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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 10. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

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ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 10. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

  1. 1.                                                 FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  10.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ESPAÑA
  2. 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  10.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ESPAÑA       1.Introducción   al   arte   del   Renacimiento   en   España.   2.   La   arquitectura   renacentista   en   España   3.   La   pintura   renacentista   en   España     4   La   escultura   renacentista   en   España.   5.   La   música   renacentista:   instrumentos   y   compositores.  6.  Mobiliario  renacentista.  7.  El  traje  “a  la  española”.  La  moda  a  través  del  retrato  cortesano  español:   Alonso  Sánchez  Coello.     1.INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ESPAÑA     El  Renacimiento,  surgido  en  Italia,  alcanzó  una  gran  difusión  por  toda  Europa.     En  España  hay  que  tener  en  cuenta  al  estudiar  el  Renacimiento  que:                                  *El  siglo  XV,  la  época  de  los  Reyes  Católicos,  Isabel  y  Fernando,  es  una  etapa  bisagra,  a  caballo   entre  el  Gótico  y  el  Renacimiento,  entre  la  Edad  Media  y  la  Edad  Moderna.         *El  Renacimiento  se  difunde  en  España  a  lo  largo  del  siglo  XVI.         *  Igual  que  en  otros  países,  el  gran  peso  de  la  tradición   gótica  hizo  que  este  estilo  perdurara   durante  mucho  tiempo.  Lo  mismo  ocurrió  en  otros  países  como  Alemania.  Es  tal  la  trascendencia  del  Gótico  en   España  que  se  ha  llegado  a  decir  que  el  arte  español  del  siglo  XVI  es  “arte  gótico  postmedieval”.                                    *La  riqueza  cultural  española,  en  la  que  confluyen  elementos  cristianos  con  islámicos  y  judíos,   otorga  una  peculiar  singularidad  a  nuestro  arte  renacentista.                           La  implantación  del  Renacimiento  en  España  coincide  en  una  etapa  de  hegemonía  política  española  en  buena   parte   de   la   Europa,   norte   de   África,   América,   e   incluso   Asia   (Filipinas,   etc.).   Ello   es   debido   a   la   creación   del   llamado  Imperio  español  que  se  fragua  con  los  RRCC  en  el  siglo  XV  –al  unificarse  la  corona  de  Castilla  y  la  de   Aragón-­‐  y  se  extiende  en  el  siglo  XVI,  en  la  primera  mitad  con  el  emperador  Carlos  (I  de  España  y  V  de  Alemania)   y  en  la  segunda  mitad  con  su  hijo  Felipe  II,  el  llamado  rey  Prudente,  el  monarca  más  poderoso  de  su  época,  a  la   vez  que  uno  de  los  mayores  mecenas  y  coleccionistas  del  Renacimiento.         Varios  factores  propiciaron  la  implantación  del  Renacimiento  en  España:       *Las  estrechas  relaciones  con  Italia  a  través  de  las  campañas  militares  españolas1 .    Recordemos  que  Italia   durante  el  Renacimiento  fue  bocado  apetecido  por  parte  de  Francia  y  España  que  lucharon  allí  por  conquistar   este   territorio:   el   sur   de   Italia   y   Sicilia   durante   siglos   pertenecieron   a   la   Corona   española.   Gracias   a   estos   contactos  con  Italia  se  conoció  el  arte  italiano.                                *Se   importan   obras   italianas,   desde   álbumes   de   dibujos   con   temas   ornamentales   a   monumentos   funerarios  totalmente  acabados,  incluso  palacios  enteros.   *Vinieron  a  España  un  nutrido  grupo  de  artistas  italianos,  formados  generalmente  en  la  tradición  clásica   de  la  Antigüedad,  atraídos  por  el  auge  constructivo  de  la  península  y  el  desarrollo  de  los  mercados  del  Nuevo   1 Italia  era  un  país  dividido  en  diferentes  zonas:  Florencia,  Reino  de  Nápoles,  Estados  pontificios,  la  República  de  Venecia,  el  Ducado  de  Milán…   2  El  impulso  inicial  corresponde  al  mecenazgo  de  los  Mendoza  y,  aunque  se  concreta  en  su  origen  en  obras  del  influyente  gran  cardenal  Mendoza,  todo   señala  a  su  sobrino  Iñigo  López  de  Mendoza,  conde  de  Tendilla,  como  el  auténtico  inductor,  y  se  asocia  a  la  figura  de  Lorenzo  Vázquez  ,  su  arquitecto  y  
  3. 3. 3 3 Mundo.   Por   ejemplo,   muchos   pintores   italianos   decoraron   las   estancias   palaciegas   y   conventuales   del   Monasterio  de  El  Escorial.     *Y  no  es  infrecuente  que  los  artistas  españoles  se  formen  en  Italia.     *Es  fundamental  la  importancia  de  minoritarias  familias  aristocráticas  españolas  apasionadas  por  el  arte   renacentista  italiano.  Ellos,  como  la  poderosa  familia  de  los  Mendoza2 ,  tuvieron  una  importancia  esencial  en  la   difusión  del  arte  renacentista,  pues  apuestan  por  el  nuevo  arte  frente  a  la  vigencia  del  gótico.  En  el  fondo  latía  en   ellos  un  deseo  de  notoriedad  y  prestigio.  Pronto  serían  imitados  por  otras  élites  culturales  humanistas  (nobleza,   alto  clero…)   *La  implantación  del  Renacimiento  en  el  arte  español  se  aprecia  ya  desde  las  primeras  décadas  del  siglo   XVI.  Este  cambio  del  gusto  se  plasmó  principalmente  en  la  utilización  de  sus  motivos  ornamentales  renacentistas   en  la  arquitectura,  pero  sobre  estructuras  todavía  góticas.  Es  decir,  fue  una  aplicación  meramente  epidérmica  en   sus  inicios.     El  Arte  en  la  Época  de  los  Reyes  Católicos  (Segunda  Mitad  del  Siglo  XV)     Como   señalamos   anteriormente,   el   arte   de   la   época   de   los   Reyes   Católicos   pertenece   a   una   etapa   bisagra   que   oscila   entre   el   Gótico   y   el   Renacimiento.   Ha   sido   denominado   como   Gótico   ISABELINO   o   “estilo   Reyes   Católicos”.   Presenta   influencia  alemana  y  flamenca.   En   el   arte   de   la   época   de   los   Reyes   Católicos   presenta   una   gran   riqueza   ornamental.   Las   estructuras   arquitectónicas   son   góticas,   pero   algunos   elementos   decorativos   preludian   el   Renacimiento.   Ejemplo   destacado   del   gótico   isabelino   es   el   monasterio   de   San   Juan   de   los   Reyes     de   Toledo   (arquitecto  Juan  Guas).     Reyes  y  Mecenas:  Carlos  V  y  Felipe  II     El  César  Carlos  no  fue  un  gran  apasionado  del  arte  como  sí  lo  sería  su  hijo  Felipe  II,  pero  no  hay  duda  de  que  se   supo  rodear  de  grandes  artistas  a  mayor  gloria  de  él  y  su  imperio.  Así,  se  fomentó  la  pintura,  la  escultura,  la   arquitectura  renacentista,  así  como  las  artes  decorativas  –armaduras,  orfebrería,  etc.-­‐  Ambos  pertenecían  a  la   poderosa  dinastía  de  los  Austrias  también  llamados  Habsburgos,  que  reinaron  en  España  durante  los  siglos  XVI  y   XVII.   Las   pinturas   mitológicas   que   él   y   su   hijo   Felipe   II   encargó   a   Tiziano   las   denominaba   como   “poesías”.   Y   admiraba  muchísimo  el  retrato  que  Tiziano  hizo  de  su  mujer,  la  bella  Isabel  de  Portugal.  Se  cree  que  fue  la  última   imagen  que  vió  antes  de  morir  y  en  su  testamento  dejó  escrito  que  pusieran  ese  cuadro  al  lado  de  su  tumba  en  el   Monasterio  de  Yuste  (Extremadura)  donde  pasó  sus  últimos  años.  Hoy  en  día  sus  restos  descansan  en  el  Panteón   del  Monasterio  de  El  Escorial.   Son  muchos  los  retratos  áulicos3  que  se  conservan  del  César  Carlos.  Suelen  ser  “retratos  de  aparato”,  es  decir,   que   siguen   las   pautas   que   subrayan   los   símbolos   de   la   monarquía,   entre   ellos,   la   serenidad   y   majestuosidad   impertérrita.     Tiziano  vivió  siempre  en  Italia,  fundamentalmente  en  Venecia,  aunque  también  visitaba  diversas  cortes  italianas.   Pero   en   dos   ocasiones,   y   a   requerimiento   de   Carlos   V   viajó   al   extranjero,   concretamente   a   Augsburgo,   en   Alemania,  en  1548  y  en  1551  donde  se  encontró  con  el  César  y  le  realizó  diversos  encargos  (como  su  célebre   retrato  ecuestre  de  Mülberg),  hoy  en  el  Museo  del  Prado.  Carlos  V  nombró  a  Tiziano  como  su  pintor.  Tiziano   también  pintó  a  Fernando,  el  hermano  de  Carlos  V  y  sucesor  en  el  imperio.   Por  su  parte,  Felipe  II  cuenta  con  una  “leyenda  negra”  fraguada  por  los  enemigos  del  Imperio  español  tanto  de   2  El  impulso  inicial  corresponde  al  mecenazgo  de  los  Mendoza  y,  aunque  se  concreta  en  su  origen  en  obras  del  influyente  gran  cardenal  Mendoza,  todo   señala  a  su  sobrino  Iñigo  López  de  Mendoza,  conde  de  Tendilla,  como  el  auténtico  inductor,  y  se  asocia  a  la  figura  de  Lorenzo  Vázquez  ,  su  arquitecto  y   constructor  de  las  primeras  edificaciones  de  influencia  quattrocentista  en  España.   3  Aúlico:  relativo  a  la  realeza  o  monarquía.  
  4. 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4 dentro  como  fuera  de  España.         Al   margen   de   esta   leyenda,   con   visos   de   realidad,   es   indiscutible   su   enorme   importancia   como   mecenas   y   coleccionista   de   ingentes   cantidades   de   obras   de   arte:   pintura,   escultura,   tapices,   armaduras,   cerámica…   y   propició  la  construcción  de  diversos  proyectos  arquitectónicos,  entre  ellos,  el  más  destacado,  el  Monasterio  de   San  Lorenzo  de  El  Escorial.   Era  un  apasionado  de  la  pintura  flamenca  –en  especial  El  Bosco-­‐  y  de  la  italiana,  particularmente  la  veneciana   (Tiziano).  De  hecho,  Tiziano,  el  pintor  más  destacado  del  panorama  pictórico  de  la  Venecia  del  siglo  XVI,  fue  su   artista  favorito  y  le  encargó  tal  cantidad  de  obras,  que  por  eso  hoy,  la  colección  de  Tiziano  más  importantes  se   conserva  en  España,  tanto  en  el  Museo  del  Prado  como  en  el  Monasterio  de  El  Escorial.   Le   encantaba   también   el   Greco,   aunque   un   encargo   que   le   hizo   que   representaba   a   San   Mauricio   lo   desechó   Felipe  II  porque  no  obedecía  a  la  finalidad  religiosa  según  el  “decoro”  necesario.   Los  cuadros  que  atesoró  Felipe  II  eran  tanto  de  devoción  religiosa  como  de  temática  mitológica.  Al  principio,   criticaba  el  aspecto  de  “non-­‐finito”  de  las  pinturas  de  Tiziano,  hasta  que  este  pintor  le  educó  la  mirada,  haciendo   hincapié  que  es  un  pintura  de  mancha  y  de  puro  color  y  no  tan  dibujístico,  de  contornos  fríos  y  apretados  como   se  podía  encontrar  en  la  pintura  flamenca  o  florentina.     En  su  dormitorio  de  El  Escorial  tenía,  específicamente  en  un  pequeño  oratorio,  el  Calvario  de  Cristo  de  El  Bosco.   Hay  que  señalar  que  en  una  de  sus  habitaciones  conservaba  cuadros  mitológicos  con  abundante  presencia  de   desnudos   de   contenido   erótico.   Solían   estar   tapados   con   una   cortinilla   y   cuando   la   ocasión   lo   requería,   por   ejemplo,  si  llegaba  algún  invitado  ilustre,  les  enseñaban  las  obras.             2.  LA  ARQUITECTURA  RENACENTISTA  EN  ESPAÑA     El  Renacimiento  en  España  tarda  en  penetrar  desde  Italia,  especialmente  por  la  fuerza  que  el  gótico  final  –de   época  de  los  Reyes  Católicos-­‐  tenía  en  nuestras  tierras.   De  hecho,  la  primera  manifestación  de  la  arquitectura  renacentista  en  España,  como  es  el  Palacio  de  los  Duques   de  Medinaceli  de  Cogolludo  (Guadalajara)  muestra  una  simbiosis  de  estilos.  Por  un  lado,  imita  con  su  estructura   arquitectónica  los  palacios  del  Quattrocento  italiano,  incluyendo  puerta  y  sillería  almohadillada.  Sin  embargo,  la   crestería  y  sus  ventanales  son  todavía  claramente  tardogótico.    El  autor  es  Lorenzo  Vázquez  y  está  fechada  entre   1492-­‐95.  
  5. 5. 5 5 En  estilo  renacentista  se  construyeron  en  España  palacios,  ayuntamientos,  hospitales  y  universidades.  Ciudades   renacentistas  españolas  por  antonomasia  fueron  Úbeda  y  Baeza  en  Jaén  (Andalucía).4     Etapas  del  Renacimiento  en  España:   *A  caballo  entre  el  Gótico  y  el  Renacimiento:  el  arte  de  la  época  de  los  Reyes  Católicos.     *Siglo  XVI:  el  Renacimiento.  Una  primera  etapa  es  PLATERESCO  y  la  segunda,  más  ligada  al  Manierismo  es   muy   sobria   y   austera,   es   el   periodo   HERRERIANO   ya   que   va   ligado   al   arquitecto   que   realizó   el   bellísimo   Monasterio  de  El  Escorial.               El  Arte  Plateresco   Podemos  definir  el  plateresco  como  una  modalidad  ornamental  más  que  propiamente  como  un  estilo  artístico.   Esta  denominación,  que  surgió  en  el  siglo  XVIII,  procede  de  la  semejanza  de  sus  motivos  decorativos  con  la  labor   realizada  por  plateros  y  orfebres.  Esta  denominación  alude  a  los  exquisitos  repertorios  decorativos,  plenos  de   horror  vacui  y  detallismo,  que  recuerdan  la  labor  de  los  plateros.   El  término  plateresco  ha  suscitado  numerosos  debates  entre  los  historiadores.  Ha  sido,  por  tanto,  conflictivo  y   polémico. 5  Por   otro   lado,   se   ha   abierto   paso   y   consolidado   la   no   menos   ambigua   expresión   de   protorrenacimiento  para  definirlo.   Sea  como  fuere,  hoy  en  día  se  tiende  a  pensar  que  sólo  se  debe  denominar  con  el  término  de  Plateresco  aquellas   manifestaciones  de  la  arquitectura  española  que  surgen  en  las  tres  primeras  décadas  del  siglo  XVI  y  en  las  que  se   pone   de   manifiesto   la   unión   de   formas   renacentistas   con   estructuras   góticas.   Dicho   con   otras   palabras,   los   motivos   ornamentales   platerescos   son   ya   renacentistas   pero   se   desarrollan   sobre   estructuras   arquitectónicas   todavía  góticas.   Los  motivos  decorativos  del  plateresco  son  muy  variados:  tondos  con  retratos,  formas  a  candelieri,  bucráneos,   putti,  cintas,  delfines,  calaveras,  grutescos,  escudos  heráldicos,  columnas  abalaustradas,  carros  triunfales,  figuras   mitológicas  (tritones…)  y  un  sinfín  de  motivos  ornamentales  que  se  distribuyen  con  verdadero  horror  vacui  por   las   fachadas-­‐telón   (también   llamadas   fachadas-­‐retablo)   de   los   edificios.   No   faltan   tampoco   los   motivos   decorativos   vegetales   y   animales.   La   decoración   se     desarrolla   en   molduras,     arcos,   jambas,   cresterías,   etc.   recubre  por  entero  las  superficies  produciendo  una  sensación  como  de  “bordado”  cuyo  antecedente  habría  que   buscarlo  más  en  el  renacimiento  lombardo6  que  en  el  florentino  y  en  España  en  la  decoración  mudéjar7 .     La  ciudad  castellana  de  Salamanca,  es  por  excelencia  la  ciudad  del  plateresco.  Lo  peculiar  de  este  repertorio   ornamental,  que  aúna  influencias  tan  variadas  como  las  procedentes  del  Renacimiento,  el  Gótico  o  el  Hispano   Mudéjar  ha  propiciado  que  el  plateresco  tenga  una  dimensión  única  y  diferente  a  la  que  podamos  encontrar  en   otros  países,  produciéndose  únicamente  en  España,  en  concreto  en  la  zona  de  Castilla.     Los   ejemplos   más   representativos   de   la   arquitectura   plateresca   son   LA   FACHADA   DE   SAN   GREGORIO   DE   VALLADOLID,  LA  FACHADA  DE  LA  UNIVERSIDAD  DE  ALCALA  DE  HENARES    y  la  FACHADA  DE  LA  UNIVERSIDAD  DE   SALAMANCA.       4  http://www.ubeda.com/  y  http://www.baeza.net/principal.htm   5  El   término,   es   hoy   puesto   en   entredicho   o   calificado   de   inadecuado,   tanto   por   lo   que   tiene   de   restrictivo   -­‐al   presumir   una   singularidad   nacionalista   respecto  del  arte  renacentista  de  otros  puntos  de  Europa  (Rosenthal)-­‐  como  por  ser  supuestamente  peyorativo  (S.  Sebastián)  y,  sobre  todo,  por  definir  un   estilo  arquitectónico  con  paradigmas  no  arquitectónicos  (Marías).  Se  considera  por  tanto,  que  no  es  un  auténtico  estilo,  sino  un  epílogo  del  Gótico  con   rasgos  ya  renacentistas   6  Lombardo:  procedente  de  Lombardía,  región  del  norte  de  Italia.   7  Los  mudéjares  eran  los  musulmanes  que  vivían  en  territorio  cristiano,  por  lo  tanto.  Por  lo  que  se  refiere  al  gótico,  lejos  de  ser  un  sistema  constructivo   agotado,  se  prestaba  a  seguir  siendo  utilizado  de  acuerdo  a  unas  nuevas  exigencias  de  carácter  funcional,  estético  y  representativo    
  6. 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 La  fachada  de  la  Universidad  de  Salamanca   La  Fachada  de  la  Universidad  de  Salamanca  fue  realizada  en  1519-­‐25  por  un  autor  desconocido.  Distribuida  en   calles  y  cuerpos  como  un  retablo,  posee  un  complejo  programa  iconográfico.       La   portada   de   esta   universidad   deriva   directamente   de   la   tipología   de   portada-­‐retablo   característica   de   la   arquitectura  gótica  de  época  de  los  RRCC.  Es  como  un  tapiz  de  piedra  minuciosamente  decorado.  Presenta  una   doble  puerta  de  arcos  escarzanos  y  tres  cuerpos  horizontales,  cruzados  por  cinco  calles  verticales.  Todo  en  la   fachada:   medallones,   veneras,   seres   mitológicos,   decoración   floral   presenta   un   profundo   simbolismo.   Se   ha   dicho  que  es  una  alegoría  de  la  ciencia  y  los  vicios,  contraponiéndolas.  Hay  ya  un  concepto  del  orden  espacial,   arcos,  hornacinas,  medallones,  muchos  grutescos,  y  un  cierto  horror  vacui.  Aparecen  a  la  derecha  figuras  clásicas   conocidas  por  sus  virtudes  frente  a  personajes  famosos  por  sus  vicios  representados  aquí  para  escarmiento.  El   primer   tramo   aparece   protagonizado   por   un   medallón   dedicado   a   los   Reyes   Católicos.   En   la   parte   superior   derecha   de   éste   tramo,   casi   a   modo   de   capitel   de   la   columna   ascendente,   se   hallan   tres   calaveras.   La   de   la   izquierda  soporta  sobre  ella  una  diminuta  rana,  símbolo  de  la  lujuria.  En  el  segundo  nivel  se  halla  en  el  centro  el   escudo  de  Carlos  V,  rodeado  por  el  águila  bicéfala  de  los  Austrias  y  el  águila  coronada  de  San  Juan,  símbolo  de  la   unidad  española.  En  el  tramo  superior  hay  una  alusión  a  uno  de  los  Papas  –no  hay  certeza  sobre  cual  de  ellos-­‐  que   apoyaron  el  desarrollo  de  las  instituciones  universitarias  salmantinas.  Tanto  a  la  izquierda  como  a  la  derecha    de   estos   niveles   hay   diversas   escenas   mitológicas,   en   las   que   se   destacan   aspectos   contrapuestos:   el   amor   o   la   virtud   en   la   izquierda,   la   sensualidad   o   los   vicios   en   la   opuesta.   También   hay   decoración   “a     candelieri”.   Los   motivos  decorativos  proceden  de  grabados  italianos.     Esta   fachada-­‐retablo   se   remata   en   altura   con   unas   columnas   abalaustradas.   Las   columnas   abalaustradas   son   bulbosas  y  van  recubiertas  de  grutescos.       El  Palacio  de  Carlos  V  en  Granada   El  Palacio  de  Carlos  V  se  encuentra  dentro  de  la  Alhambra  de  Granada.  Fue  proyectado  como  un  palacio  para   ceremonias  y  actos  oficiales  de  la  corte  del  emperador  y  como  un  símbolo-­‐imagen  de  su  reinado.  El  comitente   fue,  por  tanto,  el  César  Carlos.               Fuente  de  las  imágenes:  profesor  Alfredo  García(Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos     Pedro  de  Machuca  fue  su  autor.  Fue  un  arquitecto  manierista  formado  en  Italia.   La  disposición  del  palacio  es  verdaderamente  novedosa:  de  planta  cuadrada,  el  espacio  central  lo  configura  un   patio  circular  donde  se  ha  aplicado  rigurosamente  el  uso  de  los  órdenes  -­‐dórico-­‐toscano  para  el  cuerpo  bajo,   jónico  para  el  superior-­‐  .  La  inserción  de  un  círculo  en  un  cuadrado  es  un  juego  manierista  y  simbólico.   Al  exterior  del  palacio  encontramos  dos  cuerpos  o  pisos  :  en  el  de  abajo,  un  rústico  almohadillado  y  en  el  piso   superior  pilastras  de  orden  jónico.  Encontramos  también  vanos  –unos  rectangulares  y  otros  circulares-­‐  así  como   decoración,  sobria  y  elegante  de  guirnaldas,  putti  y  emblemas  imperiales.  También  hay  relieves  a  mayor  gloria   del  emperador  Carlos  V  (sus  victorias  como  la  conquista  de  Túnez,  su  equiparación  al  héroe  Hércules,  etc.)  que   subrayan  la  importancia  de  este  monarca  en  la  creación  de  un  verdadero  imperio  cristiano.     El  Arte  Herreriano:  el  Monasterio  de  San  Lorenzo  de  El  Escorial  (1563-­‐1584)     La  obra  maestra  de  la  arquitectura  renacentista  en  España  es  un  edificio  polifuncional:  es  monasterio  –de  orden   jerónima-­‐  y  a  la  vez  palacio,  panteón,  colegio,  biblioteca  y  basílica  en  una  sola  y  monumental  pieza.  El  panteón   fue  terminado  en  el  XVII.    
  7. 7. 7 7 En  el  Escorial  nos  encontramos  ante  una  verdadera  corte  del  Manierismo  y  de  la  Contrarreforma  que  recoge  y   sintetiza  los  problemas  religiosos,  científicos  y  políticos  del  siglo  en  una  verdadera  síntesis  plástica  de  todas  las   artes.                                     Fue  mandado  construir  por  Felipe  II,  el  monarca  más  poderoso  de  su  tiempo  y  uno  de  los  coleccionistas  más   destacados  de  aquel  entonces.  La  construcción  duró  todo  su  reinado  pero  dada  la  celeridad  de  las  obras  pudo   habitarlo  y  usarlo  ampliamente.     La  construcción  de  esta  obra  obedece  a  varios  motivos:  el  fundamental  es  la  edificación  de  un  panteón  para   cobijar  los  restos  de  su  padre  el  emperador  Carlos  V  y  de  otros  antepasados.  Carlos  V  le  había  realizado  este   encargo  expresamente  a  Felipe  II.  Al  mismo  tiempo  pide  que  en  la  iglesia  se  rece  continuamente  por  la  familia   real.    Pero  también  se  hizo  para  conmemorar  la  victoria  de  la  batalla  de  San  Quintín  (10  de  agosto  de  1557)  contra   los  franceses  que  coincidió  con  la  festividad  del  día  de  San  Lorenzo.  Por  eso,  este  edificio  dedicado  a  este  santo  – que   por   lo   demás   era   de   origen   español-­‐   tiene   forma   rectangular   de   parrilla   puesto   que   el   martirio   de   San   Lorenzo  fue  el  ser  torturado  hasta  la  muerte  en  una  parilla.       El  emplazamiento8  tuvo  una  gran  importancia:  la  identificación  y  fusión  con  el  paisaje  es  perfecta  y  para  elegir  el   lugar  ideal  consultaron  con  médicos,  filósofos,  astrólogos…  siguiendo  el  ideal  Vitrubiano  (situación  en  altura,   con  aire  puro,  etc.).    Se  encuentra  en  el  centro  geográfico  de  la  Península  Ibérica,  a  1029  metros  de  altura  y  a  49   kilómetros  de  Madrid.  Es  perfectamente  visible  desde  lejos  y  no  es  casualidad  que  se  encuentra  en  la  misma   latitud  que  Roma.  Se  encuentra  rodeado  de  un  espacio  circundante  –la  lonja  de  piedra-­‐  para  que  quede  aislado.   En  los  lados  sur  y  este  hay  jardines  y  huertos  (Felipe  II  fue  un  gran  aficionado  a  la  jardinería).     La  traza  del  edificio  fue  encargada  inicialmente  a  Juan  Bautista  de  Toledo  (h  1515-­‐1567)  que    se  había  formado  en   Italia  –fue  discípulo  de  Miguel  Ángel  en  el  Vaticano-­‐    pero  el  responsable  definitivo  de  su  construcción  fue  Juan   de  Herrera  (1530-­‐1597),  genial  arquitecto  de  gran  cultura  y  en  particular  experto  en  temas  matemáticos.  Inventó   incluso  grúas  y  palancas  que  abarataron  las  obras  de  la  construcción.  Sustituyó  a  Toledo  al  poco  de  iniciarse  la   obra,  y  trabajó  en  ella  hasta  su  conclusión  21  años  después  en  1584.  Herrara  era  un  gran  conocedor  de  la  teoría   arquitectónica  de  Serlio  y  Vignola  y  estaba  imbuido  de  los  ideales  de  la  Contrarreforma.  Gozó  de  la  amistad  y   admiración  del  rey.  Se  produjo  un  gran  grado  de  identificación  entre  este  arquitecto  y  los  gustos  del  rey.  Dotó  al   monasterio   real   de   un   singular   estilo   purista,   de   sobriedad   extrema,   que   revela   su   personalidad   hasta   en   los   detalles   decorativos.   Este   estilo   desornamentado   le   confiere   un   halo   de   perdurabilidad,   que   se   adelanta   al   radicalismo  del  movimiento  moderno.  Enfatiza  tanto  lo  horizontal  y  lo  vertical  y  busca  las  proporciones  perfectas.   En  El  Escorial  prima9  la  arquitectura  por  la  arquitectura,  siendo  de  una  austeridad  pasmosa.  Presenta  chapiteles   empizarrados  –por  influencia  flamenca,  que  vio  Felipe  II  en  sus  viajes  por  Flandes-­‐  y  cuenta  con  bellas  chimeneas.   La  ornamentación  se  reduce  a  lo  esencial,  destacando    las  pirámides  y  las  bolas.   El   Monasterio   de   El   Escorial   cuenta   con   2600   vanos,   1200   puertas,   y   costó   cinco   millones   de   ducados.   Se   construyó  con  rapidez  y  rigor  (veinte  años).  Casi  todos  los  materiales  utilizados  eran  españoles  y  el  principal  fue   el  granito.  Sin  embargo,  intervinieron  muchos  artistas,  sobre  todo  pintores  manieristas  de  origen  italiano.   El  Escorial  sigue  un  eje  de  simetría  este-­‐oeste  donde  se  alinean  la  biblioteca,  con  la  iglesia,  con  las  habitaciones   del  rey.  Responde  a  un  plan  preconcebido  de  antemano.  Simbólicamente  se  ha  interpretado  como  un  nuevo   templo  de  Salomón  (según  la  visión  de  Ezequiel  había  sido  proyecto  por  Dios)  y  por  el  Monasterio  hay  continuas   8  Emplazamiento:  lugar,  ubicación.   9  Prima:  predomina.  
  8. 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8 referencias  a  esto  (ejemplo:  en  el  patio  de  los  Reyes).10  ¿Y  por  qué  ese  afán?  Porque  el  templo  de  Salomón  era   perfecto.  Felipe  II  deseaba  un  edificio  perfecto,  paradigma  de  la  sabiduría.   La  fachada  oeste  que  es  por  la  que  se  accede  a  la  iglesia:  presenta  orden  gigante,  el  escudo  de  Felipe  II  con  el   toisón  de  oro  y  la  parrilla  y  la  estatua  de  San  Lorenzo.  El  rey,  por  lo  tanto,  se  sitúa  a  los  pies  del  santo.  La  idea  que   subyace  es  bien  clara:  la  síntesis  entre  la  monarquía  hispánica  y  la  religión  cristiana.   Presenta  una  magnífica  iglesia  con  cúpula  central  sobre  tambor  es  de  cruz  griega  inscrita  en  un  cuadrado,  pero   se   convierte   en   basilical     al   constar   de   un   vestíbulo   o   nártex   de   cierto   desarrollo   (como   en   San   Pedro   del   Vaticano).    El  interior  de  la  iglesia  cuenta  con  un  complejísimo  programa  iconográfico  que  no  tiene  parangón  y  la   afición  de  Felipe  II  por  las  reliquias  –que  iba  recopilando  por  todo  el  imperio-­‐  hizo  que  llegara  a  reunir  hasta  ¡7500!   Consideraba  que  le  transmitía  fuerza  para  superar  las  dificultades.   La   biblioteca   es   espectacular:   cuenta   con   mobiliario   diseñado   por   Juan   de   Herrera,   pinturas   mitológicas   de   artistas  italianos  y  una  colección  ingente  de  libros  atesorados  por  Felipe  II  (manuscritos  hebreos,  griegos,  árabes,   libros  de  contenido  científico,  de  tradición  clásica…)  Como  curiosidad  fue  durante  mucho  tiempo  el  único  lugar   del  imperio  donde  la  Biblia  podía  ser  leída  y  comentada  con  libertad.   Todo   El   Escorial   gira   en   torno   a   la   Iglesia   y   a   la   Biblioteca,   produciéndose   una   perfecta   adecuación   entre   lo   sagrado   y   lo   profano.   Los   contenidos   profanos   no   han   de   ser   desdeñados   ni   marginados   pues   son   fundamentales   en   la   cultura   y   el   gusto   artístico   de   Felipe   II.   Recordemos   el   interés   de   Felipe   II   por   el   coleccionismo  (pinturas,  cerámica,  hasta  un  elefante  y  un  rinoceronte,  este  último  lo  pusieron  en  el  jardín).   Las   habitaciones   de   los   reyes   son   sencillas   y   austeras,   pero   decoradas   con   obras   de   arte   como   pinturas   de   Durero   –en   el   dormitorio   de   Felipe   II-­‐   cerámica,   tapices,   etc.   Las   habitaciones   del   rey   son   las   más   complejas.   Respondían  al  rígido  protocolo  de  la  dinastía  de  los  Austrias:  el  rey  debe  estar  aislado,  venerado,  un  tanto  oculto.   Este   edificio   dará   nombre   al   estilo   herreriano   que   influirá   muchísimo   en   la   arquitectura   española   posterior,   especialmente  el  primer  barroco.   En  conclusión,  El  Escorial  fue  el  gran  sueño  arquitectónico  de  Felipe  II,  su  autorretrato  en  piedra.    Fue  símbolo  de   su  reinado  y  de  la  España  contrarreformista    pero,  al  mismo  tiempo,  fue  un  importante  foco  erasmista  ligado  al   Manierismo.  Sobre  este  edificio  hay  numerosas  crónicas  de  la  época  y  una  bibliografía  extensísima.     La  arquitectura  del  Renacimiento  en  Canarias   La   fachada   del   Ayuntamiento   de   Santa   Cruz   de   La   Palma   es   el   edificio   civil   más   importante   de   la   isla   de   La   Palma   y   el   principal   conjunto   renacentista   de   las   islas.   Fue   construido   en   la   segunda   mitad  del  siglo  XVI  (1559)  durante  el  reinado  de  Felipe  II.  Consta  de   dos  plantas  o  cuerpos,  en  la  baja,  cuatro  armónicos  arcos  de  medio   punto  apoyados  en  columnas  de  fuste  estriado  y  en  la  alta,   vanos   asimétricas.   Las   ventanas   de   la   derecha   son   adinteladas   están   divididas   con   sendos   parteluces   por   pilastras   con   capiteles   en   volutas.  Presenta  una  galería  porticada.  Encontramos  en  la  fachada   un  letrero  que  dice:  El  Lcdo.  Alarcón,  Teniente  del  Lcdo.  Almentero  lo   acabó  en  1563.  También  aparece  el  escudo  del  reino  de  España  –con   el  águila  bicéfala  y  las  columnas  de  Hércules,  alusivas  al  lema  “plus  ultra”-­‐  separa  un  cuerpo  de  ventanas  del  otro,   pero  se  incorpora  además,  el  escudo  de  La  Palma  –con  la  representación  de  San  Miguel  Arcángel-­‐  y  un  tondo  con   el  perfil  del  monarca  Felipe  II.  Presenta  cornisa  con  gárgolas.  En  esta  Casa  Consistorial  se  impartía  justicia.  En  los   siglos  XIX  y  XX  ha  sufrido  varias  reformas.     3.  LA  PINTURA  RENACENTISTA  EN  ESPAÑA         La  preferencia  española  por  la  pintura  flamenca,  personificada  en  la  gran  colección  de  que  hacían  gala  los  Reyes   Católicos  de  dicha  pintura,  retrasó  la  adopción  de  las  formas  renacentistas,  y  cuando  esto  ocurrió  lo  hizo  muy   influida  por  la  pintura  efectista  del  estilo  gótico  flamenco.  De  hecho,  quienes  introdujeron  el  Renacimiento  en   pintura  en  España  fueron  pintores  procedentes  del  Norte  como  Juan  de  Flandes  o  Juan  de  Borgoña.  Entre  los   10  En  el  patio  de  los  Reyes  aparecen  las  esculturas  de  David,  Salomón,  Josías,  etc.  cada  uno  con  su  símbolo.  David  le  encargó  a  Salomón  la  construcción  del   templo  y  Carlos  V  se  lo  encargó  a  su  vez  a  Felipe  II…Otras  similitudes  entre  Felipe  II  y  Salomón:  apoyaron  a  las  ciencias,  gran  religiosidad,  expansión   territorial,…    
  9. 9. 9 9 españoles  que  se  formaron  en  Italia  destaca  con  letras  de  oro  Pedro  Berruguete.   En  las  décadas  centrales  del  siglo  XVI  penetra  con  fuerza  la  influencia  italiana,  que  se  materializa  en  los  fondos   arquitectónicos,  el  uso  de  recursos  como  la  perspectiva  y,  sobre  todo,  cierta  imitación  de  la  obra  de  los  grandes   artistas  renacentistas  (Leonardo,  Miguel  Ángel  y,  sobre  todo,  Rafael).  11   En  este  periodo  se  desarrolla  el  oficio  de  importantes  pintores  con  gran  habilidad  técnica  pero  que  suelen  seguir   con  demasiado  servilismo  las  modas  italianas  del  Cinquecento.  Entre  estos  destacan  Pedro  Machuca  y  Luis  de   Morales  (el  Divino),  con  su  pintura  devocional  blanda  y  amable,  plenamente  contrarreformista.   El  reinado  de  Felipe  II  será  un  periodo  de  esplendor  también  en  pintura.   Por  una  parte,  El  Escorial  actuará  a  modo  de  imán,  de  manera  que  los  mejores  pintores  de  los  reinos  hispánicos  y   del  continente  europeo  acudirán  a  la  corte.  En  El  Escorial  trabajará,  por  ejemplo,  uno  de  los  mejores  pintores   españoles,   Juan   Fernández   (Navarrete   el   Mudo),   y   grandes   pintores   manieristas   italianos   como   Cambiaso,   Pellegrino  Tibaldi  y  Federico  Zuccaro.     Pedro  Berruguete   Muchos  pintores  españoles  del  Renacimiento  se  formaron  y  vivieron  en  Italia,  aprendiendo  las  nuevas  técnicas  y   entrando  en  contacto  con  los  artistas  renacentistas  italianos.                           El  más  importante  de  ellos  fue  Pedro  Berruguete.         Pedro  Berruguete  nació  en  Paredes  de  Nava,  Palencia  c.  1445-­‐50  y  murió  en  1503.  Se  sabe  muy  poco  sobre  su   vida.  Todo  apunta  a  que  su  aprendizaje  transcurrió  en  Castilla  y  que  además  se  formó  y  trabajó  en  Italia.  De   hecho,  Berruguete  fue  el  único  pintor  español  que  podemos  enmarcar  en  el  Quattrocento,  ya  que  trabajó  en  la   corte  de  Urbino  en  tiempos  de  Federico  de  Montefeltro  junto  a  Piero  della  Francesca.     11 El  principal  introductor  de  las  nuevas  formas  será  el  valenciano  Vicent  Maçip,  cuyo  estilo  será  continuado  por  su  hijo,  Juan  de  Juanes.  
  10. 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10 De  su  época  de  formación  en  su  juventud  se  conservan  pocas  obras,  la  mayoría  de  ellas  en  su  localidad  natal   (Paredes   de   Nava),   y   se   trata   de   obras   que   denotan   un   aprendizaje   de   un   maestro   ducho   en   las   técnicas   flamencas.  De  las  pocas  obras  realizadas  en  su  estancia  en  Italia  destaca  el  Retrato  de  Federico  de  Montefeltro   con   su   hijo   Guidobaldo.   En   esta   obra   queda   patente   que   desde   un   principio   adoptó   los   nuevos   postulados   italianos,   como   la   perspectiva,   el   marco   arquitectónico   de   las   pinturas,   etc.   Este   viaje   a   Italia   es   muy   controvertido,  ya  que  algunos  historiadores  del  arte  lo  ponen  en  duda.  De  vuelta  a  Castilla,  su  estilo  volverá  a   adquirir  un  gran  influjo  gótico,  sin  duda  debido  al  gusto  de  su  clientela  castellana,  en  su  mayor  parte  clérigos.  Su   obra  más  famosa,  la  serie  de  reyes  y  profetas  para  la  Iglesia  de  Paredes  de  Nava,  tiene  mucha  influencia  gótica.   Se   observa   que   sus   pinturas   tienen   una   perspectiva   no   unificada,   al   modo   gótico,   pero   los   marcos   arquitectónicos  y  la  concepción  espacial  son  plenamente  renacentistas,  como  puede  comprobarse  en  su  serie  del   Retablo  de  Santo  Domingo.  Además,  gran  parte  de  su  obra  está  hecha  al  óleo  (generalmente  sobre  tabla),  lo  que   lo  acerca  a  los  flamencos.           Al  final  de  su  vida  incluso  llegó  a  utilizar  fondos  dorados  en  las  pinturas  de  santos  y  profetas,  sobre  todo  en  las   pinturas  para  retablos,  al  gusto  de  la  época,  como  por  ejemplo  en  su  San  Gregorio  para  la  predela  del  retablo  de   la  Catedral  de  Ávila.     EL  BOSCO  (c.  1450-­‐1516)   Aunque  Hieronymus  Bosch,  conocido  en  España  como  El  Bosco,  es  un  pintor  que  desarrolló  su  obra  en  Flandes,   su  influjo  en  la  obra  de  los  pintores  españoles  es  tan  importante  que  debemos  reseñarlo  aquí.   Fue  el  pintor  preferido  de  Felipe  II,  que  compró  todos  los  cuadros  que  pudo  tras  la  muerte  del  artista,  aunque  ya   los   fueron   adquiriendo   para   las   colecciones   reales   tanto   los   Reyes   Católicos   como   Carlos   V,   por   lo   que   en   el   Museo  del  Prado  existe  la  mayor  colección  de  obras  de  El  Bosco  del  mundo  –igual  que  ocurre  con  Tiziano-­‐.   Su   estilo   oscila   entre   el   gótico   –con   un   gusto   extraordinario   por   el   detalle-­‐   y   el   Renacimiento.   Pintada   habitualmente  en  óleo  sobre  tabla.  Su  temática  es  plenamente  humanista,  ya  que  hace  hincapié  en  los  vicios  y  las   virtudes  y  propone  un  camino  de  espiritualidad  para  vencer  las  tentaciones  del  mundo.  Sin  embargo,  lo  que  más   impacta  de  su  obra  es  la  ironía,  con  personajes  casi  caricaturescos  y  santos  patéticos  y  desvalidos  con  los  que   empatiza  el  espectador.   Sus  obras  maestras  se  cuentan  por  docenas,  como  Las  tentaciones  de  san  Antonio,  La  extracción  de  la  piedra  de  la   locura  o  El  carro  de  heno,  aunque  su  obra  más  conocida  es  El  Jardín  de  las  Delicias.    
  11. 11. 11 11               Fuente  de  este  gráfico:  J.  V.  Patiño. http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html     EL  GRECO  (1541-­‐1614)   Uno  de  los  pintores  más  importantes  de  España  (aunque  nació  en  Creta)  es  Doménico  Theotocopuli,  El  Greco   (1541-­‐1614).  El  Greco  resume  todo  el  siglo  XVI  en  su  pintura:  se  trata  de  un  pintor  de  formación  eminentemente   clásica   que   pasará   por   diversos   periodos   a   lo   largo   de   su   vida:   desde   la   influencia   bizantina   y   su   aprendizaje   veneciano  (con  la  preponderancia  del  color  sobre  la  línea)  hasta  su  interpretación  manierista  de  las  corrientes   contrarreformistas   y   una   etapa   final   personalísima,   con   composiciones   de   cuerpos   flotantes   y   ácidos   colores   envueltos  en  sombras.   El  Greco  se  formó  en  su  Creta  natal  como  pintor  de  iconos  bizantinos,  un  tipo  de  pintura  religiosa  donde  los   personajes  son  totalmente  artificiosos  y  estereotipados,  con  acabado  preciosista  y  fondos  dorados  que  hacen  de   estas  imágenes  un  vehículo  idóneo  para  la  espiritualidad.  De  ello  heredaría  la  concepción  espacial  de  sus  cuadros,   donde  el  fondo  casi  siempre  carece  de  importancia  y  los  colores  son  fuertes  y  contrastados.   Tras   su   época   de   formación   en   Creta,   emigró   a   Venecia   (en   aquellos   tiempos   la   isla   de   Creta   estaba   bajo   soberanía  de  la  República  de  Venecia),  y  allí  aprendió  las  técnicas  de  la  pintura  veneciana,  tanto  el  colorido  como  
  12. 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 la  visión  heterodoxa  de  Tintoretto,  que  marcaría  su  forma  de  concebir  los  cuadros.  De  esta  época  se  conservan   varias  obras,  como  La  curación  del  ciego  (realizado  al  temple)  que  recuerda  en  lo  compositivo  a  Tintoretto.                   El   Greco   fue   uno   de   los   tantos   artistas   que   marchó   a   España   para   trabajar   en   la   gran   obra   del   momento,   El   Escorial,  pero  fracasó  en  su  intento  en  su  intentó  hasta  cierto  punto,  precisamente  por  lo  moderno  de  su  estilo  y   por  chocar  con  las  corrientes  fuertemente  populistas  en  todo  lo  tocante  a  la  religión.  Por  ello,  su  Martirio  de  san   Mauricio  y  la  legión  tebana  fue  descartado  como  no  adecuado  como  imagen  devocional,  pero,  pese  a  ello,  Felipe   II  se  lo  quedó  para  su  colección  personal  y,  de  hecho,  fue  uno  de  los  cuadros  mejor  pagados  de  los  realizados   para  el  monasterio.   Tras  su  “fracaso”,  se  trasladó  a  Toledo,  ciudad  donde  abundaba  el  mecenazgo  religioso.  Será  en  esta  ciudad   donde   El   Greco   entrará   en   contacto   con   círculos   intelectuales   erasmistas   y   donde   su   pintura   irá   adquiriendo   matices   cada   vez   más   personales,   como   la   ausencia   de   fondo,   destacando   las   figuras   en   primer   plano,   con   fuertes  contrastes  de  luces  y  sombras,  colores  ácidos  y  violentos  cambios  de  escala,  de  manera  que  el  espacio  se   convierte  en  irreal  y  suele  separarse  físicamente  en  los  ámbitos  de  lo  material  (parte  inferior  de  los  cuadros)  y  de   lo  espiritual  (parte  superior).  El  canon  se  alarga  extremadamente,  siendo  ésta  la  característica  más  evidente  de   sus  cuadros:  las  figuras  se  espiritualizan  y  parecen  flotar.   Sin  embargo,  cuando  El  Greco  pinta  retratos  (como  el  de  Fray  Félix  de  Paravicino  o  El  caballero  de  la  mano  en  el   pecho),  su  pintura  adquiere  gran  profundidad  psicológica  y  cierta  espiritualidad  que  matiza  el  realismo  propio  de   este  género  de  pintura.   Sus  principales  obras,  además  de  las  mencionadas,  son  de  temática  religiosa  (con  varias  versiones  en  muchos   casos),   como   el   Expolio,   el   Pentecostés   o   la   Crucifixión,   además   de   algunos   cuadros   singulares   como   los   alucinantes  Laocoonte  o  la  Vista  de  Toledo  o  el  famoso  Entierro  del  señor  de  Orgaz.     La  fortuna  crítica  sobre  El  Greco  ha  sido  oscilante.  Lo  cierto  es  que  aunque  en  vida  tuvo  un  gran  éxito,  habrá  que   esperar  hasta  el  siglo  XX  con  el  auge  de  los  movimientos  de  vanguardia  –especialmente  el  Expresionismo-­‐  para   que  sea  valorado  positivamente  y  con  justeza.                  
  13. 13. 13 13 SOFONISBA  ANGUISSOLA  (c.  1530-­‐1626)   En  este  periodo  histórico  también  trabajaron  algunos  de  los  retratistas  más  importantes  del  siglo  XVI,  en  la  estela   de  Tiziano  y  sus  retratos  para  Carlos  V,  ya  que,  como  hemos  dicho,  a  partir  de  ahora  todas  las  cortes  europeas   tendrán  a  su  disposición  a  los  mejores  pintores,  para  hacer  los  retratos  oficiales.  Entre  los  mejores  encontramos   al  flamenco  Antonio  Moro,  introductor  del  retrato  de  Estado  o  de  aparato  o  al  magnífico  pintor  de  corte  Sánchez   Coello,  que  también  trabajaría  en  El  Escorial.   Entre  los  ayudantes  de  Alonso  Sánchez  Coello  encontramos  a  una  pintora  excepcional,  Sofonisba  Anguissola,   autora  de  un  famoso  retrato  de  Felipe  II  que  hasta  hace  bien  poco  se  adjudicó  a  Sánchez  Coello  por  lo  perfecto   de  su  técnica.                   Sofonisba   Anguissola   es   todo   un   ejemplo   vital:   su   familia   fue   amante   de   las   artes   y   las   letras   y   su   padre   se   aseguró  de  dar  a  cada  una  de  sus  hijas  una  educación  igual  que  a  sus  hijos,  derivando  a  cada  uno  de  los  siete  que   tuvo   a   un   maestro   reputado,   según   las   facultades   de   cada   uno.   Sofonisba   estudió   con   los   mejores   maestros   locales  de  su  Cremona  natal,  lo  que  abrió  las  puertas  a  que  otras  mujeres  pudieran  hacer  lo  mismo  sin  ningún   tipo   de   cortapisa.   Más   tarde   se   trasladó   a   Roma,   donde   llegó   a   trabar   amistad   con   Miguel   Ángel,   quien   la   instruyó  de  manera  informal  en  el  dibujo.                                   Como  a  las  mujeres  de  su  condición  social  no  les  estaba  permitido  dibujar  desnudos  ni  estudiar  anatomía,  se   dedicó  al  retrato,  pero  con  una  visión  propia  que  implicaba  pintar  a  los  personajes  en  poses  informales,  lo  que   dota  a  su  pintura  de  viveza  y  gracia.  
  14. 14. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       14                               Le  interesaba  plasmar  los   sentimientos   a  través  de  los  retratos:  sonrisas,  tristeza,  etc.   En   1558   se   desplazó   a   Milán,  donde  a  través  del  Duque  de  Alba  (a  quien  pintó)  fue  recomendada  para  la  corte  de  Felipe  II,  donde  se   incorporó  como  dama  de  compañía  de  la  reina  Isabel  y  como  pintora  de  corte.  Allí  trabajó  estrechamente  con   Sánchez  Coello,  asimilando  su  estilo,  pintando  varios  retratos  de  los  miembros  de  la  Familia  Real.  Su  importancia   en  la  corte  fue  tal  que,  tras  la  muerte  de  Isabel  de  Valois,  el  propio  rey  Felipe  II  arregló  su  matrimonio  con  el  hijo   del  virrey  de  Nápoles  y  aportó  una  generosa  dote.   Tras  la  temprana  muerte  de  su  marido,  la  pintora  conoció  al  joven  noble  genovés  Orazio  Lomellino,  quien  se  casó   con   ella   y   apoyó   firmemente   su   trabajo   como   pintora,   por   lo   que   hasta   su   muerte   vivió   una   vida   plena   disfrutando  de  su  vocación.     4.  LA  ESCULTURA  RENACENTISTA  EN  ESPAÑA       La  escultura  renacentista  se  implantó  en  España  de  manera  mucho  más  precoz  que  la  arquitectura,  y  llegó  de  la   mano  de  grandes  escultores  italianos  como  Pietro  Torrigiano  (cuyo  San  Jerónimo  será  muy  imitado  en  el  Barroco)   o  Doménico  Fancelli  (autor  del  Sepulcro  de  los  Reyes  Católicos),  que  introdujo  en  España  el  modelo  sepulcral  de   estatua  yacente.   Las   esculturas   son   generalmente   muy   expresivas,   acordes   con   el   gusto   popular,   soliendo   usar   la   madera   policromada   y   el   retablo   como   soporte   esencial,   con   mucha   influencia   gótica,   sobre   todo   en   la   profusión   de   dorados.     Básicamente  se  desarrollan  tres  géneros  escultóricos:   Los   sepulcros:   se   importaron   directamente   de   Italia   o   se   basan   en   modelos   italianos,   como   hemos   visto   con   Fancelli.   Las  sillerías  de  coro:  entre  los  ejemplos  más  destacados  sobresale  la  sillería  de  coro  alta  de  la  Catedral  de  Toledo   realizada  por  Alonso  Berruguete.   Los   retablos:   Los   retablos   solían   estar   integrados   en   una   estructura   arquitectónica   (normalmente   de   madera   policromada,  pero  a  veces  de  alabastro,  mampostería  o  sillería)  en  forma  de  paneles  integrados  que  contenían   relieves,  tallas  o  pinturas  o  incluso  nichos  en  los  que  se  colocaban  pequeñas  esculturas.  Procede  de  la  tradición   gótica  pero  se  renueva  según  la  tendencia  artística  renacentista.   Bajo   la   influencia   italiana   se   desarrolló   en   Castilla   una   generación   de   escultores   muy   marcados   por   el   Renacimiento,  destacando  entre  los  primeros  un  discípulo  de  Fancelli,  Bartolomé  Ordóñez,  autor  del  Sepulcro  de   Juana  la  Loca  y  Felipe  el  Hermoso,  o  el  también  arquitecto  Diego  de  Siloé  (autor  de  las  Estatuas  orantes  de  los   Reyes  Católicos),  aunque  el  más  reconocido  será  Alonso  Berruguete  (hijo  del  gran  pintor  Pedro  Berruguete).   La  obra  de   Alonso   Berruguete  se  caracteriza  por   una   gran  tensión  emotiva,  fuerte  dinamismo  y  rostros  muy   expresivos.  Es  por  tanto,  un  escultor  manierista  que  acusa  una  fuerte  influencia  de  Miguel  Ángel.  El  canon  es   alargado   y   elegante.   Sus   mejores   obras   están   talladas   en   madera,   que   siempre   se   policroman.   Destacan   sus   esculturas  de  San  Sebastián  y  del  Sacrificio  de  Isaac,  donde  la  torsión  nos  recuerda  al  mejor  Miguel  Ángel  o  a   Giambologna.  
  15. 15. 15 15                     Fuente  de  las  imágenes:  profesor  Alfredo  García(Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos     También  hizo  algunos  retablos,  pero  entre  sus  obras  más  celebradas  está  la  Sillería  alta  del  Coro  de  la  Catedral  de   Toledo,  junto  a  Bigarny.  En  ella  se  destaca  una  bellísima  Eva  manierista.     Berruguete   realizó   en   mármol   el   Sepulcro   del   Cardenal   Tavera,   en   Toledo,   escultura   en   la   que   se   utilizó   por   primera  vez  la  mascarilla  funeraria  de  cera.                         Fuente  de  las  imágenes:  profesor  Alfredo  García(Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos     Por  su  influencia  posterior,  hay  que  mencionar  a  los  franceses  Juan  de  Juni  y  Felipe  Bigarny,  autor  del  Retablo   del  altar  mayor  y  de  la  Sillería  de  la  Catedral  de  Toledo.   El  borgoñón  Juan  de  Juni  trabajó  en  Valladolid  (principal  centro  escultórico  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XVI).  Su   mejor  obra  es  el  Santo  Entierro,  de  rostros  exaltados  y  naturalistas  y  gran  expresionismo,  con  un  gran  sentido  de   la  composición  y  la  proporción.  En  la  Corona  de  Aragón  destacó  Damián  Forment,  autor  del  Retablo  Mayor  de  la   Basílica   del   Pilar   de   Zaragoza.   Mención   aparte   merece   la   labor   de   los   italianos   León   y   Pompeo   Leoni,   que   trabajarán   para   los   Austrias   Mayores   con   sus   monumentales   y   clasicistas   esculturas   en   bronce,   como   Carlos   Venciendo  al  Furor,  o  las  que  embellecerán  El  Escorial,  como  las  esculturas  orantes  de  Carlos  V  con  su  esposa  y   sus  hermanas,  o  la  de  Felipe  II  con  tres  de  sus  esposas.     5.  LA  MÚSICA  RENACENTISTA:  INSTRUMENTOS  Y  COMPOSITORES     La  música  renacentista  española  está  en  consonancia  con  el  resto  de  las  artes  y  con  el  contexto  sociológico  de  la   época.  Por  ello  va  a  tener  una  gran  importancia  religiosa,  ligada  al  Catolicismo  contrarreformista,  es  decir,  que  se   opone   a   la   Reforma   protestante   de   Martín   Lutero.   Esto   hizo   que   la   música   religiosa   alcanzase   una   gran  
  16. 16. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       16 expansión,   y   que   las   piezas   religiosas   que   se   interpretaban   en   Europa,   como   la   misa   o   el   motete12  también   gozaran  de  gran  aceptación,  aunque  en  este  caso  entre  la  élite  más  culta.   Una  peculiaridad  de  la  música  renacentista  española  es  su  marcado  desarrollo  de  la  polifonía  –música  cantada  a   varias  voces-­‐  y  el  gran  auge  que  tuvo  el  órgano.     Otros  instrumentos  muy  utilizados  en  esta  época  son  la  vihuela,  el  violín,  el  arpa,  la  flauta,  la  corneta…   Entre  los  compositores  destacamos  a  Antonio  de  Cabezón  (1510-­‐1566),  quien,  a  pesar  de  quedar  ciego  de  niño,   alcanzó   la   maestría   tanto   en   la   ejecución   de   la   música   al   órgano   como   en   su   faceta   de   compositor.   Tuvo   la   fortuna  de  ingresar  en  la  corte  del  emperador  Carlos  I  como  organista  real  y  clavecinista,  y  más  tarde  de  Felipe  II,   por  lo  que  entabló  contactos  con  los  mejores  músicos  de  la  época,  tanto  borgoñones  como  franceses  e  italianos.   Su  obra  está  muy  influida  por  la  del  francés  Josquin  des  Prés,  y  como  él,  compuso  una  gran  cantidad  de  motetes,   y  composiciones  para  misas,  como  magnificats  o  kyries.  Sin  embargo,  entre  sus  obras  más  famosas  y  celebradas   están  las  Diferencias,  que  no  son  otra  cosa  que  variaciones  sobre  piezas  generalmente  profanas  y  de  carácter   popular.   Enlaces  para  escuchar  la  maravillosa  música  de  Antonio  de  Cabezón:   https://www.youtube.com/watch?v=vraK4dfVK1s   https://www.youtube.com/watch?v=m3eMfc0xWb8&index=2&list=PL8lGCh3v-­‐UE59ToF3uH42HDHJ1ud1rjlx   https://www.youtube.com/watch?v=LSuBxwQhok4&index=3&list=PL8lGCh3v-­‐UE59ToF3uH42HDHJ1ud1rjlx     De  una  generación  posterior  fue  el  sacerdote  Tomás  Luis  de  Victoria  (1548-­‐1611),  que  fue  amigo  de  Palestrina,  a   quien  conoció  en  Roma.  Fue  un  auténtico  renovador  de  la  música  polifónica.  Destaca  su  producción  de  música   sacra,  sobre  todo  misas  y  motetes,  de  los  que  compuso  una  gran  cantidad,  tanto  a  cuatro  como  a  cinco,  seis,   ocho  y  doce  voces.   En  estos  enlaces  podéis  escuchar  la  preciosa  música  de  Tomás  Luis  de  Victoria:   https://www.youtube.com/watch?v=aPiX8M12yJ4   https://www.youtube.com/watch?v=_q4zHT5kibA   https://www.youtube.com/watch?v=_q4zHT5kibA         Fuente  del  gráfico:  Blog  de  J.  V.  Patiño   12  El   motete   es   una   composición   polifónica   nacida   en   el   siglo   XIII   que   se   tocaba   en   las   iglesias.   El   texto   es   bíblico   y   se   cantaba   a   capella,   es   decir,   sin   instrumentos.  
  17. 17. 17 17            6.  MOBILIARIO  RENACENTISTA     Durante  el  Renacimiento  asistimos  a  un  desarrollo  y  difusión  del  mobiliario  europeo,  diferente  según  los  diversos   reinos  que  se  trate.  Existen  tipologías  propias  según  hagamos  referencia  a  Italia,  Francia,  Alemania,  España…   En  general,  el  mobiliario  español  del  Renacimiento  es  sobrio  y  macizo.  
  18. 18. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       18 La  ornamentación  presente  en  el  mobiliario  español  muestra  influencias  mudéjares,  con  su  gusto  por  el  horror   vacui,  los  motivos  geométricos,  caligráficos,  vegetales,  medallones  o  tondos,  elementos  arquitectónicos,  etc.     Son  fundamentales  las  incrustaciones  de  marfil,  hueso  y  madera  –de  ébano  o  boj-­‐  llamadas  taraceas.  Se  pusieron   de  moda  también  las  incrustaciones  de  plata,  que  afluía  desde  América,  de  modo  que  con  ella  a  veces  se  cubría   el  mueble  por  completo  o  se  fabricaba  en  ella  la  estructura,  hasta  el  punto  de  que  el  propio  Felipe  II  lo  prohibió  a   través  de  varias  Leyes  Suntuarias.   Se  utilizó  con  frecuencia  el  cuero   para  asientos  y  respaldos  de  sillas  y  sillones  y  los  herrajes  siguieron  siendo   corrientes  en  mesas  plegables  y  arcones,  siendo  de  gran  belleza  los  aplicados  en  los  bargueños,  algunos  sobre   terciopelo.                                             Entre  las  tipologías  españoles  más  destacadas  encontramos:   *El   mueble   característico   del   Renacimiento   español   será   el   bargueño   o   escritorio   que   surgirá   en   esta   época   aunque  se  desarrollará  plenamente  en  el  barroco  (siglo  XVII).  El  bargueño  consiste  en  un  arca  sobre  un  elemento   de   apoyo   (que   puede   ser   un   arcón   o   sólo   un   soporte   a   base   de   patas)   y   que   tiene   una   tapa   abatible   que,   desplegada,  se  apoyaba  en  unas  patas  o  listones  que  se  sacan  por  debajo  y  que  servía  como  mesa  de  escritorio,   mientras  que  en  el  cuerpo  del  arca  se  disponían  numerosos  cajones  para  guardar  documentos,  útiles  de  escritura   y  los  objetos  valiosos.      
  19. 19. 19 19                 *Los  armarios  son  sobrios,  algunos  con  gran  influencia  mudéjar.  Destacan  las  estanterías  de  la  Biblioteca  del   Monasterio   de   El   Escorial   -­‐realizadas   por   Juan   de   Herrera-­‐.   Son   austeros,   bellísimos,   de   líneas   puras   y   geométricas   en   consonancia   con   la   arquitectura   del   edificio.   Recordemos   que   Juan   de   Herrara   era   el   que   supervisaba  también  todas  las  labores  de  decoración  del  edificio,  insistiendo  en  la  aplicación  del  estilo  clasicista   de  la  arquitectura  hasta  en  los  menores  detalles,  para  garantizar  así  la  unidad  y  majestuosidad  del  conjunto.   Están  realizadan  en  una  gran  variedad  de  maderas,  ofreciendo  un  bello  contraste  de  colores.  Las  principales  son:   granadillo,  ácana,  naranjo,  roble  y  caoba.  En  esta  estantería  los  libros  están  colocados  por  temas  y  por  tamaño,  y   dispuestos  de  una  forma  un  tanto  original,  es  decir  con  el  canto  dorado  hacia  el  exterior,  con  lo  que  ofrece  un   aspecto  de  gran  uniformidad13 .  También  destaca  en  la  Biblioteca  del  Monasterio  de  El  Escorial  un  armario  de   maderas  finas  que  hace  las  veces  de  monetario.     *Las   mesas   también   son   variadas,   existiendo   influencias   francesas   e   italianas.   Asimismo   existen   mesitas   con   tablero  de  taracea,  pero  lo  general  es  que  sean  sobrias  y  sólidas,  con  fuerte  chambrana14  a  veces  torneada.  Era   corriente  que  las  mesas  se  cubrieran  completamente  con  ricas  telas,  como  se  aprecia  en  muchas  pinturas  de  El   Greco,  Tiziano,  etc.   *Las  sillas  son  sobrias,  a  veces  con  respaldo  y  asiento  de  cuero  –son  los  llamados  sillones  fraileros-­‐,  con  la  pata   delantera  y  trasera  de  cada  lado  unidas  por  un  travesaño,  y  las  delanteras  unidas  por  una  chambrana  tallada  con   relieves.  Las  patas  delanteras  se  prolongan  hasta  los  brazos,  y  las  traseras  hasta  el  respaldo,  culminando  en  un   copete  o  voluta.  El  asiento  y  respaldo  puede  ser  tanto  de  cuero  como  de  madera  o  acolchado  (con  terciopelo  liso   o   bordado   y   con   flecos   en   los   ejemplares   más   lujosos).   También   se   encuentran  sillas   de   tijera,   parecidas   a   la   Savonarola,  tipología  habitual  en  Italia.                 *Arca  y  Arcón:  siguen  siendo  uno  de  los  elementos  más  característicos  del  ajuar  doméstico.   13  El  ensamblador  italiano  Giuseppe  Freccia,  contratado  en  1575  para  hacer  todas  las  obras  en  madera  del  edificio,  fue  el  encargado  de  realizar  la  estantería.   Los  ensambladores  españoles  Gamboa,  Serrano,  Quesada  y  Aguirre  le  ayudaron  a  realizarla,  según  las  datas  de  pago  de  estos  años.   14  “Cada  uno  de  los  travesaños  que  unen  entre  sí  las  partes  de  una  silla,  de  una  mesa  o  de  otro  mueble,  para  darles  mayor  seguridad”.  Definición  del  RAE.  El   travesaño  es  “pieza  de  madera  o  hierro  que  atraviesa  de  una  parte  a  otra”.  Definición  del  RAE.  
  20. 20. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       20   7.  EL  TRAJE  “A  LA  ESPAÑOLA”.  LA  MODA  A  TRAVÉS  DEL  RETRATO  CORTESANO  ESPAÑOL:  ALONSO  SÁNCHEZ   COELLO     A  lo  largo  del  siglo  XVI  la  moda  española  recibió  influencias  de  la  moda  alemana,  italiana,  británica…  Durante  la   primera   mitad   del   siglo   XVI,   la   indumentaria   española   era   alegre,   atrevida,   rica   en   policromía.   En   la   segunda   mitad  de  la  centuria,  en  cambio,  se  produjo  un  giro  copernicano…   Aparte  de  los  ejemplos  conservados,  las  fuentes  iconográficas  pictóricas  y  escultóricas  son  esenciales.  La  joyería   se  configura  como  un  elemento  esencial  de  la  indumentaria  renacentista  española  y  por  ende,  europea.           Un  elemento  característico  de  la  moda  del  Renacimiento  eran  las  “cuchilladas”,  es  decir,  las  rasgaduras  en  la   tela,  a  través  de  las  cuales  se  sacaba  el  forro.  Se  convirtieron  en  una  práctica  habitual  a  inicios  del  siglo  XVI  y   estuvieron  de  moda  sobre  todo  entre  1520-­‐45  e  incluso  en  años  posteriores.     Detalle  de  cuchillada  y  ejemplo  del  retrato  de  Enrique  de  Sajonia  y  su  esposa,  Lucas  Cranach,  1514.    Las  cuchilladas  del  traje  masculino  iban  a   juego  con  la  rica  ornamentación  del  traje  femenino;  detalle  de  otra  pintura  realizada  por  Lucas  Cranach  donde  aparecen  cuchilladas.     Las  braguetas  prominente:  este  tipo  de  bragueta  fue  una  moda  de  origen  germánico  que  extendieron  por  toda   Europa  los  mecenarios  alemanes.  El  origen  se  encuentra  en  la  indumentaria  militar.  El  tamaño  solía  ser  grande  y   desproporcionado.   Las   braguetas   prominentes   y   exageradas   desaparecieron   a   finales   del   siglo   XVI.   Fueron   objeto  de  todo  tipo  de  burlas  y  escarnios  en  la  literatura  de  la  época.     El  jubón:  era  una  vestidura  que  cubría  desde  los  hombros  hasta  la  cintura.  Era  muy  ceñida  y  ajustada  al  cuerpo.  Es   un   tipo   de   vestimenta   inspirada   en   las   armaduras   militares,   imitando   las   corazas. El   jubón   era   la   prenda   masculina  más  importante.  
  21. 21. 21 21 Evolución  de  la  bragueta  prominente  hasta  su  desaparición  a  través  de  los  retratos  del  Rey  Felipe  II  tal  y  como  fue  pintado  por  Tiziano  (c.   1551);  Antonio  Moro  (1557)  y  Pantoja  de  la  Cruz  (c.  1590-­‐98)     Era  un  símbolo  de  opulencia  y  masculinidad.  Las  mangas  de  los  jubones  podían  ser  amplias  o  estrechas,  pegadas   al  cuerpo.  Bajo  el  jubón  los  hombres  solían  llevar   camisas  de  seda  blanca  con  bordados  en  el  cuello  y  en  las   muñecas.   El  jubón  femenino  fue  un  “invento”  español  que  se  difundió  por  toda  Europa.  Surgieron  en  el  siglo  XV   y  se  llevaron  hasta  el  siglo  XVII  incluido.  Se  llevaba  sobre  la  camisa.    El  jubón  daba  rigidez  al  cuerpo  ya  que  estaba   realizado   utilizando   como   base   cartón   o   incluso   madera.  Durante   los   siglos   XVI   y   XVII   se   llegó   al   extremo   de   colocar  cartones  para  aplastar  los  senos.  Una  mujer  sin  formas  era  “más  bella”.  Solían  llevar  cuello  de  lechuguilla   que  desaparecerá  cuando  la  prenda  empiece  a  escotarse.  El  jubón  iba  conjuntado  con  la  falda  o  basquiña.               Las  calzas  fueron  otra  de  las  prendas  habituales  en  la  indumentaria  masculina.  Las  calzas  era  una  prenda  de  vestir   que   cubría   las   piernas,   los   muslos   o   una   parte   de   ellos.   Las   calzas,   que   irán   evolucionando   con   el   tiempo,   se   llevaban   con   medias.   En   el   Renacimiento   les   encantaba   poner   de   relieve   las   piernas   musculosas   como   una   verdadera   exhibición   de   vanidad.   Las   calzas   podían   ser   acolchadas   y   muy   amplias,   entonces   se   denominaban   greguescos  y  eran  habituales  en  la  moda  española.  Con  el  avance  del  siglo  XVI,  las  formas  redondas  de  las  calzas   fueron  sustituidas  por  otras  más  planas.     El  verdugado   La  falda  o  saya  característica  del  siglo  XVI  se  llamaba  verdugado.  Era  una  especie  de  enagua  formada  con  un   armazón  de  aros  de  madera  u  otros  materiales  que  le  conferían  su  especial  forma  acampanada,  de  rígido  cono   invertido.  El  origen  del  verdugado  se  encuentra  en  Castilla  y  surgió  en  el  siglo  XV.  Se  extendió  por  toda  Europa  
  22. 22. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       22 (Francia,  Inglaterra…)  Dado  su  elevado  precio,  sólo  lo  llevaban  las  mujeres  más  acomodadas.  Por  lo  demás,  los   textos  literarios  de  la  época  la  ridiculizaban.                       La  gola,    gorguera  o  lechuguilla     Una  prenda  característica  de  esta  etapa  para  ambos  sexos  e  introducida  por  la  España  de  Felipe  II  era  la  gola,     gorguera  o  lechuguilla.  Eran  cuellos  y  puños  de  bordados  y  encajes  de  laboriosísimo  trabajo.  Se  convirtieron  en   uno  de  los  elementos  más  importantes  y  característicos  de  la  indumentaria  española.  Perduraron  como  moda   hasta  el  siglo  XVIII  y  se  empleaban  indistintamente  en  trajes  femeninos  y  masculinos.  A  partir  de  1563  las  golas   eran  cada  vez  más  grandes.  Los  de  mayor  tamaño  se  utilizaron  en  Holanda,  Alemania,  Francia  e  Inglaterra,  hasta   circa   1620.   El   término   lechugilla   alude   a   su   similitud   con   las   hojas   de   lechuga.   Y   gola   en   italiano   es   cuello   y   garganta.   Detalle  de  un  retrato  de  Felipe  II  donde  se  muestra  la  lechuguilla  o  gorguera;  Caricatura  sobre  las  gorgueras,  c.  1595     Zapatos  y  chapines     Los  zapatos  renacentistas  dejaron  de  ser  puntiaguados  para  hacerse  achatados,  como  si  constituyeran  un  eco   del  nuevo  estilo  de  arquitectura,  con  sus  arcos  de  medio  punto.  Los  zapatos  y  las  botas  estaban  decorados.  En  la   primera  mitad  del  siglo  XVI  destacaron  los  zapatos  “pico  de  pato”  y  eran  frecuentes  los  “acuchillados”.   Un  zapato  muy  característico  de  la  moda  renacentista  eran  los  chapines.  Eran  de  origen  morisco  y  se  realizaban   en  cuero  y  otros  materiales.  Presentaban  una  gruesa  suela  de  corcho,  de  unos  cuadro  dedos  de  altura,  a  modo   de  plataforma.  No  estaban  sujetos  por  detrás  y  se  agarraban  con  cintas  sobre  el  empeine.  Su  influencia  pasó  de   España  a  toda  Europa,  alcanzando  sobre  todo  una  gran  aceptación  en  Venecia,  donde  sus  plataformas  podían   alcanzar  una  altura  considerable.  15   15  Obligaban   a   caminar   con   pasos   muy   cortos,   casi   deslizándose.   Se   han   conservado   algunos   ejemplares,   y   además   hay   ilustraciones,   descripciones   y   referencias  literarias.  Permitían  aparentar  mucha  altura  lo  cual  escandalizaba  a  moralistas  y  teólogos.  Fue  un  tipo  de  calzado  muy  satirizado  por  nuestros   del  Siglo  de  Oro,  desde  Cervantes  a  Quevedo  o  Lope  de  Vega.  
  23. 23. 23 23                                                                                                                                                                                              Zapatos  con  cuchilladas;    zapatos  “pico  de  pato;  chapines     Sombreros  y  tocados     Los  hombres  solían  ir  barbados,  con  el  cabello  corto  o  largo.  Llevaban  sombreros  de  tercipelo,  decorado  con   broches,   joyas   o   plumas.   Los   llevaban   inclinados   a   la   derecha   –en   España-­‐   o   a   la   izquierda   en   Francia.   Los   sombreros  solían  ser  planos.  En  los  tocados  y  peinados  eran  habituales  las  joyas  (gemas,  perlas…)                                                   EVOLUCIÓN  y  “TRAJE  A  LA  ESPAÑOLA”     La   indumentaria   española   de   la   segunda   mitad   del   siglo   XVI   será   el   paradigma   de   la   moda   de   la   época   y   se   impondrá  en  las  cortes  europeas.  16    Es  el  denominado  “traje  a  la  española”,  summum  de  la  elegancia  durante  los   siglos  XVI  y  XVII.   Es  una  indumentaria  que  se  caracteriza  por  ser  sobria,  formal,  con  predominio  del  color  negro,  muy  incómoda  y   siempre   acompañada   de   exquisitas   joyas,   tanto   en   los   trajes   como   en   los   tocados   e   incluso   en   el   cabellosfemenino.                   Configuraba  una  silueta  de  formas  estilizadas,  geométricas  y  hieráticas.     El  “traje  a  la  española”  era  una  especie  de  “lujo  rígido”.17  Paradójicamente,  esta  moda  haría  fortuna  por  toda   Europa,  pero  con  todo  tipo  de  excesos  ornamentales.  18   16  En  donde  más  se  impuso  la  moda  española  fue  en  la  corte  de  Viena.  
  24. 24. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       24 El  color  negro  cobró  un  gran  protagonismo.  Era  con  mucho,  el  preferido  por  la  sociedad  de  la  época  y  era  reflejo   de   la   influencia   de   la   moda   española.   Su   uso   se   extendió   por   Italia,   Francia   e   Inglaterra.   A   este   respecto,   el   escritor  italiano  Baltasar  di  Castiglione,  que  había  visitado  España  en  1525  opinaba  en  su  obra  “El  Cortesano”  – publicada  en  1528  y  libro  de  cabecera  para  todo  aquel  que  quisiera  ser  un  perfecto  caballero  conforme  a  los   ideales   de   la   época   –   que   el   negro   (convertido   en   el   símbolo   de   la   monarquía   española)   proporcionaba   más   atractivo  que  cualquier  otro  color  a  las  prendas  de  vestir  y  que  en  su  defecto  se  debía  utilizar,  como  mínimo,  un   color  oscuro.  La  suya  era  una  apología  del  traje  español  al  que  convertía  en  adalid  de  la  moda  al  decir  “yo  quisiera   que  el  traje  atestiguase  esta  seriedad  que  conserva  tan  extraordinariamente  la  nación  española”.   La   importancia   de   la   moda   en   la   España   del   siglo   XVI   era   tal,   que   se   alzaban   voces   contra   ella:   cronistas,   escritores,  prelados...     A  través  de  las  FUENTES  ICONOGRÁFICAS  PICTÓRICAS  de  la  época  podemos  observar  como  era  el  “traje  a  la   española”,  en  especial  las  pinturas  de  Antonio  Moro,  Sofonisba  Anguissola,  y  Alonso  Sánchez  Coello  entre  otros   grandes   pintores.   La   tradición   del   retrato   cortesano   en   España   tiene   su   origen   en   Anthonis   Moor,   llamado   Antonio  Moro  en  nuestro  país,  que  definió  el  estilo  que  pasará  a  su  discípulo  Alonso  Sánchez  Coello  y  de  éste  a   sus  sucesores,  hasta  la  llegada  de  Velázquez.                               17  La  pasión  por  vestir  con  riqueza  en  el  Renacimiento  se  apoderó  de  la  realeza  y  la  aristocracia  de  toda  Europa.  En  España  llegó  a  extremos  insuperables.  Se   cuenta  que  hubo  nobles  que  no  dudaron  en  empeñar  sus  fortunas  con  tal  de  eclipsar  a  los  demás  a  través  de  su  indumentaria.  Un  ejemplo  ilustrativo  de  lo   anteriormente  reseñados  fue  la  coronación  de  Carlos  V  como  emperador  en  Bolonia  (Italia)  en  1530:   18 Conviene  recordar  que  durante  aquellos  años  estaba  en  su  apogeo  el  Imperio  español,  iniciado  en  la  época  de  los  RRCC  –siglo  XV-­‐  y  continuado  en  su   máximo  esplendor  con  el  emperador  Carlos  V18  –primera  mitad  del  siglo  XVI-­‐  y  después  por  su  hijo  el  rey  Felipe  II  –segunda  mitad  del  siglo  XVI-­‐.  Por   entonces  España  era  muy  rica  gracias  a  la  conquista  del  Nuevo  Mundo,  que  trajo  ingentes  cantidades  de  metales  preciosos  –cuando  no  eran  saqueados  por   los  piratas  ingleses  y  holandeses  por  el  camino-­‐

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