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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 8. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (I)

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 8. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (I)

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 8. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (I)

  1. 1.                                               FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  8.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA   (I)
  2. 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  8.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA  (I)       1.Introducción  al  Renacimiento.  Contexto  histórico-­‐cultural.  2.  La  arquitectura  renacentista  en  Italia.  3.  La  escultura   italiana  del  Renacimiento.  Donatello.  4  La  pintura  italiana  del  Renacimiento.  5.  La  indumentaria  renacentista  italiana   a  través  de  las  fuentes  iconográficas  pictóricas.     1.INTRODUCCIÓN  AL  RENACIMIENTO.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL     Podemos  definir  el  Renacimiento  como  un  movimiento  cultural  que  surge  en  Italia  y  que  implica  una  vuelta,  un   renacer  a  los  ideales  del  mundo  clásico  (Grecia  y  Roma).   Ese  interés  por  el  mundo  antiguo  clásico  se  manifestó  en  sus  vertientes  históricas,  filosóficas,  políticas,  culturales   y  artísticas.  La  Antigüedad  clásica  es  el  modelo  cultural  a  seguir  y  no  sólo  en  las  artes  plásticas,  sino  a  todas  las   manifestaciones  del  conocimiento  humano.               Pocos  movimientos  culturales  han  sido  más  idealizados  y  mitificados    como  el  Renacimiento,  aunque  sobrecoge   la   nómina   de   los  arquitectos,   pintores,   escultores,   etc.   de   la   época   y   el   extraordinario   desarrollo   de   las   artes   durante  el  Renacimiento  (Ghiberti,  Donatello,  Verrocchio,  Miguel  Ángel,  Botticelli,  Masaccio,  Leonardo,  Rafael...)   Pero  hay  pocos  movimientos  en  la  Historia  del  arte  que  hayan  explicado  mejor  que  el  Renacimiento  su  principal   intención  y  que  sin  embargo,  resulten  luego  más  polémicos  y  complejos  (se  discute  su  cronología  etc.).1         Sus   raíces,   son   embargo,   deben   buscarse   en   la   Edad   Media   tardía,   a   la   que   despreciaban   y   contra   la   que   aparentemente  reaccionaban.  No  parece  claro  que  este  renacimiento  de  la  Antigüedad  fuera  la  única  causa  del   fenómeno  cultural  que  se  produjo  en  Italia  en  el  siglo  XV  y  que  se  extendió  a  partir  del  siglo  XVI,  por  casi  toda   Europa  (Italia,  Francia,  España…),  ya  que  la  relación  con  el  mundo  antiguo  jamás  se  rompió  y  a  lo  largo  de  los   siglos  que  abarcan  el  amplio  periodo  conocido  por  Edad  Media,  se  produjeron  varios  momentos  renacentistas   del  espíritu  clásico.  Recordemos  que  se  puede  hablar  de  renacimiento  y  “renacimientos”:  carolingio,  románico,   etc.  En  todo  caso,  fueran  cuales  fueran  sus  antecedentes  próximos  o  remotos,  no  hallaremos  una  conciencia   clara  de  lo  que  debía  ser  el  nuevo  arte  y  un  conjunto  de  normas  teóricas  y  prácticas  lo  suficientemente  articulado   como  para  poder  definirlo  como  un  lenguaje  distinto  hasta  el  siglo  XV,  momento  en  el  que  se  formula  la  teoría   artística  del  Renacimiento  en  Florencia.   El  principal  responsable  de  la  misma  fue  un  humanista  florentino  León  Battista  Alberti  que  publicó  tres  tratados   artísticos  además  de  ser  un  excelente  arquitecto.     Cronología:  básicamente  el  Renacimiento  se  desarrolla  durante  los  siglos  XV  y  XVI.  Se  fue  fraguando  ya  desde  el   siglo  XIV  (el  Trecento  en  Italia).   *Siglo  XV:  iniciación,  es  el  Quattrocento.   1  Mientras  que  los  calificativos  clásico,  románico,  gótico  son  posteriores  a  sus  manifestaciones,  Renacimiento  fue  la  orgullosa  autodenominación  que  los   teóricos  y  artistas  de  aquella  época  adoptaron  para  que  esta  etapa  fuese  precisamente  un  renacimiento  de  los  ideales  estéticos  del  mundo  grecorromano.  
  3. 3. 3 3 *Siglo  XVI:  es  el  Cinquecento.  Es  la  etapa  de  madurez,  se  la  denomina  Alto  Renacimiento  pero  también  en   ese  siglo  surge  la  crisis  de  este  estilo  dando  lugar  a  partir  del  año  1520  al  Manierismo.             No   es   casual   que   el   Renacimiento   surgiera   en   Italia:   a   lo   largo   de   la   Edad   Media   no   había   renunciado   por   completo  a  su  pasado  clásico,  incluso  durante  toda  la  Edad  Media.   Fue  una  época  de  hechos  históricos  transcendentales:  El  surgimiento  del  Renacimiento  no  se  entiende  sin  tener   en  cuenta  toda  una  serie  transformaciones  sociales,  técnicas,  y  religiosas:  inventos  como  la  imprenta,  avances  en   la   navegación,   perfeccionamiento   de   la   cartografía   y   del   transporte   marítimo   (lo   que   favorecerá   los   descubrimientos  como  el  de  América).  Se  desarrolla  un  incipiente  capitalismo  y  se  va  afirmando  la  economía   monetaria.               Nace   la   sociedad   de   mercado   y   con   ella,   el   ascenso   de   la   burguesía   y   de   las   ciudades   en   Italia,   bancos,   etc.   Paralelamente,  encontramos  una  nueva  concepción  política:  idea  de  Estado  moderno,  ligado  al  desarrollo  de  las   nacionalidades  (Ej.  RRCC  en  España  o  Enrique  VII  de  Inglaterra).    
  4. 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4                     Reforma  y  Contrarreforma:  Fue  de  vital  importancia  la  Reforma  protestante,  llevaba  a  cabo  durante  el  primer   tercio   del   siglo   XVI,   que   quebrantó   la   identidad   cristiana   occidental,   dividiendo   con   un   nuevo   y   profundísimo   frente  los  intereses  políticos  de  Europa.  Siglo  XVI:  es  la  época  tremenda  de  las  guerras  de  religión  (también  una   parte  del  XVII).Se  produce  una  mayor  expansión  cultural  (universidad,  cultura  secularizada…).                   Italia   durante   el   Renacimiento   fue   bocado   apetecido   de   Francia   y   España.   Se   encontraba   muy   dividida   en   diversas   ciudades   estados,   repúblicas,   etc.   Así,   entre   los   centros   de   poder   más   destacados   encontramos   Florencia,  Reino  de  Nápoles,  Estados  pontificios,  la  República  de  Venecia,  Ducado  de  Milán…   El  Humanismo  es  el  aspecto  o  vertiente  intelectual  del  Renacimiento.  El  Renacimiento  propicia  el  desarrollo  de   una  cultura  humanista:  pasándose  de  una  sociedad  teocéntrica  a  una  antropocéntrica,  pero  lejos  de  ser  atea,  y   muy  vinculada  a  la  filosofía.  El  movimiento  cultural  del  Humanismo  surgió  en  Florencia  a  mediados  del  siglo  XIV.                      
  5. 5. 5 5 El  nuevo   papel   del   artista  fue  crucial  en  esta  etapa.  Tratan  de  romper  con  su  tradicional  dependencia  de  los   gremios   artesanales.   Los   pintores,   escultores   y   arquitectos   abandonaron   la   condición   de   artesanos.   Consideraban  su  labor  como  una  actividad  de  carácter  mental.     Surgió  un  nuevo  tipo  de  institución,  la  academia,  donde  se  formaban  los  artistas.  Fue  muy  célebre  la  academia  de   los  Médici,  donde  estudió  Miguel  Ángel,  entre  otros  artistas.   Se  produjo  un  gran  desarrollo  del  coleccionismo  del  arte.  Las  empresas  artísticas  no  eran  simplemente  un  lujo  ni   un   dispendio   innecesario,   sino   una   inversión   necesaria   orientada   a   desarrollar   la   imagen   y   el   honor   de   los   mecenas  y  coleccionistas.  Grandes  coleccionistas  fueron:  los  Medici,  los  Este,  los  Ferrara,  los  Montefeltro,  etc.  y   en  España  sobre  todo  Felipe  II.       El  contenido  y  la  finalidad  del  arte  renacentista  es  la  belleza,  la  armonía,  la  perfección:  ligado  a  la  cultura  clásica,   pero  no  es  una  mera  copia  servil.  Ha  sido  paradigma  de  perfección  y  belleza  hasta  el  siglo  XVIII.  Entienden  la   belleza   como   imitación   verosímil   de   la   naturaleza   (entre   realidad   e   idealidad).   Para   ello   aplicaron   geometría,   cálculos   matemáticos,   búsqueda   de   proporciones   armoniosas   (Alberti,   Leonardo,   Brunelleschi…).   Buscan   las   proporciones  áureas  e  idealizan  la  época  y  el  arte  de  la  antigua  Roma.   Los   principales   centros   culturales   renacentistas   en   Italia   fueron   Florencia,   Nápoles,   Roma,   Venecia,   Padua   y   Ferrara.     El  arte  en  todas  sus  manifestaciones  (música,  pintura,  poesía,  arquitectura)  va  a  vivir  un  gran  esplendor  en  las   cortes  europeas  teniendo  en  ocasiones  como  función  esencial  la  consolidación  del  poder  del  príncipe  o  monarca,   es  decir,  las  obras  de  arte  son  un  medio  de  propaganda  del  poder  principesco,  aristocrático  o  de  la  realeza.  En  las   artes   decorativas   hay   un   auge   esplendoroso   (cerámica,   vidrio,   rejerías,   joyería   y   orfebrería,   artes   textiles,   mobiliario,  etc.).             2.  LA  ARQUITECTURA  RENACENTISTA  EN  ITALIA     La  arquitectura  renacentista,  que  tiene  sus  orígenes  en  Italia,  y  que  se  extenderá  por  toda  Europa,  cuenta  entre   sus  fuentes  de  inspiración  con,  por  un  lado,  las  ruinas  romanas  –  poco  a  poco  redescubiertas  y  valoradas-­‐  y  por   otra  con  textos  y  documentos  de  la  antigua  Roma,  esenciales  en  la  formación  de  los  arquitectos  renacentistas.  2   Al   mismo   tiempo,   muchos   arquitectos   renacentistas   escriben   importantes   tratados   teóricos   destacando   los   escritos  por    L.  B.  ALBERTI.   Es  importante  resaltar  que  esa  vuelta  a  los  ideales  de  la  arquitectura  del  mundo  clásico  no  fue  una  mera  copia   sino  una  fuente  de  inspiración  fundamental.     Los  arquitectos  renacentistas  buscaban  crear,  como  los  antiguos  romanos,  obras  bellas,  sólidas  y  prácticas  pero   debían   dar   respuesta   a   otras   necesidades   (construir   iglesias,   palacios,   etc.   Buscaban   la   proporción,   la   uniformidad,  la  perspectiva  y  el  orden.  Debe  existir  una  relación  proporcional  entre  las  partes  y  el  todo.     2  El  más  célebre  y  legendario  tratado  de  arquitectura  romana  era  el  escrito  por  MARCO  VITRUBIO,  un  ingeniero-­‐arquitecto  que  desarrolló  su  actividad   durante   la   época   de   César   y   Augusto,   en   los   campos   de   la   construcción   de   edificios,   de   la   hidráulica   y   la   artillería.   A   partir   de   entonces   proliferan   las   ediciones  ilustradas  de  Vitrubio.  
  6. 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6                       La  decoración  prolifera  al  comienzo  –grutescos,  cintas,  guirnaldas,  etc.  –  pero  desaparece  progresivamente.       En  el  Quattrocento  el  centro  artístico  se  encuentra  en  Florencia  y  en  Cinquecento  en  Roma.       Muchas  soluciones  constructivas  son  tomadas  de  la  antigua  Roma:       *vuelta  al  sistema  de  soportes  de  los  órdenes  clásicos,  encontrándose  columnas  de  cualquiera  de  ellos.   Los  fustes  suelen  ser  lisos.     *arcos:  el  más  habitual  es  el  de  medio  punto.  Suelen  presentar  molduras  en  el  intradós  y  en  el  trasdós.     *las  cubiertas  (bóveda  de  cañón,  arista,  cúpulas,  cubiertas  de  madera  con  casetones).  Las  cúpulas  van   con  pechinas,  sobre  tambor,  en  el  que  se  abren   ventanas,   y   están   rematadas   por   una   linterna.  Son  ejemplos   excelentes  Santa  María  de  las  Flores  –el  Duomo  de  Florencia–  y  la  capilla  Pazzi,  ambas  de  Brunelleschi.       *Domina  la  horizontalidad,  frente  a  la  verticalidad  gótica.                         El   urbanismo   renacentista   en   gran   parte   se   basa   en   el   urbanismo   grecorromano.   Al   mismo   tiempo   es   sumamente   imaginativo   y   original.   Existía   una   grave   contradicción:   a   la   vez   que   se   elaboraba   una   nueva   concepción   de   la   ciudad,   la   ciudad   preexistente   hacía   imposible   llevarlas   a   la   práctica.   Fue   más   que   nada   un   urbanismo  de  papel,   es  decir,  con  más  propuestas  teóricas  que  prácticas.  Ejemplos  de  proyectos  urbanísticos   renacentistas  son  la  ciudad  de  Sforzinda  de  Filarete,  la  ciudad  de  Ferrara,  Pienza,  etc.    
  7. 7. 7 7                 Por  lo  que  se  refiere  a  las  tipologías  arquitectónicas:  La  arquitectura  civil  va  a  aventajar  a  la  religiosa:  palacios,   villas,  hospitales…  Es  en  la  arquitectura  civil  donde  se  da  el  paso  decisivo  en  el  Renacimiento.                 Las  iglesias  suelen  presentar  plantas  centralizadas  con  cúpulas  aunque  no  se  abandona  la  planta  basilical.  En   general  se  busca  el  equilibrio  planta-­‐alzado:  la  altura  debe  ser  el  doble  que  la  anchura.  El  muro  es  más  macizo  y   los  vanos  son  menores.                         Los  palacios  urbanos  suelen  tener  tres  cuerpos  o  plantas  superpuestas,  en  ellos  predominan  la  horizontalidad,   llevan  remate  en  cornisa  y  la  articulación  de  todo  el  edificio  se  realiza  en  torno  a  un  patio  central  o  cortile.  Los   sillares  se  pueden  realzar  mediante  almohadillado  (Ej.:  Palacio  Rucellai  de  Alberti).  En  el  siglo  XV  el  palacio  se   abrió  a  la  ciudad  multiplicando  los  vanos  y  suprimiendo  las  torres  y  el  aspecto  amenazador,  habitual  durante  la   etapa  medieval.  3   3  El  modelo  de  palacio  renacentista  fue  el  Palacio  Médici    realizado  por  Michelozzo  i  (1444-­‐1464).  
  8. 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8                   Las   villas,   especie   de   palacios   campestres   como   alternativa   a   la   vida   en   las   ciudades,   van   a   tener   un   gran   desarrollo  a  lo  largo  de  todo  el  Renacimiento.4   Por  último,  no  podemos  dejar  de  citar  la  enorme  importancia  que  adquieren  los  jardines  durante  el  Renacimiento,   sobre  todo  durante  el  Manierismo,  con  su  pasión  por  lo  monstruoso  y  extravagante  (grutas,  fuentes….)  como   tan  bien  ejemplifican  los  *Jardines  de  Bomarzo  de  PIRRO  LIGORIO.  Otros  arquitectos  manieristas  fueron  Vignola,   Palladio  (con  sus  maravillosas  “villas”),  Rafael  de  Urbino,  etc.                                                             Ejemplos  de  arquitectura  renacentista  en  Italia:  el  Quattrocento     Si  Florencia  fue  el  centro  artístico  en  el  que  se  codificaron  los  principios  de  la  nueva  arquitectura,  la  obra  del   4  Ejemplo:  la  villa  que  Giuliano  da  Sangallo  realizó  para  Lorenzo  de  Médici  en  Poggio  a  Caiano  hacia  1480.  
  9. 9. 9 9 arquitecto  FILIPPO  BRUNELLESCHI  (1377-­‐1446)  marca  el  comienzo  de  la  arquitectura  renacentista.  Formado  en   Florencia,  era  además  escultor  y  un  artista  con  una  amplia  cultura  científica.  Medida,  proporción  y  razón,  son  el   fundamento  de  su  arquitectura.  Fue  uno  de  los  hombres  que  más  contribuyó  a  crear  la  imagen  de  Florencia  como   Nueva  Roma,  como  cuna  del  nuevo  arte  que  estaba  surgiendo.     Aunque  todas  sus  obras  son  muy  significativas  en  ese  sentido,  hay  una  que  destaca  entre  todas  ellas,  que  es  la   cúpula  de  Santa  María  de  las  Flores,  catedral  de  Florencia  (1420-­‐36).  Con  esta  cúpula  deseó  asimilar  la  imagen  de   Florencia  a  la  de  la  antigua  Roma  buscando  un  paralelismo  con  la  cúpula  del  Panteón.    Esta  obra  se  convirtió  en   todo  un  símbolo  de  la  nueva  época  y  de  la  nueva  arquitectura.  Brunelleschi  realizó  esta  cúpula  sobre  una  iglesia   medieval  inacabada.  La  consideración  y  el  nuevo  el  papel  del  arquitecto  en  una  obra  fue  también  consolidado  por   Brunelleschi,   pues   todo   estuvo   bajo   su   dirección   -­‐se   enfrentó   incluso   a   una   huelga-­‐   abriendo   el   camino   del   arquitecto-­‐tracista,  cuya  consideración  intelectual  le  aleja  del  artesano  que  trabaja  con  las  manos.                     Sin  un  precedente  inmediato  que  pudiera  servirle  –aunque  tenía  en  mente  al  Panteón-­‐  Brunelleschi  concibe  una   gran  cúpula  de  42  m.  de  diámetro,  compuesta  en  realidad  por  dos  cúpulas:  una  semiesférica  comprendida  en   otra   de   sección   apuntada.   La   cúpula   descansa   sobre   un   tambor   octogonal,   que   sirven   para   neutralizar   los   empujes,  a  la  vez  que  prestan  al  conjunto  un  perfil  apuntado,  en  armonía  con  las  formas  góticas  del  resto  de  la   iglesia.  Esta  cúpula  va  rematada  por  una  gran  linterna,  con  una  estructura  realizada  con  ladrillos.  Los  materiales   utilizados  son  piedra  y  ladrillo  lo  cual  confiere  una  bella  bicromía  a  la  obra.             También   realizó   el   Hospital   de   los   Inocentes,   aunque   en   él   intervinieron   otros   arquitectos.   Fue   un   hospital   realizado   para   recoger   niños   abandonados.   Brunelleschi   dirigió   las   obras   desde   1419   hasta   1427.   Presenta   un   pórtico  a  base  de  arcos  en  el  que  se  refleja  un  sistema  de  proporciones  perfecto.  Brunelleschi  realizó  dos  iglesias   con  planta  basilical:  San  Lorenzo  y  Santo  Spirito  (Espíritu  Santo).  Para    la  iglesia  de  San  Lorenzo  en  Florencia  (1419)   Brunelleschi  creó  una  planta  de  cruz  latina  que,  a  pesar  de  ser  espacialmente  longitudinal,  con  cubierta  plana  de   casetones  y  arcos  de  medio  apuntados.  Tanto  en  San  Lorenzo,  como  en  la  otra  iglesia  de  planta  basilical,  el  Santo   Spirito,   utiliza   el   bicromatismo   para   enfatizar   esa   perfección   geométrica   del   diseño   que   tanto   debe   a   la  
  10. 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10 perspectiva.  En  ambas  iglesias  la  columna,  al  modo  clásico,  adquiere  una  importancia  de  primer  orden  y,  a  la  vez   que   se   respetan   sus   proporciones,   su   altura   resulta   aumentada   mediante   la   inclusión   de   un   fragmento   de   entablamento  sobre  el  capitel.                         Aunque  el  palacio  Pitti,  en  Florencia,  fuera  muy  transformado  con  el  tiempo,  ha  permanecido  como  ejemplo  de   arquitectura  palacial  en  el  Quattrocento.  Fue  proyectado  por  Brunelleschi,  aunque  se  construyera  después  de   muerto  éste.  En  este  edificio  se  marca  mucho  el  almohadillado  y  las  dovelas  de  los  arcos  que  parecen  dibujar  el   muro.     El   teórico   por   excelencia   de   la   nueva   arquitectura   renacentista   fue   LEÓN   BATTISTA   ALBERTI   (1404-­‐1472).   Encarnó  al  nuevo  artista,  científico  y  erudito,  que  culminará  con  Leonardo.  Sus  escritos  fueron  tan  importantes     como  los  edificios  que  proyectó  y,  además,  tuvieron  una  mayor  difusión.  Referidos  concretamente  a  las  artes   escribió       "De  pictura",       "De  statua",       "De  re  aedificatoria"  y  una  descripción  de  la  ciudad  de  Roma.  5   Alberti  estudió  también  las  ruinas  romanas.  Utilizó  como  formas  geométricas  básicas  el  cuadrado  y  el  círculo.   Para  Alberti  la  belleza  es  la  correspondencia  de  las  partes  entre  sí  y  con  el  todo,  del  que  nada  se  puede  añadir  ni   quitar   sin   romper   la   armonía.   Su   conocimiento   de   la   Antigüedad,   su   formación   intelectual,   el   hecho   de   que   ejerciera   como   arquitecto   también   en   la   práctica,   sus   contactos   con   los   más   avanzados   centros   culturales   italianos  y  europeos  (Roma,  Ferrara,  Francia,  Alemania),  y  su  capacidad  para  afrontar  problemas  de  tipo  teórico,   le  convirtieron  con  frecuencia  en  asesor  de  príncipes  y  Papas  mecenas.                               Alberti  realizó  la  fachada  de  la  iglesia  de  Santa  María  Novella  (1456)  en  Florencia,  que  es  una  fachada  a  modo  de   5  En  "De  re  aedificatoria"  tomó  de  Vitrubio,  entre  otras  cuestiones,  la  idea  de  la  proporción  como  fuente  de  belleza  y  la  analogía  entre  la  figura  humana  y  la   arquitectura.  
  11. 11. 11 11 telón,  de  una  iglesia  gótica  preexistente.  En  esta  fachada  Alberti  utiliza  como  material  mármoles  de  distinto  color,   que  era  una  tradición  constructiva  toscana.  En  el  empleo  de  un  frontón  clásico  es  otro  elemento  tomado  del   repertorio  ofrecido  por  la  Antigüedad,  repertorio  que  Alberti  reelaboró  siempre  con  gran  libertad.  La  relación   armónica  entre  el  ancho  cuerpo  inferior  y  el,  mucho  más  estrecho,  cuerpo  superior  de  esta  fachada,  la  resolvió  el   arquitecto  con  dos  “aletones”  o  volutas  motivo  de  gran  repercusión  en  la  arquitectura  religiosa  del  siglo  XVI  y   del  barroco  (iglesias  jesuíticas).   Hubo  en  Florencia  un  tipo  de  palacio  que,  aunque  tuvo  menos  imitadores  que  el  palacio  Pitti,  fue  el  que  reflejó   los  principios  de  la  nueva  arquitectura  con  mayor  rigor.  Se  trata  del  palacio  Rucellai,  (1450-­‐60)  cuya  fachada  se   suele  atribuir  a  Alberti:  En  esta  fachada  –donde  vuelva  a  aparecer  el  almohadillado-­‐  encontramos  tres  cuerpos   claramente  diferenciados  en  los  que  encontramos  los  tres  órdenes  clásicos.  La  inspiración  de  esta  superposición   de  órdenes  es  clara:  el  Coliseo  de  Roma.  La  fachada  se  remata  con  una  cornisa.  La  medida  base  es  el  cuadrado  y   la   alternancia   de   vano/muro/pilastra   marca   un   ritmo   perfectamente   armónico.   Las   proporciones   y   el   lenguaje   clásico  de  esta  fachada  otorgaron  al  edificio  una  gran  consideración  por  parte  de  los  contemporáneos.  6     Ejemplos  de  arquitectura  renacentista  en  Italia:  el  Cinquecento  y  el  Manierismo     El  siglo  XVI  es  el  siglo  del  Clasicismo  y  también  de  su  crisis:  el  Manierismo.  A  la  arquitectura  del  Cinquecento  – sobre   todo   entre   los   años   1500-­‐1520-­‐   se   la   denomina   Clasicismo   o   Alto   Renacimiento.   Implica   llevar   el   ideal   renacentista  hasta  su  máximo  desarrollo  y  esplendor.  Esta  etapa  apenas  dura  las  dos  primeras  décadas  del  siglo   XVI.   Durante   el   Cinquecento   encontramos   una   arquitectura   de   una   monumentalidad   grandiosa,   muy   bien   proporcionada  e  inspirada  en  el  mundo  clásico.  Hay  primacía  de  las  líneas  arquitectónicas  en  detrimento  de  la   decoración   arquitectónica   y   utilizan   el   “orden   gigante”   en   los   soportes.   El   gran   centro   artístico   ya   no   fue   Florencia  sino  Roma  y  el  mayor  mecenas,  el  papado  (Julio  II).  También  las  cortes  de  las  monarquías  emergentes   promovieron  el  arte.  Se  da  una  gran  importancia  al  urbanismo  y  existe  una  preocupación  por  situar  el  edificio  en   el  marco  ambiental  adecuado.  Se  conocen  y  dominan  mejor  las  formas  grecorromanas.  Se  presta  gran  atención  a   las  cuestiones  técnicas;  en  esta  época  se  escriben  muchos  tratados.  Pocas  veces  ha  podido  contar  una  ciudad   con  una  reunión  de  talentos  geniales  como  la  que  Roma  logró  en  las  dos  primeras  décadas  del  quinientos  con   Bramante,   Miguel   Angel   y   Rafael,   la   más   alta   cima   del   Clasicismo,   y   a   la   vez   génesis   de   los   movimientos   manieristas  que  siguieron.  También  se  dio  en  la  Ciudad  Eterna  un  plantel  de  mecenas  y  promotores  que,  junto   con  los  pontífices,  cardenales  y  banqueros,  la  embellecieron  hasta  convertirla  en  el  enclave  monumental  más   prestigioso  de  Europa.           Entre  los  principales  arquitectos  del  Clasicismo  del  Cinquecento  encontramos  a  DONATO  BRAMANTE.  La  obra   que  marca  el  paso  al  Cinquecento  es  su  templete  de  San  Pietro  in  Montorio,  en  Roma,  realizado  por  encargo  de   los  Reyes  Católicos.  Se  trata  de  un  templete  conmemorativo    en  un  lugar  de  Roma  donde,  según  la  tradición,  el   apóstol   San   Pedro   había   sido   crucificado   y   decapitado.   Fechado   en   1502,   en   él   se   concretan   los   ideales   arquitectónicos  del  Renacimiento  pleno  o  Clasicismo,  por  ello  puede  tomarse  como  modelo.  La  admiración  que   6  Otra  obra  paradigmática  de  su  producción  fue  el  templo  de  San  Francesco  en  Rímini  (1450-­‐1466)  más  conocido  como  templo  malatestiano.  Fue  el  encargo   a  Alberti  de  uno  de  esos  príncipes  humanistas  que  definen  toda  la  época:  Segismundo  Malatesta.
  12. 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 suscitó  se  pone  de  manifiesto  en  el  hecho  de  que  el  pintor  Rafael  lo  representase  en  su  cuadro  Desposorios  de  la   Virgen.   Este   templete   es   de   planta   circular   y   se   alza   sobre   tres   escalones.   Sobre   ellos   descansa   una   fila   de   dieciséis   columnas   de   orden   toscano   y   un   friso   con   triglifos   y   metopas   decorados   con   motivos   ornamentales   alusivos  al  Papado  (tiara,  etc.).  Sobre  el  friso  encontramos  una  balaustrada.  Pero  lo  que  hemos  descrito  no  es   sino   el   hermoso   envoltorio   que   da   acceso   a   un   pequeño   edificio   circular   de   dos   pisos.   Aparecen   profundas   hornacinas  con  grandes  ventanales,  separados  entre  sí  por  pilastras.  Este  templete,  de  dos  pisos  o  cuerpos,  está   cubierto   con   una   cúpula.   La   cúpula,   nos   transporta   desde   el   mundo   terrenal   al   celeste.   La   huella   de   la   arquitectura   grecorromana   es   bien   evidente   en   esta   obra   (templos   de   Vesta,   el   Panteón   de   Agripa…).   Este   edificio  ha  sido  interpretado  filosóficamente  como  la  plasmación  plástica  de  las  teorías  neoplatónicas.7                                                                   El  Manierismo  sucede  a  la  etapa  del  Clasicismo.  En  torno  a  1520-­‐1530  se  abandona  paulatinamente  la  severidad,  la   claridad  y  el  equilibrio  del  clasicismo.  El  modelo  clásico  entra  en  crisis.  El  manierismo  adquiere  una  gran  difusión   en  cortes  europeas  como  en  la  del  emperador  Rodolfo  II  de  Praga,  en  la  de  Felipe  II  en  El  Escorial,    los  círculos   papales,   la   república   veneciana,   etc.   Hay   en   el   manierismo   una   fascinación   por   lo   caprichoso,   lo   exótico   y   sorprendente.  Es  una  tendencia  ecléctica  que  no  propugna  un  único  modelo  estético.  El  Manierismo  se  plasma   en  pintura,  escultura,  arquitectura  y  artes  decorativas.  Fue  una  tendencia  artística  un  tanto  críptica  (:  de  difícil   comprensión),  sólo  apta  para  iniciados.  8         El  primer  arquitecto  en  romper  el  lenguaje  clásico  será  MIGUEL  ÁNGEL.  Arquitecto,  escultor,  pintor  y  poeta,  él   será  quien  inicie  estas  nuevas  formas,  sometiendo  los  elementos  clásicos  a  una  interpretación  personal.  Miguel   Ángel  se  siente  ante  todo  escultor  y  trata  a  la  arquitectura  como  si  de  una  escultura  se  tratase;  utiliza  las  formas   7  La  belleza  es,  para  los  neoplatónicos,  el  esplendor  de  la  bondad  divina,  la  cual  se  va  desintegrando  en  su  camino  por  la  región  celestial  en  tantos  rayos   como  esferas  o  cielos  hay.  Los  artistas  que  abrazan  tal  concepción  del  mundo  van  a  crear  formas  próximas  a  esta  idea  de  belleza  unida  a  la  divinidad.  De  ahí   que  el  círculo  y  la  esfera  sean  consideradas  como  las  figuras  perfectas  y  estén  presentes  en  todas  aquellas  obras  que  aspiran  a  la  consecución  de  un  ideal   estético  cercano  a  lo  absolutamente  bello  y,  por  tanto,  a  lo  absolutamente  perfecto.     8  El  Manierismo  afecta  a  todas  las  artes.  Por  lo  que  se  refiere  a  la  arquitectura  se  utilizan  órdenes  gigantes,  se  produce  un  gran  desarrollo  del  entablamento,   los  frontones  aparecen  inacabados,  esculturas  en  cornisas...  
  13. 13. 13 13 clásicas  con  plena  libertad.  Entre  las  obras  arquitectónicas  que  desarrolló  Miguel  Ángel  la  más  grandiosa  fue  la   cúpula  de  la  Basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano.  La  basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  en  su  origen  fue  una  iglesia   paleocristiana  construida  para  conservar  el  cuerpo  del  apóstol  San  Pedro,  el  primer  Papa  de  la  historia.  Pero,  con   el  paso  de  tiempo  amenazaba  ruina.  Durante  el  Renacimiento  varios  arquitectos  presentaron  diversos  proyectos   para  reconstruir  la  iglesia:  en  primer  lugar,  Bramante,  que  planteó  una  iglesia  de  planta  de  cruz  griega  inscrita  en   un   cuadrado   y   cubierta   por   cinco   cúpulas.   Pero   su   muerte   interrumpió   este   proyecto.   Intervinieron   después   Rafael   –que   prefería   una   planta   de   cruz   latina-­‐;   Sangallo;   y   Miguel   Ángel.   Miguel   Ángel   retomó   la   idea   de   Bramante  de  planta  de  cruz  griega  y  diseñó  la  gran  cúpula  concebida  sobre  el  altar  mayor  y  la  tumba  del  Apóstol   San   Pedro.   La   cúpula,   con   4metros   de   diámetro   y   sobre   un   espectacular   tambor,   se   eleva   por   encima   de   las   colinas  de  la  urbe,  quedando  como  punto  de  referencia  para  toda  la  cristiandad.  Presenta  ventanales  cuadrados   en  forma  de  pórtico  greco-­‐romano  (igual  que  los  del  Partenón)  alternándolos  con  ventanales  cuadrados  también   pero  con  dintel  de  media  circunferencia.  Parejas  de  columnas  gemelas  recorren  el  tambor.  Sobre  el  tambor  se   eleva  un  “segundo  tambor”  con  decoración  de  guirnaldas  y  sobre  éste  la  cúpula  en  sí,  apuntada,  y  de  nervios   destacados.  Sobre  la  cúpula  se  eleva  una  linterna  abierta  a  la  luz,  también  entre  pares  de  columnas.  Todo  ello   dentro  ya  de  un  lenguaje  plenamente  manierista.  Esta  cúpula,  inspirada  en  la  realizada  por  Brunelleschi  para  la   catedral  de  Santa  María  de  las  Flores  de  Florencia,  se  terminó  de  construir  varios  años  después  de  la  muerte  de   Miguel  Angel.9  La  configuración  actual  de  la  basílica  es  posterior  a  Miguel  Ángel.  Fue  Carlo  Maderno  durante  el   Barroco  quien  realizaría  la  fachada,  la  planta  de  cruz  latina  etc.  Y  Bernini,  también  en  el  Barroco,  llevó  a  cabo  la   columnata  y  la  bellísima  plaza  de  San  Pedro.           3.  LA  ESCULTURA  ITALIANA  DEL  RENACIMIENTO     La   escultura   renacentista   surge,   como   la   pintura   y   la   escultura   en   Italia,   en   concreto   en   Florencia.   Allí   encontraremos  a  los  más  importantes  escultores  y  teóricos  de  la  escultura.  Y  también  en  Roma.  La  imitación  de   las  formas  clásicas  comienza  en  la  escultura  antes  que  en  las  otras  artes.   Podemos  distinguir  varias  etapas:   • Quattrocento:  formación,  corresponde  en  Italia  al  siglo  XV,  aunque  ya  fue  iniciado  en  XIV.  En  España  y   otros  países  europeos  se  reduce  a  los  primeros  años  del  siglo  XVI.   • Cinquecento:   en   esta   etapa   encontramos   dos   tendencias:   la   madurez   del   Renacimiento,   es   el   Renacimiento  pleno  (Clasicismo).  Y  el  Manierismo  (crisis  del  modelo  clásico).   9  Los  arquitectos  que  terminaron  la  cúpula  diseñada  por  Miguel  Angel  fueron  Doménico  Fontana  y  Giacomo  della  Porta.  Giacomo  della  Porta  otorgó  a  la   cúpula  un  perfil  más  agudo  que  el  planteado    inicialmente  por  Miguel  Angel.  
  14. 14. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       14               La  escultura  renacentista  en  Italia  se  basa  fundamentalmente  en:   • El   estudio   e   imitación   de   la   naturaleza,   embelleciéndola   si   es   necesario.   Son   obras   idealizadas,   armoniosas,  proporcionadas…   • La  influencia  de  la  escultura  del  mundo  clásico  (Grecia  y  Roma):  en  temática,  materiales,  ideal  de  belleza.   • No  es  una  mera  copia  del  mundo  clásico.   La   escultura   medieval   solía   tener   una   función   de   adoctrinar   (docente-­‐catequética),   era   muy   importante   la   temática,  y  a  veces  interesaba  más  el  fondo  que  la  forma.  Por  el  contrario  los  artistas  del  Renacimiento  se  buscan   la   perfección   y   la   belleza   y   conceden   menos   importancia   al   mensaje   religioso,   aunque   pueda   tenerlo.   Las   esculturas  renacentistas  tienen  un  principio  y  un  fin  en  si  mismo,  es  el  arte  por  el  arte,  la  búsqueda  del  placer   estético.            
  15. 15. 15 15   La  temática  de  la  escultura  renacentista  en  Italia  oscila  entre  temas  religiosos  y  profanos.  Los  temas  religiosos   representan  a  santos,  figuras  sagradas  del  Antiguo  y  el  Nuevo  Testamento,  etc.  El  género  religioso  fue  siempre   cultivado  con  preferencia.                 Por  lo  que  se  refiere  a  los  temas  profanos,  la  escultura  profana  en  ocasiones  está  hecha  para  mayor  gloria  del   retratado.   Estatuas   ecuestres   y   retratos   de   figuras   poderosas   de   la   ciudad   pueblan   las   calles   y   plazas   de   las   ciudades.  El  retrato  es  el  gran  descubrimiento  de  esta  época.  Encontramos  frecuentemente  temática  de  carácter   mitológico.  También  los  escultores  realizan  monumentos  funerarios.     Es  la  hora,  asimismo,  de  la  ornamentación  de  los  jardines  que  reclaman,  para  sus  glorietas  y  grutas  caprichosas,   fuentes  y  esculturas  alegóricas,  a  veces  volcadas  hacia  la  extravagancia  y  la  irracionalidad,  pero  ordenadas  en   pautas   urbanísticas   asomadas   a   la   naturaleza,   el   verdor   de   la   fronda   y   la   cantarina   sonoridad   del   agua.   Las   fuentes  monumentales  también  contribuirán,  en  competencia  con  las  estatuas  y  retratos  históricos,  al  ornato  de   calles  y  plazas  del  trazado  urbano.    
  16. 16. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       16         Surge  en  esta  etapa  una  gran  afición  por  el  estudio  científico  y  anatómico  del  cuerpo  humano,  del  desnudo.  El   desnudo  había  estado  muy  vetado  por  la  Iglesia  durante  la  etapa  medieval  siendo  poco  frecuente  en  el  arte.  El   gusto  por  el  desnudo  tanto  en  relieve  como  en  bulto  redondo  es  muy  frecuente  en  la  escultura  renacentista,   como  lo  fue  también  en  la  escultura  grecorromana.       Encontramos  ejemplos  tanto  en  obras  de  bulto  redondo  o  exentas  como  en  relieve,  ya  sea  altorrelieve,  o  bajo   relieve.   Por   lo   que   se   refiere   a   los   materiales,   son   diversos.   La   escultura   del   Renacimiento   se   sirvió   de   toda   clase   de   materiales   principalmente   del   mármol,   bronce   y   madera.   La   técnica   de   la   fundición   del   bronce   alcanza   una   extraordinaria  perfección  igual  que  la  habrá  del  mármol  o  de  la  piedra.  Muchos  escultores  proceden  del  ámbito   de  la  orfebrería,  de  ahí  el  uso  del  bronce.  Se  usa  también  la  madera  policromada.  En  Florencia  se  generalizó  el   barro  cocido  –la  terracota-­‐  que  se  solía  colorear  y  vidriar.     • Las  estatuas  y  relieves  de  madera  en  esta  época  suelen  decorarse  con  pinturas  siendo  preferida  en  el   siglo  XVI  (sin  abandonarla  del  todo  en  los  siguientes)  la  decoración  llamada    estofado.     • Las  esculturas  en  mármol  se  dejan  con  el  natural  color  de  la  piedra  por  haber  creído  los  artistas  que  en  la   escultura  clásica  no  se  les  aplicaba  ninguna  pintura.  
  17. 17. 17 17     Los  escultores  salen  del  anonimato.  Las  esculturas  del  renacimiento  no  suelen  ser  anónimas.  Los  artistas  suelen   realizar  las  obras  por  encargo.  Influyen  en  los  artistas  porque  los  coleccionistas  atesoran  las  obras  de  arte  que   son  fuentes  de  inspiración  para  los  escultores.  Ej.  los  Medici  en  Florencia   En  el  Renacimiento  se  vive  una  época  dorada  de  la  escultura.   En  los  primeros  artistas  del  Quattrocento  puede  advertirse  una  esbeltez  de  proporciones  y  una  elegancia  lineal  y   curvilínea   que   viene   del   gótico   internacional,   junto   a   un   gusto   por   lo   realista   y   anecdótico   de   la   misma   procedencia.   Los   grandes   escultores   del   Quattrocento   fueron:   Ghiberti,   Donatello,   Jacopo   della   Quercia,   Verrocchio,  Lucca  della  Robbia  y  un  largo  etcétera.  La  escultura  del  Cinquecento  se  caracteriza  por  el  gusto  por   lo  monumental,  el  relieve  plano  casi  desaparece  y  se  prefiere  el  bulto  redondo  y  el  tamaño  superior  al  natural.   Recordemos   que   en   1506   se   produjo   el   descubrimiento   de   la   escultura   helenística   del   Laocoonte   que   tanto   influiría  en  la  época,  sobre  todo  en  Miguel  Ángel.  En  el  Cinquecento,  el  centro  artístico  fue  Roma  y  los  grandes   escultores  de  esa  etapa  se  vieron  eclipsados  por  el  gran  genio  de  Miguel  Angel.       El  Manierismo,  por  su  parte,  es  una  vuelta  de  tuerca  más  al  Renacimiento.  Implica  la  crisis  del  arte  clásico,  de  su   armonía   y   perfección   y   manifiesta   una   tendencia   hacia   la   búsqueda   de   dinamismo,   la   expresividad,   la   inquietud,…  Entre  los  escultores  manieristas,  el  más  destacado  es  Miguel  Angel,  exceptuando  sus  inicios,  que   podemos  encuadrar  dentro  del  Alto  Renacimiento  o  Renacimiento  pleno  (clasicismo).  Fueron  también  grandes   escultores  manieristas  Bacio  Bandinelli  o  Giambologna  y  especialmente  Benvenuto  Cellini.  Cellini  fue,  además,   un  gran  orfebre.       En  el  Quattrocento  destaca  el  escultor  Donato  di  Niccolo  di  Betto  Bardi,  más  conocido  como  DONATELLO  (1386-­‐ 1466).   Fue   el   típico   humanista   del   renacimiento,   muy   polifacético   y   apasionado,   no   sólo   de   la   escultura,   sino   también  de  la  pintura,  la  arquitectura,  la  orfebrería,  etc.   Podemos  considerarlo  como  el  gran  creador  del  Renacimiento  en  escultura,  el  más  importante  hasta  la  llegada   de  Miguel  Ángel.  En  su  juventud  estudió  en  Roma.  Su  obra  se  caracteriza  por  la  búsqueda  de  equilibrio  clásico  y   la  belleza,  una  belleza  frecuentemente  idealizada  aunque  en  ocasiones  tiende  hacia  valores  dramáticos.  Trabajó   para  diversos  mecenas  y  ciudades,  dominando  todos  los  géneros,  materiales  y  técnicas.  La  gran  expresividad   que  confiere  a  sus  obras  es  uno  de  sus  rasgos  más  característicos.   Su  gran  preocupación  temática  en  la  escultura  es  el  hombre  y  su  tratamiento  en  distintas  épocas:  niñez,  juventud,   madurez.  Crea  la  tipología  del  retrato  renacentista  e  introduce  también  la  escultura  ecuestre,  a  partir  de  él  este   tipo  de  escultura  tendrá  una  gran  repercusión  en  el  Renacimiento  y  en  el  Barroco.  Los  materiales  que  utiliza  son   preferentemente  el  mármol  y  el  bronce.  Hizo  esculturas  en  relieves  y  de  bulto  redondo.       Obras  más  destacadas  de  Donatello     LA  CANTORÍA  DE  LA  CATEDRAL  DE  FLORENCIA:  es  un  canto  a  la  alegría  infantil.  Las  figuras  están  concebidas  en   alto   relieve   y   aparecen   enmarcadas   entre   columnas.   Esta   obra   es   una   excusa   para   el   estudio   anatómico,   los   plegados,  el  movimiento…  Los  paños  transparentes  permiten  analizar  el  cuerpo  humano.  
  18. 18. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       18 SAN  JORGE:  es  el  prototipo  de  caballero  cristiano.  Aparece  muy  bien  vestido  y  su  coraza  le  sirve  de  apoyo.     DAVID:  sobre  esta  figura  bíblica  realizó  cuatro  esculturas  muy  diferentes.  En  esta  imagen,  David  aparece  vestido   como  pastor,  con  un  sombrero.  Es  una  obra  de  un  gran  naturalismo  idealizado,  muy  deudor  del  clasicismo  griego.   Presenta  un  ligero  contraposto  que  nos  recuerda  a  Praxiteles  en  la  curva  y  contracurva.  Es  el  primer  ejemplo  de   escultura  desnuda  a  tamaño  real  desde  la  Antigüedad.  Reposo  y  dinamismo  a  partes  iguales.  Hay  que  destacar  el   gesto  complaciente  que  presenta  por  haber  vencido  a  Goliat.  David  simboliza  la  victoria  de  la  inteligencia  sobre  la   fuerza  bruta.                           MAGDALENA  PENITENTE:  es  una  obra  realizada  en  madera  policromada,  en  la  que  se  ha  perdido  el  idealismo  de   otras  de  sus  obras.  Muestra  la  vejez  de  una  forma  feísta.     BUSTO  DE  NICOLLÒ  DA  UZZANO:     Donatello  creó  la  tipología  del  retrato  de  busto  renacentista  como  se  muestra  en  este  ejemplo.  Muchas  familias   le  encargan  este  tipo  de  obras.     El  CONDOTTIERO  GATTAMELATTA  (en  Padua):  es  uno  de  los  retratos  ecuestres  más  célebres  del  Renacimiento,   realizado  en  bronce.  Es  una  escultura  de  gran  serenidad.  El  caballo  apoya  una  pata  en  una  bola  para  no  perder  el   equilibrio.  En  las  crines,  los  ojos,  la  boca,  se  observa  un  gran  detallismo  y  naturalismo.  El  caballero  muestra  una   actitud   altiva,   mirando   al   frente   en   actitud   de   vencer.   Su   fuente   de   inspiración   fue   la   estatua   del   emperador   romano  Marco  Aurelio.  Esta  obra  está  considerada  como  la  primera  estatua  en  honor  a  un  guerrero  de  todo  el   mundo  moderno.                     4.  LA  PINTURA  ITALIANA  DEL  RENACIMIENTO     La  pintura  renacentista  italiana  es  uno  de  los  capítulos  más  apasionantes  de  la  Historia  del  Arte  de  todos  los   tiempos.   Es   impresionante   el   elenco   de   grandes   pintores,   tanto   del   Quattrocento   como   del   Cinquecento   que   encontramos  en  Italia.    
  19. 19. 19 19                   En   Italia,   y   más   concretamente   en   Florencia,   se   experimentó   una   auténtica   revolución   pictórica   en   todos   los   niveles,   aunque   no   debemos   olvidar   las   aportaciones   técnicas   que   plantearon   los   artistas   flamencos     por   la   misma  época:  la  técnica  del  óleo.  Los  principios  estéticos  de  la  nueva  pintura  fueron  codificados  por  el  humanista   florentino  León  Battista  Alberti  en  su  tratado  artístico    “De  pictura”  (siglo  XV).         La  pintura  renacentista  supone  una  vuelta  a  la  cultura  clásica,  a  la  búsqueda  de  la  belleza  basada  en  la  medida,  el   número   y   la   proporción.   Son   pinturas   que   se   realizan   por   encargos   (de   mecenas   políticos   o   religiosos).   Se   realizan  contratos  donde  vienen  especificadas  hasta  el  mínimo  detalle  las  condiciones  (el  número  de  figuras,  los   materiales…).  Había  pintores  que  estaban  al  servicio  de  un  mecenas  que  les  daba  un  sueldo  mensual.                                               Es  una  pintura  naturalista,  es  decir,  preocupada  por  la  representación  de  la  realidad  de  la  Naturaleza.  Ello  no  es   óbice  para  que  se  tienda  a  representaciones  de  belleza  idealizada.  La  idea  de  mímesis  del  mundo  grecorromano   se  hace  presente.  
  20. 20. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       20 Los  pintores  renacentistas  desarrollaron  la  perspectiva  que  podemos  considerarla  como  el  procedimiento  para   representar  gráficamente  objetos  en  tres  dimensiones.10     La  pintura  se  configura  como  una  “nueva  ciencia”:  tiene  su  fundamento  en  la  observación  de  la  naturaleza  y  la   perspectiva  matemática.11     La   perspectiva   lineal   o  geométrica  se  utiliza  para  crear  espacios  tridimensionales,  las  líneas  convergen  en  un   punto   de   fuga.   Da   lugar   a   espacios   construidos   de   una   forma   racional   propia   de   la   nueva   mentalidad   renacentista.                       La   temática   de   la   pintura   del   Renacimiento   en   Italia   es   predominantemente   religiosa   pero   se   cultivan   también  temas  mitológicos  o  profanos.     El  retrato  tiene  un  gran  auge,  muchas  veces  de  perfil.  Los  retratos  –majestuosos  y  llenos  de  serenidad-­‐  dejan   de  ser  descriptivos  para  ser  psicológicos,  incluso  dramáticos  (ej.:  en  Rafael  y  en  Tiziano),  se  cuida  mucho  la   expresión,  la  posición  de  las  manos,  la  riqueza  de  los  vestidos,  los  gestos…Los  estudios  anatómicos  son  muy   frecuentes.               También  abundan  las  pinturas  mitológicas  y  las  alegorías:  ideas  abstractas  representadas  como  imágenes.     Por  ejemplo  la  representación  de  los  sentidos,  del  vicio  versus  la  virtud,  etc.   El  paisaje  llega  a  convertirse  en  género  independiente  conforme  va  avanzando  el  siglo  XV.     La  pintura  se  realiza  sobre  muros,  tablas  y  lienzos,  siendo  las  técnicas  más  comunes  el  fresco12 ,  el  temple13  y   el  óleo.  La  principal  innovación  técnica  es,  desde  1475,  la  técnica  del  óleo14 .       10  La   perspectiva   aérea,   por  su  parte,  perfecciona  la  anterior,  representando  a  la  atmósfera  que  envuelve  los  objetos  del  cuadro,   esfumando  las  líneas   convergentes,  eliminando  los  límites  entre  el  dibujo,  la  forma  y  el  color.   11  Ya  decía  Leonardo  que  pintar  era  “cosa  mentale”.   12  Fresco:  colores  disueltos  en  agua.  Se  realiza  siempre  sobre  muros  que  se  preparan  previamente  con  yeso  fino.   13  Temple:  técnica  pictórica  que  consiste  en  diluir  los  colores  en  agua  templada  engrosada  con  aglutinantes  como  leche,  huevo,  goma  arábiga.  Se  realiza   sobre  tabla  o  lienzo.  
  21. 21. 21 21         La  luz  adquiere  gran  importancia.  Es  uniforme  y  a  veces  sirve  para  modelar  y  para  crear  espacios.     Por  lo  que  se  refiere  a  la  composición,  las  figuras  se  reparten  ordenadamente  y  con  un  plan  preconcebido   destacando   sobre   un   fondo   paisajístico   o   arquitectónico.   Son   composiciones   armoniosas   y   cerradas,   en   ocasiones   con   formas   geométricas   como   triángulos.   Como   en   el   resto   de   las   artes,   se   buscan   las   proporciones  perfectas,  las  proporciones  áureas.15     Cronológicamente,  podemos  distinguir  varias  etapas  en  la  pintura  italiana  del  Renacimiento:   1.  El  Quattrocento  corresponde  al  siglo  XV.  Es  la  etapa  de  iniciación.  Se  desarrolla  sobre  todo  en  Florencia.  Son   sus   principales   representantes,   entre   muchos   otros,     Masaccio,   Sandro   Botticelli,   Paolo   Ucello,   Doménico   Ghirlandaio,  Andrea  Mantenga,  Piero  della  Francesca  etc.   2.  En  el  Cinquecento,  que  es  el  siglo  XVI,  encontramos  dos  tendencias  artísticas:  la  Clasicista  (Alto  Renacimiento  o   Renacimiento  pleno)  y  por  otro  lado,  contraponiéndose  a  la  anterior,  la  tendencia  Manierista.   Los  principales   pintores  del  Cinquecento  son:  Leonardo,  Rafael,  Miguel  Ángel,  Giorgione  y  Tiziano.  El  Clasicismo  es  la  etapa  de   madurez.   Supuso   llevar   a   sus   máximas   consecuencias   los   logros   artísticos   del   Quattrocento.   Las   obras   de   Leonardo  da  Vinci,  y  parte  de  la  producción  de  Rafael  de  Sanzio  y  Miguel  Angel  Buonarroti  ejemplifican  lo  mejor   del  Clasicismo.  Con  el  Clasicismo  se  avanza  en  el  estudio  de  la  luz,  de  las  proporciones  –siempre  en  base  a  la   medida   humana-­‐   y   se   acentúa   la   representación   de   la   belleza   idealizada.   El   centro   artístico   del   Clasicismo   se   encuentra  en  Roma.   Pero  el  siglo  XVI  es  la  época  también  del  Manierismo,  es  decir,  de  la  crisis  del  modelo  clásico  y  de  la  sociedad   de  la  época16 .                   Es  un  arte  intelectual,  refinado  y  cortesano,  por  eso  no  tuvo  expansión  en  las  clases  populares  y  quedó  reducido  a   ciertas  élites.    Las  figuras  se  deforman,  pierden  las  proporciones,  armonía  e  ideal  de  belleza  clásico.  Triunfan  las  líneas   14  Óleo:  esta  técnica  utilizada  a  partir  del  siglo  XV  consiste  en  diluir  los  colores  en  aceites  (linaza)  secantes  y  aplicarlos  sobre  tabla  o  lienzo  previamente   preparados.  Es  la  técnica  maestra,  da  más  riqueza  en  el  colorido.   15  La  sección  áurea  se  representada  con  la  letra  griega  PHI  o  FI  Φ  =  1,61803…  La  sección  áurea  es  la  división  armónica  de  una  segmento  en  media  y  extrema   razón.  Es  decir,  que  el  segmento  menor  es  al  segmento  mayor,  como  este  es  a  la  totalidad.  De  esta  manera  se  establece  una  relación  de  tamaños  con  la   misma  proporcionalidad  entre  el  todo  dividido  en  mayor  y  menor.   16  El  saco  de  Roma  realizado  por  las  tropas  de  Carlos  V;  el  surgimiento  de  la  Reforma  protestante;  las  luchas  de  Francia  y  España  por  dominar  Italia,  etc.  
  22. 22. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       22 “serpentinatas”   (:   en   forma   helicoidal).   El   manierismo   de   hace   presente   en   los   pintores   italianos   del   Cinquecento   como  Miguel  Angel,  el  Parmigianino,  Arcimboldo,  etc.  y  en  el  caso  español,  en  el  Greco,  entre  otros.     Ejemplos  relevantes  de  la  pintura  del  Quattrocento  italiano                         *MASACCIO  (1401-­‐1428)   Masaccio   revolucionará   la   pintura   aportando   soluciones   nuevas.   Su   importancia   es   semejante   a   la   de   Brunelleschi  en  arquitectura  y  a  la  de  Donatello  en  escultura.  Murió  en  plena  juventud,  con  tan  sólo  veintisiete   años,  pero  lo  que  hizo  en  su  corta  vida  fue  suficiente  para  constituirse  en  el  verdadero  pilar  del  nuevo  estilo   pictórico,  borrando  de  la  pintura  florentina  todo  resto  del  pasado.   Masaccio  mostró  en  sus  obras  el  gusto  naturalista  para  los  fondos,  paisajes  o  arquitectura,  dotó  a  las  figuras  de   peso,   volumen   y   monumentalidad   –son   figuras   que   se   pueden   rodear-­‐   y   construyó   racionalmente   el   espacio   mediante  la  aplicación  de  la  perspectiva.     El  estilo  de  Masaccio  está  inspirado  en  la  escultura  de  Donatello.  Concede  gran  importancia  a  la   expresión  y   gestos  de  sus  personajes  y  al  empleo  de  la  luz.  Va  a  influir  en  artistas  como  Botticelli,  Fra  Filippo  Lippi  o  Miguel   Ángel.     Sus  obras  clave  fueron  las  pinturas  al  fresco  que  realizó  para  la  capilla  Brancacci  de  la  iglesia  del  Carmine  de   Florencia:  Adán  y  Eva,  El  tributo  de  la  moneda,  etc.   El  tributo  de  la  moneda  muestra  una  temática  religiosa.  Narra  la  llegada  de  Jesús  con  sus  apóstoles  a  Cafarnaúm,   recogida   en   el   Evangelio   según   San   Mateo,   en   tres   episodios   dentro   de   la   misma   composición:   en   el   centro   contemplamos  al  recaudador  solicitando  el  tributo  a  Cristo  y  éste  indicando  a  Pedro  que  en  el  agua  encontrará  el   dinero;  en  el  fondo,  a  la  izquierda,  observamos  a  san  Pedro  sacando  una  moneda  de  la  boca  de  un  pez;  y  en  la  derecha   el  pago  del  tributo  ante  una  construcción.        
  23. 23. 23 23   El  tributo  de  la  moneda,  Masaccio   Las  figuras  del  grupo  principal  se  sitúan  en  un  paisaje,  formando  casi  un  círculo  y  vestidas  a  la  manera  griega.  Su   monumentalismo   -­‐basado   en   proporciones   áureas-­‐   está   inspirado   en   las   estatuas   clásicas   y   en   las   obras   de   Donatello  por  las  que  Masaccio  sentía  especial  admiración.  Conviene  destacar  la  expresividad  de  los  rostros,  que   aportan  una  tremenda  sensación  de  realismo,  reforzada  por  los  gestos.  Al  ubicar  al  recaudador  de  espaldas,  el   maestro   intenta   involucrarnos   en   la   escena   y   hacernos   partícipes   del   episodio.   La   luz   inunda   la   composición,   resaltando  los  colores  empleados  -­‐que  también  sirven  para  dar  efecto  de  perspectiva  a  la  obra  colocando  los  más   cálidos   en   primer   plano   y   los   más   fríos   al   fondo-­‐   y   el   efecto   volumétrico   de   los   personajes,   interesándose   Masaccio  por  la  anatomía,  como  se  observa  en  las  piernas  del  recaudador  mientras  que  los  apóstoles  ocultan  sus   cuerpos   bajo   pesadas   túnicas.   Incluso   se   puede   afirmar   que   existe   una   cierta   sensación   atmosférica,   desdibujando  los  contornos  de  la  zona  final.  La  arquitectura  de  la  derecha  es  aún  algo  arcaica  pero  sirve  para   obtener   perspectiva.   Esta   obra   será   un   referente   para   muchos   pintores   renacentistas   (Ucello,   Piero   della   Francesca,   etc.)   Es   una   pintura   donde   se   hace   presente   el   anacronismo:   sitúa   la   escena   en   una   arquitectura   renacentista,  siendo  la  vestimenta  típica  de  esa  época.     En  la  Trinidad  que  realizó  para  la  iglesia  de  Sta.  María  Novella  de  Florencia,  se  aprecia  el  esfuerzo  realizado  para   lograr  una  perfecta  composición  en  perspectiva,  muy  cerca  del  espíritu  de  Brunelleschi.       *SANDRO  BOTTICELLI  (1445-­‐1510)   Pertenece  a  la  última  generación  de  pintores  del  Quattrocento.     Lorenzo   el   Magnífico,   un   miembro   preeminente   de   la   poderosa   familia   Medici,   fue   uno   de   sus   principales   mecenas.   Botticelli   participó   activamente   en   el   círculo   de   humanistas   de   la   corte   de   esta   figura   esencial   del   mecenazgo  y  coleccionismo  renacentista.   Botticelli  confiere  más  importancia  al  dibujo  que  al  color.  Usa  y  abusa  de  las  formas  sinuosas  y  fluidas,  un  tanto   planas.      Realiza  figuras  elegantes,  refinadas,  casi  etéreas,  con  rostros  ovalados  y  tendencia  hacia  la  melancolía.   Exalta  a  la  mujer  en  sus  obras.  El  paisaje  es  para  él,  algo  secundario  y  da  mucha  importancia  a  la  expresividad.   Realizó  temas  religiosos  y  profanos.  Desde  un  punto  de  vista  formal,  el  pensamiento  neoplatónico,  de  naturaleza   mística,  está  en  la  base  de  la  pintura  de  Botticelli.  El  neoplatonismo  fue  lo  opuesto  a  las  tendencias  naturalistas   en  auge  en  esta  época.   Al  final  de  su  vida,  su  estilo  resultaba  algo  arcaico  y  murió  casi  completamente  olvidado,  teniendo  que  pasar   cerca  de  cuatro  siglos  para  que,  durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX  fuera  reivindicado  y  se  situara  en  el  nivel   de  gran  popularidad  que  hoy  alcanza.      
  24. 24. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       24                     El  nacimiento  de  Venus  y  la  Primavera,  dos  de  sus  principales  obras,  han  sido  interpretadas  en  clave  neoplatónica.   El   nacimiento   de   Venus   es   una   obra   de   su   primera   etapa.   El   tema   deriva   de   la   literatura   homérica   y   latina   especialmente  de  la  Metamorfosis  de  Oviedo.    Muestra  un  tema  mitológico  en  un  paisaje  primaveral  y  bucólico,   lleno  de  referencias  clásicas.  Esta  obra    sería  el  nacimiento  de  la  Venus  celeste,  engendrada  por  la  naturaleza  y   por  la  unión  del  espíritu  con  la  materia.  Pero  este  nacimiento  de  Venus  puede  ser  también,  según  Argan,  el  del   alma  cristiana  surgiendo  del  agua  del  bautismo,  produciéndose  así  una  concordatio17  entre  pensamiento  antiguo   y   religión   cristiana.   Prescinde   Botticelli   de   la   perspectiva,   estiliza   las   figuras,   trata   a   la   naturaleza   como   decoración  buscando  ante  todo  la  belleza:  en  La  Primavera  hace  casi  un  inventario  botánico  de  especies  de  flores.   La  Venus  tienen  un  aire  ausente  y  nostálgico  que  nos  habla  de  la  belleza  de  la  perdida  Edad  de  Oro,  rememorada   con  nostalgia  por  los  neoplatónicos.                                                     17  Concordatio:  procede  del  italiano,  significa  “concordancia”.    
  25. 25. 25 25                                                     Fuente  de  los  gráficos:  Jesús  Vicente  Patiño     La   Primavera:   ha   sido   objeto   de   muchas   interpretaciones.   Aparece   Mercurio   lanzando   su   vaina   al   cielo,   ahuyentando  a  la  lluvia;  la  diosa  Venus  con  Cupido,  dios  del  Amor,  y  la  Primavera  cubierta  de  flores.  La  diosa  Flora   es   perseguida   por   Céfiro   (es   un   viento,   mensajero   de   la   primavera).   El   significado   de   esta   obra   ha   sido   interpretado  en  que  en  el  amor  lo  que  llega  a  la  tierra  como  pasión  (Céfiro),  regresa  al  cielo  como  contemplación   (Mercurio).  Utiliza  la  técnica  de  las  veladuras.18  Fue  un  encargo  para  los  Médici  y  representa  este  estilo  de  pintura   decorativa  clásica  y  de  tema  mitológico.                                         18  La  técnica  de  veladuras  consiste  en  ir  aplicando  una  capa  de  pintura  sobre  otra  de  manera  muy  fina,  semitraslúcida  de  forma  que  se  aprecie  parte  del   fondo  anterior  y  gane  tonalidades  diferentes  con  las  nuevas  capas.
  26. 26. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       26 Ejemplos  relevantes  de  la  pintura  del  Cinquecento  italiano:  Clasicismo  y  Manierismo                                                   *LEONARDO  DA  VINCI  (1452-­‐1519)   Leonardo   da   Vinci   es   un   ejemplo   universal   de   síntesis   entre   la   personalidad   del   artista   y   del   científico.   Era   el   prototipo   del   humanista   del   Renacimiento:   pintor,   dibujante   excepcional,   estudioso   de   la   anatomía   humana,   diseñador   de   máquinas   para   volar….   Fue   principalmente   un   teórico,   no   nos   ha   dejado   demasiadas   pinturas   aunque  realizó  muchos  dibujos.     Nació  en  un  pueblecito  de  la  Toscana  llamado  Vinci.  Su  personalidad  fue  un  tanto  críptica  y  misteriosa.  Durante   gran   parte   de   su   vida   pasó   apuros   económicos.   Tuvo   una   vida   artística   errante   (Florencia,   Milán,   Roma…),   y   empezó   sus   estudios   artísticos   en   el   taller   de   Verrocchio.   Fue   reclamado   por   diferentes   mecenas   entre   ellos   Ludovico  Sforza  (Ludovico  el  Moro),  César  Borgia,  o  el  rey  francés  Francisco  I.  Por  su  influencia  artística,  doctrinal   y   práctica,   es   uno   de   los   grandes   talentos   del   Cinquecento,   aunque   generacionalmente   pertenezca   al   Quattrocento.  Podemos  decir  se  convirtió  en  una  especie  de  híbrido  entre  dos  épocas.   Una  parte  muy  importante  de  su  obra  es  inacabada  o  se  perdió  por  su  precaria  conservación.     Leonardo   propondrá   un   nuevo   sistema   de   perspectiva,   la   perspectiva   aérea:   consiste   en   representar   la   atmósfera  que  envuelve  los  objetos,  esfumando  las  líneas  (el  sfumato  de  Leonardo  es  difuminar  los  contornos),   eliminando  los  límites  de  forma  y  color,  dando  una  impresión  muy  real  de  la  distancia.  Es  una  pintura  de  aire   misterioso,  aparentemente  inacabada.   Entre   otras   aportaciones   de   Leonardo   destaca   su   uso   extraordinario   del   claroscuro   y   una   fantástica   representación  de  la  naturaleza.   Sus  dibujos  son  de  una  calidad  excepcional  y  en  gran  parte  se  conservan  en  el  Castillo  de  Windsor  en  Inglaterra.   Por  lo  que  se  refiere  a  sus  pinturas  destacamos:  la  dama  del  armiño,  la  Virgen  de  las  Rocas,  La  última  cena  y  la   Gioconda.    
  27. 27. 27 27           La  Virgen  de  las  rocas  muestra  una  ambientación  muy  innovadora:  un  paisaje  irreal  y  ensoñador,  muy  misterioso,   una  especie  de  telón  de  fondo.  Los  contornos  no  están  claramente  definidos:  es  el  célebre  esfumato  leonardesco.   El  esfumato  propicia  dar  volumen  a  las  figuras  y  suaviza  los  contornos.  La  perspectiva  aérea  está  perfectamente   conseguida.  La  composición  es  triangular,  muy  cerrada,  todas  las  figuras  están  conectadas  entre  sí,  siendo  la   Virgen  el  ángulo  superior.  La  zona  del  triángulo  recibe  la  iluminación  principal.    Las  figuras  están  en  reposo  pero   ciertos  gestos  de  las  manos  otorgan  dinamismo  a  la  obra.   La  última  cena  se  conserva  en  Milán,  en  el  Refectorio  del  Convento  de  Santa  María  de  las  Gracias.    Es  un  mural,   arruinado  ya  en  vida  del  propio  autor  por  atrevidas  ocurrencias  experimentales  y  objeto  de  infames  repintes  y   restauraciones.  Fue  un  encargo  de  la  familia  de  los  Sforza,  sus  mecenas  de  Milán.  El  tema  que  representa  es  de   carácter   religioso:   la   última   cena   de   Jesús.   Representa   el   momento   en   el   que   Jesús   anuncia   que   uno   de   sus   discípulos  le  va  a  traicionar.  La  disposición  de  las  figuras  responde  a  un  esquema  nuevo:  no  hay  rigidez,  busca  el   dinamismo,   y   distribuye   las   figuras   en   cuatro   grupos   de   tres   personas.   Son   composiciones   triangulares.   Las   figuras  se  conectan  a  base  de  gestos  y  miradas.  La  escena  se  desarrolla  en  una  sala  rectangular.  La  habitación  se   nos  muestra  en  profundidad,  en  perspectiva,  con  una  serie  de  líneas  de  fuga  hacia  el  centro.  Las  líneas  de  fuga   confluyen  en  la  figura  de  Cristo,  el  cual  está  en  el  centro  de  la  mesa.  Al  fondo,  las  tres  ventanas  dejan  ver  un   paisaje  que  aumenta  el  espacio.    –la  composición  es  triangular-­‐  y  le  otorga  sensación  de  reposo.  Cada  rostro  es   perfectamente  distinto  a  los  demás  reflejando  la  psicología  de  cada  personaje.                 La  Gioconda  es  el  retrato  de  una  mujer  real:  Mona  Lisa,  tercera  esposa  de  Giocondo  de  Florencia.    Se  conserva  en   el  museo  del  Louvre  de  París  y  es  una  de  las  obras  de  arte  más  conocidas  en  todo  el  mundo.  -­‐Ha  sido  objeto  de   muchas   versiones   por   otros   artistas,   incluso   del   siglo   XX   (Marcel   Duchamp,   Botero,   etc.).   Es   una   obra   emblemática   del   estilo   de   Leonardo:   este   bellísimo   retrato   femenino   se   recorta   –con   el   esfumato-­‐   sobre   un   paisaje  idealizado  y  ensoñador,  envuelto  en  neblinas  con  rocas  fantásticas.    Todos  los  colores  están  trabajados  a   base  de  blancos  y  grises  que  diluyen  las  formas  e  integra  a  la  figura  dentro  del  paisaje.        
  28. 28. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       28 *RAFAEL   SANZIO   (1483-­‐1520)   Rafael  Sanzio,  conocido  como  Rafael,  poseyó  una  personalidad  más  equilibrada   que  la  de  Leonardo  y  Miguel  Angel.    Natural  de  Urbino,  no  maduró  como  artista  hasta  pasar  por  Florencia,  donde   residió  a  inicios  del  siglo  XVI.  Se  convirtió  en  el  ejemplo  más  admirado  del  Clasicismo  del  Cinquecento:  armonía,   belleza  ideal,  claridad  compositiva  definen  sus  obras.  A  pesar  de  su  corta  vida  -­‐  murió  a  los  37  años  en  Roma-­‐,   realizó  una  obra  es  muy  extensa.  Sus  influencias  principales  eran  Leonardo  y  Miguel  Ángel.  Dominaba  el  dibujo  y   el  color.  En  su  etapa  final  muestra  rasgos  manieristas.   Como  retratista,  Rafael  fue  un  consumado  maestro  y  destacó  en  las  representaciones  de  la  Virgen  María  con  el   Niño  Jesús,  refinadas  y  dulces,  en  el  extremo  opuesto  del  espíritu  atormentado  de  Miguel  Ángel.     Entre  sus  obras  destacan  los  frescos  que  pintó  para  diversas  estancias  vaticanas:  “La  escuela  de  Atenas”,  “el   incendio  del  Vorgo”,  “el  Parnaso”  y  “La  disputa  del  Sacramento”.                           La  escuela  de  Atenas  es  una  obra  de  madurez  de  su  etapa  romana,  ejemplo  del  Clasicismo  del  Cinquecento.  Esta   obra  se  conserva  en  el  Vaticano  ya  que  fue  el  propio  Papa  el  que  le  encargó  la  realización  de  este  mural  y  de   otros  tres  más  en  las  estancias  vaticanas.  El  marco  arquitectónico,  claramente  renacentista  y  con  reminiscencias   grecorromanas,  es  monumental.  Muestra  su  gran  dominio  de  la  perspectiva.  Representa  un  templo  imaginario  y   simbólico   de   la   sabiduría.   Los   personajes   que   aparecen   son   científicos   desde   la   Antigüedad   hasta   su   época   (aparece  Platón.  Aristóteles,  etc.)  pero  pintados  con  rostros  contemporáneos  e  individualizados.  Aristóteles  y   Platón  están  en  el  centro  rodeados  de  otros  filósofos.  Rafael  quería  representar  las  dos  tendencias  filosóficas   opuestas:   la   platónica   y   la   aristotélica.     Hay   otros   grupos   rodeando   a   los   maestros.     Los   rostros   son   individualizados  pero  serenos,  bellos  en  su  senectud  y  muy  clásicos.  Los  gestos  son  variados,  el  color  armónico  y   el  dibujo  y  la  anatomía  perfecta.  El  canon  para  las  figuras  es  también  el  clásico  en  sus  proporciones.       Con  el  Incendio  del  Borgo,  mural  también    de  las  estancias  vaticanas,  Rafael  empieza  a  decantarse  por  un  cierto   Manierismo.    Rompe  el  equilibrio  armónico  entre  el  fondo  y  la  forma  ya  que  emplea  técnicas  manieristas.  Emplea   ya  cánones  de  un  manierismo  incipiente,  cuerpos  alargados  y  reduciendo  el  tamaño  de  la  cabeza.     Un  gran  retrato  masculino  es  el  que  realizó  Rafael  a  su  buen  amigo  Baltasar  de  Castiglione,  autor  de  la  célebre   obra  renacentista  llamada  el  “Cortesano”.  Fue  pintado  circa  1514.    El  retratado  va  vestido  a  la  moda,  con  un  jubón   de  pelo  gris  y  piel  vuelta  en  muñecas  y  cuello,  cubriéndose  la  cabeza  con  un  elegante  sombrero.  Rafael  ha  sabido   captar   la   profundidad   psicológica   del   retratado   en   su   mirada   y   los   gestos   de   las   manos.  La   figura   es   de   tres   cuartos  ante  un  fondo  neutro  para  resaltar  su  volumen,  reforzada  con  la  ubicación  de  las  manos  en  primer  plano.   La  obra  fue  copiada  por  Rubens  y  Rembrandt,  indicándonos  su  maestría.   Otro  retrato  realizado  por  Rafael  y  verdadera  obra  maestra,  es  la  Fornarina.  Fue  su  modelo  y  amanta,  a  la  que     presumiblemente  retrató  también  en  el  cuadro  llamado  La  Donna  velata,  conservado  en  Florencia  en  el  Palazzo   Pitti.  La  mujer  fue  identificada  durante  el  siglo  XIX  con  la  Fornarina  (panadera)  Margherita  Luti,  hija  del  panadero   Francesco  Luti  da  Siena.  Sin  embargo,  es  probable  que  el  verdadero  sentido  de  la  obra  aún  esté  por  aclarar.  La   mujer  es  representada  con  un  sombrero  de  estilo  oriental  y  los  pechos  desnudos.  Hace  el  gesto  de  cubrir  su   pecho  izquierdo,  o  volverlo  con  su  mano,  y  está  iluminada  por  una  fuerte  luz  artificial  que  viene  del  exterior.  Su   brazo  izquierdo  tiene  una  estrecha  banda  que  lleva  la  firma  del  artista.    

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