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APUNTES EBAU FUNDAMENTOS DEL ARTE II. MODERNISMO

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APUNTES EBAU FUNDAMENTOS DEL ARTE II. MODERNISMO

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APUNTES EBAU FUNDAMENTOS DEL ARTE II. MODERNISMO

  1. 1.                                             EBAU  TEMA  4.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  II.   EL  MODERNISMO  EUROPEO:   CARACTERÍSTICAS  GENERALES,   CRONOLOGÍA,  AUTORES  Y  OBRAS    
  2. 2. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   2 EBAU  TEMA  4.    EL  MODERNISMO  EUROPEO:  CARACTERÍSTICAS  GENERALES,  CRONOLOGÍA,  AUTORES  Y  OBRAS     1.  Características  Generales  y  Cronología     Con  el  término  Modernismo  o  Art  Nouveau  designamos  la  corriente  estética,  ligada  a  la  arquitectura  y  a  las  artes   decorativas  fundamentalmente,  que  se  desarrolla  en  Europa  entre  los  años  1890-­‐1910.  Esta  etapa  corresponde   con  el  periodo  denominado  Belle  Èpoque.  Presenta  una  idea  de  modernidad,  una  voluntad  renovadora,  aunque   podemos  considerarlo  como  el  último  gran  movimiento  artístico  del  siglo  XIX,  antes  que  el  primero  del  siglo  XX.                       El  término  Modernismo  se  acuña  poco  antes  de  1900  y  responde  a  la  euforia  de  una  generación  que  se  considera   diferente   a   la   anterior,   es   la   generación   del   aeroplano,   teléfono,   luz   eléctrica,   etc.   cimas   jamás   conseguidas   anteriormente.     La  expresión  Art  Nouveau  fue  empleada  por  primera  vez  por  Edmond  Picard  en  1894,  en  la  revista  belga  L´Art   moderne  para  calificar  la  producción  artística  de  Henry  van  de  Velde.  Aunque  al  parecer  el  nombre  fue  inventado   por  el  propio  Van  de  Velde.  De  Bélgica  pasó  a  Francia  donde  en  1895  en  París,  S.  Bing,  un  coleccionista  de  arte   japonés,  abrió  una  galería  especializada  en  artes  decorativas  llamada  La  Maison  de  l´Art  Nouveau.                           El   Modernismo   o   Art   Nouveau   se   convirtió   en   el   estilo   moderno   por   excelencia,   frente   a   los   historicismos   eclécticos  del  siglo  XIX1 .     Surgió  en  Europa  siendo  los  centros  creadores  del  Modernismo  más  importantes  Bruselas,  Barcelona,  Glasgow,   Viena,   Praga   y   París.   Rara   es   la   ciudad   europea   que   no   tiene   en   su   patrimonio   arquitectónico   algún   edificio   modernista.     El  Modernismo  nació  con  pretensiones  de  universalidad,  de  convertirse  en  un  estilo  internacional  presentando   distintas  denominaciones  según  los  países:  Modern  Style  en  Gran  Bretaña,  Secessionstil  o  la  Secesión  vienesa  en   Austria,  Art  Nouveau  en  Francia,  Liberty  o  Floreale  en  Italia,  Jugendstil  en  Alemania,  Modernismo  en  España…   Fue   un   movimiento   cultural   de   gran   complejidad   y   no   muy   homogéneo   porque   en   cada   país   va   a   tener   sus   propias   peculiaridades.   Así,   encontraremos   una   vertiente   más   geométrica   (el   caso   escocés)   y   otra   más   naturalista   (con   pasión   por   la   curva-­‐contracurva   como   se   muestra   en   Bruselas,   Nancy   o   en   Barcelona).   Son   1  Paradójicamente,   ya   que   pretende   ser   un   estilo   “moderno”,   en   ocasiones   tiende   la   mirada   al   pasado:   así   se   explica   que   aparezcan   elementos   ornamentales  tomados  de  la  tradición  (neogótico)  y  otras  etapas.  
  3. 3. 3 diferentes  variantes  de  un  mismo  movimiento.  Pero  común  a  todos  fue  el  rechazo  de  los  estilos  históricos  y  la   pretensión  de  imitar  algunas  formas  y  procesos  de  la  naturaleza.     El  Modernismo  fue  un  movimiento  cultural  hedonista,  que  muestra  cierto  optimismo  y  alegría  de  vivir.  Busca  la   belleza  y  elegancia  como  muestran  la  espectacularidad  de  algunos  de  sus  propuestas  (como  la  arquitectura  de   Gaudí).  El  Modernismo  es  el  arte  de  la  burguesía  triunfante.  Implicó  el  “lavado  de  cara”  de  las  ciudades  (puertas,   farolas,  picaportes,  etc.)  Hay  un  cuidado  extremo  en  todos  los  detalles.                       El  Modernismo  aspiraba  a  ser  un  “estilo”,  el  de  la  civilización  industrial.  Los  motivos  decorativos  del  Modernismo   son  muy  variados.  En  general  son  formas  estéticas  de  impacto  rápido,  de  gran  exquisitez  formal  a  base  de  líneas   curvas,  parabólicas  y  serpenteantes,  de  estilizaciones  naturalistas  (florales  y  animales).    Predomina  mucho  -­‐sobre   todo  en  Francia  y  Bélgica-­‐  el  arabesco  denominado  “golpe  de  látigo”.   Se  han  visto  rasgos  comunes  sobre  todo  con  el  Rococó  francés  y  de  hecho  se  ha  dicho  que  fue  una  especie  de   revival  de  ese  estilo  francés,  por  su  pasión  por  las  líneas  curva  y  contracurva  que  ya  se  vislumbraban  en  Van  Gogh   o  en  Toulouse-­‐Lautrec.  También  guarda  concomitancias  con  el  estilo  Bierdermeier,  siendo,  además,  patentes  las   influencias  orientales,  sobre  todo  del  arte  japonés  pero  también  del  arte  chino,  persa  o  egipcio.     El   Modernismo   buscaba   hacer   realidad   la   idea   del   arte   total   o   Gesamtkunstwerk,   propiciando   la   fusión   de   la   arquitectura   con   la   pintura,   la   escultura,   las   artes   decorativas   (vidrio,   joyería,   cerámica,   forja,   artes   gráficas,   mobiliario…)2 .  Fue  un  movimiento  hiperdecorativo,  con  una  fuerte  carga  esteticista.     El  diseño  fue,  en  términos  generales,  muy  refinado,  y  no  se  escatimó  en  la  calidad  y  variedad  de  los  materiales.   Cuidaron  mucho  los  acabados  artesanales  y  la  apariencia  artística  de  los  objetos.     Las   artes   decorativas   experimentaron   un   etapa   de   esplendor   bajo   el   Art   Nouveau. Debe   decirse   que   el   Modernismo,   en   general   se   apasionó   por   los   objetos   de   uso   cotidiano   en   una   medida   hasta   entonces   desconocida:  todo  podía  concebirse  como  obra  de  arte.  Los  objetos  de  vidrio  de  Gallé  y  Tiffany;  las  joyas  de   Lalique  y  Masriera;  los  muebles  de  Gaudí  o  Gaspar  Hormar...     En  el  Art  Nouveau,  más  que  en  ningún  otro  estilo  a  lo  largo  de  la  historia,  encontramos  la  cerámica  aplicada  a  la   arquitectura.   Y   no   sólo   en   el   exterior   del   edificio,   sino   también   en   la   decoración   interior.   De   ahí   que   la   colaboración  entre  arquitectos  y  ceramistas  fuera  muy  estrecha  así  como  con  ebanistas,  artesanos  del  hierro  y  la   forja  etc.3     Por  lo  que  se  refiere  al  cartel,  durante  esta  etapa  se  experimentó  su  edad  de  oro    por  toda  Europa.  Este  “grito  en   la  pared”  como  ha  sido  frecuentemente  definido,  tuvo  un  auge  sin  precedentes  gracias  a  Henri  Toulouse-­‐Lautrec,   Jules  Chéret,  Alphonse  Mucha,  Ramón  Casas,  etc.     Con  frecuencia  el  Modernismo  fue  meramente  epidérmico,  es  decir,  sólo  se  apreciaba  en  los  motivos  decorativos,   pero  no  en  el  resto  de  la  construcción.     Los  críticos  al  Modernismo  lo  denominaron  un  tanto  despectivamente  como  estilo  “cervecería”  o  estilo  Nouille   (fideo).  En  España  llegó  con  cierto  retraso.     El  modernismo  se  extendió  por  medio  de  revistas  de  arte  y  moda,  por  la  publicidad,  las  exposiciones  universales,   etc.     2  Deseaban  embellecer  la  vida  moderna  en  todas  sus  manifestaciones  desde  las  viviendas  hasta  las  cuberterías,  las  telas,  los  picaportes,  los  pendientes,...   De  hecho,  Van  de  Velde  llegó  a  diseñar  hasta  el  peinado  y  vestuario  del  ama  de  casa.   3  El  metal  también  tendría  una  fuerte  presencia  en  los  edificios  modernistas  en  elementos  como  las  rejas,  vallas,  puertas,  barandillas  construidas  con  hierro   forjado  -­‐-­‐por  excelentes  artesanos  como  Masriera  i  Campins-­‐  y  picaportes,  tiradores,  etc.  en  bronce  o  latón.    
  4. 4. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   4             2.  La  Expansión  del  Modernismo  en  Europa.  Autores  y  Obras     BÉLGICA       El   Modernismo   o   Art   Nouveau   surge   en   Bélgica   con   las   primeras   creaciones   de   Victor   Horta   y   de   ese   país   se   expandirá  por  toda  Europa.  Tres  nombres  dominaron  la  arquitectura  del  “nuevo  estilo”  que  se  estaba  forjando   en  Bruselas:  Victor  Horta  (1861-­‐1947),  Paul  Hankar  (  1857-­‐1901)y  Henry  Van  de  Velde  (1863-­‐1957).  En  ellos  parecen   unirse  las  influencias  inglesas  con  las  parisinas.     Victor  HORTA  (1861-­‐1947)  ha  pasado  a  la  posteridad  como  el  ideólogo  del  movimiento.  Fue  uno  de  los  primeros   arquitectos  en  tomar  conciencia  de  las  posibilidades  expresivas  -­‐y  no  sólo  utilitarias-­‐  del  hierro.  Hizo  que  algunas   vigas  y  bandas  de  este  material  se  curvaran  como  tallos  vegetales  o  como  “golpes  de  látigo”,    célebre  motivo   decorativo   que   usará   con   profusión.   También   se   interesó,   como   todos   los   modernistas,   por   la   decoración.   Característico  de  Horta  son  sus  diseños  de  escaleras,  donde  se  hace  presente  su  pasión  por  los  arabescos  y  las   líneas  sinuosas.  Asimismo,  concedía  gran  importancia  a  las  fachadas,  de  gran  elegancia  y  en  las  que  no  solían   faltar  los  miradores.  En  Horta,  las  formas  florales  eran  algo  más  que  un  ornamento  adicional,  eran  elementos   estilísticos  que  transformaban  el  edificio,  buscando  dinamismo  y  belleza.   Formado  en  París  y  en  la  Academia  de  Bruselas,  su  primera  obra  netamente  modernista  y  uno  de  los  primeros   edificios  de  ese  estilo  en  Europa,  fue  la  casa  del  profesor  Paul-­‐Émile  Tassel  (c.1892).  La  distribución  interior  de   esta  vivienda  era  completamente  novedosa:  los  pasillos  y  las  habitaciones  se  fundían  produciendo  la  sensación   de   una   absoluta   fluidez   espacial.   Presentaba   mosaicos   en   el   suelo   también   inspirados   en   formas   florales.   La   lujosa  casa  Solvay  (1895-­‐1900)  o  su  propia  vivienda4 ,  hoy  Museo  Horta,  son  también  relevantes  ejemplos  de  la   arquitectura  Art  Nouveau  bruselense.  Desgraciadamente  una  de  sus  obras  más  interesantes,  la  Casa  del  Pueblo,   de  1897,  fue  derruida  en  1966.    Según  John  Pile,  Víctor  Horta,  aunque  tuvo  una  larga  y  exitosa  carrera,  no  acabó   de  desarrollar  todo  el  potencial  enorme  que  llevaba  en  sus  primeras  obras.               Henri   VAN   DE   VELDE   (1863-­‐1957)   fue   la   otra   gran   personalidad   del   Art   Nouveau   belga.   Pintor,   arquitecto,   diseñador  y  teórico  de  las  artes,  ejerció  mucha  influencia  en  la  Europa  de  su  época.  En  1895  diseñó  todos  los   elementos   de   su   propia   casa,   desde   el   edificio   hasta   los   muebles.   Demostraba   así,   una   adhesión   a   la   idea,   típicamente  finisecular,  de  la  “obra  de  arte  total”:  gesamtkunstwerk.     4  Presenta  una  fachada  asimétrica  con  grandes  ventanas  de  cristal  y  balcones  de  hierros.  Diseñó  cada  detalle  desde  los  muebles,  hasta  las  lámparas,  los   marcos  de  puertas  y  las  ventanas.  
  5. 5. 5 FRANCIA     En  Francia  se  produce  una  combinación  de  las  distintas  tendencias  Art  Nouveau,  en  especial  la  influencia  de  la   escuela  belga  –más  en  sintonía  con  el  gusto  neorrococó  de  la  burguesía  francesa-­‐.     En  el  modernismo  francés  descuellan  los  ejemplos  de  París  y  Nancy.  Héctor  GUIMARD  (1867-­‐1942)  es  el  principal   representante  del  Art  Nouveau    del  país  galo  con  sus  célebres  bocas  del  Metro  parisinas.  La  intención  de  Guimard   era  embellecer  la  ciudad  industrial  sin  modificar  el  trazado  urbano  a  través  de  motivos  ornamentales  curvilíneos   que   aplica   en   el   cristal   y   el   hierro.   Como   curiosidad   hay   que   destacar   que   en   Montreal   (Canadá)   hay   algunas   estaciones  de  metro  que  imitan  las  de  Guimard  de  París,  del  mismo  modo  que  su  catedral  de  Notre-­‐Dame  se   inspira   en   la   barroca   basílica   de   San   Pedro   del   Vaticano.   A   Guimard   se   le   debe   también   la   realización   de   la   bellísima  escalera  de  los  grandes  almacenes  Lafayette  (1900)  de  la  capital  francesa.     AUSTRIA     En  Viena  el  movimiento  modernista  es  de  una  gran  originalidad  y  tiende,  no  solo  hacia  formas  ondulantes  sino   geométricas  dentro  de  un  gran  esteticismo.     La  vertiente  austriaca  del  Modernismo  surgió  en  1897  y  se  denomina  Secesión  vienesa5 .  Fue  una  asociación  de     pintores,  escultores,    arquitectos  y  diseñadores  que  reaccionaron  contra  el  academicismo  imperante  y  apostaron   por  un  arte  nuevo.  Entre  los  artistas  vinculados  a  este  movimiento  cultural    sobresalen  Gustav  Klimt,  Koloman   Moser,  Hoffmann  y  Olbrich.  Preconizaban  la  idea  del  arte  total.  La  revista  oficial  de  este  grupo  se  llamaba  Ver   Sacrum.                         Los  máximos  representantes  de  la  arquitectura  modernista  vienesa  fueron  Otto  WAGNER  (1841-­‐1918)  y  Joseph   María  OLBRICH  (1867-­‐1908).     Otto  Wagner  realizó  las  estaciones  de  Metro  de  la  Karlsplatz  vienesa  (1898)  con  su  estructura  de  metal  curvado   que   enmarca   paneles   florales   o   en   la   llamada   Majolikahaus   (1898),   bloque   de   viviendas   que   presentan   la   fascinación   por   lo   curvilíneo   en   los   balcones   e   hiperdecorativos   motivos   vegetales   realizados   en   placas   de   cerámica  mayólica.  Olbrich,  discípulo  de  Otto  Wagner,  realizó  la  sede  de  la  Secesión,  sala  de  exposiciones  de   este  grupo  (1898-­‐1899)  en  Viena,  uno  de  los  edificios  más  emblemáticos  de  ese  estilo.  En  este  bellísimo  edificio,   donde  se  puede  leer  en  la  entrada  el  lema  del  grupo  “a  cada  época  su  arte,  al  arte  la  libertad”,  destaca  una   cúpula   metálica   calada   con   motivos   ornamentales   florales   simulando   un   seto   vegetal.   Entre   los   motivos   decorativos  del  edificio  hallamos  cabezas  de  gorgonas  que  simbolizan  la  pintura,  la  escultura  y  la  arquitectura.   También  encontramos  tres  lechuzas  alusivos  a  la  diosa  Atenea,  referente  de  sabiduria  y  de  protección  a  las  artes.   5  La  Secesión  Vienesa  estuvo  precedida  por  la  Secesión  de  Berlín  y  de  Múnich,  movimientos  artísticos  similares  que  se  difundieron  en  la  Alemania  fin  de  siglo.  
  6. 6. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   6 En  el  interior  del  edificio  se  conserva  el  friso  de  Beethoven  realizado  por  Klimt.  La  belleza  cúbica  y  limpia  de  los   volúmenes  anticipa  las  composiciones  de  los  protorracionalistas.     El  arquitecto  vienés  Joseph  Hoffmann  diseñó  el  Palacio  Stoclet  de  Bruselas  (1905-­‐11)  para  un  rico  coleccionista  de   obras  de  arte.  No  era  una  simple  mansión  lujosa  sino  una  especie  de  museo,  un  templo  dedicado  a  la  creación.  En   el  interior  hay  muebles  exquisitos  y  murales  de  Gustav  Klimt,  que  fue  el  pintor  más  importante  de  la  Secesión.                                                   ESCOCIA  (Reino  Unido)     Otro  foco  de  gran  interés  de  la  arquitectura  modernista,  pero  con  un  lenguaje  propio,  que  enfatiza  lo  geométrico,   lo  encontramos  en  Glasgow  de  la  mano  del  arquitecto  y  diseñador  escocés  Charles  Rennie  MACKINTOSH.     Fue  uno  de  los  grandes  arquitectos  y  diseñadores  de  todos  los  tiempos  de  todos  los  tiempos.  Fue  considerado   por  Nicolás  Pevsner  como  uno  de  los  pioneros  del  diseño  moderno.     Fue  un  artista  muy  completo  y  diseñó  todo  tipo  de  objetos  domésticos,  desde  cubertería  hasta  telas,  vidrios,   trescientos   muebles,   relojes,   fue   pintor   de   paisajes…   En   su   obra   fue   esencial   la   colaboración   de   su   mujer   Margaret,  incluso  de  su  cuñada  Frances.                                                                                      
  7. 7. 7 De  su  esposa  dijo  que  “Margaret  es  un  genio,  yo  sólo  tengo  talento”.  Junto  con  otro  diseñador  Herbert  MacNair   y  las  hermanas  Macdonald  formaron  el  grupo  de  los  Cuatro,  The  Four.  Expusieron  en  Múnich,  Budapest,  Dresde,   Venecia,  Moscú.  Influirán  en  el  Modernismo  alemán,  austriaco,  etc.     Su  obra  esencial  es  la  Escuela  de  Arte  de  Glasgow  (1898-­‐1909)  pero  luego  sus  encargos  disminuyeron  entre  otros   motivos  por  la  crisis  económica  que  Glasgow  sufrió  hacia  1910.  Mackintosh  decidió  trasladarse  a  Londres  en  1915   y  allí  acabó  solo,  pobre  y  alcoholizado  dedicándose  a  pintar  paisajes.  Fue  una  estrella  fugaz.  En  sus  diseños  se   han  señalado  influencias  japonesas,  también  celtas.  Entre  sus  obras  destaca  Hill  House  (Escocia,  1902-­‐3),  el  tea   room  de  Miss  Cranston  en  Glasgow,  The  House  for  an  Art  Lover,  etc.     ESPAÑA     Antonio  GAUDÍ  ,  el  genio  del  Modernismo  catalán     BARCELONA  fue  una  de  las  principales  ciudades  vinculadas  al  Modernismo.  Allí  encontraríamos  a  los  mejores   arquitectos  de  este  movimiento,  como  José  Puig  i  Cadafalch  (1867-­‐1956),  que  siguió  la  tradición  neogótica  o  Luis   Domènech   i   Montaner   (1850-­‐1923),   que   fue,   sin   embargo,   más   innovador   (su   obra   cumbre   fue   el   maravilloso   Palau  de  la  Música  Catalana  de  Barcelona).                     Pero  ningún  arquitecto  de  su  generación  puede  compararse  al  catalán  Antonio  GAUDÍ  (1852-­‐1926).  Gaudí  suele   ser  considerado  el  gran  maestro  del  modernismo  catalán,  pero  su  obra  va  más  allá  de  cualquier  estilo  o  intento   de  clasificación,  es  una  obra  personal  e  imaginativa  que  encuentra  su  principal  inspiración  en  la  naturaleza.  Es   una  de  las  figuras  más  importantes  de  la  arquitectura  universal.  Gaudí  se  inspiraba  en  la  naturaleza  para  llevar  a   cabo  sus  obras  (células  orgánicas,  ramificaciones  de  los  árboles,  los  huesos  y  tendones  animales,  las  escamas  de   los  peces  y  reptiles,  las  rocas,  etc.).  También  se  hace  presente  en  él  la  influencia  de  diversos  estilos  artísticos   como   el   arte   barroco   o   el   gótico   y   la   presencia   de   constantes   referencias   religiosas.   Los   exteriores   de   sus   edificios  se  mueven  en  poderosas  ondulaciones.  Fue  un  verdadero  genio,  muy  creativo,  innovador  y  original.  Ha   sido  comparado  con  Borromini.    Tuvo  una  salud  frágil  y  políticamente  era  cercano  al  catalanismo.   En  vida  contó  con  el  apoyo  y  la  amistad  de  grandes  mecenas  como  Eusebio  Güell,  el  marqués  de  Comillas  o  Pedro   Milá.  Gaudí  fue  además  un  consumado  diseñador  de  muebles  (sillas,  armarios,  etc.)  y  valoraba  muchísimo  todos   los  detalles  ornamentales  en  su  arquitectura.  Su  fortuna  crítica  ha  sido  variable.  En  vida  tuvo  un  gran  renombre,   aunque  algunos  de  sus  proyectos  como  el  Parque  Güell  fueron  un  fracaso  crematístico.  Pero  en  los  inicios  del   siglo   XX   recibiría   los   embates   de   los   arquitectos   vanguardistas,   ligados   al   funcionalismo   y   al   Movimiento   Moderno  que  rechazaban  el  estilo  decorativo  y  burgués  del  Modernismo  y  por  ende,  de  Gaudí.  Sin  embargo,  hoy   en  día  es  muy  valorado  y  millones  de  turistas  de  todo  el  mundo  visitan  sus  obras.   Murió  atropellado  por  un  tranvía  en  Barcelona.  Por  su  aspecto  de  mendigo  tardaron  en  darse  cuenta  que  se   trataba  del  genial  arquitecto.      
  8. 8. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   8                             Sintetizando  mucho,  podemos  diferenciar  dos   etapas  en  su  obra:  durante  la  primera,  muy  influida  aún  por  el   historicismo   contemporáneo,   construye   edificios   con   abundantes   referencias   neomudéjares   y   neogóticas.   La   obra  maestra  de  esta  etapa  es  el  Palacio  Güell  (1885-­‐1889),  notable  por  la  cúpula  central  y  por  la  terraza,  poblada   por  un  conjunto  fantástico  de  formas  geométricas  y  naturalistas.   La  segunda  fase  es  mucho  más  personal,  aunque  acusa  la  influencia  de  las  formas  curvilíneas  del  Art  Nouveau     franco-­‐belga.  La  obsesión  de  Gaudí  por  imitar  las  formas  y  los  procesos  de  la  naturaleza  se  nota  especialmente   en  el  Parque  Güell  (1900-­‐1913),  que  se  concibió  como  una  urbanización  de  lujo  en  una  finca  con  fuerte  pendiente.                                           La  arquitectura  y  la  escultura  se  funden  en  este  parque  con  las  formas  naturales.     Gaudí  era  un  hombre  muy  religioso  y  su  honda  religiosidad  se  hace  presente  en  casi  todas  las  obras  de  este   último  período.     La  Casa  Batlló  (1904-­‐1906)  fue  cubierta  con  un  tejado  de  escamas  verdosas,  como  si  fuera  un  dragón  gigantesco   a  punto  de  ser  abatido  por  la  cruz  de  elementos  florales  que  hay  sobre  un  pequeño  torreón.  Esta  escondida   lección  moral  y  religiosa  es  comparable  a  la  de  la  vecina  CASA  MILÁ,  (también  conocida  como  LA  PEDRERA,  1906-­‐ 1912),  en  la  que  se  evocó  a  Montserrat,  la  montaña  sagrada  de  Cataluña.     Otras  obras  destacadas  de  Gaudí  fueron  la  iglesia  de  la  Sagrada  Familia    en  Barcelona,  el  edificio  del  Capricho  en   Comillas  (Cantabria)  o  el  Palacio  Episcopal  de  Astorga  (Castilla  y  León)  y  la  Casa  de  los  Botines  de  León.   La  CASA  MILÀ,  llamada  popularmente  LA  PEDRERA6  (pedrera,  en  catalán,  significa  cantera),  fue  realizada  por   Gaudí  entre  los  años  1906  y  1910  en  la  cosmopolita  calle  barcelonesa  del  Paseo  de  Gracia.  La  casa  fue  un  encargo   de   P.   Milá,   quien   al   contemplar   la   belleza   de   la   Casa   Batlló   quedó   maravillado   y   por   eso   encargó   a   Gaudí   la   realización  de  este  edificio.  El  proyecto  debería  contemplar  además  áticos,  cocheras,  cuadras  para  caballos  y  un   estacionamiento   subterráneo   para   automóviles   (uno   de   los   primeros   en   construirse   en   Europa).   Para   la   construcción  de  la  casa  Gaudí  contó  con  la  cercana  participación  de  varios  colaboradores  (artesanos  de  la  forja,   estucadores,  etc.)  buscando  crear  la  obra  de  “arte  total”  como  era  habitual  en  los  modernistas.  Posee  un  total   de   seis   plantas   y   la   azotea,   así   como   los   dos   grandes   patios   interiores,   uno   circular   y   el   otro   ovalado,   comunicados   entre   si.   Se   trata   en   realidad   de   un   edifico   dual,   es   decir   dos   edificios   unidos   en   los   que   los   elementos   arquitectónicos   se   relacionan   entre   sí.   Además   de   la   residencia   de   los   Milá   que   ocupaba   todo   el   segundo  nivel,  cada  piso  estaba  compuesto  de  cuatro  apartamentos.  Las  habitaciones  se  organizan  alrededor  de   dos  patios  que  las  dotan  de  iluminación  y  ventilación.  Por  tanto,  cada  apartamento  gozaba  de  vista  tanto  a  la   6  La  denominación  de  La  Pedrera  (La  Cantera)  surgió  con  carácter  despectivo.  
  9. 9. 9 calle  como  hacia  el  patio  interior.  Por  lo  que  se  refiere  a  la  fachada,  es  un  muro  cortina  que  envuelve  la  estructura   principal.   Gaudí   aprovechó   esta   ubicación   en   chaflán   para   plantear   una   impresionante   fachada   ondulante   recubierta   en   piedra,   en   las   que   su   ubican   con   libertad   grandes   ventanas.   Toda   la   fachada   está   realizada   en   piedra   natural,   salvo   la   parte   superior   que   está   cubierta   de   azulejos   blancos,   cuya   combinación   evoca   una   montaña  nevada.  La  libertad  con  la  que  se  desenvuelve  la  fachada  con  respecto  a  la  estructura  es  una  referencia   de  Gaudí  de  la  piel  cubriendo  el  esqueleto.  El  bellísimo  hierro  forjado  de  los  balcones  simula  plantas  trepadoras.           Es  un  ejemplo  paradigmático  de  arquitectura  escultórica.     La  azotea-­‐terraza  es  de  una  fantasía  exuberante,  las  chimeneas  presentan  formas  que  recuerdan  guerreros,  y   componen  un  bosque  de  figuras  que  sorprende  por  su  variedad  y  el  vanguardismo  de  las  formas.  Gaudí  decía  que   si   el   humo   sube   retorciéndose,   se   le   ayudaba   en   su   salida   dándole   a   las   chimeneas   forma   helicoidal.   Algunas   chimeneas  están  decoradas  con  trozos  de  vidrio  y  cerámica,  es  decir,  trencadís   como  los  que  aparecen  en  el   Parque  Güell.  El  acceso  a  la  azotea  es  mediante  ocho  escaleras  de  caracol  que  están  decoradas  exteriormente   con  fragmentos  de  baldosas  de  mármol.  Esta  forma  de  recubrimiento  le  permitía  adaptarlo  a  las  formas  curvas   que  surgían  de  su  fantasía.     La  casa  Milá  fue  la  última  obra  civil  ejecutada  por  Gaudí,  antes  de  centrarse  de  lleno  en  el  desarrollo  de  la  iglesia   de   la   Sagrada   Familia.   Se   ha   considerado   esta   obra   como   un   juego,   un   experimento   estético   modernista   hiperdecorativo  pero  un  tanto  incómodo  para  vivir  dado  el  carácter  ondulante  de  paredes,  techos,  etc.  Esta  obra     no  estuvo  exenta  de  polémica.  Algunos  dibujos  publicados  por  la  prensa  la  ridiculizaron  como  un  garaje  para   dirigibles  o  como  una  mona  de  Pascua.  Llegó  a  ser  definida  como  “aberrante”.  La  construcción  de  este  edificio   provocó   varios   problemas   administrativos   al   sobrepasar   sus   medidas   a   las   establecidas   por   las   Ordenanzas   Municipales.  El  reconocimiento  por  parte  del  Ayuntamiento  del  edificio  como  obra  de  interés  artístico,  justificó   su  no  sujeción  a  las  normas.                                               El  MODERNISMO  en  CANARIAS.  NÉSTOR  modernista     En   Canarias,   desde   mediados   del   siglo   XIX   predominaron   los   eclecticismos   e   historicismos   arquitectónicos.   A   inicios  del  siglo  XX  se  impuso  el  estilo  decorativo  del  Modernismo,  que  se  expandió  por  amplias  zonas  de  la  calle   Triana  y  Perojo,  en  Las  Palmas  de  Gran  Canaria,  así  como  en  el  Barrio  de  los  Hoteles,  en  Santa  Cruz  de  Tenerife.   Los  principales  arquitectos  modernistas  canarios  fueron  Estanga,  Pintor  y  Pisaca.  En  general  fue  el  triunfo  de  un  
  10. 10. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   10 Modernismo   epidérmico   de   viva   policromía   que   enfatiza   los   motivos   ornamentales   de   las   fachadas   de   los   edificios  más  que  propiamente  las  estructuras  arquitectónicas.                           Uno  de  los  máximos  exponentes  del  Modernismo  en  la  capital  grancanaria  es  el  palacete  del  Gabinete  Literario,   en  la  céntrica  Alameda  de  Colón,  obra  del  arquitecto  López  Echegarreta  y  en  Santa  Cruz  de  Tenerife  descuella  el   palacio  Martí  Dehesa.  Fechado  a  inicios  del  siglo  pasado,  durante  años  fue  la  sede  de  la  Presidencia  del  Gobierno   de  Canarias.  En  su  interior  presenta  un  comedor  semicircular  con  ventanas  cubiertas  con  vidrieras,  una  escalera   que   recuerda   a   la   tipología   “golpe   de   látigo”de   Horta;   lámparas,   candelabros   y   mosaicos   de   claro   estilo   Art   Nouveau.     NÉSTOR   MÁRTÍN   FERNÁNDEZ   DE   LA   TORRE   (1887-­‐1938)   es   uno   de   los   principales   pintores   modernistas-­‐ simbolistas  españoles.  Nació  en  Las  Palmas  de  Gran  Canaria  en  el  seno  de  una  familia  burguesa  con  inquietudes   culturales  que  le  inculcó  el  amor  por  el  arte,  la  música  y  la  literatura7 .  Estudió  en  el  Colegio  San  Agustín,  como  en   su  día  hiciera  Benito  Pérez  Galdós  o  Tomás  Morales.                         Aficionado   a   la   pintura   desde   niño,   fue   un   artista   polifacético   que   no   se   conformó   solo   con   pintar:   realizó   ilustraciones,  grabados,  escenografías  de  ópera,  ballet,  teatro  y  zarzuelas;  diseños  de  vestuario  y  artes  textiles;   diseños  publicitarios,  gráficos,  de  joyas  etc.                   7 Su  tío  fue  el  barítono  Néstor  de  la  Torre,  su  primo  el  escritor  Claudio  de  la  Torre  y  su  hermano  Miguel  llegaría  a  ser  un  gran  arquitecto  vinculado  al   racionalismo  y  funcionalismo.  
  11. 11. 11 Todo  un  dandy  y  un  esteta  exquisito,  heredero  en  muchos  rasgos  del  Romanticismo,  su  lema  era  “es  necesario   hacer  de  toda  la  vida  una  obra  de  arte”.  Su  pintura  Epitalamio,  también  llamada  Las  bodas  del  joven  Néstor  es  una   de  las  obras  seminales  del  Modernismo-­‐Simbolismo  español  y  todo  un  manifiesto  de  su  ideario  estético:  el  pintor   se  autorretrata  como  un  príncipe  a  lo  Oscar  Wilde,  de  una  belleza  idealizada,  que  se  desposa  con  la  belleza  y  el   arte  representada  por  la  figura  femenina  elegantemente  vestida.     Las   referencias   mitológicas,   musicales   y   literarias   abundan   en   su   pintura   como   en   las   obras   Adagio,   El   niño   arquero  o  Hércules  y  la  tumba  del  Pirene  (inspirado  este  último  en  el  poema  La  Atlántida  de  Verdaguer).     Su   ideario   estético   cabe   adscribirlo   al   Modernismo-­‐Simbolismo,   pero   en   sus   inicios   tuvo   influencias   impresionistas   –como   se   observa   en   Calle   Mayor   de   Madrid-­‐,   del   Arts   &   Crafts   -­‐la   Hermana   de   las   Rosas-­‐.   Fue   evolucionando  hacia  formas  cercanas  al  Art  Déco  –en  especial  en  sus  retratos  como  el  de  Madame  Bocher;  Señora   Moss  y  sus  hijas-­‐  y  al  arte  de  vanguardia  (Cubismo)  como  se  aprecia  en  algunas  de  sus  escenografías,  entre  lo   mejor   de   su   producción:   impresionantes   el   Amor   Brujo   (Falla),   El   fandango   del   candil   (Gustavo   Durán);   Triana   (Albéniz),  etc.   Cosmopolita   y   viajero,   se   formó   en   la   Academia   de   Bellas   Artes   de   Madrid   con   pintores   de   la   talla   de   Rafael   Hidalgo  de  Caviedes  y  vivió  temporadas  en  Las  Palmas  de  Gran  Canaria,  Madrid,  Barcelona  y  París.  En  París  tuvo   una  rica  clientela  de  origen  sudamericano  a  la  que  retrató  dentro  de  sus  parámetros  esteticistas  e  idealizados.     Miguel  Ángel  Buonarroti  y  el  Renacimiento  fueron  dos  de  sus  referentes  estéticos  esenciales.   Conoció  el  mundo  del  teatro  gracias  a  su  tío  el  barítono  Néstor  de  la  Torre.  Escribió  un  opúsculo  sobre  “El  traje   en  el  teatro”.                                 En  sus  diseños  para  espectáculos  se  dejó  influir  por  el  escenógrafo  León  Bakst  en  particular  por  los  trabajos  que   ese  artista  realizó  para  los  Ballets  Rusos  de  Diaghilev.  Conoció  a  lo  más  granado  de  los  pintores,  escritores  y   músicos   de   su   época   –Dalí,   Benjamín   Palencia,   Valle   -­‐Inclán,   Federico   García   Lorca,   Alberti,   Joaquín   Rodrigo,   Enrique   Granados,   Gustavo   Durán,   etc.   y   trabajó   para   los   mejores   cantantes   de   ópera   y   las   más   célebres   bailarinas  de  las  primeras  décadas  del  siglo  XX.     Nunca   se   insistirá   lo   bastante   en   la   importancia   de   Néstor   como   escenógrafo   y   diseñador   de   vestuario.   Sus   producciones   se   estrenaron   internacionalmente   cosechando,   por   lo   general,   grandes   éxitos:   en   Hamburgo8 ,   París,  Londres,  Barcelona,  Madrid,  Las  Palmas  de  Gran  Canaria,  etc.               8  Véase  por  ejemplo,  el  gran  éxito  internacional  del  ballet  “El  fandango  del  candil”:  http://www.albidanza.com/single-­‐post/2016/03/06/En-­‐torno-­‐al-­‐ballet-­‐El-­‐ fandango-­‐del-­‐Candil  
  12. 12. Fundamentos  del  Arte  II                                                                                              Profesora  Ana  Galván  Romarate-­‐Zabala   12                             Concedía  gran  importancia  a  las  joyas  y  a  la  indumentaria  en  sus  pinturas.  Como  retratista,  destacó  con  desigual   fortuna,  aunque  algunos  de  sus  retratos  son  formidables  como  el  del  torero  Joselito,  el  de  los  músicos  Gustavo   Durán  y  Enrique  Granados  o  sus  majas  y  manolas.   Posiblemente  las  obras  más  conocidas  de  Néstor  sean  el  Poema  del  Mar  y  el  Poema  de  la  Tierra,  quedando  ésta   última   inconclusa   por   la   temprana   muerte   del   artista.   Estas   series   son   una   parte   del   ambicioso   Poema   de   los   Elementos,  un  homenaje  a  la  naturaleza  canaria.                                                                                                     Ningún  artista  canario  se  había  atrevido  a  pintar  tan  extraordinarias  decoraciones  murales.  Otros  ejemplos  se   pueden  contemplar  en  el  Teatro  Pérez  Galdós  de  Las  Palmas  o  en  el  Casino  de  Santa  Cruz  de  Tenerife.  El  “tipismo”   fue  la  apuesta  de  Néstor  por  transmitir  en  diseños  arquitectónicos,  publicitarios  y  textiles  un  neoestilo  canario   imaginativo  y  muy  criticado.   Murió  en  1938  de  una  pulmonía  en  su  ciudad  natal  y  su  entierro  fue  apoteósico.  Parte  de  su  producción  artística   se  conserva  en  el  delicioso  Museo  Néstor  de  Las  Palmas  de  Gran  Canaria.   Más   información   y   una   actividad   sobre   Néstor   en   http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2016/11/actividad-­‐ proyecto-­‐museo-­‐nestor.html          

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