucha   por   el   control  de  los  territorios  y  recursos  de  otros  continentes:  es  el  periodo  de  formación  de  los  grandes  imperios   coloniales  (Inglaterra,  Francia,  etc.)   España  comienza  el  siglo  trágicamente  con  la  invasión  de  los  franceses  en  1808  (Guerra  de  la  Independencia)  y   termina  con  el  Desastre  de  1898  (pérdida  de  las  últimas  colonias  españolas:  Cuba,  Puerto  Rico,  Filipinas).     El  Romanticismo  es  una  corriente  cultural  y  artística  de  origen  alemán  que  se  desarrolla  en  Europa  durante  la   primera   mitad   del   siglo   XIX,   aunque   sus   orígenes   se   encuentran   ya   en   el   siglo   XVIII.   Más   que   un   estilo   propiamente  dicho  es  una  “manera  de  sentir”.  Vinculado  a  la  filosofía,  concretamente  al  Círculo  de  Jena,  empezó   siendo  una  teoría  filosófica,  un  movimiento  artístico  y  una  actitud  existencial.  Presenta  implicaciones  en  todas  las   artes  de  la  época,  fundamentalmente  la  literatura,  la  música  y  la  pintura.  Es  de  tal  complejidad  que  más  que  de   Romanticismo  podríamos  hablar  de  Romanticismos. El  genuino  término  romántico  tiene  poco  que  ver  con  la  consideración  que  le  damos  hoy.    Etimológicamente  la   palabra   Romanticismo   requiere   cierta   clarificación   semántica.   Supuestamente   proviene   del   francés   roman   1  Recordemos  que  la  época  contemporánea  abarca  los  siglos  XIX,  XX  y  XXI.  
  3. 3. 3 (‘novela’).  De  este  modo,  el  término  aludiría  a  la  ficción,  a  lo  novelesco,  frente  al  predominio  de  la  razón  de  la   Ilustración.                                                                           Como  afirma  el  crítico  literario  José  Carlos  Mainer2 ,  el  término  romántico  tiene  en  la  actualidad  un  uso  degradado,   claramente   derogatorio   y   peyorativo   de   lo   que   fue   el   Romanticismo.     Hoy   entendemos   por   una   persona   romántica  a  alguien  soñador  y  fantasioso  que  se  escabulle  de  la  realidad  que  le  rodea,  con  tendencias  cursilonas.     Pero  no  debemos  olvidar,  que  el  Romanticismo  será  la  base  de  la  conciencia  revolucionaria  y  punto  de  partida,   además,  de  movimientos  políticos  nacionalistas  y  de  totalitarismos  de  toda  laya  o  condición.3                                   Los  rasgos  esenciales  del  Romanticismo  son:   *En   primer   lugar,   el   común   denominador   de   esta   corriente   cultural   es   el   ansia   de   libertad.   Exaltan   los   sentimientos  de  rebeldía,  de  libertad  artística  y  política.     *En   el   romanticismo   encontramos   una   supremacía   del   sentimiento   sobre   la   razón   y   por   ello   exaltan   la   sensibilidad,  la  imaginación  y  las  pasiones.  Rechazan  el  sometimiento  a  las  normas.  Subrayan  el  individualismo  y   la   subjetividad   del   artista,   su   “propio   yo”.   Creen   en   el   mito   del   artista   como   genio   solitario,   frecuentemente   incomprendido  y  fracasado.     *Les   fascina   la   Edad   Media   –su   arte   y   su   literatura-­‐   y   reivindican   los   nacionalismos.   De   hecho,   hay   una   clara   conexión   entre   el   auge   de   los   nacionalismos   y   el   Romanticismo,   particularmente   en   Alemania   e   Italia   que   culminaron  en  esta  etapa  su  proceso  de  unificación.     *Asimismo,  sienten  predilección  por  todo  lo  exótico  y  oriental.  Los  románticos  ya  no  viajaban  sólo  a  Italia,  como   habían   hecho   hasta   entonces.   Sus   destinos   son   otros:   Turquía,   Marruecos,   Argelia   o   España,   que   se   puso   de   moda  en  toda  Europa  como  prototipo  de  un  exotismo  cercano.  Así  por  ejemplo,  muchos  románticos  ingleses,   franceses  y  alemanes  viajan  a  nuestro  país  (la  Alhambra,  etc.)  fascinados  por  “los  turcos  de  Europa”,  es  decir,  los   españoles.   *Los   artistas   románticos   son   unos   eternos   inadaptados,   siempre   descontentos   y   siempre   rompiendo   con   las   convenciones  sociales.  Así,  sienten  especial  interés  por  temas  como  la  muerte,  la  locura,  el  suicidio,  el  mundo  de   los  sueños,  lo  irracional.  En  este  sentido,  van  a  ser  un  precedente  del  Surrealismo  y  de  otros  ismos.   *La  nómina  de  artistas  románticos  es  ingente.  Entre  los  escritores  destacamos  Lord  Byron  en  Inglaterra,  Victor   Hugo  en  Francia,  Novalis  en  Alemania,  Larra  y  Bécquer  en  España,  etc.     Sobre  Lord  Byron  (Londres,  1788-­‐Missolonghi,  1824),  paradigma  del  artista  romántico,  concretamente  poeta,  hay   que   señalar   que   su   auténtico   nombre   era   George   Gordon   Noel   y   que   ganó   una   gran   notoriedad   por   su   escandalosa  vida  privada  –según  los  parámetros  burgueses  de  la  época-­‐  ya  que  era  bisexual,  tuvo  una  hija  con  su   hermanastra,   acumuló   numerosas   deudas...   Fue   un   célebre   escritor   que   viajó   sin   descanso   por   Europa,   especialmente   por   el   Meditarráneo   (Italia,   Grecia…).   Luchó   apoyando   a   los   griegos   en   su   guerra   de   independencia  contra  los  turcos  otamanos.  Murió  en  1824  en  Missolonghi,  actual  Grecia,  fruto  de  unas  fiebres.  Su   muerte  fue  muy  sentida  en  Inglaterra.  Una  de  sus  obras  más  conocidas  fue  “Don  Juan”.  Lord  Byron  ejemplifica   también  la  figura  del  dandi,  como  Beau  Brummel,  caracterizados  por  su  refinado  y  excéntrico  gusto  en  el  vestir.   En  conclusión,  tal  vez  la  figura  de  lord  Byron  sea  más  importante  que  su  propia  obra  literaria.  Es  un  rasgo  que   comparte  con  otros  escritores.  Y  es  que  es  difícil  separar  al  personaje  de  su  obra  y  a  la  persona  del  personaje.   2  A  este  respecto,  puede  consultarse  la  conferencia  de  dicho  autor  en  la  web  de  la  Fundación  March  de  Madrid  “Romanticismo  o  Romanticismos”  (26-­‐02-­‐ 2009).   3  Consúltese  la  conferencia  del  catedrádico  de  Filosofía  Javier  Hernández  -­‐Pacheco  en  la  Fundación  March  sobre  “El  Círculo  de  Jena  o  la  filosofía  romántica”: http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=22605  
  4. 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   4                           2.  LAS  BELLAS  ARTES  Y  EL  ROMANTICISMO       Más   que   propiamente   un   “estilo”   artístico,   el   Romanticismo   fue   “una   manera   de   sentir”,   una   actitud   vital   rebelde,  escapista  e  individualista,  que  valora  los  sentimientos  y  lucha  contra  los  valores  burgueses  establecidos,   sintiendo  fascinación  por  Oriente  y  la  Edad  Media,  el  mundo  de  los  sueños,  la  muerte  –incluido  el  suicidio-­‐,  la   noche,  la  huida  a  paraísos  reales  o  ficticios,  la  subjetividad  del  artista…   Siendo  un  movimiento  cultural  básicamente  literario  y  filosófico,  también  es  cierto  que  tuvo  un  fuerte  impacto   en   el   arte   de   la   época.   La   conexión   con   la   música,   es   también   muy   evidente.   Aunque   sus   orígenes   cabe   rastrearlos   ya   desde   el   siglo   XVIII,   hará   eclosión   en   el   XIX   y   por   lo   tanto   aparecerá   ligado   a   los   revivals,   historicismos  y  eclecticismos  propios  de  la  época  decimonónica4 .     El   Romanticismo   no   afectó   por   igual   a   todas   las   artes.   Fundamentalmente   las   bellas   artes   que   se   vieron   más   influidas  por  el  espíritu  romántico  fueron  la  pintura  y  la  arquitectura.  La  arquitectura  la  estudiaremos  en  detalle   en  el  siguiente  tema.     La  pintura  del  Romanticismo   Por  lo  que  se  refiere  a  la  PINTURA  ROMÁNTICA,  se  caracteriza  por:   •  Predomina  el  color  sobre  el  dibujo,  la  mancha  domina  todo  el  cuadro.  En  general,  rechazan  la   pintura   academicista   neoclásica,   en   el   que   predomina   el   dibujo   y   la   sujeción   a   normas   pictóricas   muy   rígidas.   •   Las   composiciones   son   complejas,   dinámicas   y   desequilibradas   con   frecuentes   escorzos   y   figuras  llenas  de  dramatismo,  en  cierto  sentido  nos  recuerdan  al  Barroco.   •  El  paisaje  con  fuerte  carga  expresiva  de  estados  de  ánimo  adquiere  mucha  importancia.  Les   gustan  escenas  sublimes  y  pintorescas  con  frecuentes  los  paisajes  nubosos,  tormentosos,  con  naufragios,   etc.  La  identificación  del  hombre  con  la  naturaleza  circundante  es  esencial  en  el  Romanticismo.   •   Aparte   de   los   paisajes,   los   temas   preferidos   son   los   de   origen   oriental   (odaliscas…),   revoluciones   políticas,   escenas   costumbristas   y   folklóricas,     retratos,   y   temas   históricos.   Sienten   fascinación  por  la  Edad  Media,  que  reivindican  en  la  pintura,  arquitectura  (neogótico),  literatura,  etc..  La   pasión  por  las  ruinas  (edificios  de  arte  romano,  medievales…)  se  convierten  en  un  tema  romántico  por   excelencia.   •   La   conexión   arte-­‐literatura   es   crucial   en   el   Romanticismo,   siendo   las   obras   literarias   de   diferentes  épocas  y  autores  fuente  esencial  de  inspiración  (Dante,    Shakespeare,    Lord  Byron,  Goethe,     Walter  Scott),  etc.     •  Valoran  mucho  la  creatividad  y  la  originalidad.  El  individualismo  propio  de  la  época  propició  que   los  pintores  no  trabajasen  de  encargo,  sino  conforme  a  los  dictados  de  su  imaginación,  expresándose  a   través  de  la  pintura,  sus  ideas  y  sentimientos  personales.   Los  pintores  románticos  son  muy  numerosos:  en  Francia  descuella  Delacroix  y  Géricault;  en  Inglaterra,  Turner;   en  Alemania,  Caspar  David  Friedrich  y  en  España  Eugenio  Lucas,  Leonardo  Alenza…  y  algunas  obras  de  Goya.   Goya  está  considerado  como  el  primer  pintor  romántico  español.   4  Relativa  al  siglo  XIX.  
  5. 5. 5                                                                 La  PINTURA  ROMÁNTICA  FRANCESA  tiene  en  THÉODORE  GÉRICAULT  (1791-­‐1824)  y  EUGÉNE  DELACROIX  (1798-­‐ 1865)  a  sus  dos  principales  representantes.   GÉRICAULT  está  considerado  como  el  iniciador  del  Romanticismo  pictórico.  Su  obra  más  importante  es  la  balsa   de  la  Medusa.  La  historia  del  barco  francés  "Medusa"  fue  uno  de  los  sucesos  más  terribles  de  la  historia  Francia.   Un  barco  naufragó  frente  a  las  costas  africanas  y  un  pequeño  grupo  de  los  pasajeros  sobrevivió  gracias  a  una   balsa.  Una  fragata  de  la  marina  francesa  avistó  a  los  náufragos  pero  no  los  recogió.  Muchos  de  ellos  perecieron   de   hambre,   sed   e   insolación.   Algunos   sobrevivieron   comiendo   los   restos   de   los   cadáveres.   Finalmente,   un   carguero  los  encontró  y  los  llevó  a  salvo  a  Francia.  Esta  historia  fue  censurada  por  el  gobierno,  que   trató  de   impedir  que  que  se  conociera  por  la  prensa.     Géricault  quiso  con  este  cuadro  dejar  constancia  de  este  espeluznante  y  dramático  hecho.  Muestra  –casi  como   una  fotografía-­‐  el  momento  en  el  que  los  náufragos  avistan  el  barco  que  les  va  a  salvar.  Después  de  dos  años  en   los  que  se  prohibió  su  exhibición  pública,  finalmente  se  expuso  en  una  institución  oficial  –el  Salón-­‐,  causando  un   gran   escándalo.   Es   una   obra   que   recoje   la   esencia   del   Romanticismo:   dramatismo,   sentimientos   extremos,   predominio  del  color  sobre  la  mancha,  dinamismo,  escorzos…  Esta  pintura  mide  casi  cinco  metros  de  alto  y  más   de   siete   metros   de   ancho.   Para   documentarse   en   la   realización   de   esta   obra,   realizó   numerosos   bocetos   y   estudios   previos   de   cadáveres.   Como   curiosidad   señalaremos   que   el   joven   hombre   muerto   que   sostiene   el   anciano   del   manto   rojo   es   el   retrato   de   Delacroix,   íntimo   amigo   de   Géricault.   A   su   vez,   Delacroix,   retrató   a   Géricault  como  uno  de  los  muertos  en  el  infierno  que  cruza  su  Barca  de  Dante.   En  definitiva,  La  Balsa  de  la  Medusa  fue  el  cuadro  insignia  del  movimiento  romántico  francés,  en  el  que    el  ser   humano  desconocido  y  sufriente  aparece  como  el  verdadero  sujeto  y  protagonista  de  la  Historia,  como  veremos   también  en  las  pinturas  de  Goya  (Fusilamientos  del  3  de  mayo).                             Eugène   DELACROIX:   Procedente   de   una   familia   burguesa,   culta   y   refinada,   era   altivo,   dandi   y   vanidoso.   Se   relacionó  con  otros  pintores,  músicos  y  escritores  románticos.  Sentía  fascinación  por  la  naturaleza,  la  historia  y  la   literatura,  el  exotismo  oriental,  los  retratos,  las  ruinas,  la  fantasía,  el  erotismo  y  lo  misterioso,  que  reflejó  a  la   perfección   en   sus   obras.     Las   conexiones   del   artista   con   España   y   la   pintura   española   van   más   allá   de   la   fascinación  orientalista  habitual  en  los  creadores  del  romanticismo  francés.  Delacroix  realizó  en  1832  un  viaje  a   España  que  marcaría  su  pintura  de  forma  indeleble  y  fue  uno  de  los  primeros  artistas  en  explorar  en  profundidad   el  potencial  expresivo  de  los  Caprichos,  de  Goya,  de  los  que  realizó  diversas  copias.    De  este  viaje  por  España  dejó   constancia  en  sus  “Diarios”.  Visitó  Madrid  (el  Museo  del  Prado)  y  Andalucía.  Recordemos  que  España  se  convirtió   en  un  tema  pictórico  y  literario  del  Romanticismo,  por  su  carácter  exótico,  dado  su  pasado  islámico  y  la  belleza  
  6. 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   6 de  sus  paisajes  y  monumentos.  De  hecho,  la  España  de  charanga  y  pandereta,  la  imagen  de  una  España  de  majas   y  toreros  se  debe  a  la  visión  que  sobre  nuestro  país  dejaron  pintores  y  escritores  franceses,  alemanes,  ingleses…   ligados   al   Romanticismo.   Tendían   a   identificar   casi   en   exclusiva   Andalucía   con   España,   obviando   el   resto   de   regiones.   Delacroix  también  viajó  por  el  norte  de  África  buscando  inspiración  para  sus  pinturas.       La   pintura   de   Delacroix   no   se   entienden   sin   el   influjo   de   la   pintura   renacentista   (Tiziano)   y   barroca   (Rubens,   Rembrandt,  Velázquez,  Murillo).  Adoraba  la  obra  de  Miguel  Ángel,  su  principal  influencia,  aunque  solo  la  conocía   a   través   de   grabados.   Su     pincelada   es   muy   suelta,   abocetada   y   matérica.   Elige   siempre   los   momentos   más   tensos  y  expresivos,  con  predominio  del  color  sobre  el  dibujo.     Ejemplos  relevantes  de  la  producción  pictórica  de  Delacroix  son  la  muerte  de  Sardanápalo,  Mujeres  de  Argel  y  la   Libertad  guiando  al  pueblo.   La  muerte  de  Sardanápalo  es  un  cuadro  que  se  basa  en  un  escrito  de  Lord  Byron.  Este  romántico  inglés  fue  una   importante  fuentes  de  inspiración  para  Delacroix.     Esta  pintura  de  raíz  tan  literaria  cuenta  la  siguiente  historia:  unos  esclavos  matan  a  las  concubinas  de  un  tirano   antes  de  suicidarse  para  evitar  ser  saqueados  por  sus  enemigos.  Esta  terrible  escena  es  contemplada  de  forma   impávida  por   Sardanápalo   desde   su   lecho.   Escorzos,   dinamismo   y   violencia,   sentimientos   extremos,   compleja   composición,   fuertes   constantes   de   luz…   todo   ello   define   a   esta   obra   maestra   del   Romanticismo   francés.   Tampoco  hay  que  olvidar  el  gusto  por  el  preciosismo  en  la  representación  de  telas  y  joyas,  una  característica  muy   habitual  de  la  pintura  romántica.5  La  obra  más  conocida  de  Delacroix  es  la  libertad  guiando  al  pueblo.  Presenta   una   temática   revolucionaria.   La   mujer   que   simboliza   a   la   Libertad   aparece   con   el   torso   desnudo,   porta   en   su   mano  derecha  la  bandera  tricolor  francesa  y  en  la  izquierda  un  rifle.  Le  acompañan  miembros  de  las  diferentes   clases   sociales   -­‐   un   obrero   con   una   espada,   un   burgués   con   sombrero   de   copa   portando   una   escopeta,   un   adolescente   con   dos   pistolas,   etc.   -­‐   para   manifestar   que   en   el   proceso   revolucionario   ha   existido   amplia   participación.  A  los  pies  de  la  Libertad,  un  moribundo  la  mira  fijamente  para  señalar  que  ha  merecido  la  pena   luchar.   Con   esta   obra,   Delacroix   pone   de   manifiesto   su   ideología   y   su   faceta   de   pintor   de   su   tiempo.   La   composición  se  inscribe  en  una  pirámide  cuya  base  son  los  cadáveres  que  han  caído  en  la  lucha  contra  la  tiranía,   cadáveres  iluminados  para  acentuar  su  importancia.  La  vorágine  de  la  batalla  se  manifiesta  en  la  polvareda  que   difumina  los  contornos  e  impide  contemplar  con  claridad  el  grupo  de  figuras  que  se  sitúa  tras  la  Libertad.  Los   escorzos   y   el   movimiento   de   la   imagen   vuelven   a   recordar   el   Barroco,   igual   que   en   la   Matanza   de   Quíos   o   la   Muerte  de  Sardanápalo.  Con  esta  obra  celebró  la  revolución  burguesa  de  1830  que  provocó  la  caída  de  Carlos  X  y   la   llegada   al   poder   del   rey   Luis   FelipeI   de   Orléans6 .     Los   cuerpos   muertos   nos   remiten   a   los   de   la   Balsa   de   la   Medusa  de  Géricault.     Delacroix   murió   en   Paris.   Fue,   quizá,   el   pintor   del   siglo   XIX   más   preocupado   por   los   problemas   de   la   técnica   pictórica.  Su  influencia  marcó  a  los  impresionistas,  a  Millet,  a  Van  Gogh,  sobre  todo,  en  la  primacía  del  color   sobre  la  línea.  Muchas  de  sus  obras  se  encuentran  en  el  Museo  del  Louvre  de  Lens  –una  filial  del  Louvre  de  París-­‐   En  París  se  conserva  su  deliciosa  casa-­‐museo.  http://www.musee-­‐delacroix.fr/     ANTOINE-­‐JEAN   GROS   (1771-­‐1835)   fue   un   pintor   parisino   vinculado   al   neoclasicismo-­‐romanticismo.   Realizó   impresionantes  retratos  y  pinturas  de  historia.  Fue  discípulo  de  Jacques-­‐Louis  David.  Su  obra  “Visita  de  Napoleón   a  los  apestados  de  Jaffa”  fue  fuente  de  inspiración  para  la  “Matanza  de  Quíos”  de  Delacroix.  Gros  se  suicidó   arrojándose  al  río  Sena,  cansado  de  la  vida.   5  Esta  pintura  suscitó  rechazo  por  parte  de  autoridades  y  artistas  cuando  fue  presentada  en  el  Salón  de  1828,  llegándole  incluso  a  sugerir  que  cambiara  de   estilo  si  quería  recibir  encargos  oficiales.  Pese  a  ello,  es  un  ejemplo  paradigmático  del  Romanticismo.   6  Sobre  esta  obra,  Delacroix  escribió  a  su  hermano  en  1830:  “J´ai  entrepris  un  sujet  moderne,  une  barricade,  et  si  je  n´ai  pas  vaincu  pour  la  patrie,  au  moins,   peindrais-­‐je  pour  elle”  
  7. 7. 7                                                               CASPAR  DAVID  FRIEDRICH   Caspar  David  Friedrich  (1774-­‐1840)    es  el  máximo  representante  del  Romanticismo  pictórico  en  Alemania,  y  uno   de  los  más  importantes  pintores  de  la  época  en  Europa,  junto  a  Goya,  Delacroix,  Turner  o  Constable.     Un  hecho  traumático  le  marcó  de  por  vida:  cuando  tenía  trece  años  volcó  una  pequeña  embarcación  y  Caspar   David   cayó   al   agua.   Su   hermano   se   lanzó   a   salvarle   pero   murió   en   el   intento   ante   la   aterrada   mirada   de   su   hermano  superviviente.  Caspar  David  fue  educado  en  un  ambiente  muy  religioso  de  carácter  luterano7 .   Durante  1800-­‐1808,  Friedrich  realizó  numerosas  obras  de  estudio,  xilografías  y  dibujos,  en  las  que  los  motivos   predominantes  son  figuras  solitarias,  melancólicas,  o  árboles  muertos,  cuyo  fondo  se  halla  impregnado  del  Sturm   und  Drang8  romántico.     Friedrich   innova   con     a   su   nueva   concepción   del   paisaje,   al   que   confiere   un   carácter   casi   religioso.   Buscaba   suscitar  emociones  con  sus  imágenes  de  figuras  solitarias  en  paisajes  tormentosos  o  deslumbrantes.  Buscaban  la   comunión  con  la  naturaleza.  El  arte  para  él  era  una  vehículo  de  emoción  de  sentimientos.   Friedrich  gozó  de  gran  fama  en  su  época  –desde  dirigentes  político  alemananes  al  zar  de  Rusia,  Goethe,  y  los  más   célebres   escritores   y   pensadores   del   momento-­‐   aunque   con   el   paso   del   tiempo,   se   produjo   el   progresivo   hundimiento  de  su  popularidad.  Su  delicada  salud  al  final  de  su  vida  le  volvió  más  taciturno  y  triste.  Cada  vez   estaba  más  ailado  y  era  más  pobre.  Sus  últimas  obras,  básicamente  dibujos,  se  limitan  a  ruinas,  costas  rocosas,   ataúdes…  Su  fortuna  crítica  ha  sido  oscilante:  Friedrich  cayó  en  el  más  completo  de  los  olvidos  durante  el  siglo   XIX.  Habríamos  de  esperar  al  siglo  XX  y  la  llegada  del  arte  de  vanguardia  para  que  fuera  justamente  valorado  y   reivindicado.  Su  influencia  se  hará  presente  desde  el  Romanticismo  hasta  el  Surrealismo,  el  movimiento  que  más   afirmó  su  influjo  (Max  Ernst,  René  Magritte).    También  en  el  Expresionismo  alemán,  el  arte  abstracto,  etc.       El  alemán  KARL  FRIEDRICH  SCHINKEL  (1781-­‐1841)  fue  no  solo  arquitecto  y  urbanista9  –ligado  al  neoclasicismo  y  al   neogótico-­‐,  sino  también  pintor  y  diseñador  de  muebles.  Como  arquitecto,  se  inspiraba  más  en  Grecia  que  en   Roma.  Cuando  vió  en  Berlín  la  obra  de  Friedrich  –Paseante  sobre  un  mar  de  nubes    (1810)  -­‐  decidió  dejar  la  pintura   –ya  que  pensaba  que  nunca  alcanzaría  la  maestría  de  Friedrich-­‐  y  se  centró  en  la  arquitectura.     7 Fue  amigo  de  Goethe,  con  el  que  mantuvo  una  tensa  relación  que  terminó  por  sus  diferencias  en  la  concepción  del  arte.   8  Movimiento  prerrománico  alemán.  Se  puede  traducir  por  “tormenta  e  ímpetu”.   9  Remodeló  la  ciudad  de  Berlín.  Como  arquitecto  neogótico,  renovó  y  reconstruyó  el  Castillo  Rosenau  de  Coburgo.  
  8. 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   8         WILLIAM  TURNER   El  paisajismo  inglés  del  Romanticismo  tiene  como  máximos  representantes  a  Turner  y  Constable.     Turner   nació   en   1775   en   Londres   y   murió   en   1851.   Turner   utilizaba   el   paisaje   como   vehículo   para   abordar   los   grandes  temas  de  la  pintura  (luz,  efectos  atmosféricos,  color,  perspectiva).   Turner   solía   tomar   notas   para   sus   cuadros   –bocetos   y   dibujos-­‐-­‐.   Los   encargos   por   parte   de   aristócratas   londinenses  le  permitieron  amasar  una  una  pequeña  fortuna,  llegando  a  convertirse  en  el   pintor   favorito  del   gran  público,  incluso  de  la  realeza,  en  especial  por  sus  paisajes  (década  de  los  años  20  del  siglo  XIX).   Sus  fuentes  de  inspiración  abarcan  la  pintura  renacentista  italiana  y  la  pintura  barroca,  en  especial  Rembrandt,   así  como  los  franceses  Poussin  o  Claudio  de  Lorena  (también  llamado  Claude  Lorrain).  Viajó  a  París  donde  quedó   fascinado  ante  las  obras  maestras  del  Louvre,    que  se  dedicará  a  copiar  con  fruición  (pintores  renacentistas  y   barrocos).   Realizó   asimismo,   diversas   estancias   en   Italia   (Turín,   Milán,   Venecia,   Roma,   Nápoles…)   fuente   de   inspiración  inagotable  para  su  producción  artística10 .                                       Turner  paulatinamente  fue  caminando  hacia  la  abstracción11 .     Legó  su  producción  artística  a  Inglaterra  con  la  condición  de  que  le  dedicaran  un  museo,  y  tras  muchas  vicisitudes,   se   construyó   la   Tate   Gallery   en   Londres   con   una   impresionante   colección   de   sus   obras   (320   óleos   y   más   de   19.000  acuarelas  y  esbozos).  Se  inauguró  en  1987.     JOHN  CONSTABLE  (1776-­‐1837)  fue  un  pintor  destacado  y  un  tanto  atípico  del  paisajismo  romántico  inglés,  ya  que   no   se   limitó   a   pintar   paisajes   “románticos”   (ruinas,   tormentas,   naufragios…)   sino   que   también   representó   escenas  campestres  de  la  vida  cotidiana.   Alcanzó  un  gran  éxito  en  Francia,  donde  vendió  más  obras  que  en  su  Inglaterra  natal.  Solía  pintar  y  dibujar  al  aire   libre.  Asistía  a  clases  de  pintura  y  a  disecciones  anatómicas.  Como  Turner,  estudiaba  y  copiaba  a  los  grandes   maestros  (especialmente  a  Claude  Lorraine).  Confería  en  sus  paisajes  una  gran  importancia  a  la  luz,  el  color  y  la   pincelada  pastosa.  Influyó  en  artistas  contemporáneos  de  su  época  como  los  románticos  Géricault  y  Delacroix,   así  como  en  los  pintores  franceses  de  la  Escuela  de  Barbizon,  germen  de  los  futuros  impresionistas  que  también   acusaron  su  influjo.   10  De  regreso  a  Londres  en  1820,  puso  de  manifiesto  lo  aprendido  en  uno  de  sus  viajes  a  Italia  en  el  cuadro  titulado  Roma  vista  desde  el  Vaticano  donde  hace   un  sentido  homenaje  a  Rafael.     11  De  hecho,  llegaba  incluso  a  tener  que  clavar  un  clavo  en  el  marco  para  que  se  supiese  cuál  era  la  parte  de  arriba  al  enviarlos  a  las  exposiciones.  
  9. 9. 9                                                   THOMAS  COLE  (1801-­‐1848)  fue  un  paisajista  estadounidense  de  origen  inglés  que  realizó  también  pinturas  de   historia  y  de  otros  temas  (retratos,  etc.).  Está  considerado  el  primer  gran  paisajista  de  Estados  Unidos.  Vinculado   al  Romanticismo,  fue  el  fundador  de  la  Hudson  River  School,  un  movimiento  artístico  que  floreció  a  mediados  del   siglo  XIX.  En  sus  obras  reflejó  la  belleza  de  los  paisajes  de  Estados  Unidos.  Viajó  a  Inglaterra  y  a  Italia  (Grand  Tour)   y  estudió  allí  la  pintura  paisajística  de  los  grandes  maestros.     FRANCISCO  DE  GOYA  Y  LUCIENTES  nació  en  el  seno  de  una  familia  humilde  en  Fuendetodos  (Zaragoza)  en  1746.   Pronto  se  trasladó  con  su  familia  a  Zaragoza.  Allí  estudió  en  el  taller  de  un  pintor  tardobarroco,  José  Luzán.  En   este  taller  conoció  a  los  hermanos  Bayeu,  muy  importantes  para  su  carrera  profesional.  En  1763  se  trasladó  a   Madrid  con  el  deseo  de  hacer  fortuna  en  la  capital  como  pintor  de  la  Corte.  En  Madrid  trabajará  en  el  taller  de   Francisco  Bayeu.  Viajó  a  Italia  y  después  de  su  estancia  italiana  volvió  a  Zaragoza  donde  recibió  sus  primeros   encargos  dentro  de  una  temática  religiosa  y  un  estilo  totalmente  académico.    En  1773  Goya  contrae  matrimonio   en  Madrid  con  Josefa  Bayeu,  hermana  de  Francisco  y  Ramón  Bayeu.   Los  primeros  encargos  que  recibe  en  la  Corte  son  gracias  a  esta  relación.  Su  destino  sería  la  Real   Fábrica   de   Tapices   de   Santa   Bárbara,   para   la   que   Goya   deberá   realizar   cartones,   es   decir,   bocetos   que   después   se   transformarán  en  tapices.  La  relación  con  la  Real  Fábrica  durará  18  años  y  en  ellos  realizará  sus  cartones  más   preciados:  El  Quitasol,  La  Vendimia  y  un  largo  etcétera.    En  1780  ingresa  en  la  Academia  de  Bellas  Artes  de    San   Fernando  de  Madrid.  En  esta  ciudad,  inicia  su  faceta  retratística  que  le  servirá  para  abrirse  camino  en   la  alta   sociedad  española.  Buen  ejemplo  son  los  magistrales  retratos  de  los  Duques  de  Osuna,  la  condesa  de  Chinchón  o   la  Duquesa  de  Alba.  Fue  pintor  de  los  reyes  Carlos  III  y  Carlos  IV.  Su  relación  con  el  rey  Carlos  IV  fue  muy  estrecha   y  éste  le  nombró  Pintor  de  Cámara  en  1789.  Cobra  honorarios  elevados  y  se  añade  el  “de”  a  su  apellido,  dándose   así  ínfulas  de  personaje  noble  y  gran  artista.  Pero  en  1792  cae  enfermo,  se  desconoce  cuál  fue  su  enfermedad,   pero  le  dejará  una  secuela  de  por  vida:  se  queda  sordo.  La  sordera  le  aislará  y  propiciará  que  su  carácter  sea  más   avinagrado  y  retraido.   Las   influencias   en   la   obra   pictórica   de   Goya   proceden   de   la   pintura   italiana,   Rembrandt,   la   pintura   coetánea   inglesa  y  por  supuesto,  la  escuela  española,  en  especial  Velázquez,  al  que  tratará  de  emular  con  el  retrato  que   realizó  de  la  familia  real  y  que  nos  remite  a  Las  Meninas  velázqueñas.   Su  producción  artística  experimentó  diversas  etapas:  hay  un  primer  Goya  tardobarroco  y  rococó  –de  estilo  suave,   adulador  y  tonos  pasteles-­‐,  a  continuación  un  Goya  neoclásico  –de  líneas  más  depuradas  y  que  se  aprecia  en   detallas  como  la  indumentaria  o  las  joyas  presentes  en  los  retratos  que  realiza-­‐;  un  Goya  romántico  –que  se  deja   llevar  por  el  sentimiento  extremo  y  la  subjetividad,  a  la  vez  que  otorgo  el  protagonismo  al  pueblo  como  sujeto  y   objeto   del   arte-­‐;   hay   también   un   Goya   precedente   del   Impresionismo   –como   vemos   en   la   pincelada   suelta   y   pastosa   de   La   lechera   de   Burdeos,   realizada   un   año   antes   de   su   muerte;   y   finalmente,   el   Goya   más   bronco   y   dramático,  claro  precedente  del  Expresionismo  y  el  arte  de  vanguardia,  el  Goya  de  las  pinturas  negras.  Sin  esta   última  etapa,  Goya  quizá  no  habría  pasado  a  la  posteridad  con  la  importancia  y  relevancia  que  tiene  en  la  Historia   del  Arte.  En  definitiva,  es  una  de  las  figuras  claves  de  la  pintura  española  de  todos  los  tiempos,  y  artista  seminal   de  lo  que  será  el  arte  de  vanguardia,  desde  el  Impresionimo  –la  obra  del  “padre”  del  Impresionismo  Édouard   Manet  no  se  entiende  sin  su  influencia-­‐  hasta  el  Expresionismo,  Surrealismo,  etc.  
  10. 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   10 Por   último,   hay   que   señalar   que   junto   con   Durero,   Rembrandt   o   Picasso,   forma   parte   del   elenco   de   grandes   grabadores  de  la  historia,  como  podemos  ver  en  sus  grabados  de  los  Caprichos  –donde  critica  de  una  manera   ácida  y  despiadada  a  la  socidad  de  su  tiempo-­‐  o  Los  Desastres  de  la  Guerra  –donde  plasma  el  horror  de  la  guerra   de  la  Independencia  contra  los  franceses-­‐.                     La   Familia   de   Carlos   IV   es   el   ejemplo   más   paradigmático   de   la   influencia   de   Velázquez   en   Goya.   Gracias   a   las   cartas  de  la  reina  María  Luisa  de  Parma  a  Godoy  conocemos  paso  a  paso  la  concepción  del  cuadro.  La  obra  fue   realizada   en   Aranjuez   en   1800.   En   ella   aparece   retratada   la   familia   real   al   completo12 .   El   propio   pintor   se   autorretrata  pintando,  emulando  al  Velázquez  de  las  Meninas.  Como  el  gran  cuadro  de  Velázquez,  esta  pintura  es   de  gran  tamaño.  El  artista  muestra  a  los  personajes  como  si  de  un  friso  se  tratara,  en  tres  grupos  para  dar  mayor   movimiento  a  la  obra;  así,  en  el  centro  se  sitúan  los  monarcas  con  sus  dos  hijos  menores;  en  la  derecha,  el  grupo   presidido  por  el  príncipe  heredero  realizado  en  tonalidades  frías,  mientras  que  en  la  izquierda  los  Príncipes  de   Parma,  en  una  gama  caliente.  Todas  las  figuras  están  envueltas  en  una  especie  de  niebla  dorada  que  es  un  punto   de   conexión   más   con   La   familia   de   Felipe   IV.   Goya   quiere   plasmar   la   personalidad   de   los   retratados,   fundamentalmente  de  la  reina,  verdadera  protagonista  de  la  composición,  y  la  del  rey,  de  carácter  más  abúlico  y   ausente.   Estilísticamente   destaca   la   pincelada   tan   suelta   empleada   por   Goya;   desde   una   distancia   prudencial   parece  que  ha  detallado  todas  y  cada  una  de  las  condecoraciones,  pero  al  acercarse  se  aprecian  claramente  las   manchas.  Goya,  a  diferencia  de  Velázquez  en  Las  Meninas,  ha  renunciado  a  los  juegos  de  perspectiva  pero  gracias   a  la  luz  y  al  color  consigue  dar  variedad  a  los  volúmenes  y  ayuda  a  diferenciar  los  distintos  planos  en  profundidad.   Fue  la  primera  obra  de  Goya  que  entró  en  el  Museo  del  Prado,  siendo  valorada  en  1834  en  80.000  reales.   Otras  obras  clave  de  Goya,  muy  conocidas  son:  la  Maja  vestida  y  la  Maja  desnuda;  el  Dos  de  Mayo;  los  Fusilamientos   del  Tres  de  Mayo  de  1808;  Los  Duques  de  Osuna;  la  Condesa  de  Chinchón;  el  Coloso;  las  Pinturas  Negras  (1820-­‐22)  de   su  casa  de  las  afueras  de  Madrid,  donde  da  rienda  suelta  a  sus  miedos,  fantasías  macabras  y  sentimientos-­‐;  la   lechera  de  Burdeos  (1827),  etc.   De  ideología  liberal  e  ilustrado  –en  cierta  medida  era  un  afrancesado  aunque  con  un  enorme  amor  por  España-­‐   Goya  pasó  sus  últimos  años  de  vida  en  el  exilio,  en  Burdeos  (Francia),  donde  murió  en  1828  a  la  edad  de  82  años.   Está  enterrado  en  la  ermita  de  San  Antonio  de  la  Florida  de  Madrid,  donde  se  conservan  los  frescos  que  realizó   en  1789.     3.  LA  MÚSICA,  LA  ÓPERA    Y  LA  DANZA  EN  EL  ROMANTICISMO     Como  señalamos  anteriormente,  el  Romanticismo  propició  la  conexión  e  interrelación  entre  todas  las  artes.  Con   respecto   a   la   música,   la   cronología   abarca   el   período   comprendido   entre   los   años   1800-­‐1890,   aunque   hay   12  De  izquierda  a  derecha,  los  siguientes  personajes:  Carlos  María  Isidro,  hijo  de  Carlos  IV  y  María  Luisa  de  Parma;  el  futuro  Fernando  VII,  hijo  primogénito  de   la  real  pareja;  Goya;  Doña  María  Josefa,  hermana  de  Carlos  IV;  un  personaje  desconocido  que  podría  ser  destinado  a  colocar  el  rostro  de  la  futura  esposa  de   Fernando  cuando  éste  contrajera  matrimonio,  por  lo  que  aparece  con  la  cabeza  vuelta;  María  Isabel,  hija  menor  de  los  reyes;  la  reina  María  Luisa  de  Parma   en  el  centro  de  la  escena,  como  señal  de  poder  ya  que  era  ella  la  que  llevaba  las  riendas  del  Estado  a  través  de  Godoy;  Francisco  de  Paula  de  la  mano  de  su   madre,  de  él  se  decía  que  tenía  un  indecente  parecido  con  Godoy;  el  rey  Carlos  IV,  en  posición  avanzada  respecto  al  grupo;  tras  el  monarca  vemos  a  su   hermano,  Don  Antonio  Pascual;  Carlota  Joaquina,  la  hija  mayor  de  los  reyes,  sólo  muestra  la  cabeza;  cierra  el  grupo  D.  Luis  de  Parma;  su  esposa,  María  Luisa   Josefina,  hija  también  de  Carlos  IV;  y  el  hijito  de  ambos,  Carlos  Luis,  en  brazos  de  su  madre.  Todos  los  hombres  retratados  portan  la  Orden  de  Carlos  III  y   algunos  también  el  Toisón  de  Oro,  mientras  que  las  damas  visten  a  la  moda  Imperio  y  ostentan  la  banda  de  la  Orden  de  María  Luisa.  Carlos  IV  también  luce   la  insignia  de  las  Ordenes  Militares  y  de  la  Orden  de  Cristo  de  Portugal.
  11. 11. 11 corrientes  que  presentan  características  románticas  antes  de  estas  fechas  y  en  algunos  países  se  extenderá  hasta   bien  entrado  el  siglo  XX.     Las  notas  distintivas  de  la  música  vinculada  al  Romanticismo  son:   *Carácter   nacionalista:   la   música   del   Romanticismo,   según   los   diversos   países,   suele   tener   rasgos   políticos   e   identitarios   de   las   diversas   naciones   europeas.   Es   el   caso   especialmente   de   Alemania   e   Italia,   países   que   consiguieron  su  unificación  en  pleno  siglo  XIX.  El  nacionalismo  afectará  a  todas  las  artes  y  muy  en  especial  a  la   música.   *Superación  del  Clasicismo  –la  etapa  anterior-­‐.  Los  artistas  románticos  desean  romper  con  las  rígidas  normas  del   Clasicismo,  y  buscan  nuevas  formas  de  expresión  que  les  permitan  dar  rienda  suelta  a  su  impulso  creador.  En  esta   época  de  anhelo  de  libertad.  Crean  obras  para  un  público  que  en  ocasiones  les  adora,  aunque  no  siempre13 .     *Exaltación  de  los  sentimientos  y  las  pasiones.  Este  rasgo  es  muy  carácterístico  de  la  ópera  de  esta  etapa  y  de   algunas  composiciones  musicales,  de  fuerte  lirismo.  La  música  es  la  correa  de  transmisión  de  los  sentimientos.  El   piano  se  configura  con  el  instrumento  estrella  de  esta  etapa.     *Brilla  la  subjetividad  del  artista,  considerado  en  ocasiones  como  un  auténtico  genio.   *   Aparición   de   nuevos   géneros,   como   el   lied,   los   poemas   sinfónicos   o   el   drama   musical   (ópera   de   Wagner).   Recordemos   que   el   lied   –en   plural   en   alemán   lieder-­‐   son   composiciones   líricas   cantadas   por   un   solista   con   acompañamiento  instrumental  del  piano.   *Búsqueda  de  la  unión  de  todas  las  artes,  es  decir,  la  obra  de  arte  total  o  Gesamtkunstwerk  que  aúna  música,   literatura,  danza,  escenografía,  etc.   *La  vida  musical  europea  experimentó  en  esta  etapa  un  periodo  de  gran  intensidad  en  torno  a  ciudades  como   París,  Viena,  Londres,  etc.  Los  escenarios  eran  muy  diversos,  desde  teatros  paradigmáticos  de  la  época  (como  la   Scala  de  Milán,  inaugurado  en  1788)  a  salones  privados  donde  se  llevaban  a  cabo  veladas  musicales.     *Etapas:             Prerromanticismo  (1800-­‐1830):  Beethoven  será  la  figura  clave,    bisagra  entre  el  Clasicismo  y  el  Romanticismo.  En   esta  etapa  destaca  también  Schubert14 ,  que  logrará  la  expresión  plena  del  lirismo  romántico  en  sus  piezas  para   piano  y  en  los  lieder.  Beethoven  y  Schubert  fueron  consumados  pianistas  como  muchos  de  los  compositores  de   su  época.  De  ahí  que  en  sus  obras  incorporaran  de  inmediato  los  recursos  técnicos  que  ofrecía  el  instrumento,  en   vertiginosa  evolución  desde  su  invención  décadas  atrás.   Romanticismo  pleno  (1830-­‐1850):  es  la  etapa  de  la  plenitud  del  romanticismo  musical,  que  se  difunde  por  toda   Europa.  La  capital  de  la  música  del  Romanticismo  es  París.  Es  la  época  del  virtuosismo  instrumental  con  autores   como  Franz  Listz  (piano)  o  Paganini  (violín).     Romanticismo   tardío   (1850-­‐1890):   en   esta   etapa   triunfa   la   ópera   alemana   con   Wagner   y   la   italiana   con   Verdi   entre  otros.  Entre  los  compositores  descuella  Brahms.                     13  Algunos  músicos  componen  sus  obras  motu  propio,    sin  encargos  previos,  lo  que  propiciará  la  ruina  de  muchos  de  ellos.   14  Como  asegura  Luis  Gago,  Franz  Schubert  representa  un  caso  único  en  la  historia  de  la  música.  Fue  casi  coetáneo  de  Ludwig  van  Beethoven  pero,  al   contrario  que  él,  no  gozó  prácticamente  de  ningún  reconocimiento  en  vida.  Los  dos  vivieron  toda  su  vida  adulta  en  Viena,  uno  como  el  compositor  más   famoso  y  rupturista  de  su  tiempo,  y  el  otro  luchando  infructuosamente  para  que  se  reconociera  su  genio  y  se  publicaran  e  interpretaran  sus  obras.  La   temprana  muerte  de  Schubert  y  la  rápida  eclosión  del  Romanticismo  musical  contribuyeron  aún  más  a  que  gran  parte  de  su  música  permaneciera  en  el   olvido  durante  décadas,  valorada  y  apreciada  sólo  por  un  reducido  círculo  de  entendidos,  con  varios  de  los  grandes  compositores  románticos  a  la  cabeza.   Sólo  a  mediados  del  siglo  XX  empezó  a  cobrarse  conciencia  de  la  verdadera  dimensión  y  de  la  semilla  de  futuro  de  sus  creaciones,  valorándose  no  sólo  sus   Lieder  (compuso  más  de  seiscientos),  los  que  más  fama  le  reportaron  en  su  tiempo,  sino  también  sus  innovaciones  armónicas.  
  12. 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   12 Ludwig  van  Beethoven  (1770-­‐1827)   Ludwig   van   Beethoven   es,   probablemente,   el   más   célebre   compositor   del   período   romántico   y   uno   de   los   grandes   músicos   de   todos   los   tiempos.   Ejemplifica   el   ideal   de   genio   romántico,   de   gran   éxito   en   vida,   pero   marcado  por  la  sordera  que  empañó  sus  últimos  años,  como  le  ocurrió  a  Goya.  Ha  sido  una  figura  mítica  del   nacionalismo  alemán.  Su  pervivencia  en  nuestra  cultura  innegable,  como  lo  demuestra  el  hecho  de  que  sean   habituales  los  conciertos  de  sus  composiciones  y  sean  numerosas  las  películas  sobre  su  vida  y  obra15 .     Beethoven  nació  en  Bonn  (Alemania)  en  1770.  Allí  se  conserva  su  casa-­‐museo.  Murió  en  1827.  Tuvo  una  infancia   dificil  ya  que  su  padre  era  alcohólico  y  violento.  Al  descubrir  el  talento  musical  de  su  hijo  le  impuso  un  estricto   régimen  de  estudios  de  piano.  En  Viena  conoció  a  Mozart,  y  posteriormente  a  Haydn,  quien  lo  invitó  a  estudiar   con   él   en   la   capital   austriaca   donde   acude   en   1792   para   instalarse   definitivamente.   En   1801   comienzan   los   primeros  síntomas  de  sordera,  a  los  que  seguirán  problemas  psicológicos,  por  lo  que  en  1812  redacta  el  conocido   como   Testamento   de   Heiligenstadt,   casi   al   borde   del   suicidio.   De   espíritu   perfeccionista,   hizo   múltiples   correcciones  de  sus  manuscritos,  por  lo  que  su  catálogo  de  obras  no  es  tan  abundante  como  cabría  esperar.  Su   estilo  sinfónico  influiría  en  las  siguiente  generaciones  de  compositores  y  se  proyecta  hasta  bien  entrado  el  siglo   XX.     La  ópera   Durante  el  Romanticismo  la  ópera  experimenta  una  gran  desarrollo  y  se  convierte  en  el  espectáculo  preferido  de   la   burguesía.   La   ópera   es   el   arte   decimonónico   y   romántico   por   excelencia.   Se   construyen   teatros   por   toda   Europa  y  algunos  cantantes  se  convierten  en  verdaderos  divos  aclamados  por  el  público.   En   Italia,   cuna   de   la   ópera,   es   donde   surgen   las   principales   escuelas   que   marcarán   el   desarrollo   del   género   operístico  en  el  resto  de  Europa.  Podemos  destacar  dos  tendencias  operísticas  que  se  van  a  dar  a  lo  largo  del   Romanticismo:  Bel  Canto  y  Verismo.     *   BEL   CANTO:   Fue   una   etapa   –breve-­‐   de   la   historia   de   la   música   caracterizada   porque   se   concede   más   importancia  a  la  melodía  –bellísimas-­‐  que  al  ritmo  o  la  armonía.  Se  hace  hincapié  en  el  virtuosismo  vocal  de  los   cantantes  –las  voces  deben  sobresalir  sobre  la  orquesta-­‐  y  en  el  dramatismo  emocional.  Son  ejemplos  de  esta   tendencia:  los  compositores  G.  Donizetti  con  "El  elixir  del  amor",  V.  Bellini  con  "Norma"  y  G.  Rossini  con  "EL   barbero  de  Sevilla".  Esta  ópera  fue  la  más  representada  en  todo  el  siglo  XIX.  Con  el  Bel  Canto  surgió  por  primera   vez  el  “do  de  pecho”  (utilizando  el  pecho  como  caja  de  resonancia  y  no  en  falsete).  G.  Dupré  fue  el  primero  en   conseguirlo.  Entre  las  melodías  más  conocidas  del  Bel  Canto  destacan  “una  furtiva  lágrima”  de  Donizetti  o  “Casta   diva”  de  Bellini.   *  VERISMO:  surge  a  finales  del  siglo  XIX  ligado  al  realismo  y  naturalismo  literario.  Oscilan  entre  el  realismo  y  el   romanticismo.  Los  máximos  representantes  de  este  tipo  de  ópera  son  P.  Mascagni  con  "Caballería  rusticana"  y  G.   Puccini  con  sus  impresionantes  óperas  "Tosca",  "  La  Bohème"  o  "Madame  Butterfly".                                                                                             Giuseppe  Verdi  (1813-­‐1901)   El  genio  de  la  ópera  italiana,  Giuseppe  Verdi  nace  en  Roncole  di  Busseto  (ducado  de  Parma  por  entonces)  en  1813   en  el  seno  de  una  familia  de  agricultores.  Durante  su  infancia  recibe  clases  de  música  del  organista  de  la  iglesia  de   15  También  la  música  de  Beethoven  aparece  en  obras  de  teatro,  documentales,  y  películas  como  El  pianista  (2002)  o  El  discurso  del  rey  (2010).    
  13. 13. 13 su   pueblo.   Prosiguió   sus   estudios   musicales   de   forma   intermitente   hasta   que   encontró   un   mecenas,   Antonio   Barezzi,  un  comerciante,  amante  de  la  música  y  presidente  de  la  Filarmónica  local  que  le  costeará  los  estudios  de   música.   Será   en   el   futuro   su   yerno   porque   se   casó   con   su   hija   Margarita   que   le   dará   dos   hijos.   Verdi   realizó   estudios  de  música  en  Milán16  –aunque  no  en  el  Conservatorio  ya  que  no  superó  el  examen  de  ingreso-­‐  .   En  1839  consiguió  estrenar  su  primera  ópera  en  el  Teatro  de  la  Scala  de  Milán17 ,  obteniendo  un  discreto  éxito.     Sus  óperas  suelen  inspirarse  en  autores  románticos  como  Schiller  (Luisa  Miller),  Víctor  Hugo  (Hernani),  Alejandro   Dumas  (La  Traviata),  Byron  (Los  Corsarios)  o  Scribe  (Un  Ballo  in  Maschera),  así  como  en  dramaturgos  españoles  (Il   Trovatore)  y  por  supuesto  las  miserias  y  bajas  pasiones  de  las  tramas  shakesperianas.  La  base  sobre  la  que  se   sustenta  su  ópera  es  la  contradictoria  idea  que  “inventar  la  verdad  es  mucho  mejor  que  copiarla”.                           El  fallecimiento  de  su  jovencísima  esposa  y  de  sus  dos  hijos  en  breve  intervalo  de  tiempo  le  sumieron  en  una  gran   tristeza.   Afortunadamente,   en   1842   estrenó   su   gran   ópera   Nabucco   con   la   que   obtendría   un   clamoroso   éxito   popular,  especialmente  el  coro  de  los  esclavos  de  Nabucco,  que  fue  interpretado  en  clave  de  liberación  patriótica   frente  al  dominio  de  los  austriacos  que  gobernaban  el  norte  de  Italia.  Fue  tan  popular  que  la  gente  lo  cantaba  por   la  calle.  Se  convirtió  en  un  himno  italiano.    1842  es  un  año  vital  en  su  vida,  ya  que  conoce  a  la  soprano  y  pianista   Giuseppina  Strepponi  que  será  su  segunda  mujer  y  a  la  la  condesa  Clarina  Maffei,  gracias  a  la  cual  se  le  abren  las   puertas   de   la   alta   sociedad   milanesa.   Comienza   entonces,   una   fructífera   etapa   en   su   producción   operística,   trabajando  sin  descanso.  En  la  década  de  los  40  estrena  varias  óperas  como  Hernani  (en  italiano  Ernani),  I  due   foscari,  Macbeth,  etc.    En  los  años  50  su  éxito  se  acrecienta  con  el  estreno  de  sus  tres  óperas  más  populares:   Rigoletto  ,  Il  Trovatore  y  La  Traviata.  En  la  década  de  los  60  participa  en  política  ya  que  será  diputado  del  primer   parlamento  italiano  y  en  1874  fue  elegido  senador.  Por  entonces  compone  La  forza  del  destino  (1862)  y  la  célebre   Don  Carlos  (1867),  basada  en  la  trágica  historia  del  hijo  del  rey  español  Felipe  II.     Verdi  también  encontró  el  modo  y  el  tiempo  de  dedicarse  a  los  demás,  en  especial  a  los  más  necesitados:  en  1888   inauguró   un   hospital   en   Villanova   D’Arda,   enteramente   financiado   por   él   y   en   1880   compró   un   terreno   para   construir  una  “Casa  di  Riposo  per  Musicisti”,  que  todavía  existe  y  que  consideraba  como  su  “obra  más  bella”.  En   sus  últimos  años  de  vida  escribe  la  ópera  Otello;  la  única  ópera  cómica,  Falstaff  y  en  1898  varias  composiciones   de   música   sacra18 .   Murió   en   Milán   en   1901,   aclamado   y   adorado   por   el   público,   convertido   en   un   símbolo   nacionalista  de  la  cultura  italiana.  Recordemos  que  hasta  su  apellido  pasó  a  ser  un  acrónonimo  de  reivindicación   de  la  unidad  italiana  a  través  del  rey:  Vittorio  Emmanuele  Rey  De  Italia.     Richard  Wagner  (1813-­‐1883)  y  la  mitología  germánica   Durante   la   primera   mitad   del   siglo   XIX   se   desarrolló   en   Alemania   una   ópera   inspirada   en   la   mitología   y   la   literatura  germánica.  Son  obras  de  gran  dramatismo,  en  las  que  el  protagonismo  se  halla  en  la  naturaleza,  lo   mágico   y   sobrenatural.   Los   orígenes   de   este   tipo   de   ópera   legendaria   tienen   a   Carl   María   von   Weber   a   su   principal  configurador  con  su  obra  “El  cazador  furtivo”.  Pero  el  compositor  que  marcaría  la  pauta  de  la  ópera   alemana   en   el   siglo   XIX   fue   el   genial   Richard   Wagner.   De   vida   un   tanto   turbulenta,   y   carácter   egocéntrico   y   dominante,  no  solo  fue  compositor  de  óperas,  también  fue  director  de  orquestas,  poeta,  dramaturgo  y  teórico   musical  alemán.       16  Su  profesor  fue  el  músico  Vincenzo  Lavigna  del  que  recibió  en  Milán  clases  particulares.   17  La  ópera  se  llamaba  “Oberto  Conte  di  San  Bonifacio”.   18  Stabat  Mater  ,  Laudi  alla  Vergine  e  Te  Deum.    
  14. 14. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   14                 Wagner  nació  en  Leipzig  y  murió  en  Venecia.  Su  pasión  por  la  música  comenzó  al  conocer  las  obras  de  Weber  y   Beethoven.  Fue  músico  prácticamente  autodidacta.  Después  de  una  vida  disipada  entre  el  juego  y  las  mujeres,   contrae   matrimonio   y   se   instaló   primero   en   París   y   luego   en   Dresde,   donde   encontrará   el   éxito.   Por   motivos   políticos  –estuvo  involucrado  en  partidos  nacionalistas  de  izquierda  19 -­‐  se  exilió  en  Suiza.  Vuelve  a  Munich  y  allí  se   separa  de  su  esposa  y  comienza  una  relación  amorosa  con  Cosima,  hija  de  Franz  Listz  y  esposa  de  Hans  von   Bülow.  De  carácter  egocéntrico  y  dominante,  tuvo  acérrimos  adversarios  y  grandes  partidarios  y  amigos.   El  principal  legado  artístico  de  Wagner  son  sus  obras  operísticas.  Fue  el  renovador  de  la  ópera  romántica  que  en   su  caso,  dado  el  intenso  dramatismo  de  sus  tramas  se  han  denominado  como  “dramas  musicales”  (aunque  él  no   usó  ese  nombre  para  referirse  a  ellas).  En  sus  óperas  no  se  limita  a  escribir  la  música  sino  también  los  textos  (el   libreto).    A  estos  libretos  los  denominaba  “poemas”.  Sus  textos  son  exaltados,  ampulosos,  con  un  vocabulario   muy  barroco.   Los  dramas  musicales  de  Wagner  se  caracterizan  por:     *La  ópera  para  Wagner  es  Gesamtkunstwerk  o  "la  obra  de  arte  total",  ya  que  busca  la  fusión  de  todas  las  artes   (poesía,  música,  escenografía,  acción,...)  que  se  aglutinan  de  manera  inseparable  en  sus  obras.   *Utiliza  la  melodía  infinita,  que  no  se  interrumpe,  para  dotar  de  mayor  dramatismo  a  su  obra.   *La  música  está  al  servicio  de  la  expresión  dramática.  La  orquesta  tiene  un  papel  principal  en  el  desarrollo  y   explicación  de  la  acción.   *Wagner  confería  igual  importancia  a  la  orquesta  que  al  canto.     *En  sus  últimas  óperas  incluye  el  uso  de  leitmotivs,  temas  o  motivos  musicales  que  se  van  repitiendo  a  lo  largo  de   toda  la  composición   *Son  óperas  larguísimas:  pueden  sobrepasar  las  cinco  horas  sin  interrupciones.   *Durante  una  etapa  de  su  vida,  fue  amigo  del  filósofo  alemán  Nietzsche20  y  en  sus  óperas  se  puede  observar  la   influencia  de  diversos  filósofos  como  Schopenhauer,  Pierre-­‐Joseph  Proudhon  y  Ludwig  Feuerbach.   *Por  lo  que  se  refiere  a  la  mitología  nórdica  presente  en  sus  ópera,  Wagner  encontró  en  la  Biblioteca  Real  de   Dresde  unos  manuscritos  que  trataban  de  la  leyenda  de  los  nibelungos  y  de  Sigfrido,  personajes  típicos  de  la   mitología   escandinava   que   conforman   una   de   las   “sagas”   más   famosas   de   esta   literatura.   Las   sagas   eran   leyendas  sobre  seres  heróicos  o  mitológicos.  La  mitología  escandinava  es  casi  tan  complicada  como  la  greco-­‐ romana  y  presenta  algunas  analogías  con  ella,  a  causa  del  común  origen  de  estos  pueblos.  La  mitología  nórdica   se  basa  mucho  en  las  fuerzas  luminosas  y  benéficas  de  la  naturaleza  (el  sol,  la  luz,  la  lluviaeran  diosas)  y  en  las   malignas  (borrascas,  frío,  fuego  volcánico,  …)  representados  por  gigantes,  seres  monstruosos.  Los  enemigos  de   los  dioses  eran  los  enanos  (nibelungos),  que  surgieron  de  las  tinieblas  subterráneas  hasta  el  fondo  de  los  ríos  y   los  lagos.  Los  dioses  de  las  sagas  nórdicas  son  muy  guerreros.  El  dios  principal  es  Odín,  que  nos  recuerda  mucho   al  Zeus  griego  o  al  Jupiter  romano.  Las  valkirias  eran  las  vírgenes  guerreras  que  cabalgaban  sobre  las  nubes  con   indómitos   corceles.   Descendían   al   campo   de   batalla   para   llevarse   a   los   héroes   caídos   al   Valhalla,   el   paraíso.   Brunilda  era  la  preferida  de  Odín.  Su  desobediencia  –por  proteger  a  un  héroe  llamado  Siegmund-­‐  la  hizo  perder   la  esencia  divina  y  convertirse  en  una  simple  mujer.  Entonces  Odin  la  sumió  en  un  sueño  eterno  y  la  abandonó  en   19  Wagner  era  claramente  de  tendencia  antisemita  como  se  puede  comprobar  leyendo  sus  escritos.   20  Friedrich  Nietzsche  formó  parte  del  círculo  de  amigos  más  íntimo  de  Wagner  durante  la  década  de  1870  y  su  primera  obra  publicada,  El  nacimiento  de  la   tragedia   en   el   espíritu   de   la   música,   es   un   canto   a   la   música   de   Wagner   como   ideal   regeneracionista   dionisíaco   frente   a   la   decadente   cultura   europea   apolínea.  Pero  Nietzsche  rompió  su  relación  con  el  compositor  después  del  primer  Festival  de  Bayreuth,  cuando  detectó  en  él  signos  de  complacencia  con   el  cristianismo  así  como  sumisión  al  nuevo  Imperio  alemán.  
  15. 15. 15 un  castillo  rodeado  de  fuego  para  que  nadie  llegara  hasta  ella.  Pero  Sigurd  (Siegfried),  el  más  valiente  de  los   héroes,  atravesó  las  llamas  y  la  despertó.   El  anillo  del  Nibelungo  wagneriano  es  una  síntesis  de  la  mitología  nórdico-­‐germánica.  Una  amalgama  de  diferentes   cuentos  mitológicos  que  destila  una  historia  que  abarca  el  principio  y  el  fin  de  un  mundo.  Una  obra  que  ha  sido   interpretada  en  un  número  casi  infinito  de  formas. La  esencia  del  drama  de  El  Anillo  es  una  lucha  entre  el  poder   (o  la  política)  y  el  amor. Wagner  muestra  como  el  amor  puede  luchar  contra  estas  injusticias,  aunque  todo  el   mundo  pueda  ser  destruido  en  dicha  lucha.     Wagner  reinterpreta  la  mitología  a  su  manera,  siguiendo  el  gusto  romántico  del  momento,  siempre  dentro  de  un   gran  simbolismo  de  carácter  filosófico.  Como  señalaba  Nietzche,  Wagner  es  mucho  más  que  música…     *  Entre  sus  principales  óperas,  todas  de  gran  complejidad  y  ambientadas  en  la  mitología  escandinava  destacan   "Tristán   e   Isolda"   –considerada   como   la   ópera   iniciadora   de   la   música   moderna-­‐,   "Tannhäuser",   “El   holandés   errante”  y  la  tetralogía  "El  anillo  de  los  Nibelungos".  Resumidamente,  esta  ópera  cuenta  la  historia  del  héroe   Siegfried  que  debe  recuperar  un  anillo  de  oro  que  han  fabricado  los  nibelungos  tras  robar  el  mineral  de  las  aguas   del  Rin.  Siegfried  tiene  que  devolver  ese  anillo  a  las  hijas  del  Rin  pero  no  lo  consigue  y  muere.  Un  drama  al  más   puro  estilo  romántico.   *Gracias  al  mecenazgo  del  rey  Luis  II  de  Baviera,  Wagner  concibió  un  teatro  y  un  festival  llamado  Bayreuth  en  la   ciudad   alemana   de   homónimo   nombre,  dedicado   a   la   representación   de   sus   óperas.   Hoy   en   día   este   festival,   meca  de  peregrinación  para  los  entusiastas  de  Wagner,  lo  dirigen  los  descendientes  de  este  compositor  alemán.       *La  obra  de  Wagner  ha  influido  en  filósofos,  escritores,  artes  visuales  y  teatro  del   siglo   XX.   Por   lo   demás,   fue   el   compositor   musical   favorito   de   Hitler.   Gustav   Mahler   afirmó   sobre   él,   «solo   hubo   Beethoven   y   Wagner;   y   después   de   ellos,   nadie»     Por  último,  hay  que  subrayar  que  a  través  de  youtube  podemos  disfrutar  on-­‐line   de  extractos  de  óperas  de  los  compositores  citados,  con  actuaciones  estelares  de   María  Callas,  Enrico  Caruso,  Montserrat  Caballé,  Pavarotti,  Plácido  Domingo,  Alfredo  Kraus,  etc.     La  danza  en  el  Romanticismo   El  ballet  es  una  de  las  artes  escénicas.  El  término  “ballet”  procede  del  italiano  “balleto”,  diminutivo  de  “ballo”   que  quiere  decir  danza.  Esta  palabra,  que  es  francesa,    deriva  del  latín  y  a  su  vez  del  griego.       El  ballet  es  un  tipo  de  danza  que  se  remonta  al   Renacimiento   italiano  (siglo  XV).  Ya  durante  el  siglo  XVII,  en   Francia,  en  la  corte  de  Luis  XIV,  el  rey  Sol,  surge  la  mayor  parte  de  vocablos  relativos  al  ballet,  por  supuesto  en   francés.  Todavía  hoy  se  utiliza  esta  terminología.  El  ballet  es  un  tipo  de  danza  con  una  enorme  difusión  por  todo   occidente  (Europa,  Estados  Unidos,  etc.)   El  ballet  romántico  apareció  a  inicios  del  siglo  XIX  y  cronológicamente  se  extiende  de  1815  a  1845-­‐1850.  El  ballet   romántico   abandonó   los   mitos   de   la   Grecia   antigua   para   centrarse   en   la   mitología   nórdica,   poblada   de   elfos   (enanos  con  poderes  mágicos21 ),  ondinas  (ninfas  de  las  aguas)  y  trolls  (monstruos).  Es  una  danza  etérea,  llena  de   gracia   y   delicadeza.     A   inicios   del   Romanticismo   algunos   coreógrafos   franceses   se   instalaron   en   Rusia22  –en   particular  el  bailarín  y  coreógrafo  Marius  Petipá-­‐  siendo  el  gérmen  de  una  escuela  de  ballets  rusos,  cuyo  prestigio   y  relevancia  se  han  mantenido  hasta  la  actualidad  (Ballet  Bolshoi  de  Moscú,  el  Marinsky  de  San  Petersburgo  …).   Petipa  es  célebre  sobre  todo  por  sus  coreografías  de  los  ballets  Cascanueces,  La  bella  durmiente  o  El  lago  de  los   cisnes  con  música  de  Tchaikovsky  (1840-­‐1893).     La   palabra   “clásico”   como   sinónimo   de   “ballet   romántico”   hizo   su   aparición   con   los   Ballets   rusos   en   1910   y   actualmente  se  sigue  denominando  así.  Estos  ballets  continúan  representándose  en  todo  el  mundo.   El  primer  gran  ballet  romántico  fue  “La  Sílfide”  (La  Sylphide).  Las  sílfides  en  la  mitología  nórdica  son  un  tipo  de   ninfas  etéreas,  bellas  y  delgadas,  espíritus  del  aire.  Este  ballet  fue  estrenado  en  el  Teatro  de  la  Ópera  de  París  en   21  Eran  herreros,  orfebres,  alquimistas… 22  Entre  los  bailarines  destacados  se  encuentra  el  ruso  V.  Nijinski  (1890-­‐1950).    
  16. 16. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                    Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   16 1832  por  el  coreógrafo  Filippo  Taglioni  para  su  hija  María.  Fue  la  apoteosis  del  ballet  blanc23  (ballet  blanco)  que   triunfará  durante  treinta  años.                                                                               María  Taglioni  (1804-­‐1884)  se  convertirá  en  la  gran  bailarina  de  la  época  romántica,  participando  en  los  estrenos   de   los   ballets   de   los   principales   compositores.   Era   sueca   de   origen   italiano   y   fue   la   primera   en   llevar   tutú,   precisamente  en  el  ballet  de  la  Silfide  y  en  bailar  ese  ballet  en  puntas,  aunque  se  atribuye  la  invención  de  esa   técnica   a   la   bailarina   italiana   Amalia   Brugnoli   en   1823   en   Viena.24  A   partir   de   María   Taglioni,   el   tutú   será   el   “uniforme”  por  excelencia  de  la  bailarina  de  ballet  clásico.     Tanto   con   el   tutú   -­‐que   es   una   falda   de   ballet   compuesta   por   varias   capas   de   tul25 -­‐   como   con   las   puntas,   se   conseguía   que   la   bailarina   fuera   un   ser   etéreo,   ingrávido,   delicado,   elegante   y   muy   femenino.   El   tutú   normalmente  va  cosido  a  un  “bustier”  o  cuerpo.     Aunque  con  diversas  variantes,  podemos  distinguir  dos  tipologías  principales  de  tutús:   *El  tutú  largo  romántico,  también  llamado  “tutú  Degas”,  por  referencia  al  pintor  impresionista  Degas  que  pintó   decenas  de  bailarinas.   *El  tutú  plateau  o  “plato”  por  sus  formas  redondas,  que  parten  desde  la  cadera,  nunca  desde  la  cintura.     La  elección  de  un  tutú  u  otro  depende  del  tipo  de  ballet  que  se  va  a  representar,  por  ejemplo  Giselle  suele  ser  con   tutú  largo  mientras  que  en  El  Lago  de  los  cisnes  o  Don  Quijote26  predomina  el  tutú  plato.                         Los  materiales  que  se  utlizan  para  su  fabricación  son  ligeros,  finos,  fluidos  y  dejan  pasar  la  luz.  Pueden  estar   fabricados  con  tul,  gasa,  muselina,  organza  …  incluso  nilon  en  el  siglo  XX.   El  término  tutú  surgió  mucho  después  de  creada  la  prenda,  en  concreto  en  1881.  Una  hipótesis  sobre  el  origen  de   este  vocablo  considera  que  deriva  del  material  con  el  que  están  hechos  los  tutús,  el  “tul”.  En  aquella  época,  eran   las   propias   bailarinas   las   que   debían   costearse   el   tutú   que   llevaban   en   escena,   con   dimensiones   estrictas   en   cuanto  al  largo  de  la  falda.  Con  el  tiempo,  las  faldas  de  los  tutús  fueron  acortándose,  permitiendo  así,  mayor   libertad   de   movimientos   a   las   bailarinas.   A   finales   del   siglo   XIX,   los   tutús   en   el   Teatro   de   la   Ópera   de   París,   23  El  ballet  blanco  fue    creado  en  París  y  se  caracteriza  porque  es  una  escena  en  la  que  se  visten  de  blanco  todos  los  integrantes  del  corps  o  cuerpo  de  baile.   Desde  los  tiempos  del  ballet  romántico  estas  escenas  están  pobladas  por  hadas,  sílfides,  etc.   24  En  la  década  de  los  20  y  los  30,  la  bailarina,  coreógrafa  y  actriz  Harriet  Hoctor,  llevó  el  baile  en  puntas  al  género  de  vaudeville  y  burlesque.   25  Habitualmente  de  3  a  5  capas  de  tul.   26 El  bellísimo  ballet  Don  Quijote  fue  estrenado  en  1869  en  el  Teatro  Imperial  de  Bolshoi  de  Moscú,  con  coreografía  y  libreto  de  Marius  Petipa  y  música  de   Ludwig  Minkus.  

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