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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II: TEMA 7. LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30 Y EL ARTE DE SU ÉPOCA

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II: ARTE DEL SIGLO XX (III): LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30 Y EL ARTE DE SU ÉPOCA.

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II: TEMA 7. LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30 Y EL ARTE DE SU ÉPOCA

  1. 1.                                                   FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II. TEMA  7.  ARTE  DEL  SIGLO  XX  (III):  LA  GRAN   DEPRESIÓN  Y  EL  ARTE  DE  SU  ÉPOCA
  2. 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       2   TEMA  7.  ARTE  DEL  SIGLO  XX  (III):  LA  GRAN  DEPRESIÓN  Y  EL  ARTE  DE  SU  ÉPOCA     1.Introducción.  La  Gran  Depresión  de  los  Años  30.  Contexto  histórico-­‐cultural  .  2.La  Fotografía.  3.  El  Cine.  4  El  Cómic     1.INTRODUCCIÓN.  LA  GRAN  DEPRESIÓN  DE  LOS  AÑOS  30.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL     Tras  los  Felices  Años  20  surgió  una  nueva  etapa  denominada  la  Gran  Depresión.  El  punto  de  partida  de  una  de  las   décadas  más  ominosas  del  siglo  XX  tuvo  lugar  el  24  de  octubre  de  1929,  el  Jueves  Negro:  fue  el  crack  o  crash  de  la   Bolsa  de  Nueva  York.  Esta  considerada  como  la  mayor  crisis  económica  jamás  conocida.  Y  con  razón,  porque  en   esa   fecha   la   Bolsa   de   valores   neoyorkina   sufrió́   una   brutal   caída   en   picado.   Recordemos   que   en   los   años   20   estuvieron   marcados   por   un   consumismo   exacerbado.   Mucha   gente   vivía   por   encima   de   sus   posibilidades   e   invertía  alegremente  en  Bolsa,  como  si  no  hubiera  un  mañana  y  como  si  nunca  fueran  a  bajar  las  acciones.  Pero  la   burbuja  especulativa  de  los  locos  años  20  tuvo  un  final  dramático:  se  produjo  la  ruina  de  muchos  inversores  – grandes   empresas,   hombres   de   negocios,   pequeños   accionistas-­‐   que   perdieron   todos   sus   ahorros.   Se   cerraron   cientos  de  empresas  y  bancos.  Hubo  algún  que  otro  suicidio  y  el  desempleo  afectó  a  millones  de  ciudadanos,  no   solo  de  Nueva  York,  sino  de  Estados  Unidos  y  del  resto  del  mundo.               Ante   esta   situación,   el   nuevo   presidente   americano,   Franklin   D.   Roosevelt   crearía   el   New   Deal   -­‐1933-­‐1938-­‐,   un   intento   fructífero   para   mejorar   la   gravísima   situación   económica   y   de   conflictividad   social   que   apremiaba   a   la   población.   Roosevelt   encarnó   la   voluntad   de   renacer   de   sus   cenizas   del   pueblo   estadounidense   abatido   por   el   desempleo,  la  desconfianza  y  el  pesimismo  con  su  pragmático  programa  de  reformas,  basado  en  las  tres  R: relief   (alivio:  asistencia  social),  recovery  (recuperación),  reform  (reforma).    Creó  la  Seguridad  Social  y  ayudó  con  medidas   sociales  a  las  clases  más  desfavorecidas.  Su  lema  era  “a  lo  único  que  tenemos  que  tener  miedo  es  a  tener  miedo”.             Por  lo  que  se  refiere  a  Europa,  le  afectó  de  lleno  la  recesión  económica,  cuando  parecía  que  se  estaba  recuperando   de  las  consecuencias  de  la  Primera  Guerra  Mundial.  La  inestabilidad  de  las  democracias  europeas  se  acrecentó  con   los  problemas  económicos  y  por  doquier  comenzaron  a  surgir  populistas  “salvadores”  de  la  patria  que  andando  el   tiempo  dieron  lugar  a  regímenes  totalitarios:  el  fascismo  con  il   Duce  Mussolini  en  Italia  y  el  nacionalsocialismo   Los$AÑOS$30,$La$Gran$Depresión!
  3. 3. 3 3 (nazismo)  con  el  Führer  Hitler  en  Alemania.  Hitler  deseaba  implantar  el  Tercer  Reich,  conquistar  medio  mundo  y   aniquilar   a   los   judíos.   Por   su   parte,   y   sucediendo   a   Lenin,   se   estableció   el   “hombre   de   acero”,   el   “padrecito”   comunista   Stalin   en   la   Unión   de   Repúblicas   Socialistas   Soviéticas   (URSS).   En   la   URSS   la   colectivización   agraria   condujo  a  la  aniquilación  de  diez  millones  de  campesinos  entre  1928  y  1933  tras  la  puesta  en  marcha  del  primer  plan   quinquenal  para  industrializar  el  país  a  marchas  forzadas.  Las  purgas  y  el  Gran  Terror  fueron  atroces  entre  1934  y   1938.                                   En   el   caso   de   España,   recordemos   que   durante   los   años   30   se   instauró   la   II   República   española   –un   intento   democrático-­‐   que   terminaría   abruptamente   con   el   golpe   de   estado   del   general   Francisco   Franco.   Como   este   levantamiento  militar  ni  triunfó  totalmente  ni  fracasó  del  todo,  daría  lugar  a  una  cruenta  guerra  civil  que  dividió  a   España  en  dos.  Culminaría  con  la  victoria  del  bando  sublevado  y  la  instauración  de  una  dictadura  que  se  mantuvo   en  el  poder  hasta  la  muerte  del  general  en  1975.   Culturalmente,   en   los   años   30   continúan   las   vanguardias   –como   el   Surrealismo-­‐   o   el   Art   Déco.   Pero   muchos   proyectos  de  vida  artísticos  y  culturales  se  vieron  truncados  por  la  inestabilidad  y  crisis  de  la  época  y  por  el  auge  de   los   totalitarismos1 .   Intelectuales,   científicos   y   artistas   huyeron   del   nazismo,   como   por   ejemplo   Albert   Einstein,   Theodor  W.  Adorno,  Bertolt  Brecht  o  el  pintor  expresionista  George  Grosz. En  los  años  30  vuelve  la  literatura  más   ensayística,  que  analiza  el  contexto  histórico  y  preludia  el  existencialismo,  como  por  ejemplo  la  obra  de  André   Malraux   o   Louis-­‐Ferdinand   Céline.   Los   autores   de   muchos   países   están   marcados   por   la   inestable   y   dramática   situación  política,  con  cambios  de  régimen  y  el  auge  del  totalitarismo.   Durante  esta  década  surgen  grandes  héroes  del  cómic  –desde  el  europeo  Tintín  hasta  los  americanos  Superman,   Batman  o  Capitán  América;  el  cine2  vivió  una  década  dorada  en  Hollywood  con  míticas  películas  protagonizadas  por   los  hermanos  Marx,  Greta  Garbo,  Cary  Grant,  Ginger  Rogers,  Fred  Astaire,  etc.  y  clásicos  del  cine  como  “El  mago  de   Oz”  o  “Lo  que  el  viento  se  llevó”.  Aparecen  las  primeras  películas  de  animación:  Blancanieves  y  los  siete  enanitos  de   Walt  Disney  y  la  industria  se  reorganizó  en  grandes  estudios  como  Cinecittà  en  Roma  (1937)  o  Cifesa  en  España   (1934).   Por   lo   que   se   refiere   a   la   música,   sigue   triunfando   el   jazz   y   tienen   un   gran   auge   las   Big   Band   americanas   que   llenaban  de  swing  las  pistas  de  baile  (Benny  Goodman,  Glenn  Miller,  Duke  Ellington,  Tommy  Dorsey,  etc.).   En  la  danza  clásica  triunfaba  la  compañía  del  Ballet  de  la  Ópera  de  París  a  cargo  por  aquel  entonces  de  Serge  Lifar   (1905-­‐1986),  bailarín  y  coreógrafo  ucraniano.  Serge  Lifar  había  comenzado  como  bailarín  en  los  Ballets  Rusos  en   1923  sustituyendo  a  Nijinsky.  Con  Lifar,  esa  compañía  parisina  se  convirtió  en  una  de  las  mejores  del  mundo  en  su   género.  Fue  su  director  entre  los  años  1930-­‐1944  y  después  desde  1947  al  1958.       1  Sobre  las  vanguardias  y  los  totalitarismos  véase  http://www.gelonchviladegut.com/wp-­‐content/uploads/2014/11/Vanguardias-­‐y-­‐Totalitarismos.pdf   2  Sobre  el  cine  de  esta  etapa  véase:  http://www.thecult.es/Cine-­‐clasico/historia-­‐del-­‐cine-­‐los-­‐anos-­‐30.html  
  4. 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       4                                 2.  LA  FOTOGRAFÍA     La  novela  Las  uvas  de  la  ira  de  John  Steinbeck  (1939),  que  fue  llevada  también  al  cine  por  John  Ford  (1940),  refleja  a   la   perfección   la   miseria   que   acució   a   Estados   Unidos   durante   la   etapa   de   la   Gran   Depresión.   Pero   no   solo   la   literatura,  la  fotografía  de  la  época  muestra  sin  paliativos  la  realidad  cotidiana  de  ese  periodo.       Dorothea  LANGE3  (1895-­‐1965)     Dorothea  Lange  es  una  de  las  más  representativas  y  aclamadas  fotógrafas  del  siglo  XX.  Nació  en  Hoboken  (Nueva   Jersey)  en  1895  y  murió  en  San  Francisco  en  1965.  De  pequeña  enfermó  de  polio.  Cuando  contaba  12  años  su  padre   abandonó  a  Dorothea  y  a  su  madre.  En  el  futuro  renegaría  del  apellido  de  su  padre  y  utilizaría  el  de  su  madre,   Lange.  Estudió  fotografía  en  Nueva  York  y  creó  un  exitoso  estudio  en  California  donde  viviría  buena  parte  de  su   vida.                         Parte   de   sus   proyectos   fotográficos   fueron   encargos   gubernamentales,   ya   que   trabajó   para   la   oficina   de   Administración   de   la   Seguridad   Agraria   dependiente   del   New   Deal   de   Roosevelt.     Recorrió   Estados   Unidos   realizando  fotografías  documentales  donde  dejaba  patente  la  miseria  de  la  Gran  Depresión  de  los  años  30.  En  ellas   muestra   el   sufrimiento   de   granjeros   y   trabajadores   emigrantes   ante   la   penuria   económica.   Su   foto   más   emblemática  y  famosa  es  la  imagen  en  blanco  y  negro,  casi  sepia,  de  Migrant  Mother,  Nipomo,  California  (Madre   emigrante,  1936)  donde  retrató  el  rostro  descarnado  de  Florence  Owens  Thompson,  acompañado  por  sus  hijos.   Iban  en  una  vieja  carreta  por  los  caminos  de  California  en  busca  de  un  futuro  mejor.  Al  parecer,  la  retratada  tenía   32  años  y  le  contó  a  Lange  que  habían  estado  sobreviviendo  con  verduras  congeladas  y  pájaros  que  mataban  sus   hijos.  Thompson  causó  un  fuerte  impacto  en  la  fotógrafa.  Fue  un  imagen  icónica  de  la  época.   Otra  de  sus  fotografías  más  conmovedoras,  es  la  de  un  anciano  esperando  su  ración  de  comida  en  un  comedor   social  (1933).  Lange  era  una  activista  contra  el  racismo  y  la  segregación  entre  blancos  y  negros  como  muestran   algunas  de  sus  fotografías.   Lange  fue  una  fotógrafa  social  comprometida  con  su  época  que  deseaba  informar  al  público  de  la  realidad  de  su   tiempo  como  pequeño  grano  de  arena  para  cambiar  las  cosas.   3  Sobre  Dorothea  Lange  véase  la  película  http://grabahunkoflightning.com  
  5. 5. 5 5               En  sus  fotografías  utilizó  técnicas  innovadoras.  Muestra  con  frecuencia  composiciones  en  diagonal.  Lo  relevante   de  sus  trabajos  es  que  muestra  como  la  fotografía  documental  puede  ser  un  obra  de  arte  que  conmueve  y  a  la  vez   muestra  belleza.  Ella  se  veía  a  si  misma  primero  como  periodista  y  en  segundo  término  como  artista,  es  decir,   valoraba  más  el  dar  testimonio,  el  ser  testigo  de  los  sin  voz,  que  en  realizar  obras  artísticas.   Entre   las   fotografías   más   interesantes   de   Dorothea   Lange   podemos   destacar   las   que   realizó   de   las   familias   japonesas   que   vivían   en   Estados   Unidos   durante   la   II   Guerra   Mundial.   Fueron   internadas   en   campos   de   internamiento   estadounidenses   (WRA,   War   Relocation   Authority)   durante   el   conflicto   bélico   puesto   que   eran   considerados  una  amenaza  para  la  seguridad  nacional,  aunque  muchos  fueran  solo  niños.   Después  de  la  Gran  Depresión,  Lange  continuó  con  su  esplendorosa  carrera  de  fotoperiodista,  trabajando  para  las   mejores  revistas  de  la  época  como  Fortune  y  Life,  viajando  por  todo  el  mundo,  especialmente  Asia,  Sudamérica  y   Egipto.  En  esta  etapa  le  interesaba  sobre  todo  la  captación  psicológica  y  la  intensidad  de  los  sentimientos  de  las   personas  retratadas.                               Walker  EVANS  (1903-­‐75)     Otro  fotógrafo  comprometido  socialmente  de  los  años  30  fue  el  americano  Walker  Evans.  Comenzó  su  labor  como   fotógrafo  a  finales  de  los  años  20  durante  un  viaje  por  Europa.  A  su  vuelta  a  Nueva  las  publicó  en  1930.  Como   Lange,   trabajó   para   instituciones   gubernamentales   (Farm   Security   Administratio,   FSA)   con   el   fin   de   mostrar   los   efectos  de  la  Gran  Depresión.  Su  objetivo  era  realizar  fotos  transcendentales.  Era  un  artista  muy  culto,  apasionado   de   la   literatura   francesa.   Fue   también   escritor.   En   1933   viajó   a   Cuba   donde   retrató   la   dictadura   de   Gerardo   Machado.  En  sus  fotos  documenta  la  vida  en  la  calle,  los  mendigos,  los  trabajadores  en  harapos…Evans  colaboró  a   lo   largo   de   su   dilatada   carrera   como   fotógrafo   en   diversas   publicaciones   como   Fortune.   Entre   1965   y   1974   fue   profesor  de  fotografía  y  de  diseño  gráfico  en  la  prestigiosa  universidad  de  Yale.    
  6. 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       6       Cecil  BEATON  (1904-­‐1980)     No  toda  la  fotografía  de  los  años  30  presentaba  un  fuerte  contenido  social.  En  Europa,  el  británico  Sir  Cecil  Beaton   representa  su  contrapunto,  la  otra  cara  de  la  moneda:  el  glamur,  la  elegancia,  la  sofisticación.  Cecil  Beaton  no  se   conformó   solo   con   hacer   fotografías:   fue   también   ilustrador,   pintor,   interiorista   y   un   afamado   diseñador   de   vestuario  para  el  teatro  y  el  cine.  Su  trascendencia  e  influencia  en  en  la  fotografía  contemporánea  –especialmente   de  retratos  y  de  moda-­‐  ha  sido  profunda,  como  por  ejemplo  en  David  Bailey  y  Mario  Testino.             Nació   en   Londres   y   ya   desde   niño   sintió   pasión   por   la   fotografía.   Con   11   años   ya   tuvo   su   primera   cámara   fotográfica.  Desde  muy  joven  trabajó  en  revistas  vinculadas  al  mundo  de  la  moda  como  Vanity  Fair  and  Vogue.   Llamaban  ya  desde  entonces  la  atención  sus  fotografías  en  las  que  colocaba  a  los  retratados  con  escenarios  nada   usuales.  Aunque  estudió  en  la  universidad  de  Cambridge  en  1922,  en  realidad  lo  que  le  interesaba  era  la  fotografía   y  el  diseño  teatral  (escenografía,  vestuario).     Beaton  publicó  su  primera  colección  de  fotos  en  1930  con  el  nombre  de  El  libro  de  la  Belleza  (1930).  Su  fama  se   acrecentó  de  tal  manera  que  fue  el  fotógrafo  de    boda  del  Duque  de  Windsor  y  Wallis  Simpson  en  1937  y  de  la   coronación  de  la  reina  Isabel  II  en  1953.   Durante   la   II   Guerra   Mundial4  realizó   fotografías   en   Inglaterra,   África   y   Oriente   Próximo   para   el   Ministerio   de   Información  británico.  De  esas  imágenes  descuella  la  famosa  foto  de  una  niña  de  tres  años  llamada  Eileen  Dunne   herida  en  un  bombardeo  (el  Blitz5  de  1940).  Fue  portada  de  la  revista  Life.  Para  Cecil  Beaton  sus  fotografías  de  la   guerra  fueron  sus  obras  más  importantes.  Cambiaron  su  forma  o  perspectiva  no  solo  de  ver  la  fotografía  sino  la   vida.  Si  las  comparamos  con  las  fotografías  de  compromiso  social  de  Dorothy  Lange  o  Walter  Evans,  podemos   considerar  que  están  a  su  altura,  son  obras  de  gran  calidad  técnica,  artística  y  sensibilidad  social.   Toda  su  vida  fotografió  a  la  Café  Society  –alta  sociedad-­‐  de  la  época:  reyes,  aristócratas,  artistas  –como  Picasso-­‐,   celebridades  (actores,  actrices,  modelos).               4  Sobre  la  fotografía  durante  la  II  Guerra  Mundial,  véase  https://theblissarchives.wordpress.com/2015/10/23/la-­‐fotografia-­‐y-­‐la-­‐segunda-­‐guerra-­‐mundial-­‐cecil-­‐ beaton/   5  Bombardeos  de  la  Alemania  nazi  sobre  Reino  Unido  durante  la  II  Guerra  Mundial,  particularmente  entre  los  años  1940-­‐41.  
  7. 7. 7 7                                                                                                                                     Realizó  memorables  diseños  de  vestuario  y  escenografías  para  películas  como  para  My  Fair  Lady  (1957  y  la  versión   cinematográfica  de  19646 )  and  Coco  (1970)  y  Gigi  (1958).  Fue  ennoblecido  por  la  reina  Isabel  II  en  1972  con  el  título   de  Sir.         6  Ganó  un  Oscar  por  sus  diseños  de  vestuario  para  esa  película.  
  8. 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       8   En  1974  sufrió  un  ictus  que  le  paralizó  medio  cuerpo.  Aunque  aprendió  a  pintar  y  a  realizar  fotografías  con  la  mano   izquierda,  su  preocupación  por  su  futuro  le  llevó  a  vender  sus  obras  en  Sotheby´s.  Murió  con  76  años  de  un  ataque   al  corazón.  Con  su  muerte  desaparecía  uno  de  los  grandes  fotógrafos  del  siglo  XX.     3.  EL  CINE     La  obra  creativa  de  Walt  DISNEY7  (1901-­‐1966)  y  su  importancia  para  el  cine     Walter  Elías  Disney  fue  todo  un  personaje:  artista  y  empresario,  era  una  especie  de  rey  Midas  que  casi  todo  lo  que   tocaba  lo  transformaba  en  oro.  Nació  en  1901  en  Chicago  (Illinois)  en  el  seno  de  una  familia  de  ancestros  irlandeses,   alemanes  e  ingleses.  Se  mudó  con  su  familia    en  1906  a  Missouri  y  allí  vivió  durante  cuatro  años  en  una  granja.  Su   madre  cada  noche  le  contaba  cuentos  clásicos  europeos.  Pronto  dejó  los  estudios  para  enrolarse  en  el  ejército:   durante  la  I  Guerra  Mundial  sirvió  en  la  Cruz  Roja  como  conductor  de  ambulancia  con  Ray  Kroc,  quien,  andando  el   tiempo   sería   el   fundador   de   la   cadena   de   establecimientos   de   comida   rápida   McDonald´s.   La   experiencia   en   la   guerra  marcaría  fuertemente  su  carácter.  Disney  era  un  enamorado  de  la  cultura  europea  y  viajó  a  lo  largo  de  su   vida  en  numerosas  ocasiones  a  ese  continente8 .     Disney  era  disléxico  y  sobrevivió  a  la  Gripe  de  1918  (la  mal  llamada  “gripe  española”).  De  joven  perteneció  a  una   organización  vinculada  a  la  Masonería  (The  Order  of  DeMolay)  y  fue  un  convencido  anticomunista.     Dibujante,   animador9 ,   director,   guionista   y   productor   visionario,   está   considerado   como   la   figura   seminal   de   la   animación  del  siglo  XX.  Se  supo  rodear  de  talentosos  equipos  de  dibujantes,  realizadores  y  técnicos,  muchos  de   ellos  de  origen  europeo.   Disney  representa  el  ideal  americano  de  hombre  hecho  a  si  mismo  que  triunfa  gracias  a  su  inteligencia  y  esfuerzo.   Sus   creaciones   son   iconos   de   la   cultura   popular   del   siglo   XX,   y   somos   muchas   generaciones   las   que   hemos   disfrutado  y  seguimos  disfrutando  de  ellas.     Estudió  becado  en  el  Kansas  City  Art  Institut  junto  con  Ub  Iwerks,  un  excelente  dibujante  de  animación  y  figura   clave  en  su  vida.  A  inicios  de  los  años  20  realizaron  una  serie  de  cortos  animados  para  la  cadena  de  cines  Newman   en  Kansas  City  llamada  Newman's  Laugh-­‐O-­‐Grams  con  tan  poco  éxito  que  su  compañía  quebró.  Pero  este  fracaso   no  impidió  que  siguieran  luchando  por  sus  sueños.  En  1923  Disney  e  Iwerks  se  establecieron  en  Hollywood.  En  la   Meca  del  Cine  empezaron  una  nueva  serie  sobre  las  aventuras  de  una  niña  llamada  Alicia:  Alice  Comedies.  En  esta   serie  introdujeron  por  primera  vez  a  dos  personajes  animados,  Julius  the  Cat  y  Peg  Leg  Pete.  Disney  en  esta  ocasión   contó  con  el  apoyo  financiero  de  Winkler  y  de  su  hermano  mayor  Roy  O.  Disney,  que  fue  toda  su  vida  su  socio   financiero.  Produjeron  cientos  de  Alice  Comedies    entre  1923  y  1927,  hasta  que  la  popularidad  de  este  personaje  fue   decayendo.       7  Sobre  Walt  Disney  véase  el  excelente  documental  “Érase  una  vez  Walt  Disney”  en  https://www.youtube.com/watch?v=Wy_uUW91_u8   8  Así  por  ejemplo  en  el  verano  de  1935  recorrió  Europa  en  tren  con  su  esposa  Lilli  y  allí  compraron  más  de  350  libros  de  artes  y  obras  clasicas.  Instalaron  una   gran  biblioteca  en  Hollywood.   9  En  su  5  acepción  de  la  RAE:  Cinem.  Especialista  en  animación.  
  9. 9. 9 9               Disney  empezó  entonces  una  exitosa  nueva  serie  sobre  un  personaje  animado  llamado  Oswald  the  Lucky  Rabbit   (Oswald  el  conejo  de  la  suerte).  Pero  en  1928  Walt  descubrió  que  M.J.  Winkler  y  su  marido  Charles  Mintz  le  habían   robado   los   derechos   sobre   esta   figura   animada   y   también   a   los   dibujantes   animadores,   excepto   a   Ub   Iwerks.   Disney  decidió  crear  un  nuevo  personaje  que  le  haría  mundialmente  famoso:  Mickey  Mouse.  Mickey  se  convirtió  en   una  estrella  internacional.                   Con  solo  Disney  e  Iwerks  como  dibujantes  y  con  la  ayuda  de  la  esposa  de  Walt  Disney  llamada  Lillian  (Lilly)  y  de  la   mujer   de   Roy   (Edna),   empezaron   a   producir   dibujos   animados   de   Mickey   Mouse.   En   uno   de   ellos   llamado   Steamboat  Willie  (1928),  Walt  Disney  sincronizó  la  imagen  con  sonido.  Disney  fue  la  voz  de  Mickey  Mouse  desde   1928  hasta  1947.  A  partir  de  aquí  empezaron  a  sucederse  los  éxitos:  Silly  Symphonies  (1929),  Flowers  and  Trees  (1932)   –el  primero  en  color  y  el  primer  dibujo  animado  que  ganó  un  Oscar-­‐,  Three  Little  Pigs  (1933)  etc.  Los  personajes  de   Minnie  Mouse,  el  Pato  Donald,  Goofy  y  Pluto  entre  otros  surgieron  en  los  años  30  y  hoy  en  día  todavía  son  muy   populares.     Blancanieves  y  los  siete  enanitos  (1937),  el  primer  largometraje  de  animación  de  la  historia     En   1934   Walt   Disney   empezó   un   nuevo   proyecto:   un   largometraje   musical   de   dibujos   animados   llamado     Blancanieves  y  los  siete  enanitos.  Todo  el  mundo  en  Hollywood  lo  llamó  Disney's  Folly,  es  decir,  la  “locura  de  Disney”   puesto  que  pensaban  que  sería  inviable,  un  fracaso  que  causaría  la  ruina  económica  de  sus  estudios  de  producción.   En  verdad,  fue  todo  lo  contrario.  En  1937  se  estrenó  y  fue  todo  un  éxito  arrollador  tanto  de  crítica  como  de  público.     Blancanieves  fue  todo  un  reto.  Era  la  primera  vez  que  los  animadores  se  enfrentaban  a  un  personaje  realista,  que   además  tenía  que  ser  una  heroína.  Dos  estrellas  hollywoodenses  de  la  época,  Shirley  Temple  y  Janet  Gaynor  fueron   las  fuentes  de  inspiración  para  este  personaje10 .   10  La  bruja  de  esta  película  es  un  personaje  aterrador  inolvidable,  basado  en  los  grabados  de  Daumier.    
  10. 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       10 Basada  en  el  célebre  cuento  de  los  hermanos  Grimm,  fue  el  primer  largometraje  animado  de  lengua  inglesa,  y  el   primero  en  utilizar  el  Technicolor.  Fue  distribuido  en  febrero  de  1938  por  RKO.  Fue  la  película  con  mayor  éxito  de   taquilla  de  1938  y  una  de  las  más  taquilleras  de  toda  la  historia.   Las   influencias   de   esta   película   son   variadas:   desde   la   versión   cinematográfica   basada   en   la   historia   de   Shakespeare  Romeo  y  Julieta11  (1936)  hasta  el  cine  expresionista  alemán  (Nosferatu,  1922;  el  Gabinete  del  Doctor   Caligari,  1919).  De  estas  últimas  es  evidente  sobre  toda  la  escena  en  la  que  Blancanieves  huye  por  el  bosque  y  la   Reina  se  transforma  en  una  bruja.  También  se  inspiró  para  esta  escena  en  Dr.  Jekyll  y  Mr.  Hyde  del  año  1931.   En   1993,   Blancanieves   y   los   siete   enanitos   se   convirtió   en   la   primera   película   en   ser   enteramente   digitalizada,   restaurada  y  regrabada  como  film12 .           Disney  recibió  ocho  Oscars  por  esta  película,  uno  del  tamaño  habitual  y  siete  en  miniatura.  Destacados  directores   de  cine  como  Sergei  Eisenstein  y  Charles  Chaplin  alabaron  la  película.  Eisenstein  la  consideró  la  mejor  película  de  la   historia.  Sobre  Blancanieves  se  han  hecho  decenas  de  versiones.     Disney   siguió   produciendo   dibujos   animados   cortos   pero   también   exitosas   películas   como   Pinocchio   (1940),   Dumbo  (1941),  y  Bambi  (1942).  Ni  el  fracaso  de  Fantasía  (1940)  ni  una  huelga  en  los  estudios  de  animación  de  1941   pudieron   detener   la   carrera   imparable   de   Disney.   En   los   años   50,   fueron   también   grandes   éxitos   La   cenicienta   (1950),  Alicia  en  el  país  de  las  maravillas  (1951),  o  Peter  Pan  (1953).               En   1950   también   produjo   películas   de   aventuras   como   la   Isla   del   Tesoro   (1950).   Este   tipo   de   films   cada   vez   iba   teniendo  más  importancia  en  su  producción  a  lo  largo  de  los  años  50  y  60  pero  continuó  llevando  a  cabo  películas   de  animación  como  La  dama  y  el  vagabundo  (1955),  La  bella  durmiente  (1959),  y  101  Dálmatas  (1961).   En  1955  abrió  un  parque  temático  en  el  sur  de  California,  Disneyland,  inspirado  en  un  viaje  que  hizo  a  Dinamarca   donde  pudo  visitar  en  Copenhague  el  parque  de  atracciones  más  antiguo  del  mundo  llamado  Tivoli  (1843).  Era  un   lugar  de  divertimento  para  los  niños  y  sus  familias  en  los  que  podían  encontrarse  con  los  personajes  animados  de   Disney.  Fue  otro  espectacular  éxito.   11  Especialmente  en  la  escena  en  la  que  Blancanieves  yace  en  un  ataúd  de  cristal.   12  El  proyecto  de  restauración  fue  llevado  a  cabo  enteramente  en  resolución  4k  y  profundidad  de  color  de  10  bit  usando  el  sistema  digital  Cineon  para  eliminar   la  suciedad  y  arañazos  de  la  película  y  restaurar  los  colores  que  habían  ido  perdiendo  intensidad.  
  11. 11. 11 11           Walt  Disney  fue  de  los  primeros  productores  de  películas  para  la  televisión  como  la  serie  Walt  Disney's  Wonderful   World  of  Color  (1954)  que  empezó  en  1954  con  el  fin  de  promocionar  Disneyland.  También  produjo  The  Mickey   Mouse  Club  (1955)  y  Zorro  (1957).  En  1964  consiguió  por  fin,  un  sueño  que  llevaba  acariciando  desde  hacía  veinte   años:  llevar  al  cine  la  novela  de  Mary  Poppins.  Está  película  musical  –que  conjuga  figuras  reales  con  animadas-­‐  es  su   obra  maestra  y  desde  luego,  una  de  las  favoritas  del  propio  Disney.  La  odisea  para  poderla  llevar  a  cabo  aparece   contada  en  la  espléndida  película  protagonizada  por  Tom  Hanks  –pariente  lejano  de  Disney-­‐  y  Emma  Thompson   llamada  Saving  Mr.  Banks  (Hancock,  2013).     En  194o  Dalí  le  escribió  a  André  Breton  que  en  Hollywood  vivían  tres  grandes  surrealistas:  los  hermanos  Marx,  Cecil   B.  DeMille  y  Walt  Disney.  Recordemos  que  fruto  de  la  colaboración  entre  Dalí  y  Disney  surgió  el  corto  surrealista   Destino13 (1946).   Cuando  planeaba  construir  nuevos  parques  temáticos,  Disney,  que  era  un  fumador  empedernido  –tres  cajetillas   diarias-­‐,  enfermó  de  cáncer  de  pulmón,  falleciendo  en  1966.           Su  hermano  Roy  continuó  con  los  planes  de  construir  en  Orlando  (Florida)  un  parque  temático  que  fue  abierto  en   1971  con  el  nombre  de  Walt  Disney  World.     Walt   Disney   creó   un   imperio   cinematográfico   que   continúa   en   la   actualidad   ya   que   es   la   mayor   compañía   de   medios  de  comunicación  y  entretenimiento  del  mundo.  Creó  un  nuevo  cine  con  sus  cuentos  fantásticos  inspirados   en  los  sueños  y  pesadillas  de  la  vieja  Europa.   Disney  batió  todos  los  records  de  premios  de  la  Academia  de  Artes  y  Ciencias  Cinematográficas  de  Estados  Unidos   ya  que  ganó  22  Oscars  y  otros  tres  honoríficos,  aparte  de  innumerables  galardones.       Las  películas  de  Walt  Disney  se  caracterizan  por:     *La  fuente  de  inspiración  de  las  tramas,  los  personajes,  la  estética  de  los  mismos,  los  fondos  arquitectónicos  o   13  http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/760490/cine-­‐y-­‐arquitectura-­‐destino-­‐una-­‐colaboracion-­‐entre-­‐walt-­‐disney-­‐y-­‐salvador-­‐dali  
  12. 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       12 paisajísticos  se  inspiran  en  el  arte  (Gustav  Doré,  J.J.  Grandeville  entre  otros),  el  cine  expresionista  alemán,  y  la   literatura   europea.   De   hecho,   Disney   contrataba   a   los   mejores   animadores   y   dibujantes   que   tuvieran   un   gran   bagaje  cultural  de  las  distintas  épocas  y  estilos  artísticos.  Sus  artistas  iban  al  cine,  al  teatro,  visitaban  museos  y   exposiciones  buscando  inspiración  para  las  películas  Disney.   *Algunos  edificios  de  las  películas  de  animación  de  Disney  son  icónicos  de  un  estilo  o  de  una  época,  como  por   ejemplo,   el   castillo   medieval   de   la   Bella   Durmiente   o   el   de   Blancanieves   y   los   siete   enanitos.   Guarda   muchas   concomitancias  con  el  castillo  neogótico Neuschwanstein  de  Luis  II  de  Baviera  (siglo  XIX).   *Catorce   de   las   diecisiete   películas   animadas   en   vida   de   Disney   procedían   de   cuentos   y   leyendas   europeas.   La   filiación   a   la   historia   de   la   literatura   europea,   fundamentalmente   a   los   cuentos   de   hadas,   princesas,   etc.   está   presente  en  muchas  de  sus  obras  así  como  su  vinculación  con  los  clásicos  de  la  literatura  universal  como  Alicia  en  el   País  de  las  Maravillas  de  Lewis  Carroll  (1965)  o  Pinocho  de  Carlo  Collodi  (1883).  Los  siete  enanitos  de  Blancanieves   no  se  entienden  sin  el  poema  épico  de  la  saga  germánica  del  anillo  de  los  nibelungos,  que,  recordemos  aparecen   en   la   ópera   de   Wagner.   Tanto   unos   como   otros   buscan   en   un   mundo   subterráneo   riquezas   como   oro   (los   nibelungos)  y  diamantes  (los  7  enanitos).  Los  nibelungos  es  también  una  película  de  Fritz  Lang  de  1924.     Los   cuentos   de   los   Hermanos   Grimm   son   la   base   de   muchas   películas   de   Disney   como   Blancanieves,   la   Bella   Durmiente  o  la  Cenicienta  que  a  su  vez  se  nutrían  de  leyendas  populares.     *Happy  End:  final  feliz  de  sus  películas,  aunque  en  algunas  ellas  haya  hechos  dramáticos  como  la  muerte  de  la   madre  de  Bambi.  Las  películas  Disney  suelen  ser  films  con  mensajes  positivos  que  apuestan  por  valores  como  la   amistad,  la  naturaleza  o  hacer  el  bien  a  los  demás.     *En  la  infancia  de  Disney  se  encuentran  muchas  claves  de  sus  películas.  En  ellas  es  habitual  la  antropomorfización   de  los  animales  y  de  las  plantas,  que  hablan,  bailan,  cantan  e  interactúan  con  los  seres  humanos.  Esa  pasión  por  la   naturaleza   le   viene   a   Disney   de   sus   recuerdos   en   la   granja   de   Missouri   donde   vivió   de   pequeño.   Pero   esa   “humanización”  de  esos  seres  vivos  no  lo  inventó  él,  aparece  en  las  fábulas  de  Esopo,  de  Jean  de  La  Fontaine,  etc.   y  en  el  arte  europeo.     *Muchos  de  sus  personajes  utilizan  guantes  blancos:  Mickey  Mouse,  Goofy,  Peter  Pete,  Jiminy  Cricket.       APORTACIONES  DE  DISNEY  AL  CINE  DE  ANIMACIÓN   Las  películas  de  Disney  siempre  han  ido  a  la  vanguardia  en  lo  que  se  refiere  a  la  tecnología  del  cine  de  animación.   A  veces  experimentando  con  técnicas  por  primera  vez,  otras  veces  lanzando  a  nivel  masivo  innovaciones  creadas   por  otros.   Veamos  algunos  de  sus  hitos:   Interacción  de  actores  reales  con  dibujos  animados   Cortos  conocidos  como  Alice  Comedies  (1923),  en  los  que  una  niña  interpretada  por  Virginia  Davis  interactuaba  con   personajes  animados  de  un  mundo  de  fantasía  y  con  su  gato,  llamado  Julius.   Sincronización  de  imagen  y  sonido  en  animación   En   1928   Disney   estrenó   el   revolucionario   Steamboat   Willie,   primera   película   de   animación   con   sonido   protagonizada  por  Mickey  Mouse.  La  primera  película  sonora  de  la  historia  se  estrenó  solo  unos  meses  antes,  en   1927,  El  cantor  de  Jazz.   Technicolor   Dentro  de  su  serie  Silly  Symphonies,  Disney  fue  experimentando  con  distintas  temáticas  y  técnicas.  En  1932,  lanzó   Flowers  and  Trees,  primer  corto  animado  en  Technicolor   Primer  largometraje  animado     También  en  Blancanieves  se  presentó  la  cámara  multiplano  que  inventó  William  Garity  para  la  compañía.   Sonido  estereofónico   En  Fantasía  en  1940  y  por  primera  vez  en  una  película  comercial,  Disney  usó  sonido  estereofónico  multicanal.   Canción  del  Sur,  en  1946,  no  solo  fue  el  primer  largometraje  de  Disney  en  usar  a  actores  reales,  sino  el  primero  en   hacerlos  compartir  escena  con  dibujos  animados.               ejemploshttp://www.bloglenovo.es/esto-­‐es-­‐todo-­‐lo-­‐que-­‐ha-­‐cambiado-­‐el-­‐cine-­‐de-­‐animacion-­‐de-­‐disney-­‐en-­‐mas-­‐de-­‐ un-­‐siglo/  
  13. 13. 13 13 Innovación  en  el  uso  de  Xerografía   101  Dálmatas  introdujo  un  nuevo  proceso  de  Xerografía:  el  animador  Ub  Iwerks  había  estado  experimentando  con   cámaras  Xerox,  para  transferir  dibujos  directamente  a  celuloide,  eliminando  el  proceso  de  entintar.   Animación  por  ordenador   Tron  es  una  película  insólita,  casi  inexplicable  desde  una  perspectiva  empresarial,  pero  esencial  para  entender  el   cine   de   animación   actual:   con   ella,   John   Lasseter   comenzó   a   testear   las   posibilidades   de   un   corto   con   fondos   digitalizados.  Fue  despedido  después  de  una  reunión  en  la  que  intentó  convencer  a  sus  jefes  de  la  conveniencia  de   producirlo.  De  ahí  a  Lucasfilm  Computer  Graphics  y  a  Pixar  desarrollaron  la  animación  por  ordenador  con  hitos   como   Toy   Story,   Monstruos   SA   o   Cars.   El   círculo   se   completó   cuando   en   abril   de   2006,   Disney   compró   Pixar   y   Lasseter  pasó  a  ser  director  creativo  de  Pixar    y  Walt  Disney  Animation  Studios.   CAPS  (Computer  Animation  Production  System)   CAPS  era  una  colección  de  programas,  sistemas  de  escaneado,  servidores,  ordenadores  en  red  y  estaciones  de   trabajo  dedicadas  que  desarrollaron  Disney  y  Pixar  a  finales  de  los  ochenta.   Este   sistema   eliminó   la   necesidad   de   celuloide,   cámara   multiplano   y   efectos   especiales   tradicionales,   computarizando  el  proceso  de  entintado  y  coloreado,  entre  otros  detalles  de  postproducción.  Paradójicamente,   el  sistema  solo  se  empleó  en  un  plano  de  La  Sirenita.   La  Sirenita  supuso,  así,  la  última  película  de  la  productora  que  incluyó  en  su  metraje  animación  clásica  en  celuloide.   Fuente  de  este  texto:  Redondus  http://www.slideshare.net/redondus/2-­‐fundamentos7       4.  El  CÓMIC14     El  cómic  –bande  dessinée  (bd)  en  francés,  fumeto  en  italiano,  historieta  o  TBO  en  español-­‐  es  el  arte  de  narrar  con   ilustraciones.  La  palabra  cómic  es  un  anglicismo que  deriva  de  la  expresión  comic  strip,  es  decir,  tira  cómica.  Ha   estado  considerado  como  un  “arte  menor”.  Esa  visión  peyorativa  hoy  está  superada.15  Es  el  Noveno  Arte.   Podemos  considerarlo  como  una  popular  literatura  de  masas  y  al  mismo  tiempo  como  un  medio  de  expresión   artística   cuyos   orígenes   se   esconden   en   la   noche   de   los   tiempos.   Recordemos   que   la   narración   apoyada   con   imágenes  ya  aparece  en  míticas  civilizaciones  como  Egipto  o  Roma16 .  En  Egipto,  por  ejemplo,  los  relieves  o  las   pinturas  venían  estructuradas  en  bandas  o  registros,  acompañadas  de  jeroglíficos.     En  rigor,  en  sentido  estricto,  el  origen  del  cómic  apareció  a  finales  del  siglo  XIX  en  Estados  Unidos,  vinculado  a  la   prensa  norteamericana.  Curiosamente  surgió  en  paralelo  al  cine.   El  primer  cómic  propiamente  dicho,  Yellow  Kid,  fue  creado  en  1896  por  el  dibujante  Richard  Felton  Outcault  y  se   caracterizaba  por  una  interesante  novedad:  lo  que  decían  o  pensaban  los  personajes  aparecía  encerrado  en  un   “bocadillo”,   una   especie   de   globo.   Precisamente,   es   éste   uno   de   los   rasgos   distintivos   del   comic   frente   a   la   ilustración.  En  la  ilustración  los  textos  están  fuera  del  dibujo.   En  los  cómics  es  imprescindible  que  el  lector  sepa  identificar  a  los  personajes  y  que  exista  un  “continuo  narrativo”   que   desarrolla   el   proyecto   narrativo.   El   objetivo   del   Noveno   Arte   es   formar,   informar   y   divertir.   En   ocasiones   puede  tener  intencionalidad  propagandística  (política,  religiosa…)   Los  cómics  se  hicieron  muy  populares  y  pronto  surgieron  obras  maestras  de  este  género  desde  inicios  del  siglo  XX   como   Little   Nemo   in   Slumberland,   creado   a   inicios   de   ese   siglo   por   Winsor   McCay   o   los   célebres   Krazy   Cat   de   George  Herriman,  Felix  el  Gato  de  Pat  Sullivan  o  Mickey  Mouse  (desde  1929)  y  todos  los  demás  personajes  de  la   factoría  del  mítico  Walt  Disney.   14  Sobre  el  cómic  véase  el  excelente  ciclo  de  conferencias  de  la  Fundación  Mapfre  “Cómic,  Arte  y  Arquitectura”  de  la  Fundación  Mapfre:  http://artpower-­‐ ana.blogspot.com.es/2013/11/el-­‐comic-­‐o-­‐el-­‐arte-­‐de-­‐narrar-­‐con.html   15 ¿Baja  cultura  versus  alta  cultura?  Es  cultura  y  punto.   16  Así  por  ejemplo  la  columna  Trajana  de  Roma,  donde  con  sentido  helicoidal  se  nos  cuenta  la  conquista  de  la  Dacia  o  las  Cantigas  de  Santa  María  del  siglo  XIII   (arte  medieval).  
  14. 14. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       14                             La  temática  de  los  cómics  es  de  gran  diversidad:  policíaca,  de  aventuras  o  acción,  bélica,  de  superhéroes,  de  humor,     de    amor,    de    ciencia    ficción,    de    terror,    deportes    (artes    marciales)    y    un    largo    etcétera.    Los  lectores  de  cómics   no  son  sólo  el  público  infantil  o  juvenil  sino  también  el  adulto.         La    producción    de    cómics    ha    sido    especialmente    fecunda    en    Estados  Unidos,  Francia,  Bélgica  y  Japón,  siendo   obras   de   referencia,   verdaderos   clásicos   del   noveno   arte:   Tintín,   Dick   Tracy,   Flash   Gordon,   Batman,   Superman,   Tarzán,  Mickey  Mouse,  Snoopy,  Conan,  Hulk,  Sin  City…         La     historieta     española,     los     llamados     y     célebres     tebeos,     cuentan     con   autores   y   personajes   esenciales,   imborrables   en   la   memoria   cultural   de   España,   como   por   ejemplo   Roberto   Alcázar   y   Pedrín,   Rompetechos,   las  
  15. 15. 15 15 hermanas  Gilda,  Zipi  y  Zape,  Mortadelo  y  Filemón,  el  botones  Sacarino,  Pepe  Gotera  y  Otilio,  Carpanta  etc.  debidos   al  talento,  entre  otros,  del  genial  Francisco  Ibáñez.   Los  estilos  de  los  cómics    pueden  ser  muy    variados:  realistas,  caricaturescas,  o  incluso  combinar  varios  estilos  en   una   misma   viñeta.   La   peculiar   estética   del   cómic   ha   influido   en   los   medios   de   comunicación   de   masas,   especialmente  en  la  publicidad,  el  diseño,  la  moda,  el  cine  o  el  arte,  como  por  ejemplo,  el  Pop  Art.  Chaplin,  por   ejemplo,  tenía  muchas  influencias  del  cómic  en  la  elaboración  de  sus  personajes.  No  hay  duda  que  es  un  medio   fantástico  para  fomentar  la  lectura  pues  como  señala  el  escritor  Luis  Alberto  de  Cuenca  “un  buen  cómic  engancha   más  a  lectura  que  un  best  seller".       La  importancia  del  cómic  europeo:  HERGÉ  (1907-­‐1983)17     Pudiera  parecer  que  el  cómic  es  un  invento  americano  que  poco  tiene  que  ver  con  la  cultura  europea.  Nada  más   lejos  de  la  realidad.     Si  tuviéramos  que  destacar  al  autor  más  relevante  del  cómic  europeo  de  los  años  30  y  décadas  posteriores,  sería   sin  duda  Georges   REMI,  más  conocido  como  HERGÉ.  La  denominación  de  Hergé  procede  de  las  iniciales  de  su   apellido  R  y  su  nombre  G  pronunciadas  en  francés.         Hergé  nació  en  Bélgica  en  el  seno  de  una  familia  de  clase  media.  Hergé  recordaba  su  infancia  como  una  época  gris   y  mediocre.  De  educación  católica  –estudió  con  los  jesuitas-­‐,  de  jovencillo  fue  boy  scout,  como  lo  sería  el  propio   Tintín.  De  hecho,  ese  pasado  scout  le  marcará  de  por  vida:  el  respeto  por  la  palabra  dada,  el  ser  honrado,  el  hacer   buenas  obras,  la  lealtad,  etc.  De  talante  reservado,  enigmático  y  encantador,  comenzó  dibujando  en  una  revista   scout,  a  partir  de  1924  ya  firma  sus  obras  con  el  seudónimo  Hergé.   Hergé18  fue  un  excelente  dibujante  y  un  gran  narrador.  Trabajador  incansable,  no  se  tomaba  nunca  vacaciones.  A   Las  Aventuras  de  Tintín  le  dedicó  ¡50  años  de  su  vida!  Del  mismo  modo  que  el  escritor  Flaubert  proclamaba  que  él   era  Madame  Bovary  o  que  Cervantes  era  en  cierta  medida  también  Don  Quijote,  Hergé  podría  decir:  Tintín  c´èst   moi.  Era  claramente  una  proyección  de  si  mismo,  pero  no  solo  el  joven  reportero,  sino  también  del  resto  de  sus   personajes.     Hergé  con  Las  aventuras  de  Tintín  creó  a  un  héroe  incontestable,  un  clásico  de  la  literatura  y  el  arte  del  siglo  XX.   Desde  su  primera  aparición  en  el  diario  Le  Petit  Vingtième  en  1929,  Tintín  se  convirtió  en  uno  de  los  más  célebres   personajes   de   cómic.   Durante   los   años   30,   aparte   de   dedicarse   a   Tintín,   Hergé   diversificó   su   actividad   artística   realizando  ilustraciones  de  periódicos,  novelas  y  diseños  publicitarios.   La  primera  aventura  de  Tintín  editada  en  color  fue  en  1942  y  fue  una  obra  maestra  cromática.  El  último  Tintín  se   publicó  en  1971.   17  Véase  el  excelente  documental  Tintín  et  moi: https://www.youtube.com/watch?v=8trmVNUr2U0   18  Videos  sobre  Hergé   https://www.youtube.com/playlist?annotation_id=annotation_2914024707&feature=iv&list=PL9LWAQYUI74tBZb6fjhDMOtvkEONcWRQ4&src_vid=jo7OStiKX tI  
  16. 16. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       16 Durante  la  II  Guerra  Mundial,  Hergé  publicaba  las  aventuras  de  Tintín  en  el  suplemento  juvenil  del  periódico  Le  Soir,   que  a  la  sazón,  estaba  controlado  por  los  nazis  alemanes;  este  hecho  comprometió  seriamente  su  reputación  y   cuando  terminó  la  guerra  incluso  fue  acusado  de  colaboracionista,  algo  que  él  negaba  radicalmente.   Las  fuentes  de  inspiración  de  Hergé  son  muy  variadas:  desde  los  grabados  japoneses  Ukiyo-­‐E,  hasta  la  caligrafía   china,  y  toda  una  serie  de  pintores  antiguos  y  modernos.    Hergé  admiraba  a  Benjamin  Rabier,  un  ilustrador  de  los   años  20,  también  al  neoclásico  Ingres  y  al  renacentista  Holbein,  así  como  al  arte  primitivo,  las  máscaras  africanas,   el  surrealismo  de  Joan  Miró,  etc.  En  Las  aventuras  de  Tintín  abundan  las  referencias  al  arte  ya  sea  antiguo  (egipcio),   oriental,  africano  (máscaras)  o  de  los  siglos  XIX  (Sisley)  o  XX  (Picasso).  Es  formidable  como  sintetiza  el  Shanghái  art   Déco  en  el  Loto  Azul  (1934).   También   se   inspiraba   en   la   realidad   cotidiana,   los   acontecimientos   políticos   y   sociales   de   su   tiempo   y   en   otras   culturas.  Asimismo,  el  cine  fue  su  gran  afición  desde  joven,  en  particular  sentía  devoción  por  Charles  Chaplin.  El   lenguaje  de  Hergé,  su  vocabulario,  es  muy  cinematográfico,  lleno  de  humor  y  cierto  suspense.   Hergé   está   considerado   como   el   padre   del   cómic   europeo.   Perfeccionista   y   visionario,   hacía   evolucionar   a   sus   personajes  con  la  actualidad  de  su  época.  Así  los  vemos  en  Tintín,  pero  también  en    Les  Exploits  de  Quick  et  Flupke   (1930)  y  en  Las  Aventuras  de  Jo,  Zette  et  Jocko  (1935)   Hergé   se   documentaba   concienzudamente   sobre   las   distintas   épocas   y   civilizaciones   que   trataba   en   sus   publicaciones  para  ser  lo  más  preciso  y  realista  posible.   Tintín  es  un  héroe  literario  viajero,  un  joven  maravilloso  que  parece  tener  el  don  de  la  ubicuidad  puesto  que  viaja   por  todo  el  mundo  entre  los  años  30  y  los  70  del  siglo  XX.  Sus  historietas  son  una  magnífica  lección  de  historia  y   geografía.   Como   ha   señalado   el   tintinólogo   Juan   Manuel   Bonet19 ,   Tintín   nos   ayuda   a   entender   el   siglo   XX:   el   colonialismo;  el  auge  de  los  totalitarismos;  la  amenaza  bélica  de  los  años  30;  el  conflicto  chino-­‐japonés;  los  gánster   de  Chicago;  las  búsquedas  de  pecios20 ;  los  conflictos  de  Oriente  Medio  y  el  papel  en  ellos  del  petróleo;  los  Tiranos   Banderas  latinoamericanos;  la  aventura  espacial-­‐Tintín  estuvo  antes  en  la  luna  que  los  americanos-­‐;  el  Pacto  de   Varsovia  y  la  Guerra  Fría;  el  tráfico  de  armas,  drogas  y  eslavos;  las  falsificaciones  de  obras  de  arte;  la  ópera;  las   joyas,  etc.  También  aparecen  fenómenos  paranormales,  pesadillas,  la  importancia  de  los  sueños  ...   Es  claro  que  las  aventuras  de  Tintín  no  son  meras  obras  de  divertimento  juvenil,  sino  que  tienen  un  rico  trasfondo    y   mensajes  en  clave  a  desentrañar  por  el  lector.   Tintín   nos   fascina   porque   nos   ayuda   a   ver   el   mundo   con   otros   ojos:   con   la   mente   muy   abierta,   sin   prejuicios,   dejándonos  sorprender  y  aprender,  conociendo  otras  civilizaciones  con  espíritu  de  aventura.  Como  buen  reportero   le   apasiona   viajar,   es   valiente,   generoso   -­‐   no   duda   en   poner   en   riesgo   su   vida   con   tal   de   ayudar   a   un   amigo   Tchang21 -­‐   y   es   amante   de   los   animales   –especialmente   de   su   particular   “Rocinante”,   su   queridísimo   Milou-­‐   .   Al   mismo  tiempo  es  un  apasionado  del  arte  y  la  cultura.  También  nos  encanta  el  protagonismo  coral  que  tienen  todos   los   personajes   como   el   borrachín   capitán   Haddock22  –una   especie   de   amigo-­‐padre-­‐,   Hernández   y   Fernández   – prototípicos   de   los   belgas   de   su   época-­‐,   el   profesor   Tornasol,   la   genial   cantante   de   ópera   Castafiore...   Desgraciadamente  no  abundan  los  personajes  femeninos  en  sus  aventuras.   Hergé  fue  el  creador  de  un  nuevo  estilo  gráfico:  la  línea  clara,  caracterizada  por  la  simplicidad  y  claridad  del  trazo,   con   dibujos   muy   depurados.   Marca   mucho   el   contorno   y   no   presenta   tonos   intermedios   ni   efectos   de   luces   y   sombras,  salvo,  curiosamente,  en  sus  dibujos  de  automóviles-­‐.  Aplicaba  el  llamado  “efecto  máscara”,  es  decir,  la   combinación  de  unos  personajes  un  tanto  caricaturescos  en  entornos  lo  más  realistas  posibles.  Así  mismo  deseaba   que  el  mensaje  que  transmitían  sus  álbumes  fueran  de  fácil  comprensión.   Una   faceta   menos   conocida   de   Hergé   fue   la   de   coleccionista.   Era   un   apasionado   del   arte   moderno   y   en   su   colección  reunió  pintura  expresionista,  Pop  Art,  abstracción,  Minimal  Art...  No  faltaban  entre  sus  fondos  pinturas   de  artistas  contemporáneos  como  Lucio  Fontana,  Jean  Dubuffet,  Andy  Warhol  o  Roy  Lichtenstein.  Puede  parecer   paradójico   que   Hergé   que   era   un   fabuloso   ilustrador   y   un   maestro   de   la   figuración,   viviera   rodeado   de   arte   abstracto.  Consideraba  que  era  la  otra  versión  de  sí  mismo.     19  Véase  su  disertación  sobre  Tintín  en  la  conferencia  “Héroes  del  Cómic  Internacional”  de  la  Fundación  Mapfre:   https://www.youtube.com/watch?v=DnXIvBhGt-­‐o   20  Según  la  RAE:  “Pedazo  o  fragmento  de  la  nave  que  ha  naufragado”. 21  Por  ejemplo  en  Tintín  en  el  Tíbet  (1960).   22  Fue  censurado  en  Estados  Unidos  por  su  afición  al  alcohol.  
  17. 17. 17 17         Hergé,  en  pleno  reconocimiento  internacional  de  su  obra,  murió  en  1983  de  leucemia.     Su   clamoroso   éxito   se   demuestra   con   un   dato:   se   han   vendido   más   de   250   millones   de   ejemplares   de   sus   24   álbumes  en  más  de  100  lenguas  y  dialectos  de  todo  el  mundo.     En  Louvain-­‐la-­‐Neuve  (Bélgica)  se  encuentra  el  Musée  Hergé  dedicado  a  este  genial  artista  y  su  obra.     HERGÉ,  el  pintor  surrealista  René  MAGRITTE  y  el  escritor  Georges  SIMENON  son  los  máximos  exponentes  de  la   cultura  belga  del  siglo  XX.                        
  18. 18. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       18                                                         Las  claves  sociológicas  y  personales  de  los  superhéroes  del  cómic:  SUPERMAN,  BATMAN  Y  CAPITÁN  AMERICA     Los  superhéroes  son  personajes  de  ficción  literaria  -­‐  cómics  y  novelas  gráficas  -­‐  así  como  cinematográficos  que   cuentan  con   poderes  sobrehumanos.  El   héroe   dotado   con   poderes   superiores   a   los   del   hombre   común   es   una   constante  del  imaginario  colectivo,  cuyos  orígenes  remotos  podrían  remontarse  a  la  mitología  grecorromana  – Hércules  por  ejemplo-­‐,  germánica  –Sigfrido-­‐  o  literaria  como  Pantagruel  o  el  mismísimo  Peter  Pan.  En  ocasiones   entroncan  con  la  ciencia  ficción.  Comparten,  sin  embargo,  pocos  puntos  o  ninguno  en  común  con  el  Superhombre   del  nihilista  Nietzsche.   Los  superhéroes  en  los  cómics  surgieron  en  los  años  30  en  Estados  Unidos  en  plena  época  del  New  Deal  tras  el   crash  de  la  Bolsa  de  Nueva  York  de  1929.  Recordemos  que  por  aquel  entonces  el  presidente  Roosevelt  arengaba  al   pueblo  sobre  la  necesidad  de  no  tener  miedo.  Los  valerosos  superhéroes  son  emblemas  culturales  americanos  del   siglo  XX,  como  los  personajes  de  Disney  o  el  Pop  Art,  dicho  con  otras  palabras,  son  representativos  del  American   way  of  life  que  enfatiza  el  individualismo,  la  meritocracia,  el  sentido  pragmático,  un  cierto  optimismo  que  invita  a   no  rendirse  ante  las  dificultades  y  un  sentido  filantrópico  de  la  vida.   Habitualmente   son   seres   humanoides   que   cuentan   con   capacidades   especiales   sobrehumanas   y   presentan   un   origen   extraterrestre   o   bien   son   semidioses,   robots   o   replicantes.   En   ocasiones   son   fruto   de   experimentos   científicos  como  el  Capitán  América,  el  increíble  Hulk  o  Spiderman.   De  físico  imponente,  dotados  de  gran  inteligencia  y  fuerza  sobrehumana,  los  superhéroes  tienen  generalmente   una   finalidad   mesiánica,   son   salvadores   de   la   humanidad.   Gracias   a   los   artilugios,   herramientas   y   poderes   que   poseen  pueden  hacer  frente  al  mal  e  impartir  justicia.  Combaten  a  malvados,  crímenes,  catástrofes  y  todo  tipo  de   amenazas  que  se  ciernen  sobre  los  humanos,  especialmente  los  más  débiles  e  indefensos.  Por  ello  no  es  raro  que   puedan  volar,  tengan  fuerza  ilimitada,  telepatía,  escalen  edificios  sin  dificultad,  etc.   Su  perfección  anatómica  suele  seguir  cánones  cercanos  a  los  grecolatinos,  aunque  puedan  seguir  otras  estéticas,   como  la  del  manga.   Es  habitual  que  tengan  dos  identidades,  dos  personalidades:  una  humana,  aparentando  ser  una  persona  normal  y   otra  como  superhéroe.  Son  los  casos  de  Clark  Kent23  –Superman-­‐  y  Peter  Parker  –Spiderman-­‐,  por  citar  solo  dos   ejemplos.  Esa  doble  identidad  favorece  un  cierto  suspense  en  la  estructura  narrativa  de  estas  historietas.   Curiosamente,  cuando  aparecen  como  superhéroes  suelen  llevar  trajes  ajustadísimos  que  marcan  sus  hercúleas   anatomías.     Los  superhéroes  no  existirían  sin  sus  malvados  enemigos.  Son  personajes  con  características  similares  a  las  de  los   superhéroes  pero  anhelan  el  mal  y  por  ello  van  a  entrar  en  conflicto  con  ellos:  el  Duende  Verde  (de  Spiderman),  el   Joker  (de  Batman),  el  Mandarín  (de  Iron  Man),  Lex  Luthor  (de  Superman)  o  Red  Skull  (del  Capitán  América).   No  debemos  olvidarnos  del  correlato  femenino  de  los  superhéroes,  las  superheroínas,  porque  como  las  meigas,   “haberlas  haylas”:  Wonder  Woman,  Catwoman,  Capitana  Marvel,  Tormenta,  Kitty  Pride  y  un  largo  etcétera.     Superman     Probablemente  el  más  conocido  entre  todos  los  superhéroes  sea  Superman,  al  menos  es  el  primero  que  surgió.   Fue  creado  en  1938  por  Jerry  SIEGEL  y  Joe  SHUSTER  para  la  revista  Action  Comic  de  la  editorial  DC.     En  realidad  Superman  es  Kal-­‐El,  hijo  de  Jor-­‐El  y  Lara,  habitantes  de  Krypton.  Sus  padres  le  enviaron  a  la  tierra  justo   antes  de  que  explotara  Krypton.  Cuando  llegó  a  nuestro  planeta  fue  adoptado  por  dos  estadounidenses,  Jonathan   23  Como  señaló  Umberto  Eco  en  su  formidable  estudio  “Apocalípticos  e  integrados”  (1964),  Clark  Kent  es  un  señor  normal  y  corriente,  tímido,  un  poco  tonto,   miope  y  perdidamente  enamorado  de  una  mujer  que  le  desprecia,  su  colega  Lois  Lane,  que  en  cambio,  está  enamoradísima  de  su  alter  ego,  Superman.  
  19. 19. 19 19 y  Martha  Kent  que  le  pusieron  el  nombre  de  Clark.  Su  objetivo  es  defender  a  los  que  lo  necesiten  haciendo  el  bien.   Su  S  del  pecho  simboliza  su  legado  kryptoniano.   Superman   tuvo   un   éxito   inmediato   y   fulminante.   Con   él   comenzó   la   Edad   de   Oro   del   cómic   americano,   siendo   modelo  para  toda  una  pléyade  de  personajes  similares  que  inundaron  las  historietas  de  los  años  30  y  40.                 Batman     Batman  apareció  en  1939,  un  año  después  de  Superman,  siendo  creado  por  Bob  KANE  y  Bill  FINGER  para  la  editorial   DC.    Si  Superman  era  el  hombre  de  acero,  Batman  es  su  contrapunto,  el  caballero  oscuro.  Bruce  Wayne  presenció   como  sus  padres  eran  asesinados  por  un  ladrón  de  poca  monta  en  una  peligrosa  calle  de  Gotham.  A  partir  de  ese   momento  decidió  combatir  el  crimen  disfrazándose  de  murciélago  para  así  suscitar  temor  entre  sus  enemigos.                   A  diferencia  de  otros  superhéroes,  Batman  no  posee  superpoderes,  pero  cuenta  con  una  inteligencia  fuera  de  lo   común,  destreza  física  y  habilidades  detectivescas.  En  definitiva,  es  una  especie  de  Sherlock  Holmes  en  superhéroe.   Su   “Doctor   Watson”,   siguiendo   el   símil   con   Sherlock   Holmes,   sería   su   fiel   mayordomo,   médico   y   amigo   Alfred   Pennyworth.  Robin  y  Batgirl  son  sus  ayudantes.  Cuenta  además,  con  infinidad  de  aparatos  y  vehículos  de  altísima   tecnología  para  llevar  a  cabo  sus  planes  anticrimen.  Existen  infinitas  versiones  sobre  Batman.    
  20. 20. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                                Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala       20                     Capitán  América     El  exitoso  Capitán  América  surgió  en  1941  siendo  sus  creadores  Joe  SIMON  y  Jack  KIRBY.  Fue  el  primer  superhéroe   de  la  mítica  editorial  Marvel.  El  Capitán  América  es  el  trasunto  de  Steve  Rogers,  un  militar  que  lideró  el  ejército  de   los  Estados  Unidos  durante  la  II  Guerra  Mundial.   Sus   superpoderes   proceden   de   un   suero   misterioso   que   tomó   y   que   le   permitió   desarrollar   no   solo   un   físico   espectacular,   con   una   fuerza   descomunal,   también   una   inteligencia   sorprendente.     Se   convirtió,   así,   en   un   supersoldado   a   mayor   gloria   de   América.   Por   lo   demás,   se   podría   decir   que   fue   un   agente   del   gobierno   estadounidense,  ya  que  éste  es  quien  le  inoculó  el  suero  mágico.  Esta  pócima  además,  le  hizo  inmune  a  todo  tipo   de  enfermedades,  gases  venenosos  y  demás  peligros  para  su  salud.   En  una  misión  el  Capitán  América  y  su  compañero  Bucky  Barnes  supuestamente  mueren  al  tratar  de  controlar  un   misil   aéreo.   Pero   realmente   no   estaban   muertos,   el   Capitán   América   se   había   quedado   congelado   y   cuando   aparecieron  Los  Vengadores  le  encontraron  y  le  devolvieron  a  la  vida,  décadas  después  de  terminada  la  II  Guerra   Mundial.  Pasó  así  a  convertirse  en  el  líder  de  los  Vengadores.  Gran  estratega  superpatriota,  su  objetivo  es  llevar  a   cabo  misiones  de  alto  secreto.  Entre  sus  herramientas  cuenta  con  un  prodigioso  escudo  con  el  que  puede  impactar   contra  varios  blancos  a  la  vez  con  un  solo  lanzamiento.       FUENTES  DE  IMÁGENES  Y  DOCUMENTACIÓN     Blog  de  Redondus:  https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home   www.wikiart.org   http://www.retrowaste.com/1930s/   video  de  historia  https://www.youtube.com/watch?v=IfGu0dTNo_0   http://www.imdb.com/name/nm0000370/?ref_=fn_al_nm_1   http://www.npg.org.uk/whatson/exhibitions/20041/cecil-­‐beaton-­‐portraits.php   http://www.imdb.com/name/nm0000370/mediaviewer/rm3758993408   http://disney.wikia.com/wiki/Saving_Mr._Banks   http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/11/el-­‐comic-­‐o-­‐el-­‐arte-­‐de-­‐narrar-­‐con.html   http://en.tintin.com/news/index/rub/0/id/4815/0/who-­‐is-­‐your-­‐hero   https://www.fastcodesign.com/3053759/how-­‐modern-­‐art-­‐and-­‐design-­‐influenced-­‐the-­‐beloved-­‐cartoon-­‐tintin/1   http://www.ina.fr/video/I08280435/herge-­‐a-­‐propos-­‐de-­‐tintin-­‐dieu-­‐et-­‐les-­‐femmes-­‐video.html   http://fr.tintin.com/herge   http://www.actuabd.com/Herge-­‐est-­‐l-­‐art   https://www.youtube.com/watch?v=R_avNyTRaqc     http://comicritico.blogspot.com.es/2014/01/top-­‐50-­‐mejores-­‐superheroes-­‐y-­‐personajes.html   http://www.dccomics.com/characters/batman          

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