Apuntes FUNDAMENTOS DEL ARTE TEMA 3. ARTE ENTRE DOS SIGLOS XIX Y XX. LAS VANGUARDIAS (I)

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE TEMA 3. ARTE ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX.

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Apuntes FUNDAMENTOS DEL ARTE TEMA 3. ARTE ENTRE DOS SIGLOS XIX Y XX. LAS VANGUARDIAS (I)

  1. 1. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                                                   FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II. TEMA  3.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS  XIX  Y  XX   (I):  LAS  VANGUARDIAS
  2. 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         TEMA  3.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS,  XIX  Y  XX  (I):  LAS  VANGUARDIAS     1.   Arte   entre   dos   siglos:   Simbolismo.   Nabis.   Impresionismo.   Postimpresionismo.   Luminismo.   Pintura   española.   2.   El   grabado   japonés  Ukiyo-­‐E.  3.  Las  primeras  vanguardias  del  siglo  XX:  el  Fauvismo.  El  Cubismo.  4.  La  música.     1.  ARTE  ENTRE  DOS  SIGLOS:  SIMBOLISMO.  NABIS.  IMPRESIONISMO.  POSTIMPRESIONISMO.  LUMINISMO.   PINTURA  ESPAÑOLA     Simbolismo     El   Simbolismo   fue   una   corriente   cultural,   fundamentalmente   literaria   y   pictórica,   que   surgió   en   las   últimas   décadas  del  siglo  XIX  y  se  extendió  hasta  los  primeros  decenios  del  siglo  XX.  El  término  Simbolismo  fue  acuñado   por   el   poeta   francés   Jean   Moréas   en   1886   en   su   Manifiesto   Simbolista   para   definir   aquellos   poetas   que   expresaban   sentimientos   profundos   y   personales,   revistiendo   la   idea   de   una   forma   sensual.   Pronto   comenzó   también  a  designarse  con  este  vocablo  a  aquellos  artistas  que  rechazaban  el  naturalismo  pictórico  –como  por   ejemplo  la  pintura  academicista    o  la  pintura  impresionista-­‐  para  abogar  por  un  arte  más  subjetivo,  imaginativo  y   fantasioso.  Es  un  arte  con  un  fuerte  contenido  poético,  incluso  místico1  en  algunos  casos.  Los  simbolistas  eran   estetas  y  exquisitos,  que  valoraban  la  belleza  como  bien  supremo  y  rechazaban  la  vulgaridad  de  la  vida  moderna.   Proclamaban  sin  ambages  el  carácter  elitista  de  su  arte.     El  Simbolismo  surgió  en  Francia  y  se  difundió  por  Europa  (Bélgica,  España,  etc.).  Sus  principales  representantes   fueron   Gustavo   Moreau,   Pierre   Puvis   de   Chavannes,   Odilon   Redon   y   muchos   otros,   que,   al   menos   tangencialmente,  se  acercaron  con  sus  obras  a  los  postulados  simbolistas  como  Van  Gogh  o  Gauguin,  ambos   simbolistas  a  su  manera.  Y  es  que  el  Simbolismo  supera  nacionalidades,  límites  cronológicos  y  estilos  personales.     Los   simbolistas   son   herederos   del   Romanticismo,   y   tienen   como   precedente   a   los   pintores   nazarenos,   a   los   prerrafaelitas   y   a   William   Blake,   que   en   muchos   aspectos   anticipa   ya   el   simbolismo.   Serán   derivaciones   del   Simbolismo  el  Grupo  de  pintores  de  Pont  -­‐Aben2 ,  los  Nabis  y  el  Modernismo  o  Art  Nouveau.   En  realidad,  como  bien  señala  Julián  Gállego,    hablar  de  arte  simbolista    es  una  redundancia  porque  todo  arte  es   simbólico  aunque  lo  creamos  realista.  Un  cuadro  o  una  escultura  no  es  una  mera  copia  de  la  realidad  sino  una   interpretación  de  la  misma.  El  contenido  simbólico  puede  ser  religioso,  filosófico,  político,  social,  sensual,  etc.   Para  Gállego,  el  Simbolismo  es  expresar  lo  inexpresable  de  una  manera  exquisita.  Daban  forma  a  lo  inefable   como  sueños  y  visiones.                                                 En   la   temática   pictórica   simbolista   abundan   las   escenas   de   carácter   literario,   bíblico   o   mitológico.   Combinan   cierto  misticismo  pagano  con  lo  perverso  y  decadente,  presentando  así,  un  interés  por  el  ocultismo,  lo  mórbido,   el  mundo  de  los  sueños,  la  melancolía,  el  mal  y  la  muerte.  El  erotismo  está  muy  presente  en  algunos  pintores   simbolistas  que  suelen  representar  a  una  mujer  fatal  que  destroza  cuando  ama,  una  mujer  que  adopta  forma  de   esfinge,  sirena,  araña,  o  genio  alado  diabólico. El   Simbolismo,   como   también   el   Romanticismo,   fomentaba   el   escapismo,   el   huir   de   la   realidad   y   de   los   convencionalismos  burgueses.  Poetas  y  pintores  buscaban  paraísos  artificiales  a  través  de  las  drogas  como  el   hachís  o  el  alcohol.   La  pintura  simbolista  suele  privilegiar  la  mancha  sobre  el  dibujo  y  presenta  un  vivo  colorido,  utilizado  muchas   veces  de  forma  arbitraria  (un  rostro  azul,  un  paisaje  amarillo,  etc.)  antecedente  de  la  vanguardia  fauvista.  En  las   1  Misticismo  pagano  podría  ser  llamado,  aunque  parezca  un  oxímoron  (contradicción  en  términos).   2  Muy  cercana  a  los  planteamientos  del  Simbolismo  se  sitúa  la  Escuela  de  Pont-­‐Aven,  una  de  las  primeras  en  definirse  así.  Pont-­‐Aven  es  pueblecito  de  la   Bretaña  francesa,  a  donde  se  dirigió  en  1886  un  grupo  de  pintores  como  Émile  Bernard  o  Gauguin  en  sus  inicios.  
  3. 3. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         composiciones   se   aprecia   la   influencia   de   las   estampas   japonesas   (en   los   colores   planos,   las   perspectivas   en   diagonal,  etc.)   La  pintura  simbolista  es  según,  su  máximo  experto,  el  escritor  francés  Albert  Aurier:   *Ideista:  porque  refleja  una  idea  mediante  símbolos.   *Sintética  y  de  fácil  apreciación.   *Subjetiva:  porque  refleja  la  interioridad  y  la  personalidad  del  pintor  o  escultor.   *Decorativa.  En  principio,  todo  buen  arte  es  decorativo  y  el  simbolismo  lo  es,  en  un  sentido  similar  a   como  lo  fue  el  arte  egipcio  o  el  griego.     Un  pintor  simbolista:  ODILON  REDON  (1840-­‐1916)       Odilon  Redon  fue  un  simbolista  francés  cuyas  pinturas  y  grabados  incluyen  mitos  clásicos  y  orientales,  retratos,   flores  y  referencias  literarias.  Fue  también  ilustrador.  Dotado  de  una  fantasía  mística  y  desbordante  a  un  tiempo,   hasta   1890   trabajó   casi   exclusivamente   en   blanco   y   negro,   al   que   consideraba   el   príncipe   de   los   colores,   realizando  sobre  todo  dibujos  al  carbón  y  litografías.  Cuando  ya  contaba  con  cincuenta  años  fue  introduciendo  el   color  en  su  pintura,  que  será  un  elemento  esencial  en  su  obra,  igual  que  la  luz,  como  podemos  contemplar  en  sus   acuarelas,   pasteles   y   óleos.   Gran   admirador   de   Goya,   Poe,   Baudelaire   y   Moreau,   ha   sido   llamado,   con   razón,   precursor  del  Surrealismo.                               La  pintura  NAIF  y  el  Simbolismo:  HENRI  ROUSSEAU  EL  ADUANERO  (1844-­‐1910)     En  relación  con  el  Simbolismo,  encontramos  a  un  pintor  francés  heterodoxo  y  original  llamado  Henri  Rousseau3 .   Nació  en  un  pueblecito  francés,  Laval,  un  paisaje  rural  plagado  de  castillos,  bosques  y  ríos.   Se  estableció  en  París  donde  encontró  trabajo  como  recaudador  de  impuestos  -­‐más  que  aduanero  propiamente   dicho-­‐  en  la  oficina  municipal  de  París.  Y  es  que  nunca  fue  "aduanero"  a  pesar  de  su  sobrenombre.  En  su  tiempo   libre   se   dedicaba   a   pintar   y   a   copiar   sin   descanso   pinturas   y   grabados   del   Louvre   (como   la   obra   del  pompier   Gérôme).                     Aunque   le   llovieron   las   críticas   negativas,   fue   un   referente   para   los   artistas,   intelectuales   y   coleccionistas   de   vanguardia  y  contó  con  el  apoyo  de  Malraux,  Picasso  y  los  Nabís.   Expuso  por  primera  vez  dos  obras  en  1885  y  al  año  siguiente  participó  en  el  Salon  des  Indépendants  fundado  por   Georges  Seurat,  Odilon  Redon  y  Paul  Signac  bajo  el  lema:  sin  jurado  y  sin  premios.  Participó  allí  asiduamente.  En   1893,  Rousseau  abandonó  su  trabajo  para  dedicarse  solo  a  pintar.   Las  pinturas  más  célebres  de  Henri  Rousseau  son  de  naturaleza  selvática  y  animalística,  fruto  de  su  imaginación   desbordante,  ya  que  nunca  salió  de  Francia.     3  Más  imágenes  en  http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/08/henri-­‐rousseau-­‐el-­‐candor-­‐arcaico.html  
  4. 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Una  de  sus  obras  más  fascinantes  y  evocadoras  es  La  encantadora  de  serpientes.  En  ella  contemplamos  a  una  Eva   negra  con  ojos  de  pantera  que  domina  a  la  serpiente  -­‐y  no  al  revés-­‐  con  la  magia  de  la  música.  La  atmósfera  es  a   contraluz,  dentro  de  una  naturaleza  exuberante  y  lujuriosa.  Fue  un  cuadro  que  gustó  mucho  a  los  surrealistas  y   que  nos  retrotrae  a  Gauguin  en  cierta  medida.     Son  notas  distintivas  de  su  pintura:   *Frontalidad  casi  hierática.   *Acentuada  bidimensionalidad.   *Cromatismo  brillante.   *Detallismo.       *Simplificación  de  las  formas.   *Muy  dibujístico,  marca  mucho  los  contornos.   *Se  centra  en  todos  los  planos  de  perspectivas.   *Luz  fría,  sin  sombras  ni  claroscuros.   *Formas  desproporcionadas  y  jerarquización  de  tamaño  que  sirve  para  enfatizar  temas  o  figuras.     Henri  Rousseau  expuso  en  el  Salón  de  Otoño  de  París  de  1909  con  artistas  de  la  talla  de  Derain  o  Matisse.  Eran  los   orígenes   del   Fauvismo.   A   partir   de   1911,   tras   su   muerte,   surgió   el   "falso"   mito   de   pintor   "dominguero",   autodidacta,  iletrado  y  con  frecuencia  ridiculizado,  y  pasó  a  ser  un  referente  importante.  Es  cierto  que  el  grupo  El   Jinete  Azul  le  consideró  un  precursor  y  Max  Weber  le  alabó  inconmensurablemente.  Sus  pinturas  fueron  de  una   novedad  absoluta.  Ni  impresionista,  ni  simbolista,  pasó  a  ser  considerado  como  un  pintor  primitivo  y  naif4  (rico   de   "ingenuidad   infantil"   le   llamaba   su   gran   estudioso   Ardengo   Soffici)   un   "artesano".   Le   adoraron   Robert   Delaunay,  André  Bretón...  Fue  amigo  de  Apollinaire  y  Picasso,  quien  en  1908,  le  organizó  un  banquete  que  se   acabó  convirtiendo  en  un  homenaje5 .       Los  NABÍS     Desde   1888   hasta   1899   se   desarrolló   en   Francia   un   grupo   de   artistas   de   origen   simbolista   denominado   “Los   Nabis”.  Nabí  viene  del  hebreo  y  quiere  decir  “profeta”.  Se  consideraban  profetas  de  un  arte  nuevo,  rechazaban   de  plano  el  Impresionismo,  eran  antinaturalistas  y  cercanos  a  los  presupuestos  simbolistas  y  al  Japonismo.   Los  Nabís  crearon  un  lenguaje  basado  en  el  color  y  la  síntesis  formal.  Adoptaron  como  cuadro  emblemático,   verdadero  manifiesto  del  grupo,  un  paisaje  pintado  por  Paul  Sérusier  llamado  “El  talismán”  (1888).   Los  nabís,  además  de  rechazar  las  jerarquías  tradicionales  entre  artes  mayores  y  menores,  trabajaban  las  técnicas   decorativas.   Participaron   en   la   renovación   del   arte   del   grabado   y   los   carteles   ilustrados.   Crearon   decorados,   trajes   para   teatro...   En   el   Museo   de   Orsay   hay   una   gran   colección   de   arte   nabí.   En   1900   tuvo   lugar   la   última   exposición  conjunta  del  grupo.                                     Las  referencias  para  estos  pintores  fueron:   El  sintetismo  de  Gauguin  y  Bernard.   4  Tuvo  algún  problema  con  la  ley  por  algún  fraude  y  sus  abogados  le  defendieron  señalando  que  era  muy  ingenuo  (naif)  en  todos  los  sentidos,  no  solo  con   su  pintura...   5  En  esa  reunión  rodeada  de  artistas,  ebrio,  le  dijo  a  Picasso:  "Usted  y  yo  somos  los  más  grandes  pintores  de  nuestro  tiempo.  A  fin  de  cuentas,  usted  hace  en   modo  egipcio  lo  que  yo  hago  en  modo  moderno".  
  5. 5. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         El  Art  Nouveau,  que  está  en  pleno  desarrollo  en  la  década  de  los  90.   El  arte  japonés.   El  Simbolismo.   Después  de  la  partida  de  Gauguin  a  Tahití,  el  grupo  se  fue  desintegrando  progresivamente  y  se  escindirá  en  dos   ramas:   *Los   espirituales,   con   Maurice   Denis   a   la   cabeza.   Vuelven   a   las   fuentes   religiosas   del   arte,   el   misticismo,   la   leyenda,  la  alegoría,  el  sueño...  Entraron  en  contacto  con  sectas,  estaban  atraídos  por  los  filósofos  orientales,  se   sumaban  a  la  idea  de  la  superioridad  de  la  intuición  sobre  el  intelecto.   *Los  decorativos,  con  Pierre  Bonnard,  Édouard  Vuillard,  Roussel...  Tienen  un  punto  de  vista  más  escéptico  sobre   la  misión  del  arte  como  medio  de  remover  las  consciencias.  Apuestan  por  la  armonía  estética,  un  orden  abstracto   dentro  de  la  representación,  y  parten  de  la  herencia  de  Cézanne  y  Seurat.             Pierre   BONNARD   (1867-­‐1947),   aunque   fue   considerado   como   un   pintor   anticuado   por   algunos   artistas   de   su   época,  fue  muy  estimado  por  pintores  coetáneos  que  valoraban  mucho  el  colorido  de  su  producción  artística   como   el   fauvista   Matisse.   En   cierto   sentido,   Bonnard   nos   anticipa   el   Fauvismo,   el   movimiento   pictórico   de   vanguardia  expresionista  francés.  Para  él,  el  color  era  un  fin  en  sí  mismo.  Bonnard  abandonó  la  tercera  dimensión   a  la  hora  de  representar  las  figuras,  fomentando  amplias  zonas  de  colores  planos.  Ha  sido  denominado  como   pintor  “intimista”  ya  que  no  le  interesaban  temas  simbolistas  –fantasiosos  o  místicos-­‐,  sino  escenas  de  la  vida   cotidiana,  frecuentemente  en  interiores.  Pintaba  de  memoria  más  que  intentado  reproducir  una  imagen  fiel  al   modelo.  Bonnard  también  realizó  ilustraciones  de  libros,  diseños  textiles  y  mobiliario.     EL  IMPRESIONISMO     Denominamos  Impresionismo  al  movimiento  pictórico  que  surge  en  París  en  el  último  cuarto  del  siglo  XIX.  Se   aplica  no  sólo  a  la  pintura  sino  también  a  la  música  y  a  la  literatura.  Podemos  definirlo  como  un  estilo  que  tiende   a  captar  más  la  impresión  sobre  el  ánimo  que  la  copia  de  la  realidad.  Es  más  sensual  e  inmediato  que  intelectual.   Cronológicamente,  el  Impresionismo  se  fragua  hacia  la  década  de  1860  hasta  1880,  pero  la  primera  exposición  del   grupo  impresionista  fue  en  el  año  1874  en  el  taller  del  fotógrafo  Nadar.   Nace  como  una  evolución  del  Realismo  y  de  la  Escuela  paisajística  francesa  del  siglo  XIX.  Recordemos  que  la  base   del  Impresionismo  fue  el  Realismo,  una  corriente  cultural  que  surge  como  disyuntiva  al  Romanticismo  ya  desde   mediados  del  siglo  XIX.  De  hecho,  el  término  “realismo”  surgirá  en  1857  en  Francia  y  aglutinará  a  pintores  como   Courbet  o  Millet  y  a  escritores  de  la  talla  de  Flaubert,  Zola  o  Balzac.   El  término  “Impresionismo”  procede  de  un  cuadro  de  Monet  titulado“Impresión,  sol  naciente”  En  los  primeros   momentos  se  utilizaba  el  vocablo  impresionismo  con  carácter  despectivo.  Se  asociaba  con  la  idea  de  lo  temporal,   lo   efímero,   lo   llamado   a   desaparecer   (sol,   luna,   agua…).   Podemos   considerarla   una   tendencia   pictórica   más   aristotélica  que  neoplatónica  ya  que  busca  más  la  imitación  de  la  realidad  que  la  creación.   El  Impresionismo  no  fue  una  escuela,  ni  un  grupo  que  se  uniera  en  torno  a  un  manifiesto  o  programa  concreto.   Ningún  interés  de  tipo  ideológico  o  político  unía  a  los  impresionistas.  Cada  uno  creó  su  propio  estilo.  No  tenían   un  programa  concreto  aunque  coincidían  en:   *Su  aversión  por  el  arte  académico.     *Desinterés  total  por  el  “tema”  entendido  en  un  sentido  tradicional  (mitología,  historia…).  Se  interesan  por  los   motivos  de  la  vida  burguesa  (la  ciudad,  la  noche,  los  cafés,  los  teatros,  las  reuniones  domingueras  las  regatas,  los   paisajes).  Cualquier  objeto  afectado  por  la  luz  y  el  color,  puede  convertirse  en  tema  artístico.  
  6. 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         *Preferencia  por  el  paisaje  pintado  al  aire  libre:  plein  air6 .     *Preocupación  por  captar  el  instante,  fijando  lo  móvil  sin  perder  la  movilidad.   *La  luz  es  la  protagonista:  los  objetos  sólo  se  ven  en  la  medida  en  que  la  luz  incide  sobre  ellos.  La  luz  y  sus   efectos   cambiantes   son   los   verdaderos   temas   del   cuadro.   Un   mismo   tema   es   pintado   repetidas   veces   a   diferentes  horas  del  día.  Las  formas  y  los  objetos  cambian  en  función  de  la    intensidad  de  la  luz.  El  cuadro  es   simplemente  un  efecto  de  luz.   *Coloración  de  las  sombras:  desaparecen  los  contrastes  de  claroscuro,  y  el  dibujo  se  extingue  o  se  reduce.  No   utilizan  prácticamente  ni  el  blanco  ni  el  negro  porque  no  existen  en  la  naturaleza.  Emplean  tonos  puros,  usan   solo  colores  complementarios  para  indicar  sombras.     *Pincelada  suelta:  prefieren  la  mancha  pastosa  y  gruesa.  Utilizan  toques  yuxtapuestos  de  colores  para  producir   un  efecto  a  cierta  distancia.  Generalmente  no  hay  un  dibujo  que  proceda  al  cuadro.  Aspecto  inacabado,  aparente   improvisación,  pintura  de  mancha.   *La  influencia  de  la  fotografía.  A  mediados  del  siglo  XIX  se  inventó  la  “fotografía  instantánea”  que  tuvo  un  gran   impacto   en   los   impresionistas.   Influye   en   la   nueva   valoración   del   espacio   y   la   composición   con   ángulos   y   encuadres   más   atrevidos   con   grandes   diagonales,   que   nos   remiten,   también,   a   la   influencia   de   las   estampas   japonesas.    Las  figuras,  a  veces,  no  ocupan  “el  centro”  del  cuadro  y  están  cortadas  por  los  bordes  del  cuadro.   Otorga  una  especie  de  dinamismo  o  flou  a  los  personajes.  Degas  y  Monet  fueron  grandes  fotógrafos,  Monet   incluso  tuvo  un  taller  de  fotografía  en  Giverny.       En  un  principio,  los  impresionistas  contaron  con  la  oposición  del  público.  Pero  pronto  tuvieron  el  apoyo  de  dos   fuerzas   sociales   emergentes:   la   crítica   de   arte7 ,   que   se   encargará   de   encauzar   el   gusto   del   público;   y   los   marchantes,   los   vendedores   de   arte8 .   En   sus   inicios,   la   crítica   de   arte   les   acusaba   de   atacar   las   buenas   costumbres  artísticas,  que  no  respetaban  a  los  maestros,   que   sus  pinturas  no  tenían   “tema”,   que  les  faltaba   dibujo  y  que  dejaban  las  obras  sin  terminar.  Además,  provocaban  grandes  carcajadas  en  el  público  que  asistía   atónito  a  ver  los  cuadros.   El  Impresionismo  cuenta  con  varias  influencias  en  su  configuración:   *los  paisajistas  del  Realismo  francés  del  siglo  XIX  (Escuela  de  Barbizon).   *el  romántico  inglés  Turner.   *las   referencias,   especialmente   de   color   y   composición,   del   Siglo   de   Oro   español   (Velázquez   sobre   todo).   También  Goya  con  la  lechera  de  Burdeos.   *las  estampas  japonesas9 ,  muy  de  moda  en  la  época.   La   pintura   impresionista   es   amable,   hedonista,   alegre,   frecuentemente   de   paisaje,   llena   de   luz   y   color,   con   pinceladas   muy   cortas   que   a   veces   dejan   entrever   el   blanco   del   lienzo.   No   son   cuadros   grandes   puesto   que   responden  a  encargos  privados.  Están  alejados  de  cualquier  compromiso  social  (casi  todos  los  impresionistas  se   fueron  de  vacaciones  al  campo  o  a  Inglaterra  durante  la  represión  de  los  movimientos  obreros  de  la  década  de   1880)  y  no  tardaron  en  ser  refrendados  por  una  amplia  aceptación  social,  de  esta  burguesía  que  se  veía  retratada   en  los  lienzos  impresionistas.   El  Impresionismo  ha  sido  uno  de  los  movimientos  pictóricos  más  valorados  en    toda  la  historia  del  arte.  Algunas   pinturas   impresionistas   han   alcanzado   precios   estratosféricos   en   las   subastas   internacionales   de   arte   y   las   exposiciones  de  sus  obras  suelen  atraer  a  miles  de  espectadores.  Ha  sido  clave  en  el  desarrollo  del  arte  posterior,     especialmente  del  Postimpresionismo  y  las  vanguardias.   Los  impresionistas  se  agruparon  en  torno  a  la  figura  de  Édouard  MANET  (1832-­‐1883),  un  artista  eslabón  entre  el   Realismo  y  el  Impresionismo.  Fue  un  gran  artista  incomprendido,  aunque  al  final  de  su  vida  el  gobierno  francés  le   concedió  la  condecoración  “Legión  de  Honor”.  No  fue  plenamente  impresionista,  aunque  éstos  le  consideraban   el  cabecilla  del  grupo.  Le  apasionaba  la  temática  española,  y  de  hecho  adoraba  a  Velázquez    “el  pintor  de  los   pintores”  para  él,  y  Goya.  Ambos  le  influyeron  muchísimo.  Un  crítico  de  arte  en  Francia  le  llegó  a  denominar  “el   parisino  español”.10     6 Como  señaló  Renoir,  si  no  hubiera  habido  pintura  en  tubo  no  habría  habido  impresionismo,  porque  ello  propició  poder  pintar  al  aire  libre.   7  Las  tertulias,  los  Salones  extra-­‐oficiales  y  el  propio  escándalo  se  convirtieron  en  vehículos  propagandísticos  del  nuevo  estilo.     8  Algunos  marchantes  como  Durand-­‐Ruel  o  Ambroise  Vollard  empezaron  a  interesarse  por  las  obras  de  los  impresionistas  y  compraron  sus  lienzos,  aún  a   riesgo  de  perder  dinero. 9  Desde  el  punto  de  vista  plástico,  en  estas  estampas  se  utilizaban  principalmente  grandes  masas  planas  de  color,  con  una  casi   completa  ausencia  de   sombras,  una  despreocupación  por  la  perspectiva,  encuadres  asimétricos  de  las  escenas  y  una  gran  capacidad  de  síntesis  por  parte  de  los  artistas  para   plasmar  los  temas.   10  Baudelaire  lo  quería  muchísimo,  decía  de  él:  me  parece  difícil  no  amar  su  carácter  tanto  como  su  talento.
  7. 7. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Los  principales  representantes  del  Impresionismo  fueron    Claude  Monet,      Pierre-­‐Auguste  Renoir11 ,  Edgar  Degas   (que  nunca  quiso  que  le  llamaran  impresionista),  Camille  Pisarro  (de  origen  español),  Alfred  Sisley  (de  origen   inglés),  Berthe  Morisot,  Mary  Cassatt,  etc.     Édouard  MANET  en  1863  expuso  el  célebre  Almuerzo  campestre  que  causó  desolación  y  escándalo.  Fue  tachada   de  pornográfica.  El  público  se  preguntaba  ¿dónde  está  el  tema?  No  era  mitológico,  ni  literario.  Si  todas  las  figuras   hubieran   ido   desnudas   no   habría   existido   ningún   problema.   En   la   disposición   de   las   figuras   se   inspiró   en   un   grabado   basado   en   Rafael.   En   este   cuadro   hay   muchos   elementos   nuevos:   la   luz,   el   paisaje   difuminado,   el   contraste  entre  las  carnes  blancas  de    los    desnudos  femeninos  y  las  levitas  oscuras  de  los  caballeros,  y,  en  primer   término,  la  naturaleza  muerta,  que  tiene  protagonismo  por  sí  misma.  Por  otra  parte,  este  lienzo  se  convirtió  en  la   Biblia  estética  de  los  impresionistas  por  su  novedoso  tratamiento  formal.  La  luz  se  difunde  por  el  aire  en  todo  el   cuadro  yuxtaponiendo  zonas  claras  y  oscuras  por  todo  el  lienzo.                     Probablemente   el   más   importante   y   representativo   pintor   del   Impresionismo   es   Claude   MONET   (1840-­‐1926).   Nació  en  1840  en  el  seno  de  una  familia  de  comerciantes.  Viajó  a  Londres  y  a  Holanda.  Llegó  a  pintar  cerca  de  tres   mil  cuadros,  la  mayoría  paisajes,  marinas  y  escenas  fluviales.  Es  el  gran  pintor  de  flores  y  del  agua.  Su  máxima   preocupación  es  la  captación  de  la  luz  a  distintas  horas  del  día  como  se  observa  en  la  serie  de  pinturas  sobre  la   catedral  de  Rouen.       En  muchas  de  sus  obras  camina  ya  hacia  la  abstracción.  Los  problemas  económicos  serán  una  constante  durante   buena  parte  de  la  vida  de  Monet.  Afortunadamente,  paulatinamente,  la  fama  de  Monet  va  subiendo  al  igual  que   su  cotización,  y  fue  tomando  parte  en  mayor  número  de  muestras  -­‐  exposiciones  Internacionales,  individuales,   colectivas-­‐.  Sus  pinceladas  eran  muy  sueltas  y  cortas.  Murió  casi  ciego.  Entre  sus  obras  destacamos  Impresión,  sol   naciente;  los  nenúfares;  la  estación  de  San  Lazare;  la  catedral  de  Rouen,  etc.                 Pierre-­‐Auguste  RENOIR  (1841-­‐1920)  fue  el  más  popular  de  los  impresionistas  y  también  de  los  más  falsificados.   Quiere  transmitir  la  alegría  del  ambiente  parisino:  escenas  de  la  vida  urbana,  bañistas,  bailes,  etc.     Es  menos  paisajista  y  más  retratista.  Es  el  pintor  de  la  mujer.  Y  nadie  como  él  ha  pintado  a  los  niños.  En  él  tenía  un   fuerte  peso  de  la  tradición  (técnica  que  en  algún  momento  recuerda  a  la  de  Tiziano  y  sus  mujeres  gruesas  a   Rubens).  Es  un  pintor  un  tanto  “almibarado”  que  utilizaba  colores  primarios  para  captar  las  vibraciones  de  la  luz   que  se  tamiza  a  través  de  las  hojas.  Todo  ello  se  puede  admirar  en  su  obra  Le  Moulin  de  la  Galette  donde  sigue  los   principios  del  movimiento  impresionista:  pintura  al  aire  libre,  pincelada  suelta,  colores  puros,  sombras  coloreadas,   disolución  del  dibujo,  captación  de  la  luz  sobre  los  objetos.     Aunque   menos   conocidas   que   los   impresionistas   mencionados,   Berthe   Morisot   y   Mary   Cassatt   destacaron,   dentro   de   los   presupuestos   estéticos   de   este   movimiento,   especialmente   como   pintoras   de   maternidades,   retratos  y  escenas  intimistas.     11  Su  hijo  Jean  Renoir  fue  uno  de  los  más  importantes  cineastas  franceses.  
  8. 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                     Berthe  MORISOT  (1841-­‐1895)  procedía  de  una  familia  con  una  larga  historia  de  exitosos  pintores.  Fue  la  única   mujer  aceptada  y  respetada  por  el  círculo  impresionista.  Sirvió  con  frecuencia  como  modelo  de  Manet,  que  por   lo  demás,  era  su  cuñado.                                                         Mary   CASSATT   (1844-­‐1926)   fue   una   pintora   impresionista   de   origen   estadounidense.   Viajó   a   Francia   para   formarse   como   artista   y   allí   permaneció   buena   parte   de   su   vida.   Fue   la   única   pintora   americana   que,   ocasionalmente,  expuso  con  los  impresionistas  en  París.  En  su  paleta,  muy  suelta,  predominan  los  tonos  pastel  y   se  aprecia  la  influencia  del  Japonismo.  Sus  contactos  con  artistas,  marchantes  y  coleccionistas,  propiciaron  la   difusión  y  apreciación  del  Impresionismo  en  Estados  Unidos.     EL  POSTIMPRESIONISMO       El  término  Postimpresionismo  fue  acuñado  por  el  crítico  de  arte  Roger  Fry  en  1910  para  denominar  los  estilos   pictóricos   de   finales   del   siglo   XIX   e   inicios   del   XX   que   se   suceden   tras   el   Impresionismo.     Fry   creó   esta   denominación  con  motivo  de  la  exposición  celebrada  en  ese  año  en  Londres  con  pinturas  de  Paul  Cézanne,  Paul   Gauguin   y  Vincent  van   Gogh.  Henri  Toulouse-­‐Lautrec  también  suele  ser  considerado  postimpresionista,  como   vemos  en  el  libro  canónico  de  esta  tendencia  artística  del  historiador  Rewald.   Los  postimpresionistas  se  habían  formado  en  el  impresionismo,  pero  superan  sus  investigaciones  y  contribuyen  a   importantes    avances  en  el  arte  del  siglo  XX.  En  realidad  sus  personalidades  y  su  manera  de  entender  la  pintura   presentan  enormes  diferencias,  pero  todos  compartieron  los  inicios  en  el  impresionismo  y  la  reacción  contra  él.   Sobre  sus  conquistas  (tintas  plantas,  color  arbitrario  con  fines  simbólicos  o  expresivos…)  se  fundarían  además   los  desarrollos  de  fauvistas  y  cubistas  de  inicios  del  siglo  XX.   Aunque   los   postimpresionistas   basaron   su   obra   en   el   uso   del   color   experimentado   por   los   impresionistas,   reaccionaron   contra   el   deseo   de   reflejar   fielmente   la   naturaleza   y   presentaron   una   visión   más   subjetiva   del   mundo.    
  9. 9. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Por   lo   demás,   hay   que   señalar   que   existió   una   tendencia   estética,   que   se   suele   ligar   al   Postimpresionismo,   llamada  NEOIMPRESIONISMO,  DIVISIONISMO  o  PUNTILLISMO,  caracterizada  porque  se  abandona  el  pleinarismo   para  pintar  en  el  taller,  construyendo  el  tema  de  una  forma  más  óptica  o  cerebral,  en  base  a  la  teoría  científica   del  color  (Chevreul).  Abrirá  la  puerta  al  arte  de  vanguardia  del  siglo  XX  (Cubismo…)     Postimpresionismo:   El   pintor   francés   Paul   CÉZANNE   (1839-­‐1906)   está   considerado   como   “el   padre   del   arte   moderno”.   Vivió   casi   toda   su   vida   en   el   sur   de   Francia,   en   Aix-­‐en-­‐Provence.   Su   obra   sentó   las   bases   de   la   transición  entre  la  concepción  artística  decimonónica  hacia  el  mundo  artístico  del  siglo  XX,  nuevo  y  radicalmente   diferente.   Fue   un   pintor   muy   innovador.   Tenía   influencias   de   la   pintura   de   El   Greco.   Estaba   interesado   en   la   simplificación  de  las  formas,  en  reducirlas  a  su  esencia  geométrica:  “Todo  en  la  naturaleza  se  modela  según  la   esfera,  el  cono,  el  cilindro.  Hay  que  aprender  a  pintar  sobre  la  base  de  estas  figuras  simples;  después  se  podrá   hacer  todo  lo  que  se  quiera.”  Quería  "convertir  al  impresionismo  en  algo  más  sólido  y  duradero,  como  el  arte  de   los  museos".  Trabaja  obsesionado  por  la  composición  y  decidido  a  negar  la  distinción  entre  dibujo,  línea,  plano  y   color.  Plantea  una  nueva  construcción  del  espacio.  Mientras  vivió,  Cézanne  fue  un  pintor  ignorado  en  gran  parte   por  la  crítica  y  el  público,  siendo  apreciado  sólo  por  algunos  impresionistas  y,  por  unos  cuantos  artistas  jóvenes   radicales   de   la   línea   del   postimpresionismo,   entre   los   que   se   incluían,   entre   otros,   Vincent   Van   Gogh   y   Paul     Gauguin.         Fue  amigo  de  la  infancia  del  escritor  realista  Émile  Zola  que  le  retrató  en  su  novela  L´oeuvre  (la  obra)  para  gran   enfado  del  pintor.  La  exposición  retrospectiva  de  Cézanne  del  año  1907  en  París  le  situó  como  uno  de  los  artistas   más  influyentes  del  siglo  XIX  preludiando  el    advenimiento    del  Cubismo.  Fueron  las  exploraciones  de  Cézanne  de   simplificación   geométrica   y   fenómenos   ópticos   las   que   inspiraron   a   Picasso,   Braque,   Gris,   y   otros   para   experimentar  con  múltiples  visiones  aún  más  complejas  del  mismo  tema,  y,  con  el  tiempo,  a  la  fractura  de  la   forma.   Hay   una   frase,   atribuida   tanto   Matisse   como   a   Picasso,   según   la   cual   «Cézanne   es   el   padre   de   todos   nosotros»12 .    Sólo  con  su  muerte  le  llegó  el  éxito.   La  pintura  de  Cézanne  se  centró  casi  siempre  en  los  mismos  motivos:  bodegones,  paisajes  o  figuras,  que  repite   con   objeto   de   explorar   su   dimensión   volumétrica,   pero   sin   recurrir   al   claroscuro.   Huye   de   la   búsqueda   de   dinamismo.  Hace  composiciones  muy  rigurosas  en  base  a  líneas  geométricas  (verticales,  horizontales.)  Marca   mucho   los   volúmenes   y   los   planos,   no   es   nada   etéreo.   Llegó   a   los   límites   de   la   abstracción.   Entre   su   genial   producción  destacamos  las  bañistas,  los  jugadores  de  carta,  la  montaña  de  St.Victoire  y  sus  increíbles  bodegones,   claros  precedentes  del  cubismo.  Los  cuadros  terminan  siendo  una  creación  mental,  se  alejan  paulatinamente  del   modelo.     Paul  GAUGUIN  (1848-­‐1903)  era  también  de  origen  francés.  De  biografía  sugestiva,  tenía  ascendencia  española  y   tuvo  varios  oficios.  Crítico  constante  de  la  sociedad  en  la  que  vive,  huye  de  París  y  trata  de  encontrar  nuevos   horizontes,   primero   en   la   región   francesa   de   Bretaña   y   luego   en   la   lejana   Tahití,   lo   que   le   supone   entrar   en   contacto  con  culturas  primitivas  que  marcan  profundamente  su  pintura.     Las   mujeres   son   su   auténtica   preocupación   iconográfica   y   pretexto   para   sus   investigaciones.   También   los   retratos   de   amigos   y   sus   autorretratos.   Profundizó   en   diversas   técnicas:   pintura   al   óleo,   escultura,   tapices,   grabados,  etc.  Le  apasionaba  el  arte  medieval,  las  miniaturas,  las  vidrieras  y  los  esmaltes  y  también  las  culturas   12  Henri  Matisse,  admiraba  su  manejo  del  color  y  Pablo  Picasso  se  basó  en  su  forma  de  componer  los  planos  para  crear  el  cubismo.  
  10. 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         orientales,  exóticas  y  primitivas.  Este  camino  le  lleva  a  exaltar  el  color  y  a  simplificar  las  formas.  Extiende  el  color   en  campos  extensos  dentro  de  gruesas  líneas.         Rechaza   la   perspectiva,   suprime   el   modelado   y   las   sombras   y   siente   predilección   por   formas   planas   y   líneas   definidas.  No  tiene  interés  por  la  luz.  En  todas  sus  obras  se  impone  un  contenido  de  tipo  simbólico.  Tenía  un   talento  enorme  para  la  composición  y  el  color.  Sus  líneas  sinuosas  nos  retrotraen  al  modernismo.  Muestra  un   mundo  paradisíaco.  Es  un  precedente  claro  de  la  pintura  expresionista  de  vanguardia  y  fue  el  punto  de  partida  de   los  nabís.   Entre  sus  obras  destacamos  El  Cristo  amarillo,  Matamua,  Mujeres  tahitianas,  Jacob  y  el  ángel,  Paisaje  tahitiano,  ¿De   dónde  venimos?  ¿Qué  somos?  ¿Adónde  vamos?.     Vincent  VAN  GOGH  (1853-­‐1890),  fue  un  pintor  holandés  y  figura  destacada  del  Postimpresionismo.  Encarna  el   prototipo  de  artista  incomprendido  en  vida  y  reivindicado  hasta  el  paroxismo  por  la  posteridad.  Nació  en  el  seno   de  una  humilde  familia  de  origen  protestante.  Fue  un  místico  heterodoxo.  Recibió  los  mismos  nombres  -­‐Vincent   Willem-­‐  que  se  impusieran  a  un  hermano  que  nació  muerto  justo  un  año  antes  que  él,  el  mismo  día  30  de  marzo;   como  si  fuera  un  presagio  de  su  atormentada  existencia.  Llegó  a  pintar  900  cuadros  (27  de  ellos  autorretratos)  y   1.600  dibujos,  además  de  escribir  800  cartas,  650  de  ellas  a  su  hermano  Theo  Van  Gogh.  Pero  sólo  vendió  un   cuadro  en  su  vida.  Su  talento  fue  inconmensurable.  Padeció  toda  su  vida  una  gran  inestabilidad  mental,  mitigada   en  parte  por  el  apoyo  incondicional  de  su  queridísimo  hermano  Theo.   Durante  toda  su  vida  se  enorgulleció  de  ser  un  gran  autodidacta.  Obsesionado  con  La  Biblia,  en  su  juventud  quiso   hacerse  teólogo  y  misionero.  De  hecho,  trabajó  como  misionero  en  Bélgica  durante  varios  meses.  Allí  dio  todo  lo   que  tenía  a  los  mineros:  ropa,  dinero  y  comida,  además  de  realizar  sus  primeras  pinturas.  Rembrandt  le  influyó   muchísimo  y  también  las  estampas  japonesas,  fueron  cruciales  en  su  producción.  En  1886    se  mudó  a  París,  para   vivir   junto   a   su   hermano   Theo   y   empezó   a   codearse   con   los   artistas     de   la   época   (impresionistas,   postimpresionistas  como  Toulouse-­‐Lautrec,  etc.)  En  1888    se  instaló  en  Arles,  al  sur  de  Francia,  con  la  intención   de  crear  un  taller  de  artistas  en  su  casa.  Allí  trabajará  con  Gauguin.  Su  fama  creció  rápidamente  después  de  su   muerte,   gracias   a   la   promoción   de   la   esposa   de   Theo   que,   aunque   no   tuvo   una   buena   relación   con   Vincent,   resultó   ser   la   única   heredera   de   toda   su   obra   tras   la   muerte   de   su   esposo,   ocurrida   poco   después   de   la   de   Vincent.  Valora  mucho  el  color,  dibuja  con  el  color.  Decía  sobre  él,  que  “el  color  por  sí  mismo  siempre  expresa   algo,  no  cabe  prescindir  de  él”.  Pintó  sobre  todo  paisajes  y  retratos.     Sus  pinturas  son  muy  creativas  y  originales.  Utiliza  la  técnica  del  óleo  con  pincelada  más  menuda  al  principio  y   después   evoluciona   a   una   pincelada   más   amplia   e   intensa,   aplicada   con   espátula   o   con   la   propia   mano,   basándose  en  empastes  gruesos  donde  el  propósito  es  buscar  la  intensidad  del  color.  La  pincelada  ondulante  y   circular  se  hace  más  vehemente  después  de  su  primer  ataque  de  locura:  proyecta  en  exceso  su  personalidad  y  se   integra  en  la  representación  de  las  cosas.  
  11. 11. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                                   Cada   vez   se   aleja   más   de   la   realidad   y   con   el   color   y   la   fuerza   expresiva   de   su   pincelada   camina   hacia   la   abstracción.  Utiliza  el  color  para  transmitir  sentimientos.  Su  pintura  guarda  muchas  concomitancias  con  Gauguin.     La  influencia  de  Van  Gogh  en  el  Postimpresionismo,  Expresionismo,  Fauvismo  y  los  principios  del  arte  abstracto   fue  enorme,  y  se  puede  notar  en  muchos  otros  aspectos  del  arte  del  siglo  XX.  El  Museo  Van  Gogh  en  Ámsterdam   se   dedica   al   trabajo   de   este   artista   y   de   sus   contemporáneos.   Se   suicidó   cuando   contaba   37   años   de   edad   – disparándose  en  el  pecho-­‐y  sus  últimas  palabras  fueron  “la  miseria  no  acabará  nunca”.   Entre  su  maravillosa  producción  artística  destacamos  Noche  estrellada,  La  habitación  en  Arles,  sus  autorretratos,   Café  nocturno  en  Arles,  Las  botas…  Es  uno  de  los  pintores  más  cotizados  y  admirados  del  mundo.     Henri    de  TOULOUSE-­‐LAUTREC  (1864-­‐1901)  y  los  orígenes  del  CARTELISMO     Toulouse-­‐Lautrec   nació   en   Albi   (Francia)   en   el   seno   de   una   familia   aristocrática   de   rancio   abolengo,   muy   aficionada  al  arte.  Sufría  una  enfermedad  por  consanguineidad  –sus  padres  eran  primos-­‐  que  propiciaba  el  tener   los  huesos  muy  débiles.  Dos  caídas  sucesivas  con  roturas  de  fémur  provocaron  que  no  le  crecieran  las  piernas.   Además  tenía  la  cabeza  deforme,  de  ahí  que  aparezca  siempre  con  sombrero  en  sus  cuadros.  Esta  fealdad  le   cerró  el  paso  a  la  vida  social  a  la  que  estaba  abocado.  Se  marchó  a  París  y  allí  entró  en  contacto  con  el  mundo   artístico.  Su  taller  estaba  en  el  mismo  edificio  en  el  que  vivía  Degas  que  le  influyó  muchísimo.  Cuando  contaba  21   años  un  poeta  satírico  abrió  un  cabaret,  el  Mirliton  y  allí  expuso.                                       Retrató  a  Van  Gogh  y  comenzó  a  exponer  en  el  Salón  de  los  Independientes,  siendo  conocido  como  artista  ya   desde   muy   joven.   Empezó   a   tener   toda   una   pléyade   de   amantes   femeninas   del   demi-­‐monde.   Le   fascinaba   la   ciudad,  París  en  concreto  y  fue  el  cronista-­‐retratista  un  tanto  caricaturesco  de  la  vida  nocturna  de  la  Belle  Époque.   Pinta   el   Moulin   de   la   Galette   de   Montmartre,   el   Moulin   Rouge   (bailarinas,   contorsionistas   como   el   cubano-­‐ bilbaíno  el  Negro  Chocolate,  Valentin  le  Desossée,  la  Goulue,  cantantes  de  ópera,  etc.)   Entró   en   contacto   con   intelectuales,   con   Misia   Sert   y   con   toda   la   bohemia   artística   de   la   época.   Pinta   Viajó   bastante,  estuvo  en  Londres  y  trató  a  Oscar  Wilde.  Estuvo  en  España  en  1896  en  Madrid  y  Toledo.     Fue  un  extraordinario  pintor,  dibujante  y  el  mejor  litógrafo.  Como  litógrafo,  firmaba  siguiendo  la  moda  de  las   estampas  japonesas,  con  un  sello.  
  12. 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala                     Gran  caricaturista,  cruel  y  sincero,  frio  y  amoral,  no  muestra  ni  amor  ni  ensañamiento  de  lo  que  ve13 .  El  paisaje   apenas  le  interesa.  Utilizaba  colores  planos,  simples,  pero  muy  efectistas,  en  particular  el  empleo  del  color  negro,   perfilaba  muchos  los  contornos.  Capta  el  movimiento  como  jamás  lo  ha  tratado  nadie.  No  se  limitó  a  copiar  lo   que  estaba  viendo,  se  recreaba  en  ello  y  dio  dignidad  al  cancán.                                   Era   de   una   laboriosidad   pasmosa.   Sus   carteles   publicitarios   –dentro   de   una   estética   que   oscila   entre   el   Japonismo  y  el  Modernismo-­‐  son  el  comienzo  de  la  edad  de  oro  del  cartelismo14 ,  a  caballo  entre  los  siglos  XIX  y   XX.15   Su  afición  al  alcohol  y  a  los  excesos  le  provocó  una  temprana  muerte  con  tan  solo  37  años.    En  Albi16 ,  su  ciudad   natal,  se  conserva  un  espléndido  museo  dedicado  a  su  obra.     Un  año  después  de  su  muerte,  en  1902  se  celebró  una  gran  exposición  retrospectiva  de  su  obra  y  los  precios  de   sus  cuadros  subieron  desorbitadamente.  Hoy  es  uno  de  los  artistas  franceses  más  conocidos  de  todo  el  mundo.     La  pintura  ESPAÑOLA  entre  dos  siglos.  El  impacto  del  IMPRESIONISMO.  El  LUMINISMO  de  Sorolla.   La   pintura   de   paisaje   realista   en   España   tiene   en   el   pintor   de   origen   belga   Carlos   DE   HAES   (1826-­‐1898)   a   su   principal  representante.  Fue  profesor  de  pintura  de  paisaje  en  la  Escuela  de  Bellas  Artes  de  San  Fernando  en   Madrid,   promoviendo   la   reproducción   fiel   de   la   naturaleza   siguiendo   la   tradición   de   la   Escuela   de   Barbizón   francesa,   que   tanto   influiría   en   los   pintores   impresionistas   de   ese   país. De   entre   la   nutrida   generación   de   alumnos  que  formó  cabe  destacar  a  los  impresionistas  españoles  Aureliano  de  Beruete  y  Darío  de  Regoyos.   Durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX,  el  impacto  del  Impresionismo  en  España  dio  lugar  a  algunos  seguidores,   que  al  menos,  tangencialmente,  se  dejaron  influir  por  este  estilo  pictórico.  Es  el  caso  de  Aureliano  de  Beruete,   nuestro  más  conspicuo  representante  del  Impresionismo  español,  y  también  de  Darío  de  Regoyos  y  Santiago   Rusiñol,  aunque  estos  últimos  con  menor  medida.     Aureliano  de  BERUETE  (1845-­‐1912)   Para   Julián   Gállego,   este   pintor   es   el   único   impresionista   español,   vinculado   además,   al   luminismo.   Fue   coleccionista  de  arte  (Miguel  Ángel,  el  Greco…)  y  su  hijo,  con  el  mismo  nombre  y  apellido,  fue  historiador  del   arte  y  el  primer  director  del  Museo  del  Prado  no  artista.   13  Aunque  algunas  de  sus  obras  presentan  carácter  erótico,  nunca  es  vulgar  ni  chabacano.   14 Especialidad  de  las  artes  gráficas  consistente  en  la  realización  de  carteles. 15  Recordemos  que  a  finales  del  siglo  XIX,  el  cartel  publicitario  experimentó  un  gran  auge  con  la  aplicación  de  la  litografía  y  la  utilización  del  color.  Grandes   cartelistas  fueron  aparte  de  Toulouse-­‐Lautrec,  los  modernistas  Jules  Chéret,  Alphonse  Mucha  o  Ramón  Casas  entre  muchos  otros,  como  veremos  en  el   próximo  tema.   16  http://www.museetoulouselautrec.net  
  13. 13. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Fue  de  los  pocos  pintores  españoles  de  su  época  que  viajaba  a  París  continuamente.  Allí  conoció  a  Claude  Monet.   Pintaba  paisajes  del  natural  –en  plein  air-­‐  y  su  pincelada,  corta  y  pequeña,  era  muy  matizada.  Pintó  al  Madrid   campestre  de  una  forma  exquisita  como  no  se  veía  desde  Goya.  Imitaba  a  Sisley  pintando  ríos  inundados.  Fue   muy  amigo  de  Sorolla.                       Darío  de  REGOYOS  (1857-­‐1913)     Para   algunos   expertos   como   Juan   San   Nicolás,   Regoyos   fue   el   único   pintor   genuinamente   impresionista   en   España17 .   Nació   en   Ribadesella   (Asturias)   y   se   formó   en   la   Escuela   de   San   Fernando   con   Carlos   de   Haes.   Se   trasladó  a  París  y  a  Bruselas  y  finalmente  se  estableció  en  el  País  Vasco.                 Conoció  el  Impresionismo  al  entablar  contacto  con  Degas,  Monet,  Pisarro  y  Signac  y  usará  las  nuevas  técnicas   para   expresarse   en   un   lenguaje   propio.   Recorrió   toda   la   península   ibérica   buscando   nuevas   temáticas   y   posibilidades  lumínicas  para  su  obra.  Regoyos  fue  fundamentalmente  paisajista,  aunque  en  sus  paisajes  también   aparecen  figuras  humanas  que  se  integran  en  el  entorno  que  las  rodea.     Entre   sus   retratos   destaca   el   de   Doña   Dolores   Otaño   ya   dentro   de   la   técnica   puntillista,   también   llamada   divisionista  o  neoimpresionista.     Ramón  CASAS  (1866-­‐1932)                                                                                 En   su   viaje   a   París   coincide   con   la   exposición   de   los   impresionistas   de   1882.   En   su   paleta   predominan   las   tonalidades  frías,  grises  y  de  empaste  ligero.  Su  paleta  limpia  y  jugosa,  transmite  la  luminosidad  y  lo  fugaz  de   17  Véase  la  microsite  de  Regoyos  del  Museo  Thyssen  http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688  
  14. 14. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         cada  momento.  Su  cuadro  más  famoso  es  Plein  air,  donde  aparece  una  mujer  joven  sentada  en  la  mesa  de  un   café   al   aire   libre.   Lo   más   destacado   de   esta   obra   es   su   compleja   composición   espacial.   La   sensación   de   profundidad  queda  marcada  con  la  silla  vacía  del  primer  plano,  la  figura  femenina  sentada  y  la  figura  masculina  al   fondo.  Las  figuras  están  bien  delimitadas  pero  las  formas  se  disuelven  en  los  edificios  del  fondo  que  no  son  más   que  manchas  de  color.  Fue  el  gran  retratista  de  la  burguesía  catalana  de  su  época  y  en  algunas  de  sus  obras  se   aprecia  cierta  preocupación  social  y  política  como  en  La  Carga,  Barcelona,  1902  o  en  Garrote  vil.   Ramón  Casas  fue  un  gran  cartelista  vinculado  al  Modernismo,  como  veremos  en  el  próximo  tema.     Santiago  RUSIÑOL  (1861-­‐1931)                               Bajo  las  premisas  del  Impresionismo  pintó  los  rincones  del  París  más  popular,  como  es  el  barrio  de  Montmartre   como  vemos  en  sus  obras  Vistas  de  Montmartre  en  invierno  o  El  café  de  Montmartre.   A  su  regreso  de  París,  se  dedicó  al  paisaje.  Deja  los  tonos  grises  y  su  paleta  se  hace  más  empastada  y  rica.  Se   convirtió  en  el  pintor  de  los  jardines,  sobre  todo  los  de  Granada,  Sevilla  y  Aranjuez.  Jardín  de  Aranjuez  o  Muralla   verde.   Casas   y   Rusiñol   renuevan   completamente   el   panorama   artístico   catalán   y   dan   paso   a   una   nueva   corriente,   el   Modernismo.     La  influencia  del  IMPRESIONISMO  en  Canarias     Aunque  en  Canarias  no  encontramos  artistas  a  los  que  con  propiedad  podríamos  denominar  impresionistas,  si   podemos   detectar   su   influencia   en   algunos   pintores   como   en   Nicolás   MASSIEU     o   incluso   en   el   modernista-­‐ simbolista  NÉSTOR  MARTÍN  FERNÁNDEZ  DE  LA  TORRE.                                                                                           Massieu  viajó  a  Inglaterra  a  los  18  años,  luego  a  Italia  y  París,  donde  relacionó  con  artistas  del  momento  entre  los   que   sobresalen   los   impresionistas   Manet,   Monet,   Renoir   y   Degas.   Después   de   una   etapa   dedicada   fundamentalmente  a  retratos  y  escenas  costumbristas,  se  enfrentó  a  la  luz  de  su  tierra  plasmando  el  paisaje  en   breves   pinceladas   al   modo   impresionista.   Un   ejemplo   claro   de   esto   lo   tenemos   en   su   cuadro   Almendros   en   flor,    en  la  Casa  de  Colón  de  Las  Palmas  de  Gran  Canaria.   En  el  caso  de  Néstor,  artista  muy  viajero  y  siempre  en  contacto  con  las  tendencias  estéticas  y  los  artistas  de  su   tiempo,  la  influencia  impresionista  es  detectable  en  su  pintura  Calle  Mayor  de  Madrid,  del  Museo  Néstor  de  Las   Palmas.      
  15. 15. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         El  LUMINISMO  de  JOAQUÍN  SOROLLA.  Vidas  paralelas:  SOROLLA  versus  SARGENT18     Joaquín   SOROLLA  (Valencia  1863-­‐Cercedilla  1923)  fue  un  artista  con  un  don  extraordinario,  una  gran  facilidad   para  la  pintura.  Era  un  pintor-­‐pintor,  nada  literario,  que  dominaba  la  técnica.  Su  pintura  es  pintura  en  estado   puro,  con  temas  muy  simples.  En  ocasiones  su  pincelada  –pastosa  y  enorme-­‐  se  acerca  al  Impresionismo.     Ha  sido  denominado  luminista  por  la  fuerza  luminosa  extraordinaria  de  sus  obras.  Es  difícil  encontrar  un  pintor   que  haya  reflejado  mejor  que  él,  la  luz  cegadora  mediterránea.  A  este  respecto  comentaba  Pío  Baroja,  que  los   paisajes  de  Sorolla  le  daban  calor.     Muy   vitalista,   vivió   como   un   príncipe   ya   que   desde   muy   joven   alcanzó   el   éxito   y   tuvo   mucho   dinero.   Fue   un   hombre  feliz,  muy  enamorado  de  su  mujer,  a  la  que  pintaba  continuamente,  y  muy  amoroso  con  sus  hijos,  a  los   que   también   retrató   frecuentemente.   Pintor   muy   prolífico,   era   un   trabajador   incansable,   un   obrero   de   la   pintura.19  Fue  fotógrafo  amateur.20   John   Singer   SARGENT   (1856-­‐1925)   fue   un   pintor   estadounidense,   aunque   nacido   en   Florencia   que   alcanzó   un   enorme  éxito  en  su  época.  Llegó  a  realizar  más  de  900  pinturas  al  óleo  y  cerca  de  2000  acuarelas.  Cosmopolita  y   viajero,  este  pintor  de  extraordinario  talento  ha  sido  comparado  con  el  pintor  español  Joaquín  SOROLLA  con  el   que  guarda  muchas  concomitancias.     Fueron     pintores   de   lenguaje   muy   afín,   que   se   conocían   personalmente   y   sentían   atracción   mutua   por   sus   respectivas  obras,  pese  a  ser  dos  artistas  muy  diferentes  por  su  nacimiento,  educación  y  personalidad.  Los  dos   admiraban   profundamente   a   Velázquez,   referencia   ineludible   de   sus   pinturas,   y   mostraban   influencias   del   Impresionismo  a  su  manera.  Sargent  también  fue  luminista,  sobre  todo  en  sus  acuarelas.   Desde  su  llegada  a  París  en  1874,  el  joven  Sargent  asimiló  con  celeridad  el  lenguaje  artístico  moderno  y  aprendió   a  admirar,  como  su  maestro  Carolus-­‐Durand  y  como  Manet,  la  pintura  de  Velázquez.  Los  retratos  de  entre  1883  y   1885   permiten   apreciar   la   llamativa   libertad   de   encuadre   y   composición   que   caracterizó   el   naturalismo   de   su   primera  madurez.  En  contraste  con  la  precocidad  de  Sargent,  Sorolla,  que  era  siete  años  más  joven,  no  encontró   su  propia  identidad  artística  hasta  bien  avanzada  la  década  de  1890.  Sorolla  además  optó  en  sus  inicios,  por  la   pintura  de  denuncia  social,  en  cuadros  de  gran  formato  con  los  que  cosechó  sus  primeros  éxitos  nacionales  e   internacionales.   Las  trayectorias  de  Sargent  y  Sorolla  se  aproximan  en  el  momento  en  el  que  atendemos  a  la  dedicación  explícita   del  primero  al  estudio  de  Velázquez  y  a  temas  como  el  baile  flamenco  y  la  Alhambra.  El  entusiasmo  de  Sargent   por  el  arte,  la  música  y  la  idiosincrasia  de  nuestro  país  marcaría  de  manera  significativa  su  obra.   Los     cuadros   dedicados   al   mar   y   la   playa   de   la   primera   década   del   siglo   XX   de   Sorolla   ofrecen   los   mejores   ejemplos  de  exaltación  lumínica  y  de  lirismo  exuberante  dentro  de  su  pintura.   El  retrato   fue  el  género  que  más  fama  dio  a  Sargent.  Disfrutó  de  un  enorme  éxito  como  retratista  entre  sus   contemporáneos.   Sargent   puede   ser   apreciado   retrospectivamente   como   el   último   gran   representante   de   la   tradición  clásica  del  retrato.                                       La  concepción  del  retrato  en  Sorolla  es  menos  meditada  que  en  Sargent.  Sus  retratos  se  confían  más  al  azar  de   las  circunstancias.  Aunque  no  fue  su  especialidad  característica,  Sorolla  hizo  muchos.  Pintaba  a  su  familia  y  a   personalidades  de  su  entorno  artístico  e  intelectual  (incluido  el  rey).   Los   propósitos   pictóricos   y   la   manera   de   alcanzarlos   cuando   Sargent   y   Sorolla   pintaron   retratos   de   grupo   estuvieron  muy  próximos.  Tanto  Sargent  como  Sorolla  trataron  de  llevar  el  retrato  burgués  a  un  terreno  nuevo.   Su  propósito  fue  imbuir  al  género,  si  no  de  solemnidad,  sí  de  la  grandeza  del  retrato  barroco  de  corte.   18  http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html   19  Se  cuenta  que  cuando  estuvo  en  Estados  Unidos,  mientras  desayunaba,  pintaba  a  la  gente  del  hotel  donde  estaba  hospedado.   20  Al  final  de  su  vida,  en  1920,  tuvo  una  parálisis  en  una  mano  y  sufrió  tres  años  de  agonía  por  ello  hasta  su  muerte.    
  16. 16. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         Las  etapas  finales  de  ambos  artistas  muestran  la  mayor  afinidad  entre  sus  trayectorias.  Revelan  la  proximidad  de   temas  y  factura  en  sus  obras  más  personales.     Sargent   es   valorado   como   uno   de   los   más   formidables   acuarelistas.   El   deslumbrante   virtuosismo   de   sus   acuarelas  nos  descubre,  más  aún  que  sus  lienzos,  la  manifiesta  voluntad  luminista  de  su  obra.     Habiendo  alcanzado  el  éxito  relativamente  pronto,  Sargent  y  Sorolla  pudieron,  con  sus  recursos  y  su  vocación,   dedicarse  a  la  más  moderna  de  las  tareas  artísticas:  pintar  para  sí  mismos.  Fue  durante  los  últimos  doce  o  quince   años  de  sus  vidas  cuando  el  trabajo  de  ambos  pintores  alcanzó  la  culminación  de  pasión  y  excelencia  pictóricas   que   les   ha   granjeado   un   lugar   incuestionable   en   la   historia   del   arte   moderno.   Sorolla,   fue   sin   duda,   el   pintor   español  más  dotado  de  su  generación.                                     Otros  artistas  importantes  de  la  época  entre  dos  siglos,  el  XIX  y  el  XX  fueron  los  catalanes  Hermen  ANGLADA   CAMARASA  (1871-­‐1959). A  finales  del  siglo  XIX  vivió  en  París,  donde  adoptó  un  estilo  más  personal  en  línea  con   los  cuadros  nocturnos  e  interiores  de  Degas  y  Toulouse  Lautrec,  pero  con  un  colorido  más  intenso  que  anunciaba   el   triunfo   del   Fauvismo,   con   una   pincelada   muy   suelta.   En   él   se   aprecia   la   influencia   del   Japonismo   y   el   Modernismo.  Una  de  sus  mejores  obras  es  el  retrato  de  Sonia  Klamery  que  se  conserva  en  el  MNCARS.                         Isidro   NONELL   (1873-­‐1911)   puso   el   acento   en   temas   sociales   como   situaciones   de   miseria   mientras   que   el   cosmopolita  José  Luis  SERT  (1874-­‐1945)  fue  uno  de  los  pintores  más  cotizados  y  controvertidos  de  su  tiempo  y   uno  de  los  mejores  muralistas  españoles.  De  formación  modernista,  desarrolló  un  estilo  pictórico  al  margen  de   las   corrientes   estilísticas   de   su   época.   Sert   pone   un   cierto   orientalismo,   una   clara   influencia   del   barroco   y   un   expresionismo  de  corte  goyesco,  al  servicio  de  una  potente  imaginación  para  la  creación  y  adaptación  de  temas   basada  en  una  narrativa  grandilocuente. Tuvo  taller  en  París21 ,  y  estuvo  casado  con  la  mítica  Misia  Godebska,   modelo  de  los  pintores  impresionistas.  A  pesar  de  que  su  vida  estuvo  marcada  por  el  éxito,  la  obra  de  Sert  cayó   en   el   olvido   tras   su   muerte   en   1945,   aunque   retrospectivas   de   su   obra   en   los   últimos   años   han   intentado   su   revalorización.  Sus  murales  decoraban  hoteles  en  Nueva  York  (como  el  Waldorf  Astoria),  instituciones  como  la   Liga  de  Naciones  de  Ginebra,  el  Rockefeller  Centre  de  Nueva  York,  la  Catedral  de  Vic  o  el  Ateneo  de  Barcelona.     2.  LAS  ESTAMPAS  JAPONESAS  UKIYO-­‐E     UKIYO-­‐E   significa   “imágenes   del   mundo   flotante”.   El   Ukiyo-­‐E   es   una     tipología   de   grabado   sobre   madera   – xilografía-­‐  que  se  difundió  en  el  periodo  EDO  (1603-­‐1868)  en  Japón,  particularmente  en  la  ciudad  de  Tokio.  Son   consideradas  como  la  quintaesencia  del  arte  japonés.   21  Sert  contaba  entre  sus  amigos  íntimos  a  Guillaume  Apollinaire,  Marcel  Proust,  Paul  Valéry,  Gabrielle  Colette  y  Paul  Claudel.  
  17. 17. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         La  temática  Ukiyo-­‐E  hace  referencia  a  escenas  de  vida  cotidiana,  a  la  ciudad,  a  los  paisajes,  al  teatro  –kabuki-­‐  y  en   algún,  caso  presentan  contenidos  de  carácter  erótico22 .     Ukiyo-­‐E   deja   atrás   la   mímesis   o   imitación   de   la   realidad   occidental.   Prefieren   obras   de   un   profundo   lirismo   y   expresión  emocional,  con  contornos  muy  marcados  y  definidos  así  como  visiones  en  diagonal.  Son  estampas   polícromas.  Obvian  los  efectos  volumétricos  del  claroscuro  tan  habituales  en  el  arte  occidental.  Valoran  el  vacío,   el  símbolo,  la  inclusión  de  la  caligrafía  en  la  obra  pictórica  y  las  tintas  planas  en  campos  monocromos.  Como  a   los  impresionistas,  les  interesa  captar  el  instante,  lo  efímero,  como  las  olas  del  mar,  las  hojas  mecidas  por  el   viento...                                                     Son  estampas  de  una  belleza  impresionante  que  tendrían  un  fuerte  impacto  en  el  arte  occidental,  en  todo  tipo   de  corrientes  estéticas  y  artistas  como  el  Impresionismo23 ,  Postimpresionismo,  Simbolismo,  los  Nabís…  y  el  arte   de  vanguardia.  También  influyeron  en  el  nacimiento  del  cómic  y  en  dibujantes  de  campanillas  como  HERGÉ24 .  En   el  París  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX  se  difundieron  muchísimo  estas  estampas.  En  el  fondo,  forma  parte  de   la  pasión  por  el  Japonismo25  que  se  difundió  especialmente  en  el  siglo  XIX  y  abarcó  las  bellas  artes,  las  artes   decorativas  (mobiliario,  cerámica,  indumentaria…)  y  el  diseño  (gráfico,  cartelismo…).   Por  lo  que  se  refiere  a  la  técnica  Ukiyo-­‐E,  su  elaboración  implica  una  precisión  milimétrica.  El  artista  separaba  los   dibujos  por  colores  que  después  se  pegaban  en  los  bloques  de  madera.  Una  vez  que  todos  los  bloques  para  una   impresión  estaban  cortados,  se  procedía  a  realizar  el  grabado  en  sí.  Para  ello  se  usaban  tintas  a  base  de  agua  y   mezclas  que  requerían  gran  habilidad  y  velocidad  por  parte  de  los  impresores.  Sólo  después  de  que  todos  los   colores  se  imprimían  el  artista  podía  ver  el  diseño  completo.                   Los  máximos  representantes  del  grabado  Ukiyo-­‐E  fueron  Utamaro,  Hiroshige  y  Hokusai.     Kitagawa  UTAMARO  (1753  –  1806)     Utamaro   fue   uno   de   los   pintores   y   grabadores   más   importantes   de   UKIYO-­‐   E.   En   su   obra   encontramos   la   naturaleza  como  tema  omnipresente  (insectos,  aves,  flores)  y  sobre  todo  las  bellezas  femeninas,  casi  siempre  de   22  Aparecía  intercalado  en  los  periódicos  porque  era  una  manera  de  propaganda.   23  Degas  coleccionó  estampas  Ukiyo-­‐E. 24  Hergé     sintió  una  fascinación  por  Oriente  que  le  acompañó  toda  su  vida.  Concretamente,  mostró  un  gran  interés  por  la  filosofía  y  la  cultura  chinas,   particularmente  por  el  taoísmo,  pero  también  por  el  budismo  y  el  pensamiento  zen.  Su  interés  por  Oriente  también  se  podía  percibir  en  algunas  de  las   obras  de  arte  que  fue  incluyendo  en  su  colección  personal,  entre  las  que  se  encontraban  varios  caros  jarrones  chinos  adquiridos  en  Londres  y  un  buda   dorado  que  compró  a  un  monje  tibetano.   25  Sobre  el  Japonísmo,  véase  la  conferencia  de  Daniel  Montesdeoca  sobre  “Japonismo,  ensueño  oriental”  https://www.youtube.com/watch?v=tBpuxsOl58g  
  18. 18. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala         medio  busto.  Su  obra  impactó  en  los  impresionistas  europeos,  particularmente  por  su  uso  de  diagonales  y  vistas   parciales.                                                         Utagawa  HIROSHIGE      (1797-­‐1858)       Como  Utamaro,  Hiroshige  ejerció  una  gran  influencia  en  el  arte  europeo.  Fue  un  formidable  paisajista  y  también   trató   la   temática   de   la   vida   cotidiana.   Las   Sesenta   y   nueve   estaciones   del   Kisokaido   se   cuentan   entre   sus   realizaciones  más  conseguidas.                                   Katsushika  HOKUSAI  conocido  como  Hokusai  (1760  -­‐1849)     Posiblemente,   Hokusai   es   el   artista   más   representativo   Ukiyo-­‐E.   Fue   un   espléndido   ilustrador   y   grabador.   Su   producción  artística  engloba  casi  todos  los  temas  Ukiyo-­‐E  como  paisajes,  flores,  aves  y  peces.  Descuellan  en  su   producción  las  visiones  del  Monte  Fuji,  La  gran  Ola  o  El  dragón  de  humo.                                                                                                                                                                                           3.  INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  DE  VANGUARDIA.  EL  FAUVISMO.  EL  CUBISMO       El   relato   del   arte   del   siglo   XX   es   la   historia   de   las   vanguardias.   Las   primeras   vanguardias,   llamadas   también   vanguardias   históricas   se   gestan   a   inicios   del   siglo   XX   y   se   desarrollan   durante   las   primeras   décadas   de   esa   centuria.   Estos   movimientos   artísticos   de   vanguardia   son   el   Cubismo,   el   Futurismo,   el   Expresionismo   en   su   vertiente  francesa  (Fauvismo),  alemana  (Die  Brücke,  Der  Blaue  Reiter),  el  Dadaísmo,  el  movimiento  De  Stijl,  el   Suprematismo  ruso,  el  Surrealismo...     Después  del  final  de  la  II  Guerra  Mundial  (1945),  el  centro  artístico  mundial  se  trasladó  de  París  a  Nueva  York.  Allí  

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